LA ESCULTURA ROMANA
Inma. Navarro
I.E.S. Lluis Simarro
2012-13
CARACTERISTICAS DE LA ESCULTURA ROMANA:
*Se subordina claramente a la arquitectura ya que ornamentan edificios y
monumentos.
*Esta influenciada por el arte etrusco y el arte griego pero la bellez y el canon se
subordina a la fidelidad al modelo.
*La escultura tuvo un claro fin público, dar a conocer a los éroes romanos y sus
hazañas.
*Como ocurrió con la arquitectura, el escultor romano se inspira en los griegos
(gracias a ellos, los romanos, conservamos copias de los originales griegos
perdidos). Pero el escultor romano no se limita a copiar, sino que a partir de las
influencias griegas es capaz de elaborar un lenguaje nuevo, propio y original.
El modelo griego :
- Se trabajan prototipos:
• Kuros
• Atleta
• Dioses
- Estereotipos idealizados (Juventud + belleza)
- El artista busca la perfección, transcendiendo lo material para alcanzar la verdad
(experiencia intelectual).
El modelo romano:
Se trabajan personajes concretos.
EL RETRATO ROMANO
El retrato romano tiene sus raices en el retrato
Etrusco de imágenes funerarias , individuales o en
pareja recostados sobre el sarcófago y que
representan fielmente los rasgos del retratado , las
"imágenes maiorum" de cera..
Tambien tiene influencia del periodo Helenistico
Griego.
A finales del sig IV Ac. los griegos empiezan a hacer
retratos de hombres públicos , pero no reflejando los
defectos,ni los rasgos demasiado acentuados, se
tiende a la perfección fisica que simboliza la rectitud
moral , ya que estaban destinados a der colocados en
el Agora como hombres ilustres.
Las primeras imágenes representaban sólo la cabeza
hasta el cuello, desde el sig I dC.se representan bustos
hasta el pecho y los hombros.
Desde la segunda mitad del sig II dC. se representan
de medio cuerpo , sedentes de pie o equestres
Los romanos eran supersticiosos, no les gustaba
mencionar la muerte y los retratos son realistas y
naturalistas.
El grupo funerario de Catón y Porcia (Museo
Vaticano, Roma), obra en extremo sugestiva por el
intimismo de la postura y la noble, afectuosa
dignidad con que la joven esposa se despide de su
viejo marido.
Obra escultórica realizada hacia el año 530 a.
C. (siglo VI a. C.). Es una obra anónima
perteneciente al arte etrusco y procedente de
la necrópolis de Cerveteri.
ANÁLISIS MATERIAL
Se trata de una escultura funeraria realizada
en terracota, (arcilla modelada).
Su estado de conservación es bastante bueno.
ANÁLISIS FORMAL
Iconología
Se trata de un retrato que representa a dos esposos sobre su lecho fúnebre. Se les
representa en postura recumbente (recostados sobre el codo y con el busto erguido). El
sarcófago tiene forma de sofá de estilo jónico.
La mujer aparece en primer término y el marido en segundo término, apoyando su brazo
derecho sobre el hombro de su compañera con un gesto muy tierno. La pareja parece estar
conversando. Están en actitud relajada mientras se celebra un banquete en su honor.
Iconografía
El Sarcófago de los Esposos es una obra escultórica con función funeraria (religiosa). Ésta se
explica porque los etruscos temían a los dioses y a los misterios de la naturaleza, temían a
la muerte. Así pues, su defensa pretende hacer creer que el hombre no muere sino que
sigue viviendo en el Más Allá. Es por ello que se les representa en el acto del banquete
funerario. De aquí la necesidad de que apareciera este retrato, en el que el artista debía
reproducir con la mayor veracidad posible los rasgos del difunto, y la alegría de vivir en el
Más Allá.
No se conservan los objetos de metal que tenían en las manos, pero es posible que tuviera
un vaso el hombre, y un huevo o un ramo de flores la mujer. Normalmente solían llevar una
moneda en la mano, para pagar la barca de Carote, quien debía ayudarles a cruzar el río
que separa el reino de los vivos del de los muertos.
APROXIMACIÓN HISTÓRICA
La Etruria era la zona donde se asentó el pueblo etrusco, que parece ser que desde la zona
de Asia Menor, y por vía marítima, llegaron hasta la zona del Lacio y se asentaron en las
tierras que hoy serían la Toscana y Umbría (bajo Milán, entre Venecia y Génova).
Se sabe que este pueblo desarrolló un comercio activo con el mundo griego. Este echo
explica que el arte etrusco derive del griego, e incluso que muchos artistas griegos se
llevaran a Etruria, por lo tanto, los etruscos fueron unos intermediarios a través de los
cuales la influencia griega entró en Italia.
Es en el retrato donde la escultura romana se diferencia
de la griega.
Para los romanos la escultura representa la expresión
máxima del realismo, no tratan de conseguir la belleza
ideal como en Grecia sino en reflejar la realidad, aceptan y
reflejan las imperfecciones y las huellas del paso del
tiempo.
El escultor no pretende su fama individual dejando
constancia de su maestria técnica como en Grecia sino que
pretende onrrar a las autoridades retratadas, por esto el
anonimato de los escultores.
El sentido práctico del romano le hace reflejar las cosas tal
y como son, y muestra un interes por dejar constancia de
la historia, a través de la narración veraz y realista en los
relieves
MATERIALES:
Realizaron esculturas en marmol, piedra y bronce
Desarrollaron dos generos propios:
El retrato
El relieve histórico
EL RETRATO tipologias: Busto, escultura exenta y escultura equestre ,la mas característica
la estatua equestre de Marco Aurelio que sirvió de modelo en el renacimiento.
RELIEVE HISTORICO: Carácter narrativo , recrean con gran realismo escenas belicas, pero
tambien desarrollan el gusto por el paisaje y la decoracion arquitectónica.
Evolución de la escultura romana
Roma atraviesa varias fases bien diferenciadas:
•Una primera en época de la República en la que el
retrato es realista, pero reacio a tomar signos que no
sean la conservación de sus antepasados en moldes de
cera.
•En la época del imperio, todo se heleniza y el retrato,
incluso es realizado por artistas Griegos, con lo que los
modelos se idealizan .
•Una tercera fase, coincidente con el llamado bajo
imperio, los modelos se simplifican hasta la casi
caricatura, se acentúan los rasgos y la caracterización
psicológica delos personajes pasa a primer plano.
- Etapa Republicana:
De lo géneros escultóricos más trabajados, destaca el retrato
En esta etapa se hacian sólo hasta el cuello dando mas realce a la cabeza, luego se fue
ampliando hasta el busto, estaban realizados en bronce o piedra y se policromaban
El retrato republicano es una consecuencia de los ritos funerarios romanos, la costumbre de
guardar las mascarillas de cera de los antepasados. Los patricios están orgullosos de su
apellido y de sus antepasados.
El retrato republicano se caracteriza por el cabello corto y sencillamente peinados de clara
influencia castrense (militar).
Son retratos públicos o privados, que muestran personalidades graves y serenas , con
rostros energicos y decididos.
En los retratos de hombres publicos hay una tendencia a la idealización.
Los retratos mas significativos son los de Ponpeyo ,Julio Cesar, Cicerón
Lucio Junio Bruto: romano o etrusco indiferentemente.
+ Pompeyo: de gran realismo y penetración psicológica.
+ Bruto Barberini: aunque es ya del Alto Imperio aparece con dos “imágenes de los
antepasados” en sus manos; aparece de pie, son tres personajes con rasgos distintos.
+ Los retratos de Julio César, desde ejemplos realistas a otros con cierta idealización,
tendencia que se consolidará al principio del Imperio desde los primeros retratos de
Octavio Augusto.
.
Etapa imperial:
Se inicia con el emperador Octavio (s. I). Hay dos etapas bien diferenciadas: el Alto Imperio
(s. I-III d.C.) y el Bajo Imperio (III-V d.C.).
La estatuaria se transforma y con ella el retrato, el retrato se idealiza con mayor influencia
griega para mostrar la grandeza del personaje y sobre todo la naturaleza divina del
emperador
a) Etapa de Alto Imperio. Características.
- Etapa de mayor influencia griega.
- El escultor busca la exaltación heroica del personaje.
- El ejemplo más claro es el retrato de Augusto Prima Porta (ficha).
- Junto con el retrato tiene gran desarrollo otro género escultórico: el relieve, arcos,
columnas, altares, se convierten en el soporte para grandes narraciones.
Si el retrato exalta al personaje, el relieve narra sus grandes victorias.
B) El Bajo Imperio
A partir del s. II-III d.C. poco a poco se va perdiendo el idealismo del Alto Imperio a favor de
unas representaciones más emotivas (Pathos). La influencia clásica se sustituye por la
influencia helenística. Las esculturas se van haciendo más colosales, perdiendo el
equilibrio clásico. Más realistas, perdiendo la idealización, y aparece un nuevo género: el
retrato ecuestre, un género típicamente romano y luego utilizado profundamente a lo
largo de la historia.
En los retratos de los primeros emperadores, principios
del siglo I d.C., se observa una tendencia hacia cierto
idealismo, por influencia griega, por lo que podemos
hablar de un realismo idealizado en el que los rasgos más
acusados se disimulan.
- Ejemplos:
+ Los mencionados retratos de Augusto, los de Calígula,
etc.
+ Pero a partir de Claudio y Nerón se vuelve al realismo
romano, como podemos apreciar en el anteriormente
citado Claudio Heroizado.
- En los retratos de los siglos II y III se tiende a un
progresivo barroquismo, el pelo se esculpe más largo y
separado de la cabeza, con rizos muy abultados,
aparecen las barbas, etc. Desde Adriano y sobre todo a
Octavio Augusto
GALVA
Caligula
Neron
VESPASIANO
Trajano
Apartir de los Flavios aflora la corriente
realista,
La cabellera se hace mas voluminosa y
reaparece la barba agudizandose el
clarooscuro
Caracalla
Adriano: obra del siglo II, los ojos están
tallados y no policromados, lleva barba
y el pelo está muy marcado, largo y
trabajado con el trépano con mucha
delicadeza.
Ideas básicas para comentario:
*retrato romano, características
*moldes de cera
*estatuaria influencia etrusca
*extemporalidad, interés por
mostrar la imagen
*Evolucion:
-idealización
-realismo
-simplificación
Estatua BARBERINI (FINALES SIG 1 Ac.)
Escultura privada, exenta.
- Patricio romano con bustos
PERIODO REPUBLICANO
de sus antepasados .
Estatua exenta que representa a un Patricio romano
sosteniendo dos bustos de antecesores suyos, realizado
en época republicana
Las tres cabezas son interesantes para observar la
evolución del retrato romano, pues presentan
características diferenciadas.
El busto de la izquierda está realizado unos 30 o 40
años antes que el de la derecha y se aprecian rasgos
realistas que en el segundo desaparecen, mientras que
la figura del patricio está realizada en un periodo
anterior. Estos tres modelos indican la extemporalidad
del retrato y su interés mayor por mostrar las imágenes
de sus familiares, antes que otra inclinación y este
ejemplo es significativo para comprender el interés del
mundo romano por realizar cuantas copias fuera posible
de los modelos griegos más importantes.
Destacamos la influencia etrusca en el gusto por
conservar los bustos de los antepasados mediante
copias del propio difunto en cera, una escultura
Retratos Imperiales
- En el retrato de cuerpo entero de los emperadores del Alto Imperio encontramos tres
versiones:
+ “Imagen togata”, como patricio o pontífice máximo, con toga. Ejemplo: el Retrato togato de
Augusto, en el que la postura marca el contraposto y la cabeza está cubierta
+ “Imagen thoracata”, como imperator, jefe militar, o cónsul, con indumentaria militar, con
coraza. Ejemplo: el Retrato toracato de Augusto o Augusto de Prima Porta, Augusto se está
dirigiendo al ejército, por lo que está vestido de militar y con el brazo en alto, se esculpe con
precisión el contraste entre la coraza lisa y dura y la tela blanda; la coraza está llena de relieves
alusivos a la paz augusta y en la parte interior hay una figura infantil sobre un delfín, alusiva al
origen divino de la familia Julia.
+ “Imagen apoteósica”, heroizado o como divinidad, desnudo, corona de laurel y el atributo
de algún dios. Ejemplos: El Retrato apoteósico de Augusto o el de Claudio heroizado.
Augusto de Prima Porta
Se encontro en 1863 en Prima porta.
Es el primer retrato Imparial de a pie,
inspirada en el Doriforo de Policleto, sig I aC.,
el original era de bronce la copia es marmol.
La obra estaba policromada
Augusto es representado como jefe del
ejercito (Thoracato) con gesto de arengar a
las tropas con el brazo levantado y el atuendo
de general,en la mano llevaba la corona de la
victoria, la corona , la coraza y el
paludamentum representaban el poder
imperial, los pies descalzos responden a la
representacion simbólIca de Dioses y mortales
deificados, lo que significaría que ya está
entre los dioses. La postura repite el modelo
del Doríforo de Policleto, la cabeza
ligeramente ladeada, en contraposto.
La obra pone la serenidad del clasicismo al
servicio de un individuo y es una síntesis entre
el retrato militar (etapa republicana) y el
divinizado (etapa imperial).
El Delfin de Venus con un Cupido
montado sobre el ,resuelve el
problema de la sustentación de la
escultura.
Cupido sobre el Delfin simboliza el
origen divino de Augusto quien se
consideraba descendiente de Eneas,
hijo de Venus.
La coraza esta adornada con relieves:
En la parte superior está representado el cielo
Urano cubre su cabeza con el manto de la
bóveda celeste, ascendiendo hacia el esta
Helios el Dios solar, en su cuádriga tirada por
caballos le preceden dos doncellas la Aurora
que porta la copa del rocio y Venus el lucero
del alba.
En el centro Tiberio recibe de un emisario
Parto las águilas e insignias arrebatadas a las
legiones romanas en señal de paz
A los lados de la coraza
se representan las dos
últimas provincias
incorporadas al Imperio,
Hispania a la izquierda y
la Galia a la derecha
En la parte inferior la
madre Tierra con Romulo
y Remo , el cuerno de la
abundancia escoltada por
Apolo y Diana divinidades
protectoras de la casa
imperial.
Augusto Prima Porta se
convierte en el prototipo
que se imitó en todo el
Imperio.
Durante el periodo de
Augusto los artistas se
inspiraron en los modelos
clásicos pero con mayor
fidelidad a los rasgos de los
retratados por la influencia
de las mascaras funerarias
etruscas.
Augusto Prima Porta se
inspira claramente en el
Doríforo de Policleto, sus
expresiones són parecidas ,
ambos se apoyan en la
pierna derecha y doblan la
izquierda en un claro
contrapposto, el torso del
Doríforo sirve de modelo a
la coraza imperial.
El modelo griego se romanizó en esta escultura
Augusto Prima Porta es una imagen Thoracata, en calidad de jefe militar absoluto cubierto
con una coraza; también podía ser representado como Pontifex Maximus: con un velo
(umbo) en la cabeza oficiando como jefe religioso o sumo sacerdote (capite velato). El
retrato Togatusque representa al emperador vestido de magistrado con todos los símbolos
del patriciado (nobilitas), suele aparecer como Cónsul, por ser el cargo de mayor autoridad
en Roma: túnica blanca (laticlavia) con un cinturón (clavis) y un calzado color púrpura, y
euna enorme toga que simbolizaba su pertenencia ala más alta clase social (toga
praetexta). Otros modelos eran el retrato ecuestre, del que sólo conservamos un ejemplo,
el de Marco Aurelio, o el retrato Apoteósico, que representa al emperador semidesnudo,
personificando a algún dios romano
EL ARA PACIS
Situación cronológica y estilística de la
obra.
El Altar del Ara Pacis fue realizado entre los
años 13 y 9 a.C. (Siglo I a.C.). La etapa
romana a la que pertenece es a la del
Imperio Romano, cuya duración abarca
desde el año 27 a.C., cuando Augusto toma
el poder, hasta el año 476 d.C., en que se
sitúa la desaparición del Imperio Romano
de Occidente cuando el godo Odoacro
depone a Rómulo Augústulo.
El Ara Pacis actualmente se encuentra en
una cámara de cristal en el Campo de Marte
(Roma).
El estilo al que pertenece es el romano
imperial, una evolución del griego pero con
algunas novedades introducidas por los
romanos.
Autor.
Se desconoce el nombre del
autor o los autores que
realizaron esta obra, pues los
artistas romanos no eran tan
valorados como los griegos, por
lo que sus nombres no tenían la
menor importancia. Pero lo que
sí se sabe con seguridad es que
fue realizada por encargo del
Senado romano, que quería
conmemorar el triunfo de
Augusto después que éste
estableciese la paz en Hispania y
en Galia. A parte de esto,
también quería conmemorar el
éxito y la grandeza de Roma.
Es un edificio religioso.
La estructura de este altar es cuadrada, consta de dos entradas: una de ellas con
escalinata y la otra no. La parte exterior del altar se encuentra decorada por relieves. La
procesión representada en los muros exteriores está encabezada por Augusto,
acompañado por la familia imperial, sacerdotes, magistrados, senadores, etc. Los
relieves de la parte exterior se encuentran separados por una cenefa intermedia,
quedando dividido el muro así en dos partes: el friso superior, en el que está
representado la Pax Augusta, y el friso inferior, decorado con motivos vegetales y volutas
de acanto.
En el interior el friso está ocupado por guirnaldas.
En el exterior los zócalos se recubren de acantos.
Los frisos exteriores tienen distinta decoración según
su ubicación: flanqueando las puertas cuatro alegorías,
y en los muros laterales dos procesiones.
Las alegorías están relacionadas con la mítica fundación
de Roma. De los cuatro originales solo dos se han
conservado casi completos; uno de éstos representa a
Eneas y el otro (el mejor conservado) a La Tierra, como
una mujer con dos niños, flanqueada por los genios
fertilizantes del Aire sobre un cisne y del Agua sobre un
monstruo marino; todo ello acompañado de frutos y
animales que hacen alusión a la prosperidad
proporcionada por la Paz de Augusto
Relieve alegórico: La Diosa Tierra y los genios fertilizantes del aire sobre un cisne y del agua
sobre un monstruo marino
ANÁLISIS DE LOS RELIEVES DEL
ARA PACIS
.- Características formales y
estilísticas de la obra. RELIEVE
DEL ARA PACIS
la obra es uno de los relieves
pertenecientes al Ara Pacis de
Augusto.
Se trata de un relieve histórico,
pues representa un hecho real.
En este caso, se conmemora el
éxito y la paz que predominaron
en tiempos de Augusto. Estos
relieves decoran el altar del Ara
Pacis, la obra más célebre entre
los altares.
El método utilizado en estos
relieves es la talla, y el material
empleado es el mármol. Nos
encontramos ante una
representación humana, que
describe con gran realismo la
procesión de la Pax Augusta,
celebrada en el año 13 a.C. Este
realismo se refleja muy bien en
los rostros de las personas
Aparecen personas de diferentes edades,
todas ellas caracterizadas muy bien. Por un
lado, los niños están acompañados de sus
padres, que los cogen de las manos,
mostrando una tierna imagen. Por otro lado,
en los ancianos se aprecia muy bien sus
carnes decrépitas. Otros de los detalles que le
dan más realismo a la obra son, por ejemplo,
los pliegues de las túnicas y los peinados de la
época.
este relieve presenta efectos de perspectiva
bastante interesantes: las figuras están
talladas en diferentes planos. Concretamente,
en este relieve hay tres planos distintos. En el
primero de ellos aparecen los personajes más
importantes, que destacan sobre el resto, y
parecen más próximos a nosotros. En el
segundo plano, las figuras aparecen con
distintas posiciones y actitudes; en este plano
destacan mujeres, niños y hombres. Y, por
último, en el tercer plano, aparecen los
personajes de menor importancia. Los
personajes representados en este relieve son
reales, por lo que se trata de un retrato.
Nos encontramos, pues, ante una obra que combina
los elementos de origen griego y helenístico (la
influencia de Fidias, las alegorías y elementos
decorativos helenísticos, con el realismo y la
sobriedad características de la tradición romana del
retrato.
Los romanos expresaron sus ideas y creencias basandose en modelos griegos, en el ARA
PACIS hay una frialdad academicista y un claro sedeo de propaganda politica.
Por la solemnidad de los participantes en la procesión y la técnica de paños mojados ,
así como el ritmo de la composición , es la replica romana al Friso de las Panateneas del
Partenon, pero en el Ara Pacis se puede identificar a los personajes y puede fecharse el
hecho con exactitud.
El arte romano respecto al griego se diferencia en su voluntad histórica siempre al
servicio de la glorificacion de su presente y su pasado.
EL BAJO IMPERIO
El Bajo Imperio
A partir del s. II-III d.C. poco a poco se va
perdiendo el idealismo del Alto Imperio a favor
de unas representaciones más emotivas
(Pathos). La influencia clásica se sustituye por
la influencia helenística. Las esculturas se van
haciendo más colosales, perdiendo el equilibrio
clásico. Más realistas, perdiendo la idealización,
y aparece un nuevo género: el retrato ecuestre,
un género típicamente romano y luego
utilizado profundamente a lo largo de la
historia.
-
Retrato de Marco Aurelio
Retrato ecuestre en bronce del siglo II, el más
antiguo de los conservados y el de mayor
influencia posterior, principalmente durante la
Edad Media y el Renacimiento; esta imagen tenía
como finalidad mostrar a Marco Aurelio como
“imperator”, como general victorioso y
conquistador, pero sin embargo, al no llevar armas
o armadura, parece transmitir más una imagen de
paz que de héroe militar, tal y como él se percibía
a sí mismo y a su reino.
El emperador aparece con túnica, no con
vestimenta militar, con barba. Levanta el brazo
como gesto de clemencia más que como arrenga.
Se pierde el heroísmo del alto imperio. El pelo está
hecho con mucho volumen y cierto barroquismo y
el gesto de la cara es melancólico y ensimismado.
El caballo tiene una talla algo baja respecto al
jinete, y las piernas cuelgan en exceso. Se apoya
en sólo tres patas que mueve nerviosamente en
contraste con la serenidad de Marco Aurelio.
Marco Aurelio, más filósofo que militar, muestra
su estancia. El autor refleja el pathos (la psicología
Estatua Equestre de Marco Aurelio
Autor desconocido . Sig II Dc.
Fundición de Bronce 4,24 m
Palazzo dei conservatori ,Roma
ANÁLISIS FORMAL
Marco Aurelio es representado como emperador, distante digno y orgulloso, viste el
manto de los soldados sobre la túnica con cinturón y extiende el brazo en actitud de
saludo.
El caballo levanta su pata derecha y asienta firmemente sobre el suelo las otras dos patas
y deja qu la cuarta roce el suelo con el borde del casco.
ANALISIS ESTILISTICO
Es una de las pocas esculturas en bronce que se conservan de la época Imperial en que
los artistas se inclinaron mas por las tallas en marmol.
Durante la dinastia de lo Antoninos se transformó el retrato escultórico, distanciandose
de los modelos clasicos los retratos pierden la frialdad del idealismo clasico, las barbas
rizadas los peinados las pieles de textura pulida , los contrastes de clarooscuro , exaltan
las virtudes, en este caso, la gloria y el prestigio del Emperador como militar victorioso
Marco aurelio fue considerado uno de los mayores pensadores estóicos , con gran
predisposición para la paz , La figura desprende humanidad desprovista de armadura y
armas como heroe y pacificador.
Fue realizada para conmemorar las victorias sobre los Partos
Durante la Edad Media la mayoria de las estátuas en Bronce fueron fundidas, la de
Marco Aurelio se salvo porque se cleyó que era la escultura de Constantino y por
tanto simbolo del Cristianismo.
Esta escultura sirvió de modelo a todas las esculturas equestres de la Edad Media y
del renacimiento como el condottiero Gatamelata de Donatello
El condottiero Gatamelatta
El Condottiero Colleoni
(Donatello)
(Verrochio)
Esculturas equestres de Renacimiento
Caracalla: ya del siglo III; Caracalla fue un emperador de
carácter violento, fuerte y altanero, caracteres que
quedan reflejados en su escultura.
A partir del siglo IV, ya en el BAJO IMPERIO, el retrato
romano se caracteriza por la rigidez y el hieratismo, que
ha de pasar al mundo cristiano.
Los retratos se deshumanizan, se pierde la preocupación
por hacer retratos que se acerquen al hombre, se tiende
a una esquematización que aleja al emperador de la
sociedad. Por tanto, su escultura se puede considerar ya
“anti-clásica”.
- Ejemplos:
+ Constantino del Palacio de los Conservadores de
Roma: se trata de la cabeza de una escultura de cuerpo
entero que se conserva fragmentada y que tenía
dimensiones colosales; Constantino aparece imberbe y
tiene el pelo pegado a la cabeza, los mechones son
meras líneas, los ojos son grandes, desorbitados y
desproporcionados, etc.
+ El grupo de los Tetrarcas: que representa a dos
augustos o césares dándose el abrazo de la concordia y
posee unas características similares a las mencionadas.
-
Con la llegada al poder de Diocleciano, la
historia de Roma inicia un nuevo capítulo
que marca una frontera, tanto desde el
punto de vista político como también del
artístico y cultural. Puede decirse que
comienza con él la etapa Bajo Imperial, que
en muchos aspectos se distancia de lo que
había sido la herencia clásica de Roma.
Desde el punto de vista político, se implanta
la Tetrarquía.
El arte entendido como expresión de la realidad y
búsqueda de la belleza, se convierte
progresivamente en arte de la idealización y de la
simbología. La normativa basada en criterios de
proporcionalidad y equlibrio, y que en concreto en
la escultura derivaba en la utilización persistente
del contraposto, la estilización y el movimiento
compositivo, la libertad de formas y temas, y el
realismo expresivo, ahora se transforma
radicalmente. La escultura se convierte en un
elemento de propaganda polìtica, influenciada por
el rígido ceremonial cortesano que se fue
imponiendo desde el reinado de Diocleciano y que
convirtió a los emperadores en figuras distantes,
semidivinas y envueltas en un boato cortesano que
imponía su total idealización.
El arte se convierte en un recurso más a la simbología
del poder y va imponiendo su porpio lenguaje: la
rigidez frente al movimiento, el sentido de bloque
frente a la libertad compositiva, la desproporción frente
al canon clásico y una total idealización expresiva que
convierte la imagen de los emperadores en figuras
hieráticas, inaccesibles y endiosadas. El ejemplo más
característico de todo ello será el retrato de
Constantino, del que quedan piezas sueltas y que
conocemos como el Coloso Constantino, pero el
arranque del nuevo estilo se halla en los Tetrarcas de
San Marcos.
El arte ha cambiado totalmente, introduciendo un
nuevo concepto de la estética, que inicia de esta forma
un camino sin retorno hacia la idealización máxima de
las imágenes, que abona ya la evolución artística que
caracterizará el arte de la Edad Media.
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