BODY ART
Formas de arte Procesual
II
BODY ART
• “El cuerpo ofrece un poderoso medio para
explorar un amplio espectro de temas,
entre los que se encuentran la identidad,
la lucha entre los sexos, la sexualidad, la
enfermedad, la muerte y la violencia.
• La obras van desde el exhibicionismo
masoquista hasta las celebraciones
colectivas, desde la crítica social hasta el
humor”
Body Art
• Se presenta en la escena artística a finales de los años
sesenta tanto en Europa como en Estados Unidos de
Norteamérica. En el primer continente se utilizó el
cuerpo objetualmente y sus manifestaciones artísticas
quedaron testimoniadas en fotografías, notas y
dibujos, por decirlo así, “documentos estáticos”
• Antecedentes:
• Pintura y escultura: Yves Klein, Piero Manzoni.
• Happening: Grupo Gutai, Allan Kaprow, John Cage,
George Brecht, Wolff Vostell y acciones de Fluxus.
• Literatura: Antonin Artaud, Georges Bataille.
• Teatro: Bertolt Brecht, Pierre Guyotat y su Living
Theatre fundado en 1951.
Yves Klein (Niza, 1928-París, 1962)
• Obra: Antropometrías (pinturas corporales) como la
realizada en la Galerie Internationale dÁrt
Contemporain de París en 1960.
• El artista pretendía eliminar la imagen del artista
como único protagonista de sus acciones corporales.
• Ultiliza un intenso azul ultramar, al que llamó IKB
(International Klein Blue).
• Klein estaba obsesionado por la esencia inmaterial del
arte y por el vacío (basado en las teorías de Gaston
Bachelard) y esta tesis la concreta en la obra ¡Le
peintre de l´espace se jette dans le vide! U Obsession
de la lévitation en 1960.
Piero Manzoni (Soncino, 1934- Milán, 1963)
• En sus esculturas vivientes (1961) al firmar con color
rojo significaba que confería el certificado de
autenticidad de obra de arte total hasta la muerte al
cuerpo de la persona firmada.
• Si firmaba con color amarillo significaba que sólo
confería de obra de arte a la parte del cuerpo firmada.
• Otros de sus trabajos son las llamadas Bases Mágicas
efectuadas en la galería La Tartaruga de Roma (1961) y
“Merda d’artista” del mismo año y que vendía por
gramos a un precio basado en la cotización del oro.
El Accionismo Vienés (Wiener Aktiongruppe)
1965-1968
• Sus objetivos consistían en reaccionar contra el
expresionismo abstracto norteamericano y sus
derivaciones utilizando su cuerpo como soporte y
material de la obra de arte, un cuerpo que podía
ser degradado, envilecido e incluso mancillado en
un proceso de “política de las experiencias”.
• En 1968 se disuelve el grupo tras la acción
colectiva denominada Kunst un Revolution
realizada en la Universidad de Viena en 1968.
Hermann Nitsch (Viena, 1938)
• Temática: Relaciones e interferencias entre religión y sexualidad.
• Obras: Orgien Mysterien Theatre: El artista y los demás oficiantes,
ataviados con hábitos religiosos, se bañaban con sangre y retozaban entre
entrañas y excrementos para patentizar las frustraciones humanas
causadas por los tabués y las represiones sexuales, la sangre de los
corderos recolectada en cubos y la exaltación de los órganos genitales se
entendían como medios de catarsis y de regeneración en estas acciones
rituales.
• La más significativa de estas prácticas consideradas “obra de arte total” se
llevó a cabo en el castillo de Prizendorf (1975). Mexcla de pintura
abstracta, escritura, dibujo, collage, objetos encontrados y música.
• “El arte es un medio de enamorarse perdida e intensamente de la vida y
debe intensificarse hasta el más descarado exhibicionismo que deriva de
los sacrificios. Soy expresión de todas las culpas y las libidos del mundo.
Quiero reconocerme en el júbilo de la resurrección. Quiero liberar a la
humanidad de sus instintos bestiales” Nitsch.
Otto Muehl (Grodnau, 1925)
• A partir de 1964 su producción se centra en el accionismo
vienés.
• Le interesa primordialmente las relaciones sexuales entre
cuerpos femeninos y la utilización de los materiales más
diversos Materialaktion (1965) así como la “acción política”
enraizada en la historia y tradiciones de su país.
• Tuvo una importante participación en Kunst un Revolution.
• En 1967 firmó junto con Oscar Wiener el manifiesto Zock,
un “programa ideológico de restructuración social”.
• El 7 de junio de 1968 en el Neues Institutgebaûde de la
Universidad de Viena, los accionistas vieneses hicieron una
crítica mordaz y burla acérrima de los símbolos del Estado,
lanzaron insultos contra el recién asesinado Robert
Kennedy y practicaron públicamente el onanismo y el
masoquismo.
Rudolph Schwarzkogler (Viena 1940-íd., 1969)
• El arte es el purgatorio de los sentidos según la
concepción de este artista.
• Sus acciones eran simulaciones de actos sexuales,
agresiones físicas, procesos de autocastración y
travestismo muy bien calculadas alejadas de la
idea de catarsis y más bien con un carácter
simbólico. Contiene una dramaturgia muy
efectista y equilibrada belleza.
• Sus acciones sólo fueron seis entre los años de
1965- 1966 y las realizó ante un público pequeño.
Arnulf Rainier (Baden, 1929)
• Inicialmente se ligó al surrealismo y a la arquitectura y en 1950
formó el Hundsgruppe.
• Realiza una reflexión sobre el lenguaje del cuerpo y la muestra en
una serie de fotografías de su cuerpo, especialmente de su rostro,
imitando los gestos y muecas anticulturales y primitivistas de los
enfermos mentales, fotografías sobre las cuales, en una segunda
fase, pinta gestualmente pretendiendo liberar su subconsciente
mitopoético al margen de todo apriorismo, imposición o censura,
para reproducirse: “como era, cómo soy, como seré, como podría
ser”.
• La voluntad de hacer del arte una investigación antropológica le
lleva a realizar obras como Farce Faces (1969-1975) en las que, a
través de un estudio de su fisonomía torturada y flagelada, analiza
las tensiones de su entorno, para descubrir las personalidades
desconocidas que anidan en su subconsciente.
• Body Art en Estados Unidos
•
Le dan mayor importancia a la acción y al
performance, a la temporalidad y al nivel
pragmático que producen los mismos.
• El testimonio de los mismos están presentes
en filmes y vídeos.
• Los artistas norteamericanos partieron por lo
común de conceptos de creación artística
próximos al minimal y al conceptual por ello
se les denomina también conceptual
performers o minimal performers.
Vito Acconci (Nueva York, 1940)
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Tiene una formación literaria por lo en su propuesta fue metamorfoseando poco a
poco las lecturas de sus poemas en acciones, no le interesa tanto la significación
de las palabras como su disposición en la página carga energética y su valor
sintáctico hasta que abandona la página como campo de acción.
A partir de 1969, V. Acconci empieza a trabajar en el espacio concreto, a la manera
de página en blanco en el que las palabras son sustituidas por los movimientos y
acciones de su cuerpo que son registradas primero por medio de fotografías y
después por filmes.
El artista pretende que su cuerpo se convierta en el lugar sobre el que puede
intervenir, muestra de ello esta Trademarks (1971) llamada así debido a que V.
Acconci muerde las partes del cuerpo que se alcanza y luego aplica en las huellas
tinta negra para imprimir las huellas-dolor en una superficie de papel.
Se presentaba en una exposición como objeto y no como ser humano y
posteriormente experimenta con la idea de cambio y modificación de situaciones,
a lo que denomina: “no acción”. En esta segunda fase sus respuestas físicas se
producen a consecuencia de una necesidad psicológica como en la obra
Conversions (1971), un filme en super 8 mm de 72 minutos en el cual el artista en
tres diferentes fases (Conversions, I, II y III) cambia de sexo por medio de
sofisticados recursos multimedia (luz, sonido, etc.) y el ambiguo simbolismo de las
cosas.
Otra de sus obras son Seed Bed (Sonnabend Gallery, Nueva York, 1972) en la que
simula masturbarse (ocasionalmente lo hace) durante ocho horas al día mientras
profiere sonidos inarticulados que se transmiten por altavoz al interior de la
galería. Dichos sonidos o su voz no actúan como meras referencias sensitivas o de
acción sino que buscan reivindicar otras formas de diálogo y de encuentro.
Dennis Oppenheim
• Se inicia en 1969 en el Body Art y al igual que Vito Acconci y B.
Nauman considera el cuerpo humano una entidad cultural, al
margen de consideraciones biológicas o excesivamente
subjetivistas, trabaja sobre su propio cuerpo o en otros activando
experiencias de transmisión sensorial, lo que le interesa son los
valores pictóricos que obtiene en el cuerpo humano tales como
color, dibujo, fondo-figura y en el que no está exento de infligir
dolor dada la vulnerabilidad propia del mismo como lo constata su
performance Reading Position for Second Degree Burn (1970) ;
también investiga sobre los procesos que alteran su cuerpo y a el
mismo sin dejar una huella evidente: Stills from Gingerbread Man
(1970-1971).
• Interesante también resulta sus denominadas transacciones donde
Oppenheim establece una reflexión simbólica a través del cambio
de energía con otros cuerpos: Two-Stage Transfer Drawing. I
Returning to a Past State. II Advancing to a Future State (1971).
• En 1974 trabaja con posperformances, es decir, no trabaja ya sobre
su el cuerpo y lo reemplaza por esculturas-marionetas en las que
simula sus acciones corporales: Attempt to Raise Hell (1974)
Bruce Nauman
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Sus contribuciones comienzan en 1966 en el body art por medio de performances en su
cuerpo y de los cuales hay fotografía, video y filme.
Algunas de sus obras son Eleven Color Photographs (196-1967/1970)en las que Nauman se
presenta en situaciones fuera de lo normal generando una serie de dislocaciones entre las
imágenes y los títulos que les pone y para lo cual toma como referencia al escritor irlandés
Samuel Becket, al escritor y director de cine francés Alain Robbe-Grillet (el cual afirma que
para leer o mirar se requiere de adentrarse en un laberinto en el que la imaginación de quien
realiza la acción debe estar continuamente activa para dar sentido a lo que ve) y al filósofo
austríaco L. Wittgenstein.
Otras obras importantes son: Feet of Clay (Pies de arcilla) fotografía tomada desde arriba de
dos pies cubiertos de arcilla; Waxing Hot (Encerando en caliente) imagen en la que el artista
con sus dos manos encera tres letras rojas (una H, una O, y una T) de tal forma que esta
dando brillo a lo “caliente” y a lo “calentado”, y Self-Portrait as a Fountain (Autorretrato a la
manera de Fuente) donde aparece ilustrando la frase: “El verdadero artista es una asombrosa
fuente luminosa”.
A partir de 1969 traslada las experiencias de su cuerpo al comportamiento del contemplador
en sus trabajos intitulados Project Works. En Performance Corridor (Corredor para
performance, 1968-1970) presentada por primera vez en el Whitney Museum of American
Art de Nueva York entre mayo-julio de 1969 en la muestra Anti-Illusion:
Procedures/Materials, Nauman coloca un monitor de televisión que funcionaba a la manera
de falso espejo electrónico situado en el fondo de un pasillo (que no eran otra cosa que dos
paredes de madera de 6 m de largo, 3,6 de alto y 0,5 m de ancho) y en el cual se presentaba
la imagen diferida del propio artista que con anterioridad había recorrido el mismo pasillo
que ahora recorría a su vez el público, buscando la implicación controlada de éste (ya que en
realidad no se producía una interacción o participación directa entre el artista y el público) lo
que traía como consecuencia reacciones de extrañeza, sorpresa.
Para Nauman la pieza era importante en términos del control que ejercía sobre la
participación y a la vez la no-participación del espectador ya que el artista declaraba
desconfiar de la participación del público y su predilección por obras lo más limitadas
posibles en este sentido.
• Chris Burden (Boston, 1946)
• A finales de los años sesenta realiza environments concebidos a escala de
su cuerpo y en la década de los setenta comienzan sus acciones corporales
basadas en la transmisión de energía y en los conceptos de riesgo, de
peligro imprevisto y de catástrofe con las cuales cuestiona y denuncia las
prohibiciones e injusticias colectivas e individuales (guerra fría,
armamento nuclear, cuestiones ecológicas, etc.)
• Sus piezas más reconocidas son Five Days Locker Piece (Pieza de taquilla
para cinco días, 1971) en la que el artista se encerró cinco días en una
casilla de consigna de cierre automático 60 por 60 por 90 cm., o Shoot
(Disparar, F Space Gallery Santa Ana, 1971) en la que uno de sus amigos le
dispara a una distancia de 5 m, e incluso llega más lejos ya que en Prelude
to 220 or 110 de 1976, introduce en su tórax dos terminales conductoras
para que le electrocuten al hacer contacto, o en Deadman (1972) acción
en la cual yació tendido en la calzada de un bulevar muy concurrido de Los
Ángeles, su intención era la de enfatizar que la praxis artística sólo tendrá
sentido si se involucra totalmente en un proceso transformador de la
sociedad.
•
En todas sus acciones se toman fotografías dejando un documento que le
permite tener absoluto control sobre la obra y su sentido, la misma
función cumplen los objetos utilizados como las cintas de cobre o el
candado, por lo mismo se han calificado de reductivas sus acciones al
haber una simplicidad visual y una falta de narratividad.
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