EL ROMÁNICO –
ARTES FIGURATIVAS
Parte 3 – Pintura
• El románico sacrificó la representación realista a favor de un
antinaturalismo y una simplificación que hacían más inteligible el
mensaje que quería difundir y además potenciaba la carga
amenazadora, como queda claro en las figuras toscas y deformadas (el
alma del rico atormentado por los demonios)
PINTURA MURAL
• La pintura cubre el interior de las iglesias: muros de las naves,
ábsides y bóvedas.
• Los temas son los mismos que en la escultura:
– Pantocrátor.
– Tetramorfos.
– Ángeles con los símbolos de la Pasión.
– Virgen entronizada.
– Temas del Antiguo y del Nuevo Testamento.
– Escenas de mártires (sobre todo en los frontales de altar.
• Técnica: la usada es
la del fresco – se
preparaba
cuidadosamente la
superficie
recubriendola con
un compuesto de
cal, grasa y arena
gorda mezclado con
agua.
• Dibujo: las figuras se
realizan con una línea
gruesa de trazo ancho
de color negro que
delimita bien las
formas y que
contribuye a acentuar
la sensación de
plenitud. Es un arte
extremadamente
lineal.
• Color: es intenso pero poco variado. No se emplean gradaciones
que pudieran ayudar a dar sensación de profundidad.
• Luz: no existe la presencia de la luz ayudando a
construir las formas y sugerir la profundidad. El hecho
de que los espacios carezcan de referencias lumínicas
concretas refuerza la sensación de intemporalidad y por
lo tanto alude a la eternidad (= símbolo).
• Fondo: busca la abstracción, la sensación de irrealidad y no se
pretende representar ningún lugar concreto. Es frecuente
encontrar fondos de bandas policromas inspiradas en las
ilustraciones de los manuscritos del S-X y bien fondos neutros o
elementos vegetales esquemáticos.
• Disposición de las
figuras: el Pantocrátor
o la Virgen ocupan los
espacios
preponderantes de la
composición, incluso
se emplea el tamaño
jerárquico. Los
apóstoles se
yuxtaponen, existe la
isocefalia, la simetría,
el equilibrio y no
interesa la
profundidad.
SAN CLEMENTE DE TAHULL
• AUTOR: maestro de Taüll.
• CRONOLOGÍA: iglesia
consagrada en 1123.
• TÉCNICA: Fresco.
• LOCALIZACIÓN ORIGINAL:
iglesia de San Clemente de
Taüll.
• LOCALIZACIÓN ACTUAL:
Museo Nacional de Arte de
Cataluña.
ELEMENTOS PLÁSTICOS
• El trazo, el color y la plasmación
de los personajes están al servicio
de la exageración y de los detalles
más significativos: la línea gruesa
y enérgica materializa las formas
y les infunde vida y expresión.
• Con pocos trazos se reproducen
los rasgos esenciales: el rostro de
Jesús se construye a partir de
unos ojos simplificados, un
entrecejo que se prolonga para
definir la nariz y una boca
perfilada por dos rayas. El
conjunto queda enmarcado por
una cabellera y barba simétricas.
•
•
•
•
El color denso y puro
(sin matices) aplicado a
las grandes superficies,
aplana la composición.
Su gama es brillante
(rojo, azul y amarillo
intensos) y más
violenta que la de
cualquier país europeo.
Las figuras son
alargadas y estilizadas.
La frontalidad, la
rigidez y el hieratismo
confieren a los
personajes el aire
distante.
La perspectiva es
inexistente (excepto en
el libro que ostenta
Cristo, donde el autor
no renuncia a crear
espacio) y las figuras se
reparten en un plano
único.
COMPOSICIÓN
•
Sigue el esquema tradicional
románico: la figura
sobrehumana de Jesús,
enmarcada por la mandarla y
flanqueada por el resto de las
figuras, distribuidas en franjas
paralelas y yuxtapuestas.
El ábside se distribuye en tres
registros:
• El primero, el cielo se adapta a
la bóveda semiesférica a modo
de firmamento para ilustrar la
teofanía de carácter
apocalíptico.
• El segundo aprovecha el
cilindro del ábside, con
representaciones de la Virgen y
los santos, que remiten a la
Iglesia y a su papel como
intercesora entre el mundo
divino y el humano.
• El tercero, generalmente
dedicado a la tierra, es aquí
apenas visible.
•
El conjunto se beneficia de
la existencia de una ventana
en el ábside. La figura de
Jesús (eje central vertical) se
prolonga en ella, invadiendo
el segundo registro, que
simboliza su presencia en la
tierra a través de la Iglesia.
La ventana, símbolo de la
luz, reafirma el mensaje del
ábside, sobre todo durante
la celebración de la
eucaristía, cuando el
sacerdote se inclina sobre el
altar y los rayos de luz
deslumbran a los feligreses.
•
Los otros grandes
protagonistas de la
composición son la simetría
y la geometría, que
producen una sensación de
ritmo. Líneas vertical y
horizontal, recta y curva
establecen un complicado
juego de equilibrios. Así, la
verticalidad de los
personajes se compensa con
las horizontales que trazan la
cintura de Jesús o la franja
de los nombres; y las formas
rectas predominantes se
equilibran gracias a las
curvas de la mandarla y a los
círculos que al flanquean. El
rostro de Jesús es el centro
de la simetría vertical que el
artista sólo se permite
romperla con la posición de
las manos.
CONTENIDO: el programa iconográfico es también el arquetipo del
mensaje adoctrinador del arte románico
• Un pantocrátor impresionante de tamaño superior a los otros
personajes, preside la composición. Sentado sobre la bóveda
celeste con los pies sobre el escabel de la tierra, flanqueado
por las letras griegas alfa y omega como principio y fin,
transmite toda la majestad que emana del texto apocalíptico.
• La mandarla simboliza la luz que emana de su ser divino y, en
su órbita, planea el tetramorfos. Cuatro ángeles sostienen los
símbolos de los evangelistas. Equilibran la composición los
seres apocalípticos con ojos abiertos por todo el cuerpo.
• El segundo registro, separado del celestial por una banda con
los nombres de los representados, remite a la Iglesia. Los
santos y María, entre arcadas, simbolizan, hieráticos, las
columnas de la fe.
• http://www.arteguias.com/arquitectura.htm
• http://3.bp.blogspot.com/_XLFFD98YWa8/SbL
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