1. Los inicios del cine
La historia del cine como espectáculo comenzó en París, el 28 de diciembre de 1895.
Desde entonces ha experimentado una serie de cambios en varios sentidos. Por un lado, la tecnología del
cinematógrafo ha evolucionado mucho, desde el primitivo cine mudo de los hermanos Lumière, hasta el
cine digital del siglo XXI. Por otro lado, ha evolucionado el lenguaje cinematográfico, incluyendo las convenciones del
género, creando así los géneros cinematográficos. En tercer lugar, ha evolucionado con la sociedad, surgiendo así
distintos movimientos cinematográficos y cinematografías nacionales.
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La idea de capturar el movimiento por medios mecánicos es muy antigua. Existieron antecedentes como la cámara
oscura, el taumatropo, el daguerrotipo y la fotografía. También el creador de la lámpara incandescente y
el fonógrafo estuvo muy cerca de inventar el cine, al patentar el kinetoscopio. Inspirándose en éste, los hermanos
Lumière, hijos del fotógrafo Antoine Lumière, crearon el cinematógrafo. La primera presentación fue en París, y
consistió en una serie de imágenes documentales las cuales tuvieron muchísimo pavor.
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Por un tiempo, el cine fue considerado una atracción menor, incluso un número de feria, pero cuando George
Méliès usó todos sus recursos para simular experiencias mágicas, creando rudimentarios -pero eficaces- efectos
especiales, los noveles realizadores captaron las grandes posibilidades que el invento ofrecía. De esta manera, en la
primera década del siglo XX surgieron múltiples pequeños estudios fílmicos, tanto en Estados Unidos como
en Europa. En la época, los filmes eran de pocos minutos y metraje, trataban temas más o menos simples, y tanto
por decorados como por vestuario, eran de producción relativamente barata. Además, la técnica no había resuelto
el problema del sonido, por lo que las funciones se acompañaban con un piano y un relator (cine mudo). Pero en
este tiempo surgieron la casi totalidad de los géneros cinematográficos (ciencia ficción, históricas o de época); el
género ausente fue, por supuesto, la comedia musical, que debería esperar hasta la aparición del cine sonoro.
También en la época se produjeron los primeros juicios en torno a los derechos de autor de las adaptaciones de
novelas y obras teatrales al cine, lo que llevaría con el tiempo a la creación de las franquicias cinematográficas
basadas en personajes o sagas.
2. Fecha y datos de la primera
proyección
A partir de 1892, los hermanos empezaron a trabajar en la posibilidad de fotografiar imágenes en movimiento.
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Mas tarde se patentó el cinematógrafo el 13 de febrero de 1895. Y ese mismo año, los Lumière rodaron su primera
película, La sortie des ouvriers des usines Lumière à Lyon Monplaisir (Salida de los obreros de la fábrica Lumière
en Lyon Monplaisir). Fue presentada el 22 de marzo de 1895, tres días después del rodaje, en una sesión de la
Société d'Encouragement à l'Industrie Nacional en París.
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Tras diversas presentaciones en sociedades científicas, en la Universidad de la Sorbona, en Bruselas y otros
lugares, el 28 de diciembre de 1895 en París se procedió a la primera exhibición comercial, como primer
espectáculo de pago, marcando oficialmente el inicio del cine. El evento tuvo lugar en el Salon indien du Grand
Café y se proyectaron, además de Salida de la fábrica Lumière, otras cintas como Llegada de un tren a la estación
de la Ciotat y El regador regado, en la que aparece el primer actor pagado de la historia, el jardinero Jean-François
Clerc.
Así, con este catálogo, el cine comenzó su historia a modo de documental, como testigo objetivo de la vida cotidiana.
3. Actores (actrices) del cine mudo…
André Calmettes
Marguerite De La Motte
Adele DeGarde
Willian Duncan
Charles Chaplin
Harold Lloyd
Buster Keaton
Alda Borelli
Marion Byron
Irene Caba Alba
Ina Claire
Francesca Bertini
Viola Barry
Fred Niblo
John Boles
Rita Carewe
Lya De Putti
Mrs. Leslie Carter
Mary Astor
Carlo Campogalliani
….y directores (directoras)
Ted Browning
Charles Chaplin
René Clair
Sergei Eisenstein
Carl Theodor Dreyer
Eddie Cline
George Marshall
George McLeod
Keaton Buster
Ernst Lubitsch
Eric Von Stroheim
Dziga Vertov
Carl Boese Wegener
4.Películas del cine mudo
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TIEMPOS MODERNOS: es un largometraje de 1936 escrito y dirigido, por Charles Chaplin, que fue también el
actor principal.
La película constituye un retrato de las condiciones desesperadas de un empleado que en la clase obrera tuvo que
soportar en la época de la Gran depresión, condiciones promovidas, en la visión dada por la película, por la eficiencia de
la industrialización y la producción en cadena. En la película también intervienen Paulette Goddard, Henry
Bergman, Stanley Sandford y Chester Conklin.
Extenuado por el frenético ritmo de la cadena de montaje, un obrero metalúrgico que trabaja apretando tuercas acaba
perdiendo la razón. Después de recuperarse en un hospital, sale y es encarcelado por participar en una manifestación en
la que se encontraba por casualidad. En la cárcel, también sin pretenderlo, ayuda a controlar un motín, gracias a lo cual
queda en libertad. Una vez fuera, reemprende la lucha por la supervivencia en compañía de una joven huérfana a la que
conoce en la calle. Es una mezcla de la realidad para tomarla con un poco de humor.
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AMANECER: (título original: Sunrise: A Song of Two Humans) es la primera película realizada en Estados
Unidos por el director alemán F.W. Murnau . Pertenece a la era muda del cine en 1927.
Sus principales actores fueron: George O'Brien, Janet Gaynor, Margaret Livingston, Bodil Rosing, J. Farrell MacDonald,
Ralph Sipperly, Jane Winton, Arthur Housman y Eddie Boland.
Narra la historia de una familia rural, la cual contrata a unos campesinos. El
marido de la familia campestre se enamora de la sofisticada mujer de ciudad; se
obsesiona de tal manera que arruina la granja. Así pues, el hombre esclavo de sus
miradas cumple los deseos de su amante y escapan de aquel escenario. Sin antes
simular un accidente con la barca en medio del lago y en el cuál iba a ahogar a su
esposa. Cuando llega el momento no puede hacerlo y lleva la barca a la orilla. Su
mujer horrorizada huye y él la sigue hasta la ciudad implorando su perdón. Entran
en una iglesia y renuevan sus votos matrimoniales. Ella le perdona y purificados y
más enamorados que nunca pasan el día como unos recién casados. Por la noche
vuelven a casa atravesando el lago cuando se desata una terrible tormenta,
y el hombre, pensando sólo en la salvación de su esposa, le ata unos
manojos de juncos a la cintura, pensados originalmente para salvarse él en
su olvidado plan criminal, antes de que la barca zozobre y se hunda.
Separados, la corriente arrastra al hombre a la orilla y tras la tormenta,
llama a su mujer desesperado y al no encontrarla, acude angustiado al
pueblo. Todos salen a buscarla, pero sólo encuentran los juncos, mientras la
mujer de la ciudad cree que sus planes se han realizado, y acude a ver a su
amante. Este, enloquecido de dolor, culpa y furia está apunto de
estrangularla, cuando oye gritos de que han encontrado a su mujer,
inconsciente pero viva. El nuevo amanecer encuentra a la mujer de la ciudad
abandonando el pueblo mientras el hombre vela el sueño de su mujer y su
hijo, La mujer se despierta radiante de felicidad y los esposos se besan.
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LA LEY DE LA HOSPITALIDAD: (Hospitality) es una comedia muda estadounidense de 1923 dirigida, escrita y
producida por Buster Keaton.
En Esta película, los principales actores son: Buster Keaton ,Jo Roberts, Ralph Bushman, Craig Ward, Monte Collins, Joe
Keaton, Kitty Bradbury,Natalie Talmadge y Buster Keaton Jr.
Es una comedia de situación que cuenta la historia de Willie McKay, que se ve inmerso en medio de la pelea de clanes de los
Canfield y los McKay. Se trata de una sátira del conflicto entre los Hatfield y los McCoy de la vida real. Los Canfield y los
McKay han ganado por herencia una fuerte enemistad por generaciones. Por los azares del destino, Willie McKay (Buster
Keaton), al tomar un tren en Nueva York, conoce a Virginia Canfield (Natali Talmadge).
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LA CAJA DE PANDORA: es una película muda alemana, basada libremente en las novelas de Frank
Wedekind Erdgeist (El espíritu de la Tierra) (1895) y Die Büchse der Pandora (1904), que se estrenó el 30 de enero
de 1929. Fue dirigida por el cineasta austriaco Georg Wilhelm Pabst.
Fue protagonizada por Louise Brooks. Y también por: Francis Lederer, Carl Goetz y Alice Roberts.
Lulú es una joven e impulsiva artista de vaudeville de naturaleza desinhibida y sexualidad libre que provoca la perdición
de casi todos los que la conocen. Contrae matrimonio con un respetable editor de periódicos, el Dr. Schön, pero pronto le
conduce a la locura. En una discusión causada por un ataque de celos, ella lo mata accidentalmente al intentar
arrebatarle una pistola. En el juicio es encontrada culpable de homicidio pero se escapa de la justicia con la ayuda de su
antiguo chulo (al que ella considera como un padre) y del hijo de su marido muerto, que también está enamorado de
ella. Tras pasar varios meses en un garito de juego ilegal en Francia, donde Lulú es casi vendida como una esclava,
escapa y termina con sus amigos en una miserable buhardilla en Londres. Llevada por la pobreza a la prostitución Lulú
encuentra su perdición en Nochebuena a manos de Jack el destripador.
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EL MAQUINISTA DE LA GENERAL: es una de las películas más famosas en la historia del cine mudo. Siguiendo con lo que
en él era habitual, Buster Keaton realizó un film lleno de humor y situaciones embarazosas, entre cabriolas y equilibrios.
Con una buena fotografía y una planificación minuciosa, consiguió crear una cinta llena de comicidad, emoción y poesía
que publicó en 1926.
Protagonistas: Buster Keaton (Johnnie Gray), Marion Mack (Annabelle Lee), Charles Henry Smith (Mr. Lee), Richard Allen (Frank
Barnes), Glen Cavender (capitán de la Unión Anderson).
Johnnie, un maquinista de ferrocarril enamorado de Annabelle, debe salvarla de los malos (del ejército yanqui), que la tienen
secuestrada en The General. La película desarrolla la historia de Johnnie Gray (Buster Keaton), un maquinista de la Western &
Atlantic que tiene dos pasiones en su vida, su locomotora "La General" y su novia Annabelle Lee (Marion Mack). Cuando estalla
la guerra civil, Annabelle pide a Johnnie que se aliste en el ejército sudista para luchar contra la Unión. Desgraciadamente, en el
momento en que va a inscribirse no es admitido pues lo consideran más útil en su profesión de maquinista que en su posible
aportación como soldado. Annabelle cree que fue un acto de cobardía y decide no hablar más a Johnnie. Un año después,
Annabelle tiene que viajar porque su padre está herido, y lo hace en la locomotora de Johnnie, al que aún no habla. A mitad del
recorrido un grupo de nordistas, intentando enlazarse con el ejército de la Unión en Chattanooga, deciden poner en marcha un
plan que incluye el robo de "La General". Cuando llevan a cabo su huida descubren que Annabelle permanece en la locomotora y
se la llevan como prisionera. Johnnie intentará recuperar él mismo su locomotora y al mismo tiempo a su amada, aunque desde
el principio no lo sabe...
5.Concepto y tipos de plano
En el cine, un plano es una tira continua de película cinematográfica, creado a partir de una serie de fotogramas, que corre
por un período ininterrumpido de tiempo. Los planos son generalmente filmados con un simple cámara y puede ser de
cualquier duración. Un plano en una producción, definido por el comienzo y el final de un proceso de captura, es
equivalente a un clip en una edición, descrito como un metraje continuo entre dos ediciones. Los fotogramas, planos,
clips, escenas y secuencias forman una jerarquía de unidades fundamentales para varias tareas en la creación de material
visual.
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TIPOS DE PLANOS:
El gran plano general: el sujeto o no está o bien queda diluido en el entorno, lejano, perdido, pequeña. Tiene un valor
descriptivo y puede adquirir un valor dramático cuando se pretende destacar la soledad o la pequeñez del hombre frente al
medio. Se da así más relevancia al contexto que a las figuras que se filman.
El plano entero: es el encuadre donde los límites superiores e inferiores coinciden con la cabeza y los pies del sujeto.
El plano medio: es la distancia adecuada para mostrar la realidad entre dos sujetos, como es el caso de las entrevistas o en
la clase de CAM. Se muestra a los personajes de la cintura hacia arriba.
El primer plano: en el caso de la figura humana, recogería el rostro y los hombros. Este tipo de plano, al igual que el plano
detalle y el primerísimo primer plano se corresponde con una distancia íntima, ya que sirve para mostrar confidencia e
intimidad respecto al personaje.
También tres raros tamaños de campos usados son: el extremo gran plano general, el plano americano y el plano italiano.
Aunque nos podemos encontrar a su vez por otros tipos de planos, por la ubicación de la cámara: plano aéreo, plano de
vista de pájaro, plano nadir, el plano sobre el hombro, el plano subjetivo, el plano invertido y el plano dúo. Por otro
criterio nos encontramos con: el plano detalle, el plano de establecimiento, el plano maestro, el plano de fotograma
congelado y el plano inserto.
6.Técnicos del cine
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Producción: El productor cinematográfico es el encargado de los aspectos organizativos y técnicos de la elaboración de
una película, es el responsable de convertir la idea en película. Está a cargo de la contratación del personal, del
financiamiento de los trabajos y del contacto con los distribuidores para la difusión de la obra. Si su tarea se limita a
algunos aspectos puntuales del proceso técnico o creativo, se lo llama "co-productor".También forman parte del área
el director de producción, el productor ejecutivo, el jefe de locaciones y el asistente de producción.
•
Dirección: El director cinematográfico es el profesional que dirige la filmación de una película, el responsable de la puesta
en escena, dando pautas a los actores y al equipo técnico, tomando todas las decisiones creativas, siguiendo su estilo o
visión particular, supervisando el decorado y el vestuario, y todas las demás funciones necesarias para llevar a buen
término el rodaje. También forman parte del área el asistente de dirección y el denominado script . Por otro lado, trabaja
en conjunto con el director de actores.
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Guión: el guionista es la persona encargada de confeccionar el guion. Muchos escritores se han convertido en guionistas
de sus propias obras literarias. Dentro del guion cinematográfico se distinguen el guion literario o cinematográfico, que
narra la película en términos de imagen (descripciones) y sonido (efectos y diálogo), y está dividido en actos y escenas. Es
necesario distinguir el guion literario del guion técnico, que agrega al anterior una serie de indicaciones técnicas (tamaño
de plano, movimientos de cámara, etc.) que sirven al equipo técnico en su labor y que, a diferencia del guion literario,
suele elaborarlo el director, no el guionista.
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Sonido: En rodaje, los encargados del sonido cinematográfico son el técnico de sonido y los microfonistas. En la
postproducción se suman el editor de sonido, el compositor de la música incidental y los artistas de efectos sonoros (foley)
y de doblaje, para generar la banda sonora original. El sonido es muy importante porque amplía los límites de la pantalla,
soluciona problemas narrativos, cohesiona el montaje, influye en el espectador de forma inconsciente y transmite historias
y emociones.
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Fotografía: El director de fotografía es la persona que determina cómo se va a ver la película, es decir, es quien determina,
en función de las exigencias del director y de la historia, los aspectos visuales de la película: el encuadre, la iluminación,
la óptica a utilizar etc. Es el responsable de toda la parte visual de la película, también desde el punto de vista conceptual,
determinando la tonalidad general de la imagen y la atmósfera óptica de la película. El equipo de fotografía incluye
al director de fotografía, del camarógrafo, el primer asistente de cámara o foquista, el segundo asistente de cámara, el
cargador de negativos, el jefe de eléctricos, los eléctricos u operadores de luces, los operadores de travelling , los
estabilizadores de cámara y otros asistentes o aprendices.
•
Montaje: es la técnica de ensamblaje de las sucesivas tomas registradas en la película fotográfica para dotarlas de forma
narrativa. Consiste en escoger (una vez que se ha rodado la película), ordenar y unir una selección de
los planos registrados, según una idea y una dinámica determinada, a partir del guion, la idea del director y el aporte del
montador. El montador sincroniza la imagen con el sonido. Visiona las tomas diarias junto al director y los miembros clave
del equipo. La preparación de estas tomas diarias se desarrolla cada día a lo largo del rodaje de la película. La
posproducción es el momento en que el montador ha reunido todo el material necesario para completar un primer
montaje de la película. Después de que el director y el productor aprueban el montaje final, un montador de sonido
especializado corrige los posibles problemas con éste. Si fuera necesario, el montador de sonido regraba los diálogos en un
estudio de grabación, mientras los actores ven en proyección la imagen correspondiente. Este proceso se conoce como
doblaje. Los montadores de sonido reúnen las grabaciones y crean a veces nuevos sonidos (efectos sonoros) para
intensificar la fuerza dramática de una escena. Mientras se prepara la banda de sonido, el montador también supervisa los
efectos ópticos y los títulos que se van a incorporar a la película. Uno de los pasos finales es la preparación y la mezcla de
las diferentes bandas sonoras en un único máster, primero magnético, que contendrá los diálogos, música, sonido directo
y efectos de sonido, sincronizados con la imagen y adecuado al volumen de cada banda. La mezcla sin los diálogos hace
posible el doblaje para la distribución de la película en otros idiomas. Operador de cámara: Es el encargado de realizar y
llevar a cabo todos los movimientos de cámara que sean necesarios para adaptarse al guion bajo la dirección del director.
•
Arte (Diseño de producción): El área artística puede tener un director de arte o varios. Están coordinados por un
diseñador de producción, quien está a cargo de la estética general de la película. Estos directores tendrán asistentes y
encargados
específicos,
como
escenógrafos,
encargados
de
vestuario,
modistas, maquilladores, peluqueros/as, utileros y otros miembros suplementarios como pintores, carpinteros o
constructores. También dependen de esta área especialistas en los efectos visuales y ópticos que se realicen en el
rodaje, así como otros efectos realizados durante la fase de postproducción.
•
Stunts: (Doble es la persona encarga de salvaguardar la integridad del actor que no cuenta con las habilidades
necesarias para realizar escenas de riesgo. Estos están preparados física y mentalmente, es una persona capaz y
acostumbrada para hacer actividades de riesgo al rodar escenas en cine.
•
Storyboards: es un guion gráfico que se utiliza para definir las secuencias, así como las variaciones de plano, gestos y
posiciones de los actores, en cada una de las escenas antes de rodarla; en él vemos como si de un cómic se tratase la
película completa. Además este elemento es fundamental para la buena comprensión del equipo técnico hacia lo que
se va a rodar, incluyendo anotaciones con las dificultades de algunos planos o cosas a tener en cuenta. En la creación
de un storyboard, los personajes y el fondo se pueden retratar únicamente mediante siluetas, pero siempre
recalcando los elementos importantes en la acción como pueden ser flechas para indicar movimiento de cámara o de
actores, o la expresión de un actor en un plano determinado para cuidar hasta el más mínimo detalle y la producción
sea excelente.
•
Distribución y exhibición: Los distribuidores, generalmente empresas independientes de las productoras, compran los
derechos de exhibición en salas de cine, o para su emisión por televisión, y venden los derechos de la película a los
exhibidores (individuales o cadenas de exhibidores), cadenas de televisión, videoclubes u otros establecimientos
donde se vendan las cintas de vídeo. Son también encargados de la publicidad y de la promoción de las películas, de
hacer las copias necesarias para la exhibición y de controlar las cifras de ingresos y gastos. El productor cede al
distribuidor un porcentaje de los ingresos de la película que por lo común alcanza el 50%. Además el distribuidor
deduce de los beneficios del productor el importe de las copias de la película. Los mercados secundarios son aquellos
que proporcionan ingresos adicionales, que no eran el objetivo inicial de la producción. Estos mercados incluyen una
diversidad de objetos: juguetes con el nombre de los personajes de la película (especialmente en el caso de las de
dibujos animados), camisetas, publicación del guión, cortometrajes sobre las incidencias del rodaje (el cómo se hizo
o making of) y grabaciones en disco, casete o compacto de la banda sonora original. Los productores buscarán
compositores conocidos a los que ceden los derechos de la distribución fonográfica de su música.
7. Orden de importancia del equipo
técnico cinematográfico
8. Directores de cine internacionales
•
SERGUÉI EISENSTEIN (1898-1948) fue un director de cine y teatro soviético de origen judío. Su innovadora técnica
de montaje sirvió de inspiración para el cine posterior.
Dejo el teatro y se centró en el cine. Eisenstein desarrolló su propia teoría del montaje. Y, sus
publicaciones al respecto serían luego de gran influencia para varios mas directores. Con
frecuencia no utilizaba actores profesionales para sus películas. Sus narrativas evitaban el
individualismo y, en cambio, iban dirigidas a cuestiones más amplias de la sociedad, especialmente
a conflictos de clases. Sus actores eran por lo usual personas sin entrenamiento en el campo
dramático, tomadas de ámbitos sociales adecuados para cada papel. Su principal mensaje político
se basó en la organización, la participación y la lucha «Como quieras, quiero.» Sus ideales
comunistas lo condujeron en varias ocasiones a conflictos con funcionarios del gobierno
soviético. Stalin era consciente del poder del cine como medio de propaganda, y consideró a
Eisenstein como una figura controvertida. Su popularidad se profundizó más tarde con el éxito de
sus películas, entre ellas El acorazado Potemkin (1925), calificada una de las mejores películas de
todos los tiempos. Sus ensayos literarios cinematográficos y sus dotes como orador, teniendo en
cuenta que hablaba además alemán, inglés y francés, hizo que ejerciera una gran influencia sobre
la teoría cinematográfica en la época.
Filmografía. El diario de Glúmov; La Huelga; El acorazado Potemkin; Octubre; La línea general; ¡Que viva México!; El prado de
Bezhin; Alejandro Nevski; Iván el Terrible; Romance sentimental; Trueno sobre México; Eisenstein en México y Día de muerte.
Por ejemplo, la realización de Alexander Nevsky en 1938, su primera película sonora, una epopeya patriótica que relataba la
lucha de los rusos contra los caballeros teutónicos en el siglo XI le hizo ganar el premio Stalin y que le concedieron la Orden de
Lenin.
•
GEORGE ORSON WELLES (1915 - 1985) fue un actor, director, guionista y productor de cine estadounidense.
Es considerado uno de los artistas más versátiles del siglo XX en el campo del teatro, la radio y
el cine, en los que tuvo excelentes resultados. Alcanzó el éxito a los veintitrés años gracias a la
obra radiofónica The War of the Worlds, que causó conmoción en los Estados Unidos cuando
muchos oyentes del programa pensaron que se trataba de una retransmisión verdadera de una
invasión extraterrestre. Este sensacional debut le valió un contrato para tres películas con el
estudio cinematográfico RKO, que le otorgó libertad absoluta en sus realizaciones. A pesar de
estos beneficios, sólo uno de sus proyectos previstos pudo ver la luz: Citizen Kane ,su película
más exitosa.
Su carrera posterior fue obstaculizada por una larga serie de dificultades e inconvenientes que
le impidieron seguir trabajando en Hollywood y le obligaron a trasladarse a Europa, donde
trabajó como actor para financiar sus producciones. Su fama creció tras su muerte en 1985 y
ahora se le considera uno de los más grandes directores de cine y teatro del siglo XX.
Filmografía. Entre sus muchos proyectos destaca la producción y dirección de películas como Macbeth (1948), Otello
(1952), Touch of Evil (1958), El proceso (1962) y F for Fake (1975), entre otros.
En 2002 fue elegido por el British Film Institute como el mejor director de la Historia del cine.
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SIR ALFRED JOSEPH HITCHCOCK (1899 -1980) fue un director de cine y productor británico.
Fue pionero en muchas de las técnicas que caracterizan a los géneros cinematográficos
del suspense y el thriller psicológico. Tras una exitosa carrera en el cine británico en películas
mudas y en las primeras sonoras, que le llevó a ser considerado el mejor director de Inglaterra,
Hitchcock se trasladó a Hollywood en 1939. A lo largo de una carrera que duró más de medio
siglo, Hitchcock configuró un estilo cinematográfico distintivo y muy reconocible. Fue
innovador en el uso de la cámara para imitar la mirada de una persona, obligando de esta
manera a los espectadores a participar de cierta forma de voyeur ismo, empleaba encuadres
para provocar ansiedad, miedo o empatía y desarrolló una novedosa forma
desmontaje fílmico. Sus historias a menudo están protagonizadas por fugitivos de la ley y sus
actrices protagonistas suelen ser de pelo rubio. Muchos de sus filmes presentan giros
argumentales en el desenlace y tramas perturbadoras que se mueven en torno a la violencia,
los asesinatos y el crimen. Con frecuencia, los misterios que articulan las tramas no son más
que señuelos que sirven para hacer avanzar la historia pero no tienen mayor importancia en el
argumento. Las películas de Hitchcock también abordan a menudo temas del psicoanálisis y
tienen marcadas connotaciones sexuales. Gracias a los cameos en muchos de sus filmes, las
entrevistas, los avances publicitarios de sus películas y el programa de televisión Alfred
Hitchcock Presenta, el cineasta se convirtió en un icono cultural.
Filmografía: Hitchcock dirigió más de cincuenta películas a lo largo de seis décadas. Por ejemplo: Number 13, The Lodger, The
Ring, Champagne, Mary, Murder!
Reconocido a menudo como el mejor cineasta británico, apareció el primero de una encuesta realizada entre los críticos de
cine en 2007 por el periódico The Daily Telegraph. El diario lo definió así: «Indudablemente el más grande cineasta nacido en
estas islas, Hitchcock hizo más que cualquier otro director para dar forma al cine moderno, que habría sido completamente
diferente sin él». La revista MovieMaker lo ha descrito como el director más influyente de todos los tiempos y es
ampliamente considerado como uno de los artistas más importantes del séptimo arte.
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FRANÇOIS TRUFFAUT (1932 - 1984) fue un director, crítico y actor francés. También fue uno de los iniciadores del
movimiento llamado la Nouvelle vague, si bien luego evolucionó de un modo muy personal.
François Truffaut, cuya infancia estuvo más bien desgarrada y fantasiosa, estudió en la
escuela de la rue Clauzel y en el liceo Rollin, aunque nunca fue un alumno ejemplar. A
partir de 1939, el joven Truffaut, que era un lector apasionado de literatura, también se
pasaba la vida en el cine, a veces durante las horas en las que debería estar en clase
(destacó pronto a Renoir, Rossellini, Hitchcock, Vigo, Buñuel, Bresson, Welles, N. Ray, K.
Vidor, Ophuls, Sternberg, Stroheim). Así pues empezó un faceta de director….
Filmografía. Entre las muchas películas de Truffaut, cabe destacar la serie en la que aparece el personaje de Antoine
Doinel, interpretado por el actor Jean-Pierre Léaud, quien inicia con 14 años su carrera de actor en Los cuatrocientos
golpes: será el actor-fetiche y alter-ego del propio Truffaut, con el que le confundieron alguna vez, según aparece en Les
aventures de Antoine Doinel, libro prologado por Truffaut que recoge sus guiones de toda esa secuencia de filmes. Esta
serie seguirá hasta El amor en fuga, y pasando por un episodio de El amor a los 20 años, Besos robados y Domicilio
conyugal junto a Claude Jade en el papel de Christine, amiga y mujer de Doinel. Una hija de Truffaut, Eva Truffaut seguía
en 2004 buscando las últimas escenas de su padre y ha producido un serial radiofónico El diario de Alphonse, en donde
aparecen Christine Doinel (Claude Jade) y su hijo Alphonse (Stanislas Merhar).Lector apasionado, Truffaut llevará al cine
muchas novelas y otras de sus obras nacen de guiones originales.
Le concedieron los Premios César la Academia del Cine francés.
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STEVEN ALLAN SPIELBERG (1946), es un director, guionista, productor de cine y diseñador de videojuegos
estadounidense. Es uno de los directores más reconocidos y populares de la industria cinematográfica mundial.
Ha sido candidato siete veces a los Premios Óscar en la categoría de mejor director,
obteniendo el premio en dos ocasiones, con La lista de Schindler (1993) y Saving Private
Ryan (1998) y tres de sus películas lograron récord de taquillas, convirtiéndose en las
películas de mayor recaudación en su momento. Ha sido también condecorado con
la Orden del Imperio Británico y la National Humanities Medal. Gran aficionado al cómic,
posee una gran colección, que incluye el número 1 de la revista Mad. En el mundo del
espectáculo, se le conoce como "El Rey Midas de Hollywood". Según la revista Forbes la
fortuna de Spielberg supera los 3 mil millones de dólares norteamericanos.
Filmografía. Lincoln;: War Horse, Salvar al Soldado Ryan; Las aventuras de Tintín; Múnich, Jaws, Tiburón, el extraterrestre, El
imperio del sol, Indiana Jones and the Temple of Doom, Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal, Indiana Jones y la
última cruzada. Y así hasta un sinfín de películas magníficas…
7 globos de oro en sus manos. Así pues en 1998 como mejor director por Salvar al soldado Ryan; en 1993 por mejor película
Por La lista de Schindler; en 1993 también lo recibió por mejor director gracias a la película de la lista de Schindler. En 1986
Ganó el premio en Memoria de Irving Thalberg. En premio Cecil B. DeMille; en 1999 mejor película y mejor director. En 1994
mejor director por la lista de Schindler. Y también en 1983 recibió otro premio como mejor película, gracias a E. T., el
extraterrestre.
8. Directores del cine nacionales
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FLORIÁN REY de nombre real Antonio Martínez del Castillo (1894 - 1962) fue un director de cine español, uno de los
máximos representantes del cine mudo y de la industria cinematográfica española de la Segunda República.
En 1920 empieza a trabajar como actor . Y al año siguiente es contratado por Gregorio Martínez Sierra para el elenco
del Teatro Eslava. Poco después pasa a la compañía del Teatro de la Princesa. En 1923 actúa en la película Maruxa, obteniendo
un importante éxito que consolida su profesión como actor (actúa en La casa de la Troya, 1924, de Alejandro Pérez Lugín y
Manuel Noriega) y comienza a dirigir en 1924.
En 1927 descubre para el cine a su nuevo iluminador, José María Beltrán, y a la actriz Imperio
Argentina, que protagoniza, bajo su dirección, La Hermana San Sulpicio (1927), que ambos
repetirían, en el cine sonoro, en 1934. En 1929 dirige la que está considerada la obra maestra
del cine español de este periodo, La aldea maldita. Al coincidir con la llegada del sonoro, en
Francia se le dio sonido y se rodaron de nuevo algunas escenas habladas, aunque esta
versión ha desaparecido. La versión existente es la muda con acompañamiento
al piano de Javier Pérez Azpeitia. En 1933, regresa a España. Su primer film plenamente
sonoro es Sierra de Ronda. En esta etapa de la Segunda República, Florián Rey madura la idea
de crear un cine nacional comercial, basado en temas y formas populares. Con estos
presupuestos realizó su trilogía de La hermana San Sulpicio (1934), Nobleza baturra (1935) y
Morena Clara (1936), protagonizadas por Imperio Argentina que exploraban la lucha de la
mujer en un mundo tradicional basado en la religión y la vida rural, actitud ante la mujer muy
acorde con los avances del periodo republicano. La visión conciliadora entre las diferentes
Españas que convivían en estos agitados tiempos de este cine de Florián Rey, suponía un
granito de arena en la forja de una sociedad moderna para España, aunque,
desgraciadamente, la historia desmentiría este propósito con el advenimiento de la Guerra
Civil Española.
El éxito de este cine en los años 30, que pudo competir con el llegado de Hollywood, basándose en temas populares, la
destreza técnica y el gracejo de Imperio Argentina. El director inaugura un periodo dorado con un cine de raíces
costumbristas, apoyado en el folclore y los mitos populares, en números musicales arraigados en nuestra tradición y en una
narrativa fílmica eficaz e inteligente.
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JUAN ANTONIO BARDEM MUÑOZ ( 1922 - 2002) fue un director de cine español y militante del PCE.
Hijo de los actores Rafael Bardem y Matilde Muñoz Sampedro . Aunque es hijo de
actores no se vincula a ese mundo desde un principio, sino que se titula
como Ingeniero agrónomo. Es posteriormente, cuando estudia cine en el instituto de
Investigaciones y Experiencias Cinematográficas, cuando se plantea dedicarse al
mundo del celuloide. De esa época nace la amistad y la colaboración con Luis García
Berlanga. Esa relación fructificó en la película Esa pareja feliz, que ambos codirigieron,
y continuó en Bienvenido, Mister Marshall, de 1953, en la cual ambos fueron
coguionistas y contaron además con una contribución adicional de Miguel Mihura en
los diálogos. Pese a estos éxitos internacionales, Bardem tuvo problemas en España
con la censura, debido a su militancia en el PCE, y en los años 1960 y 1970 apenas
puede desarrollar su trabajo cinematográfico en el país. Es el más politizado de las Tres
Bes del cine español (Bardem, Berlanga y Buñuel). Murió en 2002 a los 80 años debido
a una enfermedad hepática. Poco antes había escrito un libro de memorias titulado Y
todavía sigue. Tiene una calle con su nombre en el barrio del ensanche de Vallecas en
el Sureste de la ciudad de Madrid.
Filmografía. En 1953 comienza a dirigir sus propias películas, de las que destacan Muerte de un ciclista (1955, Premio de la
Crítica internacional en el Festival de Cannes) y Calle Mayor (1956), Premio de la Crítica en el Festival de Venecia). También fue
encarcelado mientras grababa esta película, pasando dos noches en la Dirección General de Seguridad (en el edificio de la
Puerta del Sol que en la actualidad ocupa la Presidencia de la Comunidad de Madrid). Sus películas posteriores no han
recibido el respaldo de la crítica, con la excepción de El puente (1977), en la que intentaba deshacer el discurso
cinematográfico del landismo. También se cuenta entre sus obras Siete días de enero (1979), galardón Golden Price en
el Festival de Moscú), película que narra el asesinato de cuatro abogados laboralistas pertenecientes al Partido Comunista de
España por parte de un comando terrorista de la ultraderecha española, todo ello en plena transición española.
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LUIS GARCÍA-BERLANGA MARTÍ (1921 – 2010) fue un guionista y director de cine español.
Nació en Valencia (España), el 12 de junio de 1921, en el seno de una familia burguesa.
De joven, decidió estudiar Derecho y luego Filosofía y Letras, pero más tarde, en 1947,
ingresó en el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas de Madrid
fue por esta época cuando rodó sus primeros cortos. Cuando su padre ingresó en
prisión por formar parte del Frente Popular, Berlanga, abandonó la Universidad para
enrolarse en la División Azul como medida para que las autoridades tratasen con
benevolencia a su progenitor. En 1951 debutó en largometraje con Esa pareja feliz con
la colaboración de los protagonistas Pepe Isbert, Lolita Sevilla y Manolo Morán.
Filmografía. Entre sus películas destacan Bienvenido Mr Marshall (1953), en colaboración con Bardem, el El
verdugo, Plácido y Todos a la cárcel. A lo largo de su carrera, Berlanga ha trabajado en siete ocasiones con el
guionista Rafael Azcona.
El cine de Berlanga se caracteriza por su mordaz ironía y sus ácidas sátiras sobre diferentes situaciones sociales y
políticas.
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LUIS BUÑUEL : (1900 - 1983) fue un director de cine español naturalizado mexicano. La gran mayoría de su obra fue
realizada en México y Francia, y es considerado uno de los más importantes y originales directores de la historia del cine.
Luis Buñuel Portolés nació en Teruel el 22 de febrero de 1900, y falleció en Ciudad de
México el 29 de julio de 1983. A pesar de ser español, realizó la mayor parte de su obra
tanto escrita como cinematográfica en Francia y en México. Pasó su adolescencia en
Zaragoza, y en 1917 se trasladó a la Residencia de Estudiantes de Madrid, con el objetivo de
hacerse ingeniero agrónomo como deseaba su padre, donde conoció a Federico García
Lorca, a Juan Ramón Jiménez y a Salvador Dalí. En 1924 acabó licenciándose en Filosofía y
Letras. Su primer artículo había aparecido un año antes, y seguirá publicando artículos,
cuentos y poemas en diversos medios vanguardistas, si bien no escribió su primer guión
hasta el 1927. Buñuel estuvo fascinado desde muy joven por el cine, y finalmente consiguió
grabar su primera película, Un perro andaluz (originalmente titulado El marista en la
ballesta, Es peligroso asomarse al interior), el 2 de abril de 1929, con un guión escrito entre
Dalí y él mismo. Acaba alejándose del surrealismo especulativo para acercarse al surrealismo
comunista, haciéndose miembro de la Asociación de Escritores y Artistas Revolucionarios. En
1934 se casa con Jeanne Rucar y tiene su primer hijo. En 1941 comienza a trabajar para el
Museo de Arte Moderno de Nueva York, de allí pasará a Hollywood y posteriormente a
México, rodando más películas y realizando co-producciones mexicanas y francesas
como Nazarín, que obtuvo la Palma de Oro en el Festival de Cannes. Regresa a España,
donde sigue rodando: con Viridiana obtiene de nuevo la Palma de Oro y con Simón del
Desierto, el León de Plata de la Mostra De Venecia. En 1982 publicó sus memorias,
tituladas Mi último suspiro. Falleció al año siguiente, año en el que recibió un doctorado
honoris causa de la Universidad de Zaragoza.
Filmografía. Un perro andaluz; Don Quintín el Amargao; La hija de Juan Simón, Quién me quiere a mi, Centinela alerta.
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CARLOS SAURA ATARÉS (1932) es un cineasta, fotógrafo y escritor español, de amplio prestigio internacional.
Recién finalizado el bachillerato, comenzó a aficionarse a la fotografía, por lo que
abandonaría sus estudios de ingeniería industrial para ingresar en el Instituto de
Investigaciones y Experiencias Cinematográficas de Madrid, donde obtuvo el diploma de
Dirección. En noviembre de 1992 le es concedida la Medalla de Oro de la Academia de
las Ciencias y las Artes Cinematográficas de España. Asimismo, se le han otorgado
importantes condecoraciones por parte de los gobiernos francés (en agosto de 1993 se le
impone la Orden de Artes y Letras de Francia) e italiano (Gran Oficial de la Orden al
Mérito de la República Italiana), así como los galardones más importantes que concede
el Estado Español. En marzo de 1994 fue investido doctor honoris causa por
la Universidad de Zaragoza. Saura tiene también una importante obra como fotógrafo y
es autor de novelas traducidas a más de 20 lenguas, como Esa Luz, Elisa, vida
mía o Pajarico solitario. Con la directora Adela Medrano tuvo dos hijos, Carlos y Antonio
Saura Medrano. Convivió con Geraldine Chaplin durante más de una década y de esta
relación en 1974 nació su hijo Shane. En 1978 comienza su relación con Mercedes Pérez
(1960), con la que contrae matrimonio en 1982 y con la que tiene tres hijos, Manuel
(1981), Adrián (1984) y Diego (1987). En 2006 se casó con la actriz Eulalia Ramón, con la
que tiene una hija llamada Anna. Es hermano del pintor Antonio Saura.
Filmografía. Deprisa, Deprisa; bodas de sangre; Dulces horas; Antonieta; Carme; Los zancos; El amor brujo; El Dorado; La
noche oscura; Sevillanas, El sur; Maratón; Flamenco; Taxi; Pajarico; Tan: Goya en Burdeos; Salomé.
10. Tipos de rodaje
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Master Shot con protecciones. Se filma la escena con varias cámaras, una de ellas en plano genera/LS. Se usa para
tomas o escenas que sólo se pueden llevar a cabo una vez debido a su complejidad.
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Toma por toma: Muchos planos, se hace el montaje en edición, por lo general se filma a una cámara.
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Plano secuencia: una sola toma que es continua, no hay cortes ni edición.
11. Montaje cinematográfico
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Montaje narrativo: Cuenta los hechos. Ya sea cronológicamente o mezclándolo con saltos al futuro
o al pasado.
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Montaje expresivo: Cuando marca el ritmo de la acción, rápido en las aventuras y en la acción,
lento en el drama y en el suspense.
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Montaje ideológico: Cuando quiere utilizar las emociones, basándose en símbolos, gestos, etc.
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Montaje creativo: Es la operación de ordenar sin tener en cuenta una determinada cronología, sino
como recurso cinematográfico, previamente expresado en el guión o como una operación
totalmente nueva, que tratará de dar coherencia, ritmo, acción y belleza a la obra fílmica.
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Montaje poético: Cuando se realiza como una verdadera obra poética, causando reacciones en el
espectador. Posee intención expresiva, según el cual los fragmentos se combinan de modo que la
atención del espectador responda a las intenciones del realizador. Así, puede suceder que
determinada escena no sea presentada entera y de una sola vez, sino alternada con otra,
estableciéndose entre ambas un montaje en paralelo que puede intensificar las emociones. En
otros casos, en vez de presentar en orden riguroso una cronología de los hechos mostrados, el
cineasta utiliza los flash-back, o vuelta atrás, y los flash-forward, o saltos hacia adelante.
12. Elementos del lenguaje
cinematográfico
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El Color. Antes se rodaban las películas en blanco y negro, con lo que apenas se podían distinguir cambios perceptibles en
los decorados, el vestuario. El color, más que nada, es un elemento expresivo. Los colores, según cual sea, provocan
distintas sensaciones.
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Los Sonidos. Antes, incorporarle sonido al cine mudo supuso un gran fracaso. Las voces de los actores eran un tanto
desagradables, lo que hizo del cine este mencionado fracaso.
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Encuadre. Espacio imaginario que seleccionamos del todo para enmarcar lo que queremos que se vea. Utilizamos planos
para ello.
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DECORADO: Lugar que aparece en la secuencia del guión.
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LOCALIZACIÓN: lugar donde se rueda la secuencia.
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Secuencia: Unidad narrativa amplia. Bloque de acción con comienzo y fin.
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Escena: Conjunto de planos unidos por un criterio de unidad de E/T
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Plano: Encuadre sobre una acción. Las escenas están divididas en planos. Cada vez que cambia el encuadre, es un nuevo
plano.
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Toma: De acción a corte. Las diferentes veces que se repite un plano sin
cambiar ningún elemento de cámara.
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Pick up: Cuando se hace una toma de sólo una parte de un plano.
Fuentes utilizadas
Principalmente me he guiado de la WIKIPEDIA. Y, las
imágenes las he encontrado en el buscador de google.
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