Vanguardias artísticas
El término implica la idea de lucha, de grupo que avanza,
que se sitúa por delante. La vanguardia artística se
manifestó como una acción de grupo reducido, una élite
que se enfrentaba, incluso con violencia, a unas situaciones
más o menos establecidas y aceptadas por la mayoría. Por
esta razón acostumbraba ser rechazada socialmente,
aunque con el tiempo alcanzó reconocimiento y se
asimilaron sus ideas.
Se puede considerar estos movimientos como una
revolución del arte porque produjeron cambios profundos
en el lenguaje de las artes. La constante búsqueda de lo
nuevo y de ruptura con el pasado dio como resultado la
renovación total del concepto de arte y sus límites.
Estos movimientos artísticos renovadores, se produjeron en
Europa en las primeras décadas del siglo XX, desde donde
se extendieron al resto de los continentes, principalmente
hacia América.
Características de las vanguardias históricas
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Una de las características visibles de las vanguardias fue la actitud provocadora. Se publicaron
manifiestos en los que se atacaba todo lo producido anteriormente, que se desechaba por
desfasado, al mismo tiempo que se reivindicaba lo original, lo lúdico, desafiando los modelos
y valores existentes hasta el momento.
Surgen diferentes ismos (futurismo, expresionismo, dadaísmo, cubismo, constructivismo,
surrealismo, suprematismo, etc.), diversas corrientes vanguardistas con diferentes
fundamentos estéticos, aunque con denominadores comunes:
la lucha contra las tradiciones, procurando el ejercicio de la libertad individual y la
innovación.
audacia y libertad de la forma.
el carácter experimental y la rapidez con que se suceden las propuestas, unas tras otras.
En la pintura ocurriría una huida del arte figurativo en favor del arte abstracto, suprimiendo
la personificación. Se expresaría la agresividad y la violencia, violentando las formas y
utilizando colores estridentes. Surgieron diseños geométricos y la visión simultánea de varias
configuraciones de un objeto.
El poeta/artista/arquitecto vanguardista no estaba conforme. Como el pasado no le servía,
tenía que buscar un arte que respondiera a esta novedad interna que el individuo estaba
viviendo, apoyándose en la novedad original que se lleva dentro.
Tenían que abandonarse los temas viejos, carentes de sentido y sin respuestas para el
individuo nuevo.
Una conciencia social los llevaba a tomar posiciones frente al individuo y su destino.
Dentro de las corrientes vanguardistas, los ismos surgieron como propuesta contraria a
supuestas corrientes envejecidas y propusieron innovaciones radicales de contenido, lenguaje
y actitud vital. Entre ellos se encuentran los siguientes:
Impresionismo
El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de
la segunda mitad del siglo XIX en Europa —principalmente
en Francia— caracterizado, a grandes rasgos, por el intento
de plasmar la luz (la «impresión» visual) y el instante, sin
reparar en la identidad de aquello que la representaba.
Su principal aporte a las vanguardias fue la liberación del
poder expresivo del color. Los impresionistas manejaron la
pintura más libre y sueltamente, sin tratar de ocultar sus
pinceladas fragmentadas, y la luz se fue convirtiendo en el
gran factor unificador de la figura y el paisaje.
En 1874, fue la primera exposición de pinturas Impresionistas.
• Los pintores impresionistas más destacados fueron: Paul
Cezanne (que luego se consideraría precursor del Cubismo),
Edouard Manet, Edgar Degas, Claude Monet, Camille
Pissarro, Auguste Renoir, Alfred Sisley, Sorolla (español).
“Impresión, sol naciente” Claude Monet
“Autorretrato”, Paul Cezanne. 1874.
“Bailarinas” Edgar Degas
“Campo de trigo con cuervos”. Van Gogh
“Paisaje serrano” Fernando Fader (1882 -1935)
“Un día” Serie de 4 pinturas. Fernando Fader.
Fauvismo
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El fauvismo, en francés fauvisme, (aprox. 1905-1908) fue un movimiento pictórico francés
caracterizado por un empleo provocativo del color. Su nombre procede del calificativo fauve,
dado por el crítico de arte Louis Vauxcelles al conjunto de obras presentadas en el Salón de
Otoño de París de 1905.
Para los fauvistas el cuadro debía ser expresión, no composición y orden.
El fundamento de este movimiento es la liberación del color respecto al dibujo exaltando los
contrastes cromáticos. Los artistas fauves van a trabajar con la teoría del color interpretando
qué colores son primarios, cuáles son secundarios y cuáles son complementarios. Mediante
este planteamiento consiguieron una complementariedad entre colores, lo que producía un
mayor contraste visual y una mayor fuerza cromática.
En esta búsqueda tan dirigida hacia el color se olvidan otros aspectos como el modelado, el
claroscuro o la perspectiva. La técnica pictórica fauvista emplea toques rápidos y vigorosos,
trazos toscos y discontinuos, aunque se cree distorsión en las figuras: se persigue dar una
sensación de espontaneidad.
Otra característica de esta pintura es su intención de expresar sentimiento. Esto hizo que
percibieran la naturaleza y lo que les rodeaba en función de sus sentimientos.
El dibujo será un aspecto secundario para estos artistas. También se destacaba la función
decorativa y se empleaban las líneas onduladas.
Defendían una actitud rebelde, un intento de transgresión de las normas con respecto a la
pintura.
Pintaban gran variedad: de temas, algunos pintaron el mundo rural y otros el ámbito urbano.
Algunos realizaron desnudos e interiores, mientras otros preferían la pintura al aire libre ,
otros mostraban la importancia de sentir la alegría de vivir.
Henri Matisse
“La danza” Henri Matisse
André Derain
Expresionismo
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El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemania entre 1905 y 1925
Movimiento heterogéneo, una actitud y una forma de entender el arte que aglutinó a
diversos artistas de tendencias muy diversas.
Arte más personal e intuitivo, donde la visión interior del artista –la “expresión”– es más
importante que la plasmación de la realidad externa.
Con sus colores violentos y su temática de soledad y de miseria, el expresionismo reflejó la
amargura que invadió a los círculos artísticos e intelectuales de la Alemania prebélica, así
como de la Primera Guerra Mundial (1914-1918) y del período de entreguerras (1918-1939).
El expresionismo defendía la libertad individual, la primacía de la expresión subjetiva, el
irracionalismo, el apasionamiento y los temas prohibidos –lo morboso, demoníaco, sexual,
fantástico o pervertido–. Intentó reflejar una visión subjetiva, una deformación emocional de
la realidad, a través del carácter expresivo de los medios plásticos (el color, la pincelada).
Reveló el lado pesimista de la vida, la angustia existencial del individuo, que en la sociedad
moderna, industrializada, se ve alienado, aislado. Así, mediante la distorsión de la realidad
pretendían impactar al espectador, llegar a su lado más emotivo e interior.
Artistas: Munch, Rouault, Die Brücke (movimiento llamado “El puente”) Kandinsky, etc.
Aunque su mayor centro de difusión se dio en Alemania, también se percibe en otros artistas
europeos (Modigliani, Chagall, Soutine,) y americanos (Orozco, Rivera, Siqueiros, Portinari).
“El grito” Edward Munch.
Ernst Ludwing Kirchner
“Mask” Nolde
Cubismo
• El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914,
nacido en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan
Gris
• El cubismo rompe con la perspectiva. En los cuadros cubistas, desaparece
la perspectiva tradicional y adopta la “Perspectiva Múltiple”
• Trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas,
fragmentando líneas y superficies.
• Ya no existe un punto de vista único, se muestran múltiples puntos de vista
al mismo tiempo. No hay sensación de profundidad. Los detalles se
suprimen.
• Los temas no son nuevos: bodegones, paisajes y retratos.
• Utiliza tonos apagados como los grises, verdes, beiges y marrones. El
monocromatismo predominó en la primera época del cubismo,
posteriormente se abrió más la paleta. Colores desaturados con negro,
blanco y su complementario.
• Uso del Collage.
• Exponentes: Pablo Picasso y Juan Gris (españoles) y los franceses Georges
Braque y Fernand Léger, el argentino Emilio Pettoruti.
“Las señoritas de Avignon” Pablo Picasso. 1907
Pablo Picasso
Georges Braque
Juan Gris
Emilio Pettoruti
“Naturaleza muerta sobre silla de rejilla” Pablo Picasso 1912
Dadaísmo o Dadá
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Surgió en 1916 hasta 1922 en Suiza.
Para los miembros del Dadaísmo, este era un modo de vida que hacían presente a
través de los gestos y actos dadaístas: acciones que pretendían provocar a través de la
expresión de la negación dadaísta. Al cuestionar y retar el canon literario y artístico, el
Dadaísmo crea una especie de antiarte, es una provocación abierta al orden
establecido. Se burlaban del artista burgués y de su arte
cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía. De hecho, por definición,
cuestiona al propio Dadaísmo.
El Dadaísmo se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un
rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior.
El Dadaísmo se manifiesta contra la belleza eterna, contra la eternidad de los principios,
contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento, contra la pureza de
los conceptos abstractos.
Propugna, en cambio, la desenfrenada libertad del individuo, la espontaneidad, lo
inmediato, actual y aleatorio, la contradicción. Sus formas expresivas son el gesto, el
escándalo, la provocación.
Utilizaban métodos artísticos y literarios deliberadamente incomprensibles, que se
apoyaban en lo absurdo e irracional. Sus representaciones teatrales y sus manifiestos
buscaban impactar
El Ready – made (objeto encontrado)
• El artista francés Marcel Duchamp expuso
como obras de arte objetos industriales —un
secador de botellas y un urinario— a los que
denominó ready-mades (arte encontrado u
objeto encontrado).
• En 1913 Duchamp ensambló su primer
readymade: Rueda de bicicleta. En 1917 su
Fuente o Urinario, firmado con un seudónimo
«R. Mutt», su “secador de botellas”
“Rueda de bicicleta” y “Urinario” Ready-mades de Marcel
Duchamp
Litografía . Man Ray
Fotografía de Man Ray
Bauhaus
• Escuela de artesanía, diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por
Walter Gropius en Weimar (Alemania) y cerrada por los nazis en el año
1933.
• Planteaban la reforma de las enseñanzas artísticas como base para la
transformación de la sociedad burguesa de la época.
• La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones del diseño industrial y
gráfico.
• Uno de los principios establecidos por la Bauhaus: "La forma sigue a la
función“
• Buscaba recuperar los métodos artesanales en la actividad constructiva,
elevar la potencia artesana al mismo nivel que las Bellas Artes.
• Para sus diseños se basaba en las formas elementales de las que se
derivan todas las demás. El arte debía descubrir esas formas, desvelarlas,
hacerlas visibles.
• Algunos de sus miembros (profesores): Paul Klee, Theo Van Doesburg,
Kandinsky, Gropius, Mies Van der Rohe, László Moholy Nagy, Tatlin, Tomás
Maldonado (argentino).
Diseños Bauhaus
Surrealismo
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surréalisme; sur [sobre, por encima] más réalisme [realismo]) es un movimiento
artístico y literario surgido en Francia a partir del dadaísmo, en la década de los
años 1920 , en torno a la personalidad del poeta André Breton.
Automatismo psíquico puro, por cuyo medio se intenta expresar el funcionamiento
real del pensamiento. Es un dictado del pensamiento, sin la intervención
reguladora de la razón, ajeno a toda preocupación estética o moral.“
propone trasladar las imágenes oníricas al mundo del arte por medio de una
asociación mental libre, sin la intromisión censora de la conciencia, dejando así
que el inconsciente se exprese.
Imágenes ambiguas.
Extendieron el principio del ready made (el "objeto encontrado") al ensamblaje de
objetos incongruentes. Max Ernst inventó el frottage.
Importancia del azar: frottage, decalcomanía, Cadáver exquisito.
Artistas: Buñuel, Dalí, Paul Éluard, Max Ernst, Yves Tanguy y Tristan Tzara, Jean Arp,
Miró, Magritte, Giacometti, Matta (pintor chileno), Wilfredo Lam (cubano).
Salvador Dalí
“La metamorfosis de Narciso” S. Dalí
S. Dalí
Rene Magritte
Max Ernst
“Eye of silence” Max Ernst
“Divisibilidad indefinida” Ives Tanguy
“Carnival of harlequin” Joan Miró. 1924
Arte Cinético
• La expresión arte cinético es adoptada hacia 1954, para designar las
obras de arte puestas en movimiento por el viento, los
espectadores y/o un mecanismo motorizado.
• El arte cinético fue una corriente muy en boga desde la mitad de los
60 hasta mediados de los 70.
• Búsqueda de movimiento real.
• Para realizar la obra el artista se plantea y sigue una estructura
planificada.
• La mayoría de las obras cinéticas son tridimensionales, se despegan
del plano bidimensional.
• Los recursos para crear movimiento son variados: tales como el
viento, el agua, motores, luz, electromagnetismo.
• Busca la integración entre obra y espectador.
• Artistas más representativos: Julio Le Parc (argentino,
contemporáneo), Alexander Calder creador de los móviles, Jesus
Soto (Venezuela) y sus Penetrables.
Pop Art
• Surge a fines de los años 50 en Reino Unido y en 1961 en E.E.U.U.
• Es la manifestación de la cultura popular caracterizada por el
consumo, la tecnología y la moda.
• Utiliza imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de
comunicación, (anuncios publicitarios, comic books, objetos
culturales «mundanos» y del mundo del cine).
• Busca imágenes populares en oposición a la elitista cultura
existente en las Bellas Artes, separándolas de su contexto y
aislándolas o combinándolas con otras,
• Resalta el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a
menudo a través del uso de la ironía.
• Un evento crucial fue la exhibición The American supermarket, una
muestra celebrada en 1964 , la exposición estaba organizada como
el típico pequeño supermercado estadounidense allí expusieron:
Mary Inman, Robert Watts, Billy Apple. Andy Warhol hizo una torre
de latas de sopa Campbell, valorada en 1500 dólares.
Andy Warhol
Roy Lichtenstein
Jasper Johns
Arte Óptico (Op Art)
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Surge en Estados Unidos a finales de la década de los '50, para asentarse en los
años '60. Se diferencia del arte cinético por la total ausencia de movimiento real.
Crea efectos ópticos de vibración y movimiento, utilizando Ilusiones ópticas que
confunden al ojo.
El observador participa activamente desplazándose para poder captar el efecto
óptico completamente.
Mediante la repetición de formas simples y un habilidoso uso de colores, luces y
sombras, logran dar amplios efectos de movimiento y un total dinamismo a
superficies planas, las cuales terminan siendo ante el ojo humano espacios
tridimensionales llenos de vibración.
Efecto Moiré.
Los elementos dominantes del arte óptico son: líneas paralelas rectas o sinuosas,
los contrastes cromáticos marcados (poli o bi-cromáticos), los cambios graduales
de forma o tamaño, la repetición de formas o figuras geométricas simples como
rectángulos, cuadrados, triángulos o círculos.
Artistas: Víctor Vasarely, Yaacov Agam, Bridget Riley, Jeffrey Steele, Richard
Anuszkiewicz, Michael Kidner, Artistas latinoamericanos: Jesús-Rafael Soto
(Venezuela), Carlos Cruz Diez (Venezuela), Julio Le Parc (Argentina)
Victor Vasarely
Bridget Riley
Bridget Riley
Victor Vasarely
Carlos Cruz Diez
Julio Le Parc
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Arte Conceptual
Surge a mitad de los años 60 en Nueva York.
La idea dentro de la obra es lo más importante, la
Idea prevalece sobre sus aspectos formales
(formas, colores, materiales, los aspectos estéticos
y sensoriales de la obra); en muchos casos la idea
es la obra en sí misma.
Emplea materiales como la fotografía, mapas y
vídeos. En ocasiones se reduce a un conjunto de
instrucciones para crear una obra, pero sin llegar a
crearla realmente.
De este movimiento han surgido formas artísticas
como fluxus, (Joseph Beuys, Wolf Vostell, Nam June
Paik) y el mail art.
Algunas Obras Conceptuales
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1961: Robert Rauschenberg envió un telegrama a la Galería Iris Clert que decía:
'Este es un autorretrato de Iris Clert si yo lo digo.' como su contribución a la
exposición de retratos que se estaba convocando en la galería.
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1962: Christo y Jeanne-Claude exhiben Cortina de Hierro. Esta consiste en una
barricada de barriles de petróleo en una calle estrecha de París que causó mucho
desorden de tráfico. El trabajo no era la barricada en sí sino el tráfico provocado.
1962: FLUXUS Internationale Festspiele Neuester Musik en Wiesbaden con,George
Maciunas, Joseph Beuys, Wolf Vostell, Nam June Paik y otros.
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1964: Yoko Ono publica Uvas: Un libro de Instrucciones y Dibujos. Un ejemplo de
arte heurístico, o una serie de instrucciones acerca de como obtener una
experiencia estética.
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1965: Joseph Kosuth expone Una y Tres Sillas en el año de 1965. La presentación
del trabajo consiste en una silla, su foto a tamaño real y una definición de la
palabra "silla". Kosuth escogió la definición de un diccionario. Cuatro versiones de
esta obra, con diferentes sillas y diferentes definiciones son las que se conocen.
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Films de Fluxus: UBUWEB
“Una y tres sillas” Joseph Kosuth
Ives Klein 1957: Escultura Aerostática (París). Esta estaba compuesta de 1,001
globos azules que fueron liberados hacia el cielo desde la Galería Iris Clert
para promover su Proposición Monocromo; Época Azul. Klein también exhibió
Pintura de Fuego de un Minuto, que era un panel azul en el cual 16 petardos
fueron colocados. Para su importante exhibición El Vacío en 1958, Klein
declaró que sus pinturas eran ahora invisibles y para probarlo exhibió una sala
vacía.
Arte Minimalista. (Minimal Art)
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En 1965 el término “Minimal” para referirse a las pinturas y a otros objetos de muy
alto contenido intelectual pero de bajo contenido formal o de manufactura.
Se reducen las obras a lo esencial, despojadas de elementos sobrantes y
ornamentos.
Eliminan el “gesto” . Producción y estandarización industrial.
Abstracción
Economía de lenguaje y medios, colores puros, formas geométricas simples.
Uso literal de los materiales.
Austeridad con ausencia de ornamentos
Purismo estructural y funcional
Orden
Geometría elemental rectilínea
Precisión en los acabados
Reducción y síntesis
Sencillez
Concentración.
Artistas: escultores: Donald Judd, Sol LeWitt, Carl Andre, Dan Flavin y Robert
Morris. La pintura minimalista tiene influencias del constructivismo , algunos
pintores son: Robert Ryman, Robert Mangold, Agnes Martin.
Sol Le Witt
Sol Le Witt. “Seis torres invertidas”
Sol Le Witt
Robert Ryman
Agnes Martin
Dan Flavin
Robert Mangold
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Clase Presencial Vanguardias siglo XX