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El cine sueco recibió su primer impulso decisivo
gracias a la gran exposición de arte e industria de
Estocolmo, en 1897. Fue entonces cuando se rodaron
también las primeras cintas suecas.
Al nacer el cine sonoro, a comienzos de los años 30,
sus profesionales suecos abandonaron toda
aspiración artística y ambición internacional para caer
en el provincialismo y el popularismo.
El cine sueco se ha ganado una reputación de frío,
escueto y grave. Desde Sjöström y Stiller a la película
para niños "Ronia, la hija del bandolero" (Ronja
Rövar-dotter), han sido motivos fílmicos prominentes
la naturaleza, las dificultades de la vida en común y la
muerte.
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A fines del siglo pasado comenzó a filmarse
en Suecia y en 1909 fue fundada la Svenska
Biograftheatern, productora en la cual
trabajaron como directores Victor Sjöstrom y
Mauritz Stiller, creadores de la llamada
"escuela nórdica", que destacó en el cine
mudo por el uso de un lenguaje de gran
intensidad psicológica. Entre las obras líricas
y románticas de estos realizadores destacan
El Tesoro del Arno y La Carreta Fantasma , de
Sjöstrom, y Erotikon , de Stiller.
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Según Bardèche y Brasillach en su "Historia del cine",
'Suecia es el primer país que ha revelado la belleza
visual y emotiva del arte del cine'. Se trata de una
nueva manera expresiva de hacer cine.
Los valores constantes que mantiene el cine nórdico
son los siguientes:
-una marcada tendencia artística y cultural.
-la existencia del hombre como tema preferente: su
vida, su muerte, el conflicto psicológico de los
personajes...
-el impacto de la naturaleza.
-la afición a la intimidad del hogar, la familia y los
problemas derivados de la convergencia de los
temperamentos.
-y, toda esa expresión de vida se manifiesta a través
de movimientos, gestos y palabras pausados,
serenos, que reflejan la seriedad de la existencia.
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fue un director, actor y guionista sueco, pionero
del cine mudo en Suecia.
El cine apenas estaba por entonces iniciando sus
balbuceos, por lo que durante tres lustros
Sjöström fue forjándose una magnífica
reputación como intérprete y director escénico,
hasta que en 1911 acabó siendo contratado por
la productora Svenska Biograf.
desarrolló una intensa actividad durante la
década de los años diez como director de
largometrajes (al ritmo absolutamente frenético
de un mínimo de tres títulos al año) y como actor
de comedias a las órdenes de Mauritz Stiller
(juntos rodaron siete películas entre 1912 y
1914).
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Su interés por la naturaleza le llevó a reflejar
la espectacularidad de los paisajes y los
condicionantes climatológicos con la mayor
intensidad posible.
la película que acabó lanzándole a la fama
internacional fue La carreta fantasma (1920),
una magistral mezcla de elementos
sobrenaturales, crítica social y efectos
fotográficos especiales. Supo utilizar las
sobreimpresiones múltiples para crear un
clima épico donde se enlazaban los
tormentos emocionales, el universo onírico
de los sueños y la fuerza imparable de la
naturaleza.
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Dirigió nueve largometrajes en apenas seis
años de estancia en Hollywood, casi todos
ellos muy distintos a lo que había hecho
hasta entonces en Suecia.
Dirigió nueve largometrajes en apenas seis
años de estancia en Hollywood, casi todos
ellos muy distintos a lo que había hecho
hasta entonces en Suecia.
Con el cine sonoro regresa a Suecia y retoma
su carrera de actor. En 1957 protagoniza
Fresas salvajes, una de las obras más
importantes de Ingmar Bergman.
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Fue uno de los pilares de la cinematografía
nórdica junto a Victor Sjöstrom, con quien
colaboró estrechamente, y dejó huella en el
Hollywood de los años veinte.
El estilo de Stiller se caracterizaba por su
elegancia, el gusto por la experimentación y
su gran capacidad para dirigir actores (y,
especialmente, actrices). Fue el descubridor y
mentor de Greta Garbo, cuya carrera impulsó
en Estados Unidos.
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En 1912 Stiller ya se había implicado en el
floreciente desarrollo del cine mudo en Suecia.
Comenzó escribiendo guiones y también
actuando y dirigiendo cortometrajes. Pocos años
después, Stiller abandonó del todo su carrera
como actor para dedicarse a la escritura y la
dirección. Pronto dirigió largometrajes.
Sus películas se apoyaron en obras literarias (en
especial en las novelas de Selma Lagerlöf,
Johannes Linnankoski y Juhani Aho) y abordaron
cierto realismo o el mundo fantástico muy propio
del cine nórdico, a caballo de una poética y
esplendor muy propios. Demostró una gran
intuición, destreza e ingenio, capaz de sugerir
más que de mostrar, lo que le supone un
refinado estilo en la composición visual, en la
que se reafirmó como un artista completo,
especialmente dotado para la comedia y el
drama.
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Películas sobresalientes:
◦ Sängen om den eldröda blomman (El canto de la
flor escarlata, 1919),
◦ El tesoro de Arne (1919),
◦ Erotikon (1920),
◦ Gunnar Hedes saga (El viejo castillo, 1923) y
◦ La expiación de Gosta Berling (1924), en la que
trabajó Greta Garbo, actriz de la que Stiller siempre
quiso ser su Pigmalión.
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Como Sjöström, estuvo una época en
Hollywood sin mucho éxito por su afán de
defender la estética y el aspecto artístico de
sus obras.
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director de cine y guionista danés, es
considerado uno de los mayores directores
del cine europeo, como señalan todas las
historias del cine.
La fama le llegó gracias a la película Du skal
ære din hustru (El amo de la casa), en 1925.
El éxito que cosechó en su país se transformó
en un enorme triunfo en Francia, donde se
trasladó. La Société Genérale des Films le
encargó la realización de un largometraje
sobre la heroína nacional: Juana de Arco.
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Su primera gran obra llegó en 1928 con La
pasión de Juana de Arco. Rodada en Francia,
en esta película Dreyer despoja la trama de
todo elemento accesorio para concentrarse
en la exploración del drama interior del
personaje. Las imágenes, frecuentemente
estáticas, se convierten en símbolos de una
verdad metafísica y poética.
A ella siguieron Vampyr (1932), su primera
incursión en el sonoro, Dies Irae (1943) y,
sobre todo, Ordet (La palabra, 1955),
considerada su obra maestra. Rodó su última
película, Gertrude, en el año 1964.
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Si bien su carrera duró 50 años, desde los
años 1910 hasta los años 1960, su vanidad,
sus métodos rígidos, la idiosincrasia de su
estilo y la obstinada devoción por su propio
arte hicieron que su producción resultase
menos prolífica de lo que hubiese podido
esperarse.
En "Apuntes sobre el estilo" Dreyer escribe
que indica que su cine busca las experiencias
íntimas del hombre, y que trata de adentrarse
en el misterio y en los conflictos interiores de
los humanos.
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Su primera película, Det Hemmelighedsfulde X
(1913), es una de las mejores primeras obras de
un autor en la historia del cine mudo.
Benjamin Christensen provocó a sus
contemporáneos y rompió con las prácticas
habituales de hacer cine de su época,
manifestando siempre una gran confianza en sí
mismo y en las posibilidades del cine como arte y
como medio de expresión personal. En este
sentido, Christensen ha sido considerado por la
crítica como uno de los primeros verdaderos
autores de la historia del cine y como un
adelantado a su tiempo.
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Su película más conocida y su obra maestra
es La brujería a través de los tiempos /
Historia de la brujería (1921). Filme único e
inclasificable, se sitúa entre el documental y
la ficción para ilustrar algunos aspectos de la
historia del ocultismo. Combina las ideas
racionalistas de su director con un negro
sentido del humor.
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Es una de las figuras más importantes del
cine expresionista.
Sus principios artísticos tuvieron lugar como
actor en un teatro de variedades y más tarde,
en 1917, organizó representaciones
escénicas con sus compañeros en el campo
de concentración donde se hallaban.
Terminada la guerra se dedicó al periodismo,
pero lo abandonó en 1920 para iniciarse en la
realización cinematográfica.
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El primer éxito lo obtuvo en 1925 al dirigir a
Greta Garbo en el filme Bajo la máscara del
placer, con el que se dio a conocer, y se reafirmó
al año siguiente con El misterio de un alma, tema
psicológico sobre la sexualidad.
Fue un auténtico creador y dejó varias obras
maestras entre ellas:
◦ Carbón (1930), filme social sobre la tragedia de unos
obreros que trabajan en una mina;
◦ Cuatro de infantería (1930), cinta antibelicista que trata
sobre los horrores de la Primera Guerra Mundial;
◦ La ópera de los tres centavos (película de 1931), filme
musical basado en la obra de Bertolt Brecht, que se
apartaba de la clásica opereta de la época, y una versión
musical de Don Quijote (1933).
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Su mayor éxito fue Die freudlose Gasse (1925).
En 1948 obtuvo el Premio de la Bienal de Venecia
con su filme austríaco Der prozess.
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Director de cine estadounidense de origen
alemán. Se formó en la compañía de Max
Reinhardt, con quien trabajó hasta 1918, y,
después de tantear la interpretación fílmica,
pasó a la realización en 1919.
Era ya famoso por algún drama histórico
(Madame du Barry, 1919) y por sus comedias
(La muñeca, 1919; La princesa de las ostras,
1919), cuando se instaló en EE UU (1922),
donde siguió abundando en el género y en
las operetas (El desfile del amor, 1929).
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En el medio cinematográfico se popularizó la
expresión Lubitsch touch (el «toque Lubitsch»)
para designar un estilo inimitable en el que
privan la insinuación y la sugerencia (por
ejemplo, las célebres puertas entreabiertas de El
abanico de lady Windermere, 1925, que ilustran
mucho más que cualquier mostración directa de
los conflictos internos de sus personajes), el
sabio uso de la elipsis y el salto casi grácil de la
comedia a la tragedia (como en la corrosiva sátira
del nazismo Ser o no ser, 1943).
Se le considera uno de los artífices de la
sophisticated comedy americana, en la que los
enredos y la comicidad son portadores de
descripciones particularmente mordaces de una
sociedad y sus códigos de valores
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