• El tema que voy a tratar en la
exposición es el desarrollo a
lo largo de la historia de las
creencias del ser humano,
centrándome especialmente
en las cristianas y mitológicas
reflejadas en el arte.
Autor:
Jan Van Eyck
Fecha:1436
Características:
122,1x157,8cm
Museo: Museo
Groeninge de
Brujas
Material:
Oleo sobre
tabla
Estilo Pintura
Flamenca
VIRGEN DEL CANÓNIGO
VAN DER PAELE
VIRGEN DEL CANÓNIGO
VAN DER PAELE
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La Virgen del canónigo Van der Paele es una pintura religiosa realizada en
óleo sobre tabla por Jan van Eyck en 1436. Actualmente está expuesta en el
Museo Groeninge en Brujas (Bélgica).
Esta tabla tiene una posición muy particular en la historia de la pintura
occidental. Es, según resulta, posiblemente el más temprano ejemplo de la
llamada «Sacra Conversazione» (Santa conversación): una pintura en la que se
representa a los santos en una manera realista como si estuvieran manteniendo
una conversación cotidiana con su interlocutor, y a veces también presenta a
mortales normales y corrientes.
Es un cuadro religioso pintado al óleo sobre tabla, pero como aparece el
comitente o donante, también puede ser considerado un retrato. A diferencia
de la Virgen del Canciller Rolin, es una pintura más convencional en la que el
comitente o donante aparece, si no de menor tamaño, al menos no se dirigir
directamente a la Virgen sin intermediarios, sino que aparece presentado por
un santo, el de su nombre (San Jorge).
Autor: Jan Van Eyck
Fecha:1435
Características: 66x62cm
Museo: Museo Nacional
del Louvre
Material: Óleo sobre tabla
Estilo Pintura Flamenca
VIRGEN DEL CANCILLER ROLIN
VIRGEN DEL CANCILLER ROLIN
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La Virgen del Canciller Rollin es una pintura religiosa realizada en óleo sobre
tabla por Jan van Eyck en 1435. Actualmente está expuesta en el Museo del
Louvre en París, donde se exhibe con el título de La Vierge du chancelier
Rolin.
Es una obra pintada al óleo sobre tabla. El óleo es una técnica basada en la
disolución de pigmentos en aceites que fue perfeccionada por los hermanos
Van Eyck.
Se conoce esta obra por dos nombres: la Virgen de Autun, porque estaba en la
catedral de Autun, y la Virgen del Canciller Rolin, porque éste es el personaje
que aparece rezando ante María
Rolin está retratado por Van Eyck nada menos que de igual a igual con la
propia Virgen María. Ni siquiera están en una iglesia, sino en una loggia de un
castillo, abierto a un maravilloso paisaje. Decimos que el canciller está rezando
ante María, pero nada indica su fervor religioso, excepto que se encuentra
arrodillado. Su mirada es la de una profunda satisfacción de sí mismo, y fija
los ojos en el Niño, casi desafiante. Esta igualdad, esta cercanía promiscua con
las figuras divinas, eran escandalosas para la época, y resulta obvio que el
canciller se está haciendo un monumento a sí mismo, más que rindiendo
homenaje a la Virgen
Autor:
Rogier de la
Pasture
Fecha:1435
Características:
137,5x110,8cm
Museo: Museo de
Bellas Artes
(Boston)
Material: Oleo
sobre tabla
Estilo: Pintura
Flamenca
SAN LUCAS DIBUJANDO A LA VIRGEN
SAN LUCAS DIBUJANDO A LA VIRGEN
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San Lucas dibujando a la Virgen también conocida como la Virgen de san
Lucas, es una obra del pintor flamenco Roger van der Weyden. Es un óleo
sobre tabla de roble, pintado en el período 1435-1440.
En este cuadro se ve al evangelista Lucas con la Virgen María junto con el
Niño Jesús. En la Leyenda Áurea de Jacobo de la Vorágine narra que la
Virgen se apareció varias veces a san Lucas, el cual pintó un retrato. En esta
leyenda se encuentra uno de los orígenes o la justificación de la representación
de la imagen en la tradición en el Cristianismo.
Las dos figuras se encuentran en primer plano y, detrás, una galería en la que
se ven dos figuras que asomadas miran el río que transcurre hasta el
horizonte; y a un lado se ve una ciudad típicamente gótica.
La Virgen María está a la izquierda, dando el pecho al Niño. Un lujoso dosel
de brocado dorado la cubre por encima. Al otro lado se encuentra San Lucas,
vestido de rojo intenso. Lleva en la mano una punta de plata, que era un
instrumento de dibujo propio del siglo XV y ello evidencia que está trazando
un boceto. En el extremo de la derecha se entreve un buey, símbolo de san
Lucas, así como un libro abierto.
EL JARDÍN DE LAS DELICIAS
Autor: El Bosco
Fecha:1503-04
Características: 220x195cm
Museo: Museo del Prado
Material: Óleo sobre tabla
Estilo Pintura Flamenca
EL JARDÍN DE LAS DELICIAS
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El jardín de las delicias es la obra más conocida del pintor holandés
Hieronymus Bosch. Se trata de un tríptico pintado al óleo de 206 x 386 cm,
compuesto por una tabla central y dos laterales (pintadas en sus dos lados) que
se pueden cerrar sobre aquella.
Obra de gran simbolismo (que todavía no ha sido completamente descifrado).
El Jardín de las delicias se sustrae a cualquier clasificación iconográfica
tradicional. Se considera, no obstante, que la obra obedece a una intención
moralizante que habría sido comprensible para la gente de la época; en este
sentido, el propio rey Felipe II de España, alguien poco sospechoso de herejía,
llegó a adquirir el cuadro como consecuencia de su interés por el mismo.
El tríptico presenta, en el panel izquierdo, una imagen del paraíso donde se
representa el último día de la creación, con Eva y Adán, y en el panel central se
representa la locura desatada: la lujuria. En esta tabla central aparece el acto
sexual y es donde se descubren todo tipo de placeres carnales, que son la
prueba de que el hombre había perdido la gracia. Por último tenemos la tabla
de la derecha donde se representa la condena en el infierno; en ella el pintor
nos muestra un escenario apoteósico y cruel en el que el ser humano es
condenado por su pecado.
Autor:
Beato Angélico
Fecha:1445
Características:
194cm en cuadro
Museo:
Museo del Prado
Material:
Pintura al Temple
Estilo: Renacimiento
Italiano
LA ANUNCIACIÓN
LA ANUNCIACIÓN
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En esta obra podemos apreciar como tema principal la Anunciación del
arcángel Gabriel a la Virgen María.
Se puede contemplar junto a la Anunciación una escena secundaria, que
muestra el momento de la expulsión de Adán y Eva del paraíso.
Los colores, la elegancia de la habitación es una alusión a un marco refinado,
principesco y tocado por la divinidad, el único posible para el misterio de la
concepción de María.
Desarrolla el tema de la Anunciación, tal como aparece narrado en el Nuevo
Testamento, mostrando la escena en un pórtico de mármol abierto.
En el ángulo izquierdo de la pintura se ven las manos de Dios y de ellas sale un
rayo de luz dorada que viene recto hacia la derecha, en el que viaja la paloma
del Espíritu Santo.
Se trata de una obra realizada alrededor del año 1430, es decir, en un
momento de transición entre la pintura gótica y el renacimiento.
Autor: Piero
della Francesca
Fecha:1460-63
Características:
225x200cm
Museo: Museo
Cívico de
Sansepolcro
Material: Fresco
Estilo:
Renacimiento
Italiano
RESURRECCIÓN DE CRISTO
RESURRECCIÓN DE CRISTO
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La resurrección de Cristo o, simplemente, La resurrección, (en italiano, La
Resurrezione), es una obra realizada por el pintor renacentista italiano Piero
della Francesca.
Realizó esta obra entre el año 1463 y 1465. Figura hoy en día sobre el lugar de
su creación: uno de los muros de lo que hoy en día es el Museo Civico o
Palazzo Civico de Sansepolcro y que era entonces la sala magna de la
Residenza donde se celebraban las reuniones del Consejo
Es un fresco con añadidos de témpera o temple.
Se trata de una composición en tres planos: el paisaje, Cristo saliendo del
sepulcro y los soldados dormidos.
Tiene forma de triángulo, cuya base la forman los soldados dormidos y el
ángulo superior por la cabeza de Cristo.
El foco de la composición está constituido por Jesucristo, de pie, saliendo de la
tumba y mirando de frente al espectador. Con su mano levanta la toga rosa y
el pie lo posa en el borde de la tumba. Todas sus heridas son aparentes
LA PRIMAVERA
Autor: Botticelli
Fecha:1478
Características: 203x314cm
Museo: Galería de los Uffizi
Material: Témpera
Estilo: Renacimiento Italiano
LA PRIMAVERA
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La primavera es una de las obras maestras de Sandro Botticelli. Está realizado
al temple sobre tabla. Mide 203 cm de alto y 314 cm de ancho.
Para comprender la obra La Primavera de Botticelli hay que conocer la
mitología griega, la filosofía y el amor. El cuadro de dos metros de ancho y dos
metros de largo se encuentra en la Galería de los oficios en Florencia, Italia.
Botticelli ha representado la doble naturaleza del amor: la gracia de las artes
liberales y los vientos de la pasión en un paisaje de ensueño; o, la novia al
mismo tiempo casta y sensual, que siempre hará feliz al esposo. Ante un
bosque de naranjos y flores, Venus, que es la divinidad tutelar de la educación
humanista, libera por una parte a las Gracias, que bailan a su derecha junto a
Mercurio, y por otra, a Flora, situada a la izquierda, que es producto de la
unión carnal entre el viento Céfiro y la ninfa Cloris.
Tiene un tono de narración situada fuera del tiempo real. Se presenta una
atmósfera de fábula mitológica en la que se celebra una especie de rito pagano.
Botticelli opta aquí por un formato monumental, con figuras de tamaño
natural, y lo compagina con una gran atención al detalle.
NACIMIENTO DE VENUS
Autor: Botticelli
Fecha:1485
Características: 172,5x278,5cm
Museo: Galería de los Uffizi
Material: Témpera sobre lienzo
Estilo: Renacimiento Italiano
NACIMIENTO DE VENUS
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El nacimiento de Venus es una pintura de Sandro Botticelli (1445 - 1510). El
nacimiento de Venus representa una de las obras cumbres del maestro
italiano. Está ejecutada al temple sobre lienzo y mide 184,5 centímetros de alto
por 285,5 cm de ancho. Se conserva en la Galería de los Uffizi, Florencia.
Según cuenta la leyenda Venus, diosa del amor, nació de los genitales del dios
Urano, cortados por su hijo Crono y luego arrojados al mar. El título de la
obra no es, por lo tanto, exacto, ya que el cuadro no representa el momento del
nacimiento de la diosa, sino que muestra la llegada de Venus, sobre una
concha, a la playa de una de las islas que tradicionalmente se le dedican, como
Chipre, Pafos o Citerea. La diosa es empujada por el soplo de los dioses alados,
entre una lluvia de flores.
A la izquierda aparecen los primeros dos personajes de la obra. Uno de ellos es
Céfiro (Dios del viento del oeste); a su lado está Cloris (que significa pálido). Es
la ninfa de la brisa y esposa de Céfiro a quienes los romanos apodaron Flora.
También se ha identificado con Aura, diosa de la brisa. Céfiro y Cloris,
fuertemente abrazados simbolizan la unión de la materia y el espíritu. A su
alrededor caen rosas, flores que según la leyenda después se convertirán en
seres.
Autor: Leonardo da
Vinci
Fecha:1485
Características:
199x122cm
Museo: Museo
Nacional del Louvre
Material: Óleo sobre
tabla
Estilo: Renacimiento
Italiano
VIRGEN DE LAS ROCAS
VIRGEN DE LAS ROCAS
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La Virgen de las Rocas es un nombre usado para denominar tres cuadros de
Leonardo da Vinci pintados con idéntica composición pictórica con óleo sobre
lienzo.
En el cuadro predominan la línea que contornea las figuras y los colores más
utilizados son el marrón, el negro, el azul y el color carne. Hay contrastes de
luz y sombra que provocan el efecto de que el sol ilumina la imagen. Los
personajes, que son lo principal, los hace resaltar más para conseguir
profundidad en la superficie plana. Aquí se puede apreciar su teoría de la
perspectiva aérea, según la cual la profundidad en los cuadros se consigue
usando tonalidades de azul y que sean cada vez menos detallados conforme se
alejan del primer plano, creando así una ilusión óptica.
La Virgen está sentada en el suelo de una spelunca o refugio rocoso de alta
montaña. El paisaje que se divisa entre las rocas es alpino, sin parecido a la
Toscana ni a las más famosas cumbres de los Apeninos. Es un ambiente
absolutamente innovador, en el que las figuras se agrupan formando una
pirámide, envueltos por un paisaje salvaje de rocas que caen y aguas que se
arremolinan. Tanto las flores como las plantas acuáticas están representadas
con gran precisión, si bien las especies representadas son distintas en uno y
otro cuadro.
LA ÚLTIMA CENA
Autor: Leonardo da Vinci
Fecha:1495-97
Características: 480x880cm
Museo: Iglesia de Sta. María delle Grazie de Millán
Material: Fresco
Estilo: Renacimiento Italiano
LA ÚLTIMA CENA
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La Última Cena (en italiano, Il cenacolo o L’ultima cena) es una pintura mural
original de Leonardo da Vinci ejecutada entre 1495 y 1497, se encuentra en la
pared sobre la que se pintó originariamente, en el refectorio del convento
dominico de Santa María de las Gracias en Milán (Italia).
La pintura fue elaborada, para su patrón, el duque Ludovico Sforza de Milán.
No es un fresco tradicional, sino un mural ejecutado al temple y óleo sobre dos
capas de preparación de yeso extendidas sobre enlucido.
Representa la escena de la Última Cena de los últimos días de la vida de Jesús
de Nazaret según narra la Biblia. La pintura está basada en Juan 13:21, en la
cual Jesús anuncia que uno de sus 12 discípulos le traicionaría.
La afirmación de Jesús «uno de vosotros me traicionará» causa consternación
en los doce seguidores de Jesús, y ese es el momento que Leonardo representa,
intentando reflejar "los movimientos del alma", las distintas reacciones
individualizadas de cada uno de los doce apóstoles: unos se asombran, otros se
levantan porque no han oído bien, otros se espantan y, finalmente, Judas
retrocede al sentirse aludido.
Autor: Tiziano
Fecha:1517
Características:
690x360cm
Museo: Iglesia de Sta.
María dei Frari (Venezia)
Material: Óleo sobre
lienzo
Estilo: Renacimiento
Italiano
ASUNCIÓN DE LA VIRGEN
ASUNCIÓN DE LA VIRGEN
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La Asunción de la Virgen es un cuadro del pintor renacentista italiano Tiziano.
Fue acabada en 1518.
Se trata de un óleo sobre madera de gran tamaño, pues alcanza los 6,90 metros
de alto y 3,60 m de ancho.
Es un retablo monumental, el de mayor tamaño de la ciudad de Venecia, y
está dedicado a la Asunción de María.
La pintura muestra diferentes acontecimientos en tres capas. En la inferior
están representados los Apóstoles, con los brazos alzados hacia el cielo, con la
excepción de san Pedro, cuyos brazos están cruzados. Miran a la Virgen
María, vestida de azul y rojo, que está volando entre ellos y Dios, en pie sobre
una nube y está rodeada de querubines celebrando y bailando.
Los tres planos están unidos por un efecto de luz insólito.
Los personajes están representados en movimiento, con posiciones distintas: de
frente, de espaldas o en escorzo.
DÁNAE RECIBIENDO LA LLUVIA DE ORO
Autor: Tiziano
Fecha:1553
Características:129x180cm
Museo: Museo del Prado
Material: Óleo sobre lienzo
Estilo: Renacimiento Italiano
DÁNAE RECIBIENDO LA LLUVIA DE ORO
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Dánae recibiendo la lluvia de oro es un cuadro pintado en el siglo XVI
por Tiziano Vecellio di Gregorio, y ahora expuesto en el Museo del
Prado.
Tiziano solía repetir los temas que más éxito tenían. Esta Dánae
recibiendo la lluvia de oro es una versión de otra que existe en el
Museo de Capodimonte de Nápoles, si bien existen diferencias
notables entre uno y otro.
Representa el mito de Dánae, quien había sido encerrada por su
padre, el rey de Argos, en el momento de ser tomada por Zeus en
forma de lluvia de oro. La figura central está recostada sobre la cama,
con las piernas dobladas. A su derecha hay un perro pequeño, que se
reputa un atributo de la cortesana. En la parte derecha hay una criada
cuya espalda oscura contrasta con la blancura de Dánae; del mismo
modo, hay una oposición clara entre su rostro envejecido y la
juventud de la princesa de Argos. Esta sirvienta está recogiendo con
un delantal las pepitas de oro que caen en forma de lluvia dorada,
desde las nubes tormentosas que dominan el centro de la parte
superior.
Estas figuras se sitúan en un espacio indefinido.
Autor: Rafael
Fecha:1505-06
Características:
107x77cm
Museo: Galería de los
Uffizi
Material: Óleo sobre
tabla
Estilo: Renacimiento
Italiano
LA VIRGEN DEL JILGUERO
LA VIRGEN DEL JILGUERO
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La Virgen del jilguero (en italiano Madonna del cardellino) es una pintura del
artista renacentista italiano Rafael Sanzio, datada hacia 1505.
Es una pintura al óleo sobre tabla con unas dimensiones de 107 centímetros de
alto y 77 cm. de ancho. Se conserva en la Galería Uffizi de Florencia, Italia.
En esta pintura, como en la mayor parte de las Vírgenes de su periodo
florentino, Rafael colocó las tres figuras (la Virgen María, el Niño Jesús (a la
derecha) y san Juanito) dentro de un dibujo geométrico. Aunque las posiciones
de los tres cuerpos son naturales, juntos forman un triángulo prácticamente
regular.
La Virgen sostiene un libro, lo que permite identificarla como Sedes Sapientiae
(«Asiento de la Sabiduría»). El jilguero es un símbolo de la futura muerte
violenta de Cristo. San Juan ofrece el jilguero a Cristo como advertencia en
relación con su futuro.
La influencia leonardesca se evidencia en muchos rasgos de la obra, como la
estructura piramidal y el claroscuro. También se nota en la oscuridad del
terreno y del tratamiento atmosférico del paisaje del fondo, que se pierde en
las brumas del horizonte.
Autor: El Greco
Fecha:1577-79
Características:
285x173cm
Museo: Catedral de
Toledo
Material: Óleo sobre
lienzo
Estilo: Manierismo
EL EXPOLIO DE CRISTO
EL EXPOLIO DE CRISTO
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El Expolio es un cuadro pintado por El Greco (Domenikos Theotokopoulos, 1541-1614)
para la Sacristía de la Catedral de Toledo.
Es un Óleo sobre lienzo y mide 285 centímetros de alto y 173 cm de ancho, fue realizado
entre los años 1577 y 1579 y se conserva todavía en la Sacristía de la Catedral de Toledo,
España.
El momento del expolio no era un tema frecuente en aquella época en el arte occidental.
En la composición representa a Cristo en el centro, mirando al cielo con una expresión
de serenidad, vestido con una túnica de color rojo intenso que domina el resto de la
composición; y a su alrededor, una masa de figuras dispuestas a desnudarlo para
comenzar la Pasión. Tanto el modelado de las figuras como el cromatismo provienen de
su época veneciana .
La idealizada figura de Jesucristo destaca vigorosamente del resto y parece ajena al
gentío violento que lo rodea. Una figura en la parte trasera con un sombrero rojo apunta
acusadoramente a Cristo, mientras otros dos discuten sobre sus vestiduras. Otro hombre
vestido de verde a la izquierda de Cristo lo sujeta con una cuerda y va a proceder a
desnudarlo para su crucifixión. Mientras otro vestido de amarillo en la parte inferior
derecha se inclina hacia la cruz y perfora un agujero para facilitar la inserción de un
clavo que atravesará los pies de Cristo
Todo lo que no es el protagonista se encuentra oscurecido y rebajado mientras que
Cristo se ilumina y destaca.
Autor: El Greco
Fecha:1586-88
Características:
480x360cm
Museo: Iglesia de
Santo Tomé de Toledo
Material: Óleo sobre
lienzo
Estilo: Manierismo
EL ENTIERRO DEL SEÑOR DE ORGAZ
EL ENTIERRO DEL SEÑOR DE ORGAZ
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El entierro del Señor de Orgaz, popularmente llamado El entierro del Conde
Orgaz, obra cumbre de El Greco (1541-1614), se encuentra en la iglesia de
Santo Tomé, Toledo, en España.
El Greco lo pinta en plena madurez artística. Tiene rigor arquitectónico y una
unidad extraordinaria a pesar de los dos partes en las que está dividido.
En esta obra están presentes todos los elementos del lenguaje manierista del
pintor: figuras alargadas, cuerpos vigorosos, escorzos inverosímiles, colores
brillantes y ácidos, uso arbitrario de luces y sombras para marcar las
distancias entre los diferentes planos, etc.
El cuadro representa las dos dimensiones de la existencia humana: abajo la
muerte, arriba el cielo, la vida eterna. El Greco se lució plasmando en el
cuadro lo que constituye el horizonte cristiano de la vida ante la muerte,
iluminado por Jesucristo.
En la parte inferior, el centro lo ocupa el cadáver del señor, que va a ser
depositado con toda veneración y respeto en su sepulcro. Para tan solemne
ocasión han bajado los santos del cielo: el obispo san Agustín, uno de los
grandes padres de la Iglesia, y el diácono san Esteban, primer mártir de
Cristo.
Autor: Caravaggio
Fecha:1605-06
Características:
369x245cm
Museo: Museo
Nacional de Louvre
Material: Óleo sobre
lienzo
Estilo: Barroco Italiano
MUERTE DE LA VIRGEN
MUERTE DE LA VIRGEN
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La Muerte de la Virgen es una obra maestra del pintor italiano Caravaggio.
Está realizado al óleo sobre lienzo, en el año 1606 y se conserva
actualmente en el Museo del Louvre de París, con el título de La Mort de la
Vierge.
Es un lienzo de gran tamaño representando la muerte de la Virgen María.
Era un tema debatido y no resuelto por la doctrina católica.
Alrededor de la Virgen se encuentran María Magdalena y los Apóstoles. En
primer plano, María Magdalena llora sentada en una simple silla, con la
cabeza entre las manos. Los Apóstoles, a su alrededor, también se
muestran entristecidos, pero no mediante expresiones exageradamente
emotivas, sino ocultando los rostros.
La escena transcurre en un ambiente humilde. Los colores son muy
oscuros, con los únicos toques luminosos del rojo de la ropa de la muerta y
un gran telón rojo que pende por la parte superior del lienzo, motivo usual
en un cuadro fúnebre. Es prácticamente el único elemento de una
escenografía pobre.
Nada hay en este cuadro que revele la naturaleza sagrada de su tema. Su
tratamiento es naturalista, incluso brutal y de gran crudeza, lo que motivó
su rechazo.
Autor: Caravaggio
Fecha:1599-1600
Características:
322x340cm
Museo: Iglesia de San
Luís de los Franceses
de Roma
Material: Óleo sobre
lienzo
Estilo: Barroco Italiano
LA VOCACIÓN DE SAN MATEO
LA VOCACIÓN DE SAN MATEO
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La vocación de san Mateo es un cuadro del pintor italiano Caravaggio. Está
realizado al óleo sobre lienzo. Pertenece al ciclo de la Vida de san Mateo
que le fue encargada en 1599 para decorar la capilla Contarelli en la iglesia
romana de San Luis de los Franceses, donde aún se conserva.
La pintura representa la historia que se narra en el Evangelio según san
Mateo (Mateo 9:9): Jesús vio un hombre llamado Mateo, sentado en el
despacho de impuestos, y le dijo: «Sígueme», y Mateo se levantó y le
siguió.
Se ha ejecutado en torno a dos planos paralelos: el superior, ocupado sólo
por una ventana, y el inferior, en el que se representa el momento preciso
en el que Cristo apuntando a san Mateo lo llama al apostolado.
El santo está sentado frente a una tabla con un grupo de personas,
vestidas como los contemporáneos de Caravaggio, como en una escena de
taberna.
En esta pintura, el brillo y la ventana con lienzo parece que sitúa la tabla
puertas adentro. Cristo trae la luz verdadera a este espacio oscuro de los
recaudadores de impuestos.
Autor: José de Ribera
Fecha:1625-26
Características:
336x230cm
Museo: Colegiata de
Osuna
Material: Óleo sobre
lienzo
Estilo: Barroco
Español
EL CALVARIO
EL CALVARIO
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Fruto de la estrecha relación entre el duque de Osuna y Ribera es esta obra
que contemplamos, aunque se especula que no fue encargada por don Pedro
sino por sus herederos tras su fallecimiento, como homenaje póstumo.
Se trata de una composición monumental en la que destaca el claroscuro
existente en el trabajo, que hace casi invisible la figura de pie que con las
manos juntas se sitúa en la derecha. Esta influencia de Caravaggio se
equilibra con los ecos clasicistas existentes en la escena, especialmente en el
rostro de Cristo tomado de Guido Reni mientras que el cuerpo del Crucificado
está directamente inspirado en Miguel Angel, aunque Ribera haya dotado de
un mayor realismo a la figura.
El tratamiento de la escena está cargado de patetismo, destacando los gestos
de tristeza de san Juan, la Virgen y la Magdalena.
La composición se organiza a través de un triángulo invertido y diversas
diagonales que aportan ritmo y dramatismo al conjunto, convirtiéndose en el
trabajo más avanzado de los realizados por el artista valenciano para el
Virrey.
Autor: Francisco
de Zurbarán
Fecha:1631
Características:
480x379cm
Museo: Museo
Bellas Artes de
Sevilla
Material: Óleo
sobre lienzo
Estilo: Barroco
Español
APOTEOSIS DE SANTO TOMÁS DE AQUINO
APOTEOSIS DE SANTO TOMÁS DE AQUINO
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La Apoteosis de Santo Tomás de Aquino es un cuadro de Francisco de
Zurbarán expuesto en el Museo de Bellas Artes de Sevilla, España. Está
pintado al óleo sobre lienzo y mide 475 cm de alto por 375 cm de ancho.
Santo Tomás de Aquino es una de las figuras más relevantes de la teología
cristiana. Se le nombró Doctor de la Iglesia en 1567. Por su importancia
aparece rodeado de los cuatro Padres de la Iglesia, otros tantos personajes
fundamentales para la elaboración de la doctrina. A su derecha se encuentran
conversando San Ambrosio y San Gregorio; a su izquierda, San Jerónimo, de
rojo cardenalicio, y San Agustín. Los cinco intelectuales se encuentran en el
plano superior del cuadro, que simboliza en mundo divino. Sobre sus cabezas,
el cielo en pleno asiente a sus conclusiones: destacan Dios Padre y Dios Hijo
con la cruz. A estas dos figuras trinitarias se añade en el centro la paloma del
Espíritu Santo, que ilumina con sus rayos a Santo Tomás. En el plano inferior
se encuentra representada la tierra: los personajes principales de la Orden y
nada menos que el emperador Carlos V.
Autor: Francisco de
Zurbarán
Fecha:1627
Características:
290x168cm
Museo: Chicago Art
Institute
Material: Óleo sobre
lienzo
Estilo: Barroco Español
CRUCIFICADO
CRUCIFICADO
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Zurbarán, uno de los pintores a quien más se ha calificado de místico, se lanza
en este Crucificado a un estudio anatómico del cuerpo masculino lleno de
sensualidad y perfección.
El cuerpo de este Cristo muerto puede compararse en igualdad de condiciones
al Cristo Muerto de Velázquez, quien estudió al mismo tiempo que Zurbarán
en Sevilla.
El pintor extremeño recurre a todos los efectos del caravaggismo, como es el
fondo oscuro sobre el que se aplica un tremendo foco de luz lateral; esto hace
relucir fantasmagóricamente la piel blanca del muerto, limpia, sin sangre ni
rasguños, incluso la herida del costado se disimula hábilmente quedando
oculta por la sombra en el costado derecho. El efecto es el de un cuerpo en
plena madurez, una plenitud espléndida que demuestra la perfección de
Cristo, incluso más allá de la muerte.
Las proporciones que Zurbarán plasma en el cuerpo son de un academicismo
total, un auténtico estudio anatómico en la estela de los estudios italianos del
siglo anterior.
Autor: Velázquez
Fecha:1632
Características:
248x169cm
Museo: Museo del
Prado
Material: Óleo
sobre lienzo
Estilo: Barroco
Español
CRISTO CRUCIFICADO
CRISTO CRUCIFICADO
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Es una de las obras más famosas de Velázquez, fechada en torno a
1632.
Sin duda estamos ante una maravillosa obra con una elegante figura
de Cristo, con el cuerpo y los miembros suavemente modelados,
recibiendo una luz clara procedente de la izquierda, recortándose la
figura sobre un fondo neutro.
Velázquez pinta el Cristo siguiendo la iconografía aceptada en el siglo
XVII.
La iconografía usada es un Cristo con 4 clavos y los pies juntos
apoyados en una pequeña ménsula de madera y con un contrapposto
clásico que deja todo el peso en una pierna y descansa la otra.
Los brazos dibujan una suave curva en lugar de un triángulo. Pinta el
paño de pureza bastante pequeño, lo suficiente, sin derroches de
vuelos como era costumbre en el barroco, de esa manera puede
mostrar el cuerpo desnudo al máximo posible y hacer un estudio
muscular del cuerpo humano. La cabeza tiene un estrecho halo
luminoso que da la sensación de que emana de la propia figura; el
semblante está caído sobre el pecho dejando ver lo suficiente de sus
rasgos y facciones nobles; la nariz es recta.
Autor: Murillo
Fecha:1655-60
Características:
331x249cm
Museo: Museo del
Prado
Material: Óleo
sobre lienzo
Estilo: Barroco
Español
VIRGEN Y SAN BERNARDO
VIRGEN Y SAN BERNARDO
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Para el sevillano convento de San Clemente, Murillo pintó hacia 1655
una pareja de cuadros en los que la Virgen tiene especial
protagonismo al realizar los milagros a los que éstos hacen
referencia.
El pintor ha sabido captar el momento en el que San Bernardo, debido
a su gran devoción por la Virgen, es recompensado por ésta con la
lactación de su pecho; por eso, vemos a María llevándose la mano
derecha a su seno.
La composición está resuelta con sencillez al emplear una marcada
diagonal ascendente de izquierda a derecha. Otra diagonal, de
derecha a izquierda, separa la escena en dos áreas similares, situando
en una al santo y en la otra a la Virgen con el niño rodeados de
querubines, que tan famoso harán a Murillo.
Cada una de las áreas tiene una iluminación diferente; así, la zona de
San Bernardo queda a oscuras mientras que la de María está
perfectamente iluminada por el Rompimiento de Gloria, con una luz
muy dorada para indicarnos que estamos presenciando un hecho
sobrenatural.
SAGRADA FAMILIA DEL PAJARITO
Autor: Murillo
Fecha:1650
Características: 144x188cm
Museo: Museo del Prado
Material: Óleo sobre lienzo
Estilo: Barroco Español
SAGRADA FAMILIA DEL PAJARITO
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Una de las obras realizadas por Murillo, en el estilo naturalista que habían
puesto de moda Zurbarán o Velázquez en Sevilla, es la Sagrada Familia del
Pajarito, que recibe ese nombre por el pajarillo que el Niño Jesús muestra al
perro.
La total ausencia de elementos divinos o celestiales hace que nos situemos ante
una escena familiar, como si el pintor abriera las puertas de su propio hogar
para mostrarnos el juego del pequeño acompañado por su padre, mientras la
madre ha parado en sus labores de hilado para comer una manzana.
Son figuras elegantes pero no dejan de poseer cierto realismo; el protagonista
es el Niño Jesús, iluminado por un potente foco de luz procedente de la
izquierda que provoca contrastes, dejando el fondo en total penumbra sobre el
que se recortan las figuras, aunque junto a San José se vislumbra el banco de
carpintero.
La iluminación es matizada y supera el estricto tenebrismo.
El colorido empleado es el que caracteriza la primera etapa del artista
siguiendo el estilo de los naturalistas.
Autor: Francisco de
Goya y Lucientes
Fecha:1760-63
Características:
79x55cm
Museo: Colección
particular
Material: Óleo sobre
lienzo
Estilo:
APARICIÓN DE LA VIRGEN DEL PILAR
APARICIÓN DE LA VIRGEN DEL PILAR
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La Aparición de la Virgen del Pilar a Santiago y a sus discípulos zaragozanos
es una pintura del joven Francisco de Goya, pintada entre 1768 y 1769.
El esquema compositivo e iconográfico del cuadro tiene su precedente en las
primeras pinturas de Goya, ejecutadas en Fuendetodos y destruidas durante la
Guerra Civil. La composición, en forma de pirámide será repetida por Goya a
lo largo de su carrera, como en El bebedor y La pradera de San Isidro, de sus
cartones para tapices.
Tiene un acentuado estilo barroco en el que predominan las diagonales, las
posturas forzadas y el dramatismo de los personajes.
La abigarrada escena se distribuye en diferentes bandas que incluyen
personajes: la inferior contempla a Santiago Apóstol acompañado de sus
discípulos, elevando su mirada al cielo para agradecer la presencia divina; la
zona central está ocupada por ángeles y querubines que portan la imagen de la
Virgen del Pilar y la columna donde se posa, mientras que la zona superior nos
ofrece una espectacular figura de María sentada entre nubes, vistiendo sus
tradicionales colores azul y rosa.
Las tonalidades son muy variadas, al igual que la disposición de las figuras en
el espacio
Autor: Francisco de
Goya y Lucientes
Fecha:1760-63
Características:
79x55cm
Museo: Colección
particular
Material: Óleo sobre
lienzo
Estilo:
TRIPLE GENERACIÓN
TRIPLE GENERACIÓN
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La Sagrada Familia con San Joaquín y Santa Ana ante el Eterno en gloria o la
Triple generación es una pintura al óleo de tema religioso de Francisco de
Goya de hacia 1769.
El cuadro representa a la Sagrada Familia, esto es, la Virgen María junto al
Niño Jesús y san José portando su vara florida, bajo un cielo en gloria de
resplandor amarillo anaranjado (color que habitualmente representaba lo
sobrenatural) donde unos ángeles en escorzo sostienen unas nubes donde se
apoya Dios Padre. Sobre él se aprecia al Espíritu Santo representado por una
paloma.
Junto a la Sagrada Familia aparecen san Joaquín y santa Ana contemplando
la escena, formando la «Triple generación» las figuras más ancianas que
completan la obra.
El cuadro muestra la iluminación del Barroco tardío.
El dibujo muestra modelos que se darán en otros cuadros de Goya, como las
cabezas de Dios Padre y San Joaquín, que podemos identificar en los cuadros
que se han visto bajo la Celestina y su hija (Fundación March) y bajo el
Bautismo de Cristo.
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