PRINCIPIOS DEL ARTE
APLICADOS AL DISEÑO
Proyecto Primer Semestre - 2007
INSTITUTO AIEP
PRINCIPIOS DEL ARTE APLICADOS AL DISEÑO
LA COMPOSICION EN EL ARTE
“La Composición debe ser el resultado de la emoción, previo dominio
absoluto de la técnica”, expresa Pedro Humberto Allende, músico
chileno.
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Se puede escoger entre muchos tipos de Composición adecuándolas a
las necesidades de cada tema. A veces una idea exige que la respuesta
emocional ante la obra terminada sea de calma y dignidad, como la
sensación que evoca la fachada de un edificio clásico.. Pero existen
otros temas que exigen una asimetría o aparente desequilibrio de la
composición. En otros casos se trata de sugerir una sensación de
energía y movimiento. Y todo ello exige al artista considere el mejor
modo de expresar dichos efectos.
PRINCIPIOS DEL ARTE APLICADOS AL DISEÑO
La Composición se
adecua a las necesidades
de cada tema. A veces
una idea exige que la
respuesta sea emocional
ante la obra terminada
Van Gogh entendía la pintura
como vía de modificar la
sociedad y como vehículo de
salvación personal
Autorretrato Van_Gogh
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Edvard Munch (1863-1944)
El estímulo más importante lo encuentra
Munch en las imágenes simplificadas de
las obras de Gaugain, que le servirán para
transmitir la angustia y la soledad. Vivió
angustiado, tuvo problemas psíquicos y
esos sentimientos son los que volcará en
su pintura.
En él la expresión surge como resultado
de su vida atormentada. Siente
predilección por la figura humana y las
relaciones personales. Le obsesiona la
impotencia del ser humano ante la muerte
y la identifica con la mujer. Tiene una
visión negativa de la vida, de la
indefensión, de la soledad humana y del
sexo.
El grito es la expresión de su miedo personal, pero en este cuadro Munch logra
expresar el desfallecimiento del hombre ante una realidad cada vez más
compleja y confusa.
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Salvador Dalí (1904Genial artista catalán, uno de los
máximos exponentes del
surrealismo que desarrolló en
multitud de facetas: pintura,
grabado, orfebrería y decoración.
Como buen "catalán universal"
difundió sus ideas por medio
mundo, manteniendo sin embargo
un profundo apego a su tierra natal.
Su obra se ha relacionado con
frecuencia con el subconsciente y el
psicoanálisis ya que acostumbraba
a plasmar en ella sus obsesiones.
Iconoclasta impenitente se autoproclamó "El Divino".
Crucifixión (1954) Suspendido en el espacio cobra un aspecto inmaterial y ultraterrestre. Este efecto se potencia con el hecho de que Cristo esta flotando inmerso en él,
sin sujeción alguna.
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La persistencia de la memoria 1931.
Pareciera que manipulando el medio de control del tiempo lo estuviera doblegando,
como si uno pudiera escapar al paso del tiempo sólo por desfigurar sus instrumentos
de medición
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Galatea de las esferas (1952)
El Cristo de San Juan de la
Cruz (1951)
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LA COMPOSICION EN EL ARTE
Los elementos básicos de la plástica: el punto, la línea, la textura,
el plano, y el color, se organizan según ciertas leyes,
conformando una estructura que los ordena.
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Cuando un artista plantea su obra, considera varios aspectos.
Entre ellos esta la composición o distribución de los elementos
que la configurarán.. Por ejemplo, debe determinar que áreas
van a ser más importantes y cuales menos destacadas; esto
significa que está decidiendo cuál será “el centro de interés”
de la obra, el que le dará más significado al trabajo. Además,
tiene
que resolver otros problemas vinculados con los
principios de unidad, variedad, proporción, equilibrio y la
relación figura-fondo. Cada uno de estos factores, intervienen
en la obra para ayudar a la expresión. La composición es
entonces, formar un todo con las partes, de acuerdo a estos
principios.
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Sergio Montero, afirma: “Entendemos por composición, el
organizar expresivamente el espacio, sea éste pictórico,
escultórico o arquitectónico.”
En general los seres humanos, por naturaleza, nos sentimos
atraídos hacia la “unidad” ; esto es, hacia lo que nos transmite
una sensación de coherencia, equilibrio, orden y totalidad.
“Toda obra artística posee una estructura, y ésta se
experimenta como una UNIDAD.”
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Siete Volcanes
OBRA DENEMESIO ANTÚNEZ
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El sentido de unidad puede ser alcanzado de muchas maneras.
Por ejemplo, a través de la búsqueda de formas similares dentro
de la obra, colores parecidos, a través de la repetición de líneas,
espacios y movimientos; es decir, el “RITMO”.
El ritmo es un factor esencialmente estructurante, y ha sido
definido como “la repetición de elementos análogos, sin que
ello sea idénticos, en intervalos de tiempo o espacio”. La
palabra ritmo, tiene su origen en la palabra griega rhein, que
significa fluir.
El RITMO, es utilizado por los artistas para dar un movimiento
ordenado a la obra, y así lograr que nuestro ojo se mueva
sobre ella, controlando el camino de nuestras observaciones.
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Café - Van Gogh
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La “VARIEDAD” es un elemento compositivo de enorme
fuerza, que puede ser explotado de distintas formas. Por
ejemplo, puede darse variedad de líneas, colores o texturas,
para dar mayor interés a la obra y romper la monotonía. Mirar
continuamente un tablero de ajedrez, nos aburriría; la
incorporación de la variedad de tamaños, en este caso,
mantendría por mayor tiempo nuestra atención.
A fin de crear una obra interesante, debemos variar sus
cualidades visuales y espaciales, las que nos ayudarán a
expresar nuestros sentimientos e ideas.
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Piet Mondrian,
Composition
with Yellow,
Blue, and Red,
1939-42,
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La “PROPORCION” es la relación de las partes entre sí entre
éstas y el contorno envolvente. Las relaciones de tamaño
desempeñan un papel importante en la expresividad de la obra y
en el efecto que ella produce en el espectador. Una de las
características de la proporción es su estrecha vinculación con
las medidas, y estudios matemáticos acerca de esta relación.
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El “EQUILIBRIO” corresponde a un estado de contrapeso
entre las partes que configuran la obra. Si, por ejemplo, todas
las figuras se agrupan en un solo lado y en el otro no hay nada,
sentimos un vacío. Lo mismo sucede con el equilibrio de los
colores; cuando en una parte del cuadro hay un color y no
encontramos en el mismo cuadro un color igual o similar,
sentimos un desequilibrio visual.
La simetría, es un principio de equilibrio que ofrece una
situación de pesos visuales, repartidos equitativamente
alrededor de un eje. Se puede entonces afirmar, que la
simetría es la igualdad de los lados divididos por eje. En la
naturaleza, hay gran cantidad y variedad de elementos
simétricos.
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Desde la antigüedad, se ha empleado la simetría para
estructurar la composición, y muchos ornamentos han sido
diseñados basándose en ella. Por ejemplo, la decoración de la
cerámica diaguita presenta organizaciones simétricas,
especialmente en los platos.
En la arquitectura, a menudo encontraremos simetría, tanto en
la decoración como en la distribución y el diseño de la
construcción. La típica casa colonial chilena, conformada en
torno a patios, es un ejemplo de la aplicación de esta ley
plástica.
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Cerámica Diaguita Fase II.
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Desnudo Azul
Henri Émile
Benoît Matisse
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En una obra plástica, intervienen otro fenómeno que es
necesario conocer; se trata de la percepción de
“FIGURA-FONDO”.
Cuando nuestra vista vaga por una
habitación y se detiene en un objeto, por ejemplo, una silla,
ésta pasa a ser la figura y el resto de la habitación el fondo, pero
si focalizo mi atención en el libro que se encuentra sobre la
silla, ésta pasa a ser fondo y el libro figura.
Como se puede apreciar entonces, existe entonces, una
relación que es relativa y que varía dependiendo del foco de
atención. En general, la forma que posee mayor importancia o
tiene más movimiento, es la que asume el rol de figura y la
menos sobresaliente o de menor significado, asumirá el rol de
fondo. Esta relación figura-fondo, juega un destacado papel
en toda composición.
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El
artista
Maurits
europeo
Cornelis
Escher, ha creado la
gran mayoría de sus
obras basándose en
le juego
de la
figura-fondo,
logrando
composiciones
en
las
que
el
espectador puede, a
voluntad, convertir
la figura en fondo y
viceversa.
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“Quien forma las conexiones, quien ahonda y organiza los
medios de creación, engendra nueva vida y abundancia”
DESARROLLO DE LA COMPOSICIÓN
Una estructura planificada produce una sensación de estabilidad y
unidad en el diseño, dejando al artista libre para expresar su
creatividad.
Habiendo decidido el tamaño y la forma del soporte más adecuado al
tema podemos empezar a trabajar en la composición.
LA SECCIÓN ÁUREA
Se llegó a pensar que siguiendo formulas matemáticas podía
garantizarse el logro de la auténtica belleza en una obra de Arte.. Así
nació una norma para regular la división proporcional de la superficie
del cuadrado.
Esta Sección Áurea o media Dorada apareció formulada en el
tratado De Architectura, de Vitruvio, escrito en el siglo I. A. de C.
Se aseguraba que podía obtenerse una relación armoniosa entre
partes desiguales de un todo si la proporción entre la parte mas
pequeña y la mas grande era igual que entre la más grande y el
total
DESARROLLO DE LA COMPOSICIÓN
LA SECCIÓN ÁUREA
DESARROLLO DE LA COMPOSICIÓN
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COMPOSICIÓN GEOMÉTRICA
Muchos de los cuadros más fascinantes que adornan las paredes
de museos e iglesias están construidos de manera que la vista se
pase de un lado a otro de la superficie. Lo que mucha gente no
sabe es que estas composiciones tienen una infraestructura
geométrica, basada a veces en el triángulo, pero generalmente más
complicada, construidas con gran cuidado para evocar una
sensación de estabilidad..
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Consideremos en primer lugar la estructura geométrica más
sencilla, un triángulo equilátero colocado simétricamente dentro de
un rectángulo.
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EL RITMO EN LA COMPOSICIÓN
Otro modo de estructurar la composición es por medio de Ritmos.
Para desviar la vista de cualquier punto del cuadrado, se necesita
una línea de interés y con fuerza interior, no una línea flácida y
débil.. y una línea así deber estar relacionada con todas las demás
líneas.
Se pueden combinar todos los métodos citados - estructuras
geométricas, líneas rítmicas y marcas de puntuación – en una sola
composición, con resultados perfectos.
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TONO Y COLOR
Un buen cuadro debe ser autosuficiente, es decir, formar una unidad
total dentro del marco. Para ello el artista debe de tomar decisiones
acerca de cada aspecto de la composición y sus interrelaciones de
línea, color y tono.
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RETRATOS.
Se podría decir que el retrato es cuestión sencilla, esto no es así en
modo alguno.. para empezar cada modelo es diferente y hay que
conocer el carácter de la persona. De ahí pueden surgir ideas del
sobre tamaño y la forma del soporte, la planificación del los colores y
la postura.. Algunas personas ganan al retratarse en cuerpo
entero, otros en primerísimo primer plano, medio cuerpo, tres
cuartos, o cuerpo entero dentro de un paisaje. El modelo puede
estar de pié, sentado o de costado y se le puede ver de frente, de
perfil o de una postura intermedia.
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ARMONIA DE COLORES
Armonía, quiere decir constancia, acuerdo, agrado, avenimiento de los
elementos.
Esto es también aplicable al color entendiéndose como un efecto de
agradabilidad por la afortunada interacción entre los tonos. Sin
embargo esto, se debe tener en cuenta que se alude directamente al
gusto, por lo tanto no siempre lo que gusta a unos debe gustar a otros.
Pero se puede alcanzar un consenso mediante un atinado uso de tonos
que armonizan mejor entre ellos. Se puede hablar de dos tipos de
armonías: armonías por analogía y analogía por contraste.
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ARMONÍAS POR ANALOGÍA.
Corresponde a aquellas en la que los colores se parecen entre sí; son
como una familia, los colores son similares: dos ejemplos a) azul,
azul verdoso, verde, azul celeste, azul oscuro, azul violáceo, violeta,
lila; b) amarillo, amarillo anaranjado, naranja.
Generalmente
estos colores están cercanos en el Diagrama Cromático Circular.”
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ARMONÍAS POR CONTRASTE.
Corresponde a aquella en que los colores son opuestos. Se
llaman opuestos o complementarios a los colores que se
encuentran
frente a frente en el Diagrama Cromático
Circular.
Cada color tiene su correspondiente color
complementario. Por ejemplo el rojo es el complementario
del verde, el azul es el complementario del naranja, el
amarillo es el complementario del violeta.
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GAMAS DE COLORES
También a los colores se les clasifica en colores fríos o colores cálidos.
A todo color cuyo componente principal es el azul o el verde, se le
denomina color frío, y a todo color cuyo componente principal es el
amarillo o el rojo, se le denomina color cálido. Por ejemplo, podemos
ayudar a generar un ambiente acogedor, al pintar una habitación de
colores cálidos.
El color está en todo el Universo, en la naturaleza y también en ti, en
cada rincón de tus vivencias y sentimientos hay un arco iris que llena
tu vida de tonalidades, matices o simplemente de colores fríos o
cálidos.
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ABSTRACCIÓN
La Abstracción es un proceso mental, que permite al individuo
comprender un concepto de un objeto sin tener al objeto de manera
tangible
La abstracción es la capacidad mental superior que tiene
todo ser humano para poder deducir la esencia de un concepto o
situación determinada
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En los años 191… Vassily Kandinsky Su idea es que un cuadro
puede ser bello independientemente de toda representación
por el simple acomodo de las formas y de los colores.
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EL CROQUIS DE OBSERVACIÓN DIRECTA
El objetivo fundamental de la práctica del CROQUIS DE OBSERVACIÓN
DIRECTA es el establecimiento de un diálogo entre el observador
y el objeto que permita al primero:
1.- llegar al conocimiento del objeto mediante su percepción y su registro
gráfico
2.- registrar gráficamente las características, las cualidades que identifican
al objeto según las consideraciones selectivas del observador - dibujante
3.- dar a conocer, comunicar a otras personas las características del objeto
registradas gráficamente
4.- sensibilizar su percepción, en especial su visión y su capacidad motriz,
mediante el ejercicio de la observación alternativa del objeto y del dibujo
5.- desarrollar su capacidad de abstracción y de síntesis con respecto a los
atributos del objeto, descubriendo y practicando el uso de los códigos que
permiten representarlos gráficamente, sin pretender la representación
detallada de todos esos atributos
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De la realidad compleja de un espacio urbano podemos seleccionar la
totalidad del espacio definido por la calle y ambas fachadas, o tomar una
de ellas
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La sucesión de
croquis exploratorios
nos muestra los
pequeños
movimientos de la
visual del observador
que definen diferentes
encuadres posibles.
En cada uno de ellos
las partes visibles del
objeto adoptan
diferentes posiciones
en el dibujo o
aparecen total o
parcialmente
registradas,
adquiriendo una
importancia y un
énfasis distinto en
cada caso.
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En un caso, la torre es
protagonista, se dibuja
totalmente y se ubica en la
parte central del dibujo.
En el otro caso la torre pasa a
un segundo plano frente
al énfasis notorio que adquiere
el importante alero que rodea
perimetralmente el sector visible
del edificio.
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La utilización del cuadro rectangular dispuesto
verticalmente es adecuada para objetos o
espacios con una marcada y predominante
dirección vertical.
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Sucesión de croquis de diferente
tamaño y grados de simplificación
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La síntesis expresiva intenta reforzar los
contrastes entre las diferentes caras del
objeto para destacar las articulaciones de la
forma, principalmente cuando la expresión
recurre exclusivamente a la representación
de la mancha.
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El contraste se logra a través de la diferencia apropiada de
valores asignados a cada superficie y sin recurrir a la expresión
del trazo.
Perfil de Gaudí y catedral de San Marcos
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Obsérvese como no es necesario “pintar”
todos los elementos representados en el
dibujo; la reserva del blanco para el viaducto,
en primer plano, hace que éste se destaque
con más fuerza que si se hubiera agrisado,
debido al aumento del grado de contraste
entre las diferentes superficies.
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Las siluetas de las viviendas
vecinas a la representada, que
constituye el tema del dibujo, se
visualizan aunque éstas no hayan
sido dibujadas.
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La expresión de los componentes
especiales del ambiente como
automóviles, personas, además de
aquellos elementos estables como los de
equipamiento urbano, demuestran que el
objetivo del dibujante, en estos casos, es
la expresión de una situación ambiental
que puede ser circunstancial y
momentánea.
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El tratamiento diferenciado de los
sucesivos planos mediante manchas
degradadas, no sólo facilita la clara
representación del espacio que media
entre el observador y el ‘fondo’, sino que
permite entender las diferentes situaciones
secuenciales – techado, cerrado, abierto,
descubierto – que caracterizan al objeto.
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La expresión de los componentes
especiales del ambiente como
automóviles, personas, además de
aquellos elementos estables como los de
equipamiento urbano, demuestran que el
objetivo del dibujante, en estos casos, es
la expresión de una situación ambiental
que puede ser circunstancial y
momentánea.
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