El Greco
TRABAJO REALIZADO POR
Elsa Muenala Chalán 2º ESO
ÍNDICE
1. BIOGRAFÍA
2. CUADROS
3. ANÁLISIS DE SU OBRA
4. SIGNIFICADO DE MANIERISMO
5. EL ENTIERRO DEL CONDE DE ORGAZ
5.1 Fecha
5.2 Dimensiones
5.3 ¿Para quién lo pintó?
5.4 Análisis del cuadro
BIOGRAFÍA
(Doménicos Theotocópoulos; Candía, hoy Heraklion, actual Grecia, 1541 - Toledo,
España, 1614) Pintor español. Aunque nacido en Creta, isla que en aquella época
pertenecía a la República de Venecia, El Greco desarrolló su peculiar estilo y la mayor
parte de su trayectoria artística en España. Se formó en su isla natal como pintor de
iconos, antes de trasladarse a Venecia, donde conoció la obra de Tiziano yTintoretto,
artistas que, junto con Miguel Ángel, fueron los que más influyeron en su pintura.
A partir de 1570, tras una estancia de siete años en Roma, El Greco se trasladó a Toledo
por invitación del canónigo Diego de Castilla, quien le encargó un retablo para la iglesia
de Santo Domingo el Antiguo. Llevaba diez años en Toledo cuando Felipe II le
encomendó una obra para el monasterio de El Escorial; pero El martirio de san
Mauricio no gustó al soberano español, quien ya nunca volvió a contar con el artista.
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BIOGRAFÍA
Ello supuso una decepción enorme para El Greco, ya que aspiraba a convertirse en pintor
de corte, pero no entorpeció su carrera, puesto que era ya un pintor solicitadísimo tanto
por los aristócratas como por los eclesiásticos toledanos. No es de extrañar, por tanto,
que su obra sea extraordinariamente fecunda.
Se conocen algunas de sus creaciones anteriores a su llegada a España, lo cual permite
afirmar que El Greco creó su peculiar estilo después de su establecimiento en Toledo,
seguramente influido por el fervoroso ambiente religioso de la ciudad. Sus figuras
alargadas, pintadas con pincelada fluida, parecen criaturas inmateriales, carentes de
solidez física e imbuidas de una intensa espiritualidad. A ello hay que añadir su paleta
originalísima, de colores fríos, que consigue efectos sorprendentes con los rojos, los
azules y en particular los blancos, de una rara intensidad y nitidez.
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BIOGRAFÍA
Aunque pintó sobre todo obras religiosas, se le deben también importantes retratos
(Félix Paravicino, El caballero de la mano en el pecho) y algunos cuadros de temática
diversa. La obra más admirada de El Greco es El entierro del conde de Orgaz, por el hecho
de que el artista se valió de este acontecimiento para dejar constancia del momento en
que le tocó vivir; para ello, dividió el cuadro en dos planos, uno celestial en la parte
superior y otro terrenal en la inferior, de tal modo que la obra es al mismo tiempo un
cuadro religioso y un retrato de grupo.
El plano superior, el celestial, no se aparta de sus restantes obras religiosas y presenta
idéntico hondo misticismo y parecida intensidad dramática; la novedad se encuentra en
el plano terrenal, donde los principales personajes del Toledo de la época, incluidos el
propio pintor y su hijo, aparecen reproducidos con absoluta fidelidad.
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BIOGRAFÍA
De la conspicua producción religiosa de El Greco cabe destacar El Expolio de Cristo, El
Bautismo de Cristo, La Adoración de los pastores y diversos Apóstoles, en los que
resulta admirable la expresividad de los rostros y los ademanes.
En los últimos años de su carrera el artista pintó dos celebrados Paisajes de Toledo y
un cuadro mitológico, Laocoonte, que sorprende por su temática, inusual en la España
del momento. Sobre un fondo de hermoso paisaje, las figuras de Laocoonte y sus hijos
se retuercen en su lucha contra las serpientes y el artista se sirve hábilmente de sus
contorsiones para dotar a la obra de una composición admirable.
Máximo exponente del manierismo pictórico en España, El Greco es también la
primera figura de proyección universal de la pintura española y uno de los grandes
genios de la historia del arte.
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CUADROS
La curación del ciego
La expulsión de los mercaderes
El Laocoonte
Vista de Toledo
La anunciación
Muchacho encendiendo
una candela
El entierro del conde
de Orgaz
El expolio
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LA CURACIÓN DEL CIEGO
El Greco tuvo contacto con los talleres de los
pintores manieristas más importantes de la
época, El Veronés,Tintoretto y Tiziano. No
aparece en esta obra el barniz oriental
característico
de
La
Adoración
de
los
Reyes oTránsito de la Virgen. Por el contrario, el
pintor crea varios grupos de figuras y desarrolla
por primera vez un espacio con perspectiva. La
escena se desarrolla en una amplia plaza rodeada
por edificios clásicos y un arco triunfal.
Cristo y el ciego presiden el principal grupo a la izquierda, los discípulos a la derecha y un pequeño
contingente en el centro. Todos se encuentra en movimiento, de acuerdo al eclecticismo de la época.
Esta obra muestra un dominio completo de la luz, el color y las pinceladas rápidas que aplica el pintor
permiten modelar con acierto.
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CUADROS
CUADROS
LA EXPULSIÓN DE LOS MERCADERES
La expulsión de los mercaderes del templo es un
cuadro pintado por El Greco. Este óleo sobre
tela mide 106 centímetros de alto y 130 cm de
ancho, y fue ejecutado hacia el año 1600. Se
conserva en la National Gallery de Londres, Reino
Unido. Además existen otras cinco versiones de
este mismo tema. Las dos primeras corresponden
al periodo italiano.
En ésta desaparecen figuras laterales de versiones anteriores y tanto el grupo de mercaderes
expulsados de la izquierda como el de la derecha adquieren prácticamente la composición definitiva
que se conservó en el resto de versiones. Cristo adquiere respecto a los cuadros anteriores más
jerarquía quedando totalmente exento de las figuras que lo rodean, también mediante efectos de luz
adquiere más protagonismo, básicamente apagando el resto de personajes.
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CUADROS
CUADROS
EL LAOCOONTE
Es una de las pocas obras mitológicas de El
Greco, quien era eminentemente un pintor
religioso. Aquí representa la historia y el castigo
de Laocoonte a manos del dios Poseidón. Para
obtener la impresión de violencia, el pintor
aplica fuertes escorzos. Al fondo de la escena
podemos apreciar un paisaje de Toledo, y no
de Troya como se creía, pues según la tradición
fue
fundada
por dos
descendientes
de
los troyanos: Telamón y Bruto.
La violencia y el dramatismo de la obra se consiguen a través de una luz fantasmal que ilumina el
primer plano. Esta es una de las últimas obras de El Greco, quien la dejó inconclusa a su muerte
en abril de 1614. Se considera que en ella colaboró Jorge Manuel, hijo del pintor.
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CUADROS
CUADROS
VISTA DE TOLEDO
Se trata de un cuadro al óleo sobre tela de
121 centímetros de alto y x 106 cm de ancho realizado
entre los años 1604 y 1614. Se conserva en el Museo
Metropolitano de Arte de Nueva York. Pintado en un
estilo manierista, o incluso barroco, el cuadro
representa la ciudad de Toledo. Adopta un punto de
vista bajo. No obstante, la obra se toma algunas
libertades en relación con la verdadera disposición de
Toledo. Algunos edificios están representados en
posiciones diferentes a las de su verdadera ubicación,
pero fielmente representa el castillo de San Servando a
la izquierda.
A la derecha se ve el Alcázar y la catedral con su campanario; en el centro se ve el corte del Tajo,
atravesando el puente de Alcántara. Los monumentos están iluminados por una luz fantasmagórica
que retrata sus perfiles nítidamente.
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CUADROS
CUADROS
LA ANUNCIACIÓN
Es una de las imágenes mejor logradas del período
veneciano de El Greco. No se sabe a ciencia cierta si
es un boceto o una composición ligada al Tríptico de
Módena. Destacan las influencias de Tiziano, en la
figura de María y en la organización de la
composición, y Tintoretto, sobre todo en la
arquitectura de la estancia. Al fondo se observa un
cuadro de ángeles. Esta obra aún mantiene el canon
clásico del arte bizantino y difiere notablemente de
las últimas obras del cretense. Sin embargo, resulta
atractivo el juego de miradas entre la Virgen y el
arcángel, reforzado por la diagonal que da un eje a la
composición
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CUADROS
CUADROS
EL SOPLÓN
Muchacho encendiendo una candela o El soplón es una obra
de El Greco, realizada en 1571 durante la estancia del artista
cretense en Roma. Pudo haber sido un encargo ducal, aunque
no se conoce a ciencia cierta su origen.
El pintor repetirá este tema varias veces a lo largo de su
carrera. El cuadro está inspirado en un pasaje de la Naturalis
Historia de Plinio el Viejo, que menciona a varios pintores y
escultores que representan a muchachos encendiendo fuego.
En la obra, concebida tal vez durante la estancia de El Greco y
otros intelectuales en el palacio Farnesio, un muchacho
intenta encender una vela valiéndose de un ascua, que incide
de diferente manera en la camisa. Un fogonazo de luz sobre el
fondo oscuro impide ver cualquier referencia al espacio
pictórico.
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CUADROS
CUADROS
EL ENTIERRO DEL CONDE DE ORGAZ
Óleo sobre lienzo de 4,80 x 3,60 metros, pintado en
estilo manierista por El Greco entre los años 1586 y
1588. Fue realizado para la parroquia de Santo
Tomé de Toledo, España. Está considerada una de las
mejores y más admiradas obras del autor.
El cuadro representa el milagro en el que, según la
tradición,
san
Esteban
y
san
Agustín
bajaron
del Cielo para personalmente enterrar a Gonzalo Ruiz de
Toledo, como premio por una vida ejemplar.
El pintor cretense incorporaría a la zona superior la
representación del Juicio y la aceptación en el Cielo del
alma del señor de Orgaz. También cargaría a la escena
del entierro de un aire de actualidad, retratando a
varones de su tiempo con ropajes del siglo XVI y situando los hechos en un oficio de difuntos con
las características de la época.
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CUADROS
CUADROS
EL EXPOLIO
El Expolio es un cuadro pintado por El Greco para la Sacristía
de la Catedral de Toledo. Es un Óleo sobre lienzo y mide
285 centímetros de alto y 173 cm de ancho, fue realizado
entre los años 1577 y 1579 y se conserva todavía en la
Sacristía de la Catedral de Toledo, España. En 2013 fue
restaurado en los talleres del Museo del Prado, quedando
expuesto en la pinacoteca madrileña hasta su devolución a la
Catedral de Toledo, que tuvo lugar en Febrero de 2014, a
tiempo para la celebración del cuarto centenario del
fallecimiento del artista.
Según Cossío, este cuadro es el más poético y de expresión
más elevada del artista, suponiendo un momento cumbre de
su producción. Para Gudiol es una de las mejores obras del
pintor y obra capital en la historia de la pintura europea.
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CUADROS
CUADROS
ANALISIS DE SU OBRA
La formación del Greco le permitió lograr una conjunción entre el diseño
manierista y el color veneciano. Sin embargo, en Italia los artistas estaban
divididos: los manieristas romanos y florentinos defendían el dibujo como
primordial en la pintura y ensalzaban a Miguel Ángel, considerando el color
inferior, y denigraban a Tiziano; los venecianos, en cambio, señalaban a
Tiziano como el más grande, y atacaban a Miguel Ángel por su imperfecto
dominio del color. El Greco, como artista formado en ambas escuelas, se
quedó en medio, reconociendo a Tiziano como artista del color y a Miguel
Ángel como maestro del diseño. Aun así, no dudó en desacreditar con
dureza a Miguel Ángel por su tratamiento del color.
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ANALISIS DE SU OBRA
Pero los estudiosos coinciden en señalar que fue una crítica engañosa, pues
la estética del Greco compartía los ideales de Miguel Ángel de primacía de
la imaginación sobre la imitación en la creación artística. Sus escritos
fragmentarios en varios márgenes de libros indican su adhesión a las teorías
manieristas, y permiten comprender que su pintura no fue fruto de visiones
espirituales o reacciones emocionales, sino que trataba de crear un arte
artificial y antinaturalista.
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MANIERISMO
Estilo que surgió en Italia hacia 1520,caracterizado por el rechazo al
clasicismo y a la rigidez de sus normas y por la utilización libre de las
formas, llegando incluso a deformar la realidad.
Manierismo es la denominación historiográfica del periodo y estilo artístico que se
sitúa
convencionalmente
en
las
décadas
centrales
y
finales
del
siglo
XVI (Cinquecento en italiano), como parte última del Renacimiento (es decir, un Bajo
Renacimiento). Su caracterización es problemática, pues aunque inicialmente se
definió como la imitación de la maniera de los grandes maestros del Alto
Renacimiento (por ejemplo, el propio Tintoretto pretendía dibujar como Miguel
Ángel y colorear como Tiziano), posteriormente se entendió como una reacción
contra el ideal de belleza clasicista y una complicación laberíntica tanto en
lo formal (línea serpentinata, anamorfosis, exageración de los movimientos,
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MANIERISMO
los escorzos, las texturas, los almohadillados, alteración del orden en los elementos
arquitectónicos) como en lo conceptual (forzando el decorum y el equilibrio altorenacentistas, una "violación de la figura"), que prefigura el "exceso" característico del
Barroco. Por otro lado, también se identifica el Manierismo con un arte intelectualizado
y elitista, opuesto al Barroco, que será un arte sensorial y popular. Considerado como
una mera prolongación del genio creativo de los grandes genios del Alto Renacimiento
(Leonardo, Rafael, Miguel Ángel, Tiziano) por sus epígonos (como los leonardeschi), el
Manierismo fue generalmente minusvalorado por la crítica y la historiografía del arte
como un estilo extravagante, decadente y degenerativo; un refinamiento erótico y una
«afectación artificiosa» cuya elegancia y grazia no fue apreciada plenamente hasta su
revalorización en el siglo XX, que comenzó a ver de forma positiva incluso su condición
de auto-referencia del arte en sí mismo.
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MANIERISMO
La
pintura manierista
es un estilo artístico que predominó
en Italia desde el final del Alto Renacimiento (ca. 1530) y duró hasta alrededor del
año 1580 en Italia, cuando comenzó a ser reemplazado por un estilo más barroco,
pero el manierismo nórdico persistió hasta principios del siglo XVII por gran parte
de Europa1 hacia el año 1610. Se inició en la Roma de los Papas Julio II y León X, y se
difundió por el resto de Italia y de Europa.
El término «manierismo» proviene de maniera moderna (término que profiere de
la Vite de Vasari), en referencia a aquellas obras que se decían realizadas a la manera
de los grandes maestros del Alto Renacimiento. La imitación de las obras de
Leonardo, Rafael y Miguel Ángel hace que se produzcan imágenes artificiosas. En
cierto sentido, la propia grandeza de esas obras maestras cerraba las vías a la
creatividad artística, y a las jóvenes generaciones no les quedaba sino la imitación.
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MANIERISMO
Es un arte propio de la época de crisis, tanto económica como espiritual en el medio de
la Reforma protestante; los diversos problemas se ven simbolizados en el Saco de
Roma en 1527. Los comitentes no son burgueses, sino los aristócratas, mecenas que
deseaban complicadas alegorías cuyo sentido no siempre es claro. Resultaba un estilo
inadecuado para el tema religioso, por lo que en la Contrarreforma se optó por otras
formas más apropiadas.
No se intenta representar la realidad de manera naturalista, sino que se hace extraña,
un poco deformada, como un capricho. Los cuadros ya no transmiten el sereno orden y
equilibrio del Alto Renacimiento sino que se inclinan por representaciones y
complicadas en cuanto a su sentido. Los modelos adoptan posturas complicadas. Se las
representa de manera desproporcionada, elásticas, alargadas. La perspectiva es infinita.
El manierismo resulta refinado y de difícil interpretación. La luz no es natural sino fría y
coloreada de manera antinatural.
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EL ENTIERRO DEL CONDE
FICHA TÉCNICA DEL CUADRO
Nombre: El Entierro del Conde Orgaz
Autor: El Greco (Domenikos Theotokopoulos)
Estilo: Manierista
Fecha: 1586-1588
Localización: Iglesia de Santo Tomé (Toledo)
Datos técnicos: Óleo sobre tela, 4,80 x 3,60 m.
Fue realizado para la parroquia de Santo
Tomé de Toledo, España, y se encuentra
conservado en este mismo lugar.
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ANÁLISIS DEL CUADRO
La obra tiene una serie de características que la sitúan dentro del estilo Manierista de la
pintura. Este estilo nace de la crisis, de una parte el ambiente de optimismo, equilibrio y
confianza del Humanismo, se ve amenazado con los problemas económicos, políticos y
religiosos que culminaron en el “Saco di Roma”. De otra parte la presencia de grandes
maestros en el Arte, parece cerrar a los más jóvenes las posibilidades de creación
independiente, limitándolos a un papel de seguidores que pronto reinterpretarán habida
cuenta de la libertad pictórica que han heredado de los grandes maestros, esto unido al
nuevo interés arqueológico (descubrimiento de El Laoconte, de la Domus Aurea o de Las
Bodas Aldobrantinas) y al proceso altamente intelectualizado con el que se quiere realizar
las representaciones artísticas, sientan las bases del desarrollo de este nuevo estilo.
Estas características del nuevo Arte que podemos observar en la obra que estamos
comentando serán:
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ANÁLISIS DEL CUADRO
Luces de apariencia artificial:
Fenómeno que indica la artificiosidad e intelectualidad que se aplica en la obra, está
tomado de toda la tradición manierista en general por lo que no se puede hablar de una
influencia de un pintor en concreto. En la obra por tanto podemos observar como la parte
celestial tiene una luz diáfana que no emana de una fuente en concreto, o como en la
parte terrenal parecen el cuerpo del señor de Orgaz y los santos más iluminados que el
resto así como las caras de los personajes representados. Esta iluminación no pertenece a
la observación natural, si hubiese sido así las antorchas que portan algunos individuos
hubiesen modificado la luminosidad del cuadro creando unos contrastes entre luces y
sombras. El Greco por tanto utiliza este recurso de una forma artificial que inquieta al
espectador y le hace atraer la mirada hacia unas escenas determinadas.
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ANÁLISIS DEL CUADRO
El alargamiento de las figuras:
Recurso ampliamente utilizado por el pintor en todos sus lienzos hasta tal punto que éste
se ha tomado como característico de su obra. Consiste en el alargamiento voluntario de
las formas buscando en ello una belleza de las formas a través de la estilización de éstas,
existe por tanto una inspiración goticista, pero también una intencionalidad de poner en
cuestión unas reglas y modelos nacidos en el Alto Renacimiento y que a la altura del siglo
XVI son considerados como caducos. Es por este motivo que los tratadistas se harán eco
de la nueva situación argumentando que el cuerpo no se puede medir objetivamente, y
ha de ser el ojo y no las reglas las que marquen la composición de una figura. El Greco
conoce la obra de Miguel Ángel tras su estancia en Roma, conoce a los demás
manieristas, y también sabemos que en su biblioteca se guardaban algunos tratados al
respecto en donde anotó su conformidad con estos postulados
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ANÁLISIS DEL CUADRO
Figuras cortadas:
Es otro de los recursos manieristas utilizados en la pintura, algo impensable dentro del
Renacimiento que postula la armonía, el equilibrio, la composición dentro de la obra, pero
que el Manierismo al romper con las normas no tiene en cuenta, buscando así unos
efectos mayores en el cuadro. Ejemplo de todo ello lo podemos encontrar en las figuras
recortadas que aparecen en los laterales del lienzo.
Figuras serpentinatas:
Es otro de los recursos manieristas utilizados por El Greco. Consiste en la elaboración de
figuras retorcidas que buscan extraños escorzos. Esta idea nace de Miguel Ángel que
quiere con ello imprimir en la figura una expresión no alcanzada anteriormente, idea que
pronto es aceptada y desarrollada por los manieristas. Ejemplo de ello lo podemos
encontrar en la figura del ángel que conduce el alma del señor de Orgaz al cielo y en
menor medida en la posición de otros ángeles de la escena celestial.
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ANÁLISIS DEL CUADRO
Estudio anatómico de los cuerpos:
Característica de influencia Miguelangelesca, que veía en los estudios y representación
anatómicas de los cuerpos una forma de poder representar la belleza. Esta circunstancia la
podemos observar en los desnudos que aparecen en la parte celestial de la obra.
Predominio del color en la composición frente a la línea:
El predominio del color alcanzará su impronta más alta en la representación del alma del
difunto, en donde ésta queda resumida en unas pinceladas de color en donde ha
desaparecido totalmente la línea. En definitiva podemos concluir que en la “lucha” que
contemporáneamente a El Greco se da entre los pintores y tratadistas que defienden la
importancia de la línea y los que postulan el color,(Miguel Ángel y toda la escuela
manierista romana por un lado y por otro Tiziano y la escuela manierista Veneciana). El
Greco tomará partido claro por éstos últimos.
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ANÁLISIS DEL CUADRO
Un cierto “Horro vacui” en la composición:
Ésta es otra de las características del Manierismo, que trata de llenar todo el espacio
pictórico. Ejemplo de ello lo podemos ver sobre todo en la parte celestial en donde
aparecen un sin fin de personajes que llenan por completo la escena.
El movimiento:
Característica manierista que es ampliamente utilizada por los pintores de este estilo,
nace de la importancia que Miguel Ángel le da en la representación de las figuras ya que
el movimiento será una característica de la belleza. El Greco lo utilizará en muchas de sus
obras, si bien en esta no sea algo característico a excepción de las posturas de algunos
ángeles que denotan movimiento. Como conclusión a este apartado podemos situar a El
Greco como un pintor manierista influenciado por Miguel Ángel.
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ANÁLISIS DEL CUADRO
El movimiento:
Característica manierista que es ampliamente utilizada por los pintores de este estilo, nace
de la importancia que Miguel Ángel le da en la representación de las figuras ya que el
movimiento será una característica de la belleza. El Greco lo utilizará en muchas de sus
obras, si bien en esta no sea algo característico a excepción de las posturas de algunos
ángeles que denotan movimiento. Como conclusión a este apartado podemos situar a El
Greco como un pintor manierista influenciado por Miguel Ángel por un lado y por la
escuela veneciana por otro, si bien él funde todas estas tendencias llegando a crear un
estilo personal y propio que ha hecho que algunos estudiosos del tema no se atrevan a
inscribir a El Greco en el Manierismo y recurran a hablar de un estilo excesivamente
personal difícil de clasificación.
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ANÁLISIS DEL CUADRO
ANÁLISIS ICONOGRÁFICO DE LA OBRA:
Bajo la figura central aparece la Virgen María (vestida de rojo y azul como lo demanda la
tradición; rojo porque es coopartícipe de la Pasión de Cristo y azul como color de la
esperanza en el cielo) María, está en disposición de acoger el alma que sube “ayudando”
por medio de un gesto a que ese alma se eleve. Esta posición de la Virgen como intercesora
ante su Hijo, en el papel de Madre será uno de los argumentos contrareformistas más
utilizados en el Barroco unos años después, ya que con el fin de contrarrestar las doctrinas
protestantes, se hará hincapié en la función de quien recibe un culto de hiperdulía de Él.
ANÁLISIS DEL CUADRO
A la izquierda de Cristo (derecha del cuadro) aparecen toda una serie de personajes que
miran adorantemente a Dios. Entre ellos y reconocibles a través de sus atributos, cabe
destacar en primer lugar a San Juan el Bautista, reconocible por su vestimenta de piel de
camello, que quien por se “el primero entre los hijos nacidos de mujer” (como dice el
Evangelio) se encuentra en un primer lugar. Junto a él dos mártires: San Pablo Apóstol (con
la espada de su martirio) y Santiago el Mayor patrón de España, con indumentaria que
asemeja la de un peregrino y con la concha. En segunda fila de este grupo aparece Santo
Tomás (titular de la parroquia y reconocible por la escuadra de arquitecto) y el resto de los
apóstoles al lado de Felipe II, lo cual no deja de ser un sorprendente lugar. En último lugar
aparecen una serie de santos sin identificar que forman el coro celestial alrededor de la
Figura de Cristo. Bajo ellos, en la esquina derecha de la parte celestial de la composición, sí
se pueden identificar a María Magdalena (cabellos despeinados) y a San Sebastián con las
saetas de su martirio, ambos santos con una devoción particular en el lugar.
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ANÁLISIS DEL CUADRO
En la parte izquierda del cuadro aparecen diversas figuras del Antiguo Testamento como el rey
David con su arpa, Moisés con las Tablas de la Ley o Noé al lado de su arca. En definitiva toda
una serie de personajes importantes a quienes se presupone un lugar destacado en la otra vida.
en la parte terrenal de la pintura, tal y como hemos indicado aparece el cuerpo inerte del noble
difunto que es recogido por San Agustín con su vestimenta de obispo y San Esteban, diacono de
la Iglesia y primer mártir. En las casullas y estolas de ambos personajes decora El Greco algunos
personajes bíblicos y otras escenas; ropajes por demás contemporáneos al autor del cuadro,
pero no así a los de la época de las dos figuras retratadas. A este entierro asisten
anacrónicamente el párroco que encarga el cuadro que preside las exequias leyendo el ritual de
los oficios y otros clérigos de su entorno. En la parte opuesta, un fraile franciscano, otro agustino
y un fraile dominico. En la fila del centro una serie de personajes contemporáneos de El Greco, y
el mismo Greco que nos mira de frente, invitando a entrar al espectador en el misterio y milagro
que está ocurriendo, de la misma manera que hace el niño del primer plano hijo de El Greco
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señalando con su dedo al personaje central.
ANÁLISIS DEL CUADRO
Entre la parte terrenal y la celestial aparece el alma del difunto que es ascendida ayudada
por un ángel, personajes que también aparecen por toda la composición distribuyéndose
conforme a la disposición en jerarquías propuesta por el mismo San Agustín. De esta forma
los ángeles serían los más cercanos a los personajes vivos y por tanto más parecidos a los
mortales, los serafines y querubines alrededor de los personajes espirituales, representados
como pequeños amorcillos y finalmente tronos, potestades y poderes al lado de Cristo en
Majestad, entidades sin forma, por lo que el pintor los detalla a base de colores difuminados
que rodean la Figura de Jesús.
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ANÁLISIS DEL CUADRO
En líneas generales podemos hablar de una composición en donde además de relatarnos
un milagro, tal y como se le pide al pintor, éste, ayudado de las indicaciones de los clérigos,
va más allá y nos presenta una visión beatífica del Cielo en todo su esplendor, dándonos así
una lección teológica del mismo. Esto es, que las almas al morir se desprenden del cuerpo y
se dirigen a la otra vida. Éstas serán juzgadas por Dios en la persona de su Hijo,
determinando a quien se les abre el cielo o quienes son condenados para toda la eternidad.
De la misma manera la Virgen y los ángeles conforme a sus distintas jerarquías, sirven de
intermediarios, “ayudando” al alma a elevarse y poder integrase en el Cielo al lado de todas
aquellas personas que a lo largo de la Historia se han hecho merecedoras de Él.
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CUADROS
El Greco
TRABAJO REALIZADO POR
Elsa Muenala Chalán 2º ESO
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