Escultura y Pintura
Griega
Prof. Adriana Assandri
St. Brendan’s School
• La cultura griega es antropocéntrica y se va a
reflejar en su escultura.
• El cuerpo humano se convierte en objeto de
arte. Las figuras humanas empezaron siendo
estatuas votivas en la época arcaica y terminaron
como obras creadas para una finalidad
básicamente estética: época clásica y helenística.
• Los materiales preferentes son el mármol y el
bronce, mientras que el tema central es la figura
humana y dentro de ella, la estatua masculina.
CARACTERÍSTICAS GENERALES
• 1. El tema central será la figura humana: es una
escultura antropomórfica que exalta el ideal de belleza
que para los griegos se basa en la armonía y
proporción de todas las partes del cuerpo. En la época
clásica, el cuerpo humano es idealizado y se realiza un
perfecto estudio anatómico.
• 2. Plasman el movimiento. En los ángulos de los
frontones, los artistas aprenden a doblar la figura y a
relacionarla con otros grupos.
• 3. El volumen: la escultura es un estudio de volúmenes.
Ahora la escultura puede verse desde diferentes
puntos de vista. Cuidan así todas las perspectivas.
LA EVOLUCIÓN
•
•
Época arcaica (Desde finales del siglo VIII al siglo VI a. C.).
Surge a consecuencia de los intercambios creados por la colonización.
Iconografía:
Destacan los Kuroi:
- representa a los atletas vencedores de los Juegos Olímpicos o a un dios y suponen el ideal de
belleza masculino. Finalidad funeraria: hacer perdurar mediante la imagen a aquellos que lo han
merecido por sus hazañas. Simboliza valores religiosos y físicos.
- Rasgos típicos del arcaísmo:
-
-
ojos almendrados
hieratismo.
responde a la ley de la frontalidad
el pelo aparece ordenado en superficies geométricas.
Acusa una falta de proporciones y aparece sólidamente asentado en el suelo; son figuras cerradas con
brazos caídos, manos cerradas y pegadas a los muslos;
las figuras son exentas o de bulto redondo y ya no necesita apoyo exterior.
Muestran una total desnudez.
Anatomía tosca. Su forma es pesada y enérgica con claro gusto por lo geométrico en sus formas.
la sonrisa arcaica da vida a la estatua en busca de un mayor naturalismo.
Materiales:
-
Primeras esculturas fueron tallas en madera (xoanas), más tarde la piedra (mármol) se generaliza.
• Técnica del esculpido:
“En primer lugar el escultor debió desbastar el bloque de
mármol hasta conseguir una forma más o menos regular.
Una vez hecho esto, lo más probable es que dibujara, en los
diferentes planos del bloque rectangular, la figura de
frente, de espaldas y de ambos costados. Y es muy
probable que lo hiciera así por razones inherentes al mismo
procedimiento, pues el escultor tuvo que necesitar unas
líneas directrices que le permitieran llevar a cabo una
interpretación coherente de su figura. Además, sabemos
por muchos ejemplos posteriores que, cualquiera que fuera
al lugar y el momento histórico, el artista que trabajaba
directamente sobre la piedra sentía siempre la necesidad
de trazar antes un dibujo sobre la superficie del bloque.”
R. Wittkower, La escultura: procesos y principios, p. 22.
Kleobis y Biton
Autor: Anónimo
Cronología: 610-580 a.C.
Lugar original: Santuario de Apolo en Delfos
(Grecia)
Dimensiones: 2,16 y 2,18 altura
Material: Mármol
Lugar actual: Museo de Delfos (Grecia)
Las estatuas de Kleobis y Biton ilustran la la
solidez maciza de las figuras en el estilo
arcaico. Proceden de un taller argivo y
conmemoran el comportamiento de Kleobis y
Biton, que transportaron a su madre,
sacerdotisa de Hera, hasta el Santuario de la
diosa en Argos por 8 km, uncidos ellos mismos
al carro. La plegaria de la madre a los dioses,
para que otorgaran el mayor bien a sus hijos,
fue oída por aquellos, que enviaron a éstos un
profundo sueño del que nunca despertaron.
Expresión mitológica del fatalismo griego
Kurós de Tenea
Autor: Anónimo
Cronología: 575-550 a.C.
Lugar original: Tenea (noroeste del Peloponeso)
Dimensiones: 1,53 altura
Material: Mármol
Lugar actual: Gliptoteca de Munich (Alemania)
En este caso el kurós se ubicó como
monumento funerario en la tumba de un
joven griego fallecido prematuramente.
Kuros de Anavyssos
Autor: Anónimo
Cronología: 530 a.C.
Lugar original: Necrópolis de Anavyssos (Ática,
Grecia)
Dimensiones: 1,94 m. de altura
Material: Mármol
Lugar actual: Museo Arqueológico Nacional de
Atenas
La inscripción dedicatoria nos dice que este
Kouros es la estatua funeraria del joven
Kroisos. Afortunadamente está muy bien
conservada y es interesante compararla con el
Kouros de Tenea, para constatar los progresos
logrados a finales de época arcaica. Formas
más naturales y brazos separados del cuerpo lo
corroboran, aunque la cara anterior de las
piernas está aún trabajada a bisel.
Ejercicios:
1.Qué relación encuentras entre estas esculturas arcaicas griegas
y las egipcias?
2. Analiza la evolución formal que se produce en los tres Kuroi en
la anatomía, el rostro, el tratamiento del cabello y el
movimiento.
• La Koré es el equivalente femenino. En Grecia
el desnudo femenino es tardío, de ahí la
importancia del vestido y la ornamentación. El
ideal femenino se asimila a una vestimenta
digna. Se demuestra una gran técnica y
habilidad en el tratamiento del pelo, cuerpo y
tela. Los brazos portando ofrendas se
despegan del cuerpo. El cabello y los pliegues
marcan la evolución de las Korai.
• Representan imágenes de muchachas
oferentes.
Dama de Auxerre
Autor: Anónimo Cronología: 640-630 a.C.
Lugar original: Procedente de Creta? (Grecia)
Dimensiones: 0,65 m. de altura
Material: piedra caliza
Lugar actual: Museo del Louvre de París
(Francia)
Es una pequeña estatuilla de algo más de 50 cm., esculpida en piedra caliza, y
es considerada como la primera obra de la estatuaria en piedra que se
conserva de la Antigüedad.
Se la considera una koré o estatua ritual femenina vestida hasta los pies.
Parece tratarse de una imagen votiva, quizás una sacerdotisa, a juzgar por la
posición de su mano derecha en actitud de exvoto, y el brazo izquierdo
pegado a lo largo del cuerpo.
Características formales comunes a la mayoría de estas esculturas femeninas:
- especialmente su rígida frontalidad
- su estructura de bloque o perfil cerrado.
- En la cintura un ancho cinturón crea el característico talle de avispa que
contribuye a dar esbeltez a la figura. Viste un peplo con dibujos geométricos y
un manto corto sobre los hombros.
-El peinado es otro de los aspectos que llaman la atención por el cuidado
trabajo que se puso en su diseño. Es un pelo colocado mediante grandes
tirabuzones, peinado en pisos, según la tradición egipcia.
- Aunque todavía está ausente cualquier rasgo expresivo, y su estructura
responda a un patrón idealizado, sorprende la sonrisa arcaica y la perfección
técnica de los tremendos e inexpresivos ojos, y las finas líneas que forman los
labios.
-También hay que destacar la notable desproporción de las distintas partes
corporales, especialmente el tamaño de las manos y los pies, así como la
longitud de las extremidades.
Kore del peplo
Autor: Anónimo Cronología: 530 a. C.
Lugar original: Acrópolis de Atenas (Grecia)
Dimensiones: 1,17 m. de altura
Material: mármol
Obra maestra de la escultura arcaica ática, la
Kore viste con suma sencillez y elegancia un
peplo y lleva un peinado de trenzas largas que
cuelgan por delante. Conserva restos de
policromía en el pelo, ojos, boca y bordados
del vestido, rasgo que unido a la extraordinaria
calidad del modelado, contribuye a la
singularidad de esta Kore.
Ejercicio:
Comenta la evolución formal que se produce en estas Korai,
teniendo en cuenta el tratamiento del cabello, del rostro, del
ropaje y de la anatomía.
Ejercicio:
Realiza una comparación de lo heroico, lo histórico, lo mitológico
y lo simbólico en los siguientes textos:
Los hermanos Cleobis y Bitón, fueron
honrados con importantes figuras del tipo
Kouros en Delfos. En cierta ocasión en que
su madre estaba impaciente por asistir a una
fiesta en honor de la diosa Hera, y los bueyes
que tenían que llevar el carro tardaban en
llegar al campo, Cleobis y Bitón se uncieron
ellos mismos al carro y lo arrastraron por los
ardientes caminos hasta el santuario. Este
acto supremo de piedad y fortaleza les ganó
la admiración y el respeto de todos los
presentes y movió a su madre, llena de
orgullo y gratitud, a rogar a Hera que les
concediera a sus hijos el mayor favor que se
pudiera otorgar a los hombres. Poco después,
los hermanos se echaron en el santuario a
descansar y murieron en sus sueños. Tal fue
la respuesta de la diosa a la plegaria de su
madre. Dejaron la vida en el momento
culminante de poder y éxito.
Heródoto
El público está acostumbrado a leer estos
símbolos que previamente conocía; el
tratamiento arcaico, distante y rígido, cuadra
con el símbolo autoritario de Apolo legislador
y encargado del orden establecido; lo único
que consigue la imagen es hacer más
comprensible la naturaleza del dios Apolo.
Elsen dirá”: “La obra de arte religiosa
proporciona asimismo al hombre una ética
visible sobre la que podía basar o guiar su
conducta en la vida”. En el templo de Delfos,
hallábanse escritos los preceptos de Apolo:
Refrenda tu espíritu/ Observa el límite/ Odia
la hybris/ Sé reverente al hablar/ Teme a la
autoridad/ Inclínate ante la divinidad/ No te
ufanes de la fuerza/ Gobierta a la mujer. No
faltan relatos en lo que el padre recomienda a
su hijo que se parezca a Apolo.
Elsen, recogido en Trabajos prácticos de Arte,
Grupo Áfora, p. 29
• Época clásica (siglo V a. C): a partir del establecimiento de La
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democracia en Atenas, el arte gira hacia un mayor humanismo.
Destacan: Mirón, Fidias y Policleto.
Se pierde la rigidez de la época arcaica y las figuras adoptan posturas
más relajadas y naturales, reforzados por la aparición del
movimiento.Se pierde la sonrisa arcaica.
El tema central sigue siendo la figura humana, que ahora se
representa con pelo corto y rizado.
La composición predilecta será el contrapposto: la figura descansa
sobre una pierna y flexiona la otra dejándola en reposo; la descarga
del peso sobre un lado produce un desnivel en las caderas y en el eje
vertical de la estatua. Se rompe así, la ley de la frontalidad. Esta será
la postura predilecta en el arte clásico. Otra característica será el
idealismo y el equilibrio: se tiende a la creación de figuras humanas
idealizadas.
Policleto establece el canon en su “Doríforo”: la altura es siete veces
la cabeza. Hay un perfecto dominio y conocimiento riguroso de la
anatomía humana. En esta época aparece la técnica de paños
mojados de la cual Fidias será su mejor representante.
Materiales y técnicas: Mármol o piedra para la escultura
arquitectónica. En esculturas exentas: mármol y bronce (fundición a la
cera perdida). También figuras crisoelefantinas.
• Preclasicismo o estilo severo
– Primera mitad del siglo V
– Avances hacia el naturalismo (en anatomía,
expresión del rostro y actitudes).
– Obras: Auriga de Delfos, Caballero Rampin.
– Análisis formal y estético:
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Se va abandonando el hieratismo. Más vida y movim.
Desaparece la sonrisa arcaica.
Anatomía más perfecta.
Posturas más relajadas.
Auriga de Delfos
Autor: Pitágoras de Regio Cronología: 478-474 a. C.
Lugar original: Cerca del Templo de Apolo en Delfos
(Grecia)
Dimensiones: 1,82 m. de altura
Material: bronce
Lugar actual: Museo de Delfos (Grecia)
Esta obra maestra se descubrió (en 1896) gracias a un desprendimiento
de tierras en las excavaciones que unos arqueólogos franceses estaban
haciendo en Delfos sobre terrenos del siglo IV a.C. Es uno de los
poquísimos grandes bronces del siglo V a. C. que han llegado hasta
nosotros. Pese a que sólo se rescataron fragmentos de la cuadriga con la
que originariamente formaba grupo, la figura del auriga (con su cuadriga
correspondiente, hoy perdida, y seguramente frenada por un mozo de
cuadra) fue posiblemente un exvoto a Apolo del tirano Polizelso de Gela
(Sicilia) por su victoria en una carrera de carros en el 478 o 474 a. C. en
Delfos. Mide 1,82 m. de altura y representa el momento antes del inicio
de la carrera, inquietos los caballos y ya uncidos a la vara de la cuadriga,
y que son sujetados por este personaje, cuyo rostro no expresa la
tensión que, lógicamente, la ocasión implica. Pertenece al estilo severo.
El maestro de esta obra fue, probablemente, Pitágoras de Regio. En su
estética ciertamente se aprecia una falta del espíritu y la movilidad del
arte griego preclásico (severo), pero la tensión que irradia, lograda
mediante leves desplazamientos asimétricos, la dota de una dignidad
que la sitúa entre las obras simbólicas de la época.
• Clasicismo
– Segunda mitad del siglo V
– Naturalismo, canon y proporción, movimiento
contenido, contraposto, rostros serenos (ethos)
– Ejemplos:
• Mirón “Discóbolo”
• Policleto “Dorífero”
• Fidias “Ateneas”, relieves del Partenón.
– Análisis formal y estético:
• La figura humana ya es perfecta en su naturalismo.
Rostros bellos y serenos. Belleza (armonía). Movimiento
contenido. Aire solemne y heroico= humanidad superior.
• Las masculinas: a veces pesadas, pero no rígidas (aspecto
tectónico)
• Las femeninas: más expresivas por sus vestidos.
El Discóbolo
Autor: Mirón
Cronología: 460-450 a. C.
Dimensiones: 1,55 m. de altura Material:
Copia romana en mármol del original en
bronce
Lugar actual: Sala de la Biga, Museos
Vaticanos (Ciudad del Vaticano, Italia)
Representa el instante fugaz en que el atleta se
dispone a iniciar el giro para soltar el disco. Es un
instante de máximo desequilibrio y movimiento que
nos hace olvidar el arcaísmo de sus cabellos, de los
músculos planos y de la colocación sin profundidad de
brazos y piernas.
Para la acrópolis de Atenas realizó el grupo de Atenea
y Marsia conocido por copias del museo Laterano de
Roma. En Olimpia y Delfos realizó diversas estatuas de
atletas, entre las que destaca el corredor Lades
plasmado en el instante en que, apoyándose en las
plantas de los pies, se lanzaba a una veloz carrera.
También se le han atribuido algunas estatuas del
Erecteion y según autores antiguos, representaba los
animales con un gran realismo.
El Doríforo
Autor: Policleto
Cronología: 440-430 a. C.
Dimensiones: 2,12 m. de altura
Material: Copia romana en mármol del original en
bronce
Lugar actual: Museo de Nápoles (Italia)
-Representa a una figura masculina joven, desnuda, en actitud de marcha, con una lanza sobre el
hombro izquierdo, la cabeza ligeramente ladeada hacia la derecha y con un rostro de serena belleza
clásica con la mirada perdida y distante.
-El Doríforo, "el que lleva la lanza", es la obra más famosa esculpida por Policleto, pues en ella el
artista griego concretó el canon de belleza masculina, una concepción matemática de la belleza
humana.
-Aportación al clasicismo nuevas concepciones rítmicas y de equilibrio armónico a partir de formas
funcionalmente contrapuestas:
-la pierna derecha es la que soporta el peso del cuerpo estando firmemente apoyada en el
suelo, recta y comprimiendo así la cadera; la pierna izquierda, en cambio, no soporta peso
alguno y , retrasada, toca el suelo con la parte anterior del pie, apoyando solamente los
dedos.
-En la parte superior el esquema funcional de los miembros está cambiado, el brazo derecho
no realiza ningún esfuerzo y cae relajado a lo largo del cuerpo, mientras que el brazo
izquierdo se dobla para sostener la lanza que originariamente portaba;
-el torso presenta una ligera inclinación hacia el lado derecho y la cabeza gira en ese mismo
sentido inclinándose levemente. A este ritmo cruzado y compensado del cuerpo es a lo que
en el Renacimiento se llamó "contrapposto".
-Rasgos que conserva todavía ciertos rasgos de arcaísmo:
- ya que está tallado con rudeza,
-los pectorales son planos, y
-las líneas de la cintura y la cadera aparecen fuertemente marcadas.
-Fue concebido para ser visto de frente, según la concepción más arcaica de la estatuaria griega, y por
ello se marca claramente el eje vertical, pero Policleto rompió con el concepto tradicional de simetría
oponiendo las partes del cuerpo respecto del eje, sometiéndolas al servicio de la totalidad, con ello
conjuga dos principios básicos, quietud y movimiento, que se complementan en una idea unitaria:
quietud en el movimiento y movimiento en la quietud. Belleza y fuerza.
Canon de Policleto.
Frisos del Partenón
Autor: Fidias y taller de Fidias
Cronología: 447-432 a. C.
Material: Mármol del Pentélico
Dimensiones: 159 m de longitud
Lugar original: templo del Partenón
Lugar actual: friso interior en el Museo de la
Acrópolis (Atenas), otros distribuidos en el
Louvre y British Museum.
Fidias realizó la decoración escultórica del Partenón: en el
friso
de 200 metros se representa la Procesión de las
Panateneas.
Decora las metopas con escenas de gigantomaquia o
centauromaquia, así, como los frontones.
Sus figuras se relacionan, destacando la armonía de sus
figuras y sus composiciones equilibradas. Adoptan
posturas clásicas como el contrapposto que rompe la
ley de la frontalidad de la época arcaica.
Su movimiento es pausado, sereno, propio del clasicismo.
Utiliza la técnica de paños mojados que deja traslucir la
anatomía a través de las vestimentas y acentúa el juego de
luces y sombras dando dinamismo al conjunto.
Toda la obra desprende una gran sensualidad.
Hay un claro estudio anatómico y en todo el conjunto
se aprecia proporción, equilibrio y armonía,
característico del clasicismo griego.
Procesión de las Panateneas
Metopa del lado sur con
escena de Centauromaquia
Detalle de las doce
divinidades,
Perteneciente a la Procesión
de las Panateneas.
• Posclasicismo Siglo IV hasta el 323 a.C.
– Naturalismo idealizado o más humano
– Nuevo canon más esbelto
– Rostros más expresivos
– Ejemplos:
• Praxíteles: Venus de Cnido (Venus idealizada)
• Scopas: Meleagro, Ménade (expresa pasión o patetismo)
• Lisipo: Aposiomeno (crea un nuevo canon más esbelto
que el de Policleto)
– Análisis formal y estético:
•
•
•
•
Se expresan sentimientos
Aparece el retrato individualizado.
Tendencia al realismo.
Aparece el desnudo femenino.
Canon de Lisipo, Apoxiomeno.
Venus de Cnido
Autor: Praxíteles Cronología: 360 a. C.
Dimensiones: m. de altura
Material: Copia romana en mármol
Lugar actual: Museos Vaticanos.
La escultura representa a la diosa griega del amor (principalmente en su acepción del amor
erótico), la belleza y la fertilidad femenina de Afrodita, prestándose a realizar, o tras haberlo
efectuado, el baño ritual de las Eleusiadas.
Tal escultura estaba destinada al naos de un pequeño templo de dos aberturas a lo largo de un
mismo eje, o quizá para ubicarse en un templete monóptero en la ciudad helénica de Cnido (en
Caria, Anatolia). Se la llamó Knidia o Cnidia porque fueron los habitantes de esta ciudad quienes
adquirieron la estatua después de que los de la ciudad de Cos la rechazaran y compraran a
Praxíteles una versión en la cual, la diosa estaba vestida de forma «más púdica y severa».
La Afrodita de Cnido fue representada desnuda en actitudes personalmente íntimas. Tal actitud
recibió el nombre de replegamiento intimista y se utilizó principalmente en la Antigüedad para
representar a divinidades y personajes míticos en poses particularmente despreocupadas.
La obra de Praxíteles se hizo rápidamente famosa y fue muy venerada: Plinio el Viejo relata que
un joven se enamoró de la escultura (notar, que como todas las otras esculturas clásicas, la
misma estaba pintada imitando lo más perfectamente posible al ser humano vivo). Se trata de
una de las esculturas que posee mayor número de copias y variantes.
La desnudez en la Afrodita Cnidia es un buscado y logrado elemento de erotismo: la seducción
ha sido acentuada merced a la tersura que se ha obtenido en el fino labrado del mármol que
constituye a la estatua. Tersura realzada por las curvilíneas y suaves (mórbidas) formas,
grácilmente femeninas del cuerpo. Formas que se "mueven" con un perfil sinuoso (en "S"). La
representación toma, en efecto, a Afrodita cuando presta al baño, deja caer casi lánguidamente
sus vestiduras sobre una hydria (gran ánfora para agua) que está a su costado. La vestidura y el
ánfora, pese a la impresión opuesta sugerida, cumplen la función de fuerte soporte estructural,
de manera que así el cuerpo puede "rotar" ligera y levemente hacia adelante y hacia la izquierda,
casi en un gesto de, instintivo aunque despreocupado, pudor. Como si la diosa hubiese sido
sorprendida en tal pose por un extraño. Por ello, "lleva" su mano diestra delicadamente a cubrir
incompletamente el pubis.
La obra original desapareció durante un incendio ocurrido en Constantinopla, ciudad a la que la
había hecho transportar el emperador Teodosio. A pesar de ello, se mantienen numerosas
copias.
Es el primer desnudo femenino de la Antigüedad.
Hermes de Olimpia
Autor: Praxíteles Cronología: 360 a. C.
Dimensiones: 2,12 m. de altura
Material: Copia romana en mármol del original en
bronce
Lugar actual: Museo de Nápoles (Italia)
El Hermes de Olimpia fue hallado donde, según Pausanias, se encontraba un
Hermes de Praxíteles; su verdadera atribución lleva más de un siglo siendo
quebradero de cabeza para todos los estudiosos. Ciertamente, se inclina
buscando la curva praxitélica, su cara es suave como las de Praxíteles. La
perfección de la talla es sublime, y la estatua ondula en dos dimensiones. Pero,
por otra parte, su musculatura es más fuerte que las que suele usar Praxíteles,
dando una cierta rigidez a su actitud; su cabello parece inacabado, como si
esperase -igual que ciertas estatuas alejandrinas del siglo III a. C.- un
recubrimiento de estuco y pan de oro; la frente se abomba sobre los ojos en lo
que suele llamarse barra miguelangelesca, un elemento más bien usado en el
taller de Lisipo; y, desde luego, el manto que cuelga sobre el árbol es tan
realista que bien justifica la conocida frase del sabio alemán al que enseñaron
las primeras fotos sacadas a la obra durante la excavación: "Muy bello, pero
¿por qué al sacar la fotografía han dejado ahí colgando esa capa?".
Efectivamente, para un conocedor de la obra de Praxíteles tal realismo resulta
sin duda chocante. ¿Qué es el Hermes de Olimpia? ¿Una obra tardía de
Praxíteles, en la que éste asume con entusiasmo todo tipo de novedades?
¿Una escultura del siglo II a. C., como alguien ha querido demostrar, inspirada
en el arte de Praxíteles y nacida en un ambiente neoclásico? ¿Una obra
realizada por la escuela de Praxíteles ya bien comenzado el siglo III a. C.?
Siempre se podría pensar que su verdadero autor fuese un Praxíteles que vivió,
por lo que sabemos, en la primera mitad del siglo, y que retrató, según nos
cuenta Diógenes Laercio (V, 2, 14 y 52), a un hijo de Aristóteles.Ante tal cúmulo
de dudas, no queda más que confesar la ignorancia de la ciencia moderna y,
por desgracia, expresar el convencimiento de que, en este punto, va a ser
duradera
• En la época helenística (siglos IV-III a. C): en este período
la cultura griega se expande en el interior de Asia y Egipto,
resultado de las campañas de Alejandro Magno y la
creación de un gigantesco imperio.
• La técnica sigue siendo perfecta, pero se busca menos lo
ideal y más lo real y lo concreto. Se inicia así el realismo.
• Se prefiere el desequilibrio de los cuerpos retorcidos a las
serenas posturas del clasicismo; el dramatismo en las
expresiones de los rostros; aparece la fealdad de monstruos
o seres amenazadores.
• Aparecen retratos, figuras de gestos violentos y cargadas de
expresión. Formas más complicadas y retorcidas que las
clásicas. Se exteriorizan los sentimientos y se buscan
efectos dramáticos.
• Temas: variados; desde la infancia a la vejez, ancianos
borrachos, Venus idealizadas en posturas nada divinas,
Apolos excesivamente femeninos. Grupos simples o
complejos donde se ve reflejado lo bello y lo feo, lo
agradable y lo desagradable.
• Aspectos formales y estéticos:
– Perfección, virtuosismo
– Grupos escultóricos de formas abiertas y con
multiplicidad de puntos de vista.
– Interés por el desnudo, afán por el barroquismo.
– Movimiento y dinamismo
– Evolución de la expresión llegando al pathos.
– Gusto por las texturas, la policromía, la mezcla de
materiales.
Síntesis de lo griego con lo oriental. Se pierde el
idealismo clásico pero se obtiene lo enteramente
humano.
Venus de Milo
Autor: Anónimo Cronología: 110 a. C.
Dimensiones: 2,02 m. de altura
Material: mármol
Lugar actual: Museo de Louvre (París)
La Afrodita de Melos, conocida mundialmente como Venus
de Milo, es una obra original griega, posiblemente de la
escuela helenística de Atenas, esculpida entre los años 160 y
150 a.C. El aspecto clasicista de sus formas hace suponer
que su autor, desconocido, se inspiró en una estatua del
siglo IV a.C. La escultura, sin brazos, esboza un giro helicoidal
desde la estrecha base y parte inferior del cuerpo, cubierta
por el vestido, que asciende hacia la cabeza. Este
movimiento eurítmico entre la parte inferior y superior del
cuerpo es muy específico del período helenístico tardío. El
inquieto juego de los enérgicos pliegues del vestido se
contraponen refinadamente a las delicadas redondeces del
bellísimo cuerpo. La cabeza de Afrodita, en su ensoñadora
armonía y actitud melancólica, es, tanto en la forma de la
cara como en la configuración del cabello, una copia de la
Afrodita praxitélica. Se encuentra en el Museo del Louvre.
Laocoonte y sus hijos
Autor: Quizá adaptado por los escultores del
núcleo de Rodas: Agesandro, Polidoro y
Atanodoro a partir de un original en bronce
de los siglos III-II a. C.
Cronología: S. I d.C.
Lugar original:
Dimensiones: 2,42 m. de altura
Material: Mármol
Lugar actual: Museos Vaticanos
EPISODIO DE LA GUERRA DE TROYA
En él se representa a Laocoonte, sacerdote del templo de
Neptuno de la ciudad de Troya, que es castigado con la
muerte por desobedecer a un mandato divino en la
preparación del sacrificio de un toro. Sacrificio que en contra
de los dioses había hecho para convencer a los troyanos del
engaño que suponía el caballo de madera que los griegos
habían colocado frente a las murallas de la ciudad. Apolo, al
ver frustrados los planes de destruir Troya, envió a Curissia y
Peibea, dos gigantescas serpientes de mar que se enrollaron a
los cuerpos de los hijos de Laocoonte, Antipas y Timbreo, y
posteriormente en él mismo y con sus anillos los estrujaron
asfixiándolos. Por la presión de los cuerpos de las serpientes,
el padre y el hijo más joven son lanzados hacia atrás sobre el
altar, siendo mordidos por los monstruos.
Análisis del grupo escultórico
• Aspectos sociológicos
– Artista: Escuela de Rodas. Poliodoro con
ayudantes Agesandro y Atenodoro.
– Clientes: personajes poderosos (monarcas o
generales)
• Tema o contenido
– Grupo escultórico formado por tres figuras. Una:
gigantesca, desnuda, masculina, edad madura,
musculoso, que lucha desesperadamente contra
serpientes. Dos: jóvenes desnudos.
• Técnica y materiales
– Es una copia en mármol de un original en bronce.
• Aspectos plástico-estéticos
– Composición: más que piramidal, triángulo
rectángulo, la figura central marca la diagonal que
marca la hipotenusa. Las figuras laterales se abren
en forma de ángulos rompiendo la verticalidad.
Hay desequilibrio compositivo.
– Concepción bidimensional: para ser vista de
frente.
– Virtuosismo técnico: en calidad táctiles
(epidermis- rugosidades y texturas-, cabellos –
rizos con labor de trépano en barbas, efectos de
luz y sombra-, escasos vestidos – acanalamiento
de los paños, luz y sombra).
– Expresividad: tanto en rostros como en cuerpos.
– Emoción: miedo, agonía. Está en los rostros, cuerpos en
movimiento, en dinamismo de la composición, ritmo
marcado por brazos, piernas y serpientes. PATHOS
(dinamismo emocional) se impuso sobre el ETHOS (estatismo
emocional).
– Personajes:
• Laocoonte: central, de mayor tamaño, gran estudio anatómico y
del rostro. Postura semisedente. Tensión lograda por la pierna
derecha doblada y la izquierda retrasada. Sujeta la serpiente
con ambas manos: el brazo derecho eleva el cuerpo y el
izquierdo sujeta la cabeza para evitar la mordedura de la
serpiente. La cabeza se inclina hacia la derecha, acentuando el
gesto.
• Jóvenes: también desnudos, el de la izquierda parece
desvanecido.
– Símbolo: el enfrentamiento entre las fuerzas poderosas de lo
incomprensible ( la voluntad de los dioses) y la impotencia
humana.
Galo moribundo
Autor: Anónimo
Cronología: 230 a.C.
Lugar original: Copia romana en mármol de
original griego en bronce procedente de
Pérgamo, Asia Menor (Turquía)
Dimensiones: 0,93 m. de altura
Material: Mármol
Lugar actual: Museos Capitolinos (Roma)
El Galo Capitolino se dobla lleno de dolor, recogido, estoicamente silencioso,
y, tras sus bellas líneas clásicas, revela el pormenorizado estudio de un
cráneo braquicéfalo, de una musculatura correosa, hecha con el trabajo y no
con la gimnasia, de unos gestos torpes de guerrero brutal. Ciertamente el
torques, el escudo y la trompeta larga y curva aluden a su raza, pero aquí no
serían siquiera necesarios para la identificación. Es lástima que no sepamos
quien fue el autor de tan bella obra: acaso se deba pensar en Epígono. Lord
Bayron dedició a esta soberbia escultura pergaménica esta poesía: "Veo ante
mí al gladiador yacente: / se apoya en su mano; su ceño viril/ acepta la
muerte, pero vence a la agonía, / su inclinada cabeza se hunde poco a poco, /
y, a través de su costado, las últimas gotas, fluyendo lentamente / de la roja
llaga, caen pesadas, una a una, / como al comienzo de una tormenta". El Galo
Ludovisi es su compañero.
ACTIVIDADES
Apolonio de Atenas, Boxeador.
Siglo I a.C. Bronce. 1,28 m de
altural
Gálata suicidándose tras dar muerte a su
Mujer. Copia romana de un original del 230 a.C.
del monumento de Atalo I. Mármol. 2,11 m de
altura.
Victoria de Samotracia. 190-120 a.C. Mármol. 2,45 m de
altura. Louvre.
1. Qué temas de los que aparecen en estas imágenes no aparecían antes en la
escultura arcaica y clásica?
2. Qué diferencias formales en rostros y cuerpos puedes apreciar en la escultura
helenística con respecto a la escultura anterior?
3. Destaca los cambios estéticos.
LA CERÁMICA
• Objetos de uso cotidiano, ritual y cultural
• Proceso de elaboración:
• Preparación del barro (arcilla con compuestos ferrosos
que definen el color rojizo de sus vasos)
• Modelado: con mano o con torno.
• Secado
• Impermeabilización
• Decoración: con pintura
• Cocción
• Técnicas de la pintura:
– Melanográfica:
• Sobre el fondo rojo se pintaban con negro azabache las
figuras, excepto las femeninas (blancas y silueteadas en
negro).
• Las figuras se ordenaban en bandas.
– De figuras rojas:
• Desde fines del siglo VI a.C.
• Sobre fondo negro figuras rojizas.
• La ordenación era de forma más naturalista y aparece
el escorzo y el paisaje.
– Temas:
• Mitológicos y de vida cotidiana (funerales, baños de
mujeres, danzas rituales)
Se caracteriza porque las figuras, pintadas y cubiertas con barniz negro, se destacaban
sobre el color rojo de la superficie de la cerámica. Los detalles de la anatomía y del
vestido se señalaban con finas incisiones sobre el barniz, sobre el que también se podían
pintar detalles en rojo o blanco. Fue inventada por los artesanos de la ciudad de Corinto
hacia el año 700 a. C. y luego imitada y desarrollada por los artesanos de Atenas a partir
del año 630 a.C. Se uso del 700 al 480 a.C.
Sobre la superficie roja de la cerámica, se pintaban y cubrían las figuras con barniz
negro, señalando los detalles interiores con incisiones. El fondo quedaba "reservado", sin
barniz.
Ofrece el efecto contrario, las figuras rojas destacan sobre el fondo negro
barnizado. Para ello, primero se realizaba el "esquema preliminar", luego se
dibujaban las figuras y los principales detalles anatómicos y del vestido y, por
ultimo, se rodeaba el contorno de la figura con una ancha banda de barniz y se
dibujaba en el interior de las figuras con líneas de barniz más diluido o con otros
colores como el rojo y el blanco. Posteriormente los aprendices terminaban de
rellenar el fondo de barniz. Esta técnica fue inventada en Atenas y convivió con la
de figuras negras durante cierto tiempo, pero posteriormente la sustituyó. Se uso
desde el 530 a.C. hasta el 350 a.C.
En este caso se "reservaba" la figura y se cubría con barniz negro el fondo. En el
interior de las figuras se dibujaban los detalles con líneas de barniz muy finas o con
otros colores, como el blanco para la piel femenina y el rojo para otros detalles.
Fue una técnica especial utilizada por los artesanos atenienses sólo para decorar
los vasos funerarios que se depositaban en las tumbas, no siendo apropiada para
cerámica de uso cotidiano por la poca consistencia del engobe blanco y de los
colores. Se usó durante el siglo V a.C.
Consistía en cubrir el fondo del vaso con un engobe blanco sobre el que se
dibujaba el contorno de las figuras con líneas de barniz negro o con pinturas de
otros colores
Paloma Cabrera (del Mº Arq. Nal. en Madrid)
Guía didáctica de la exposición "Cerámica e imágenes de la Grecia Clásica".
Mº Arq. Nal. y Ayuntamiento de Leganés. 194, págs. 10-11
http://www.ite.educacion.es/w3/eos/MaterialesEducativos/bachillerato/arte/arte/x-antigu/gre-c-dt.htm
Temática representada.
En cuanto a las imágenes representadas, los pintores tocan toda clase de
temas:
Religiosos y mitológicos: Los dioses y su culto. Los héroes y sus hazañas.
El deporte
La guerra
La literatura
El arte
La vida cotidiana: el trabajo, los banquetes, las festividades.
El universo femenino: la boda, el trabajo, la maternidad.
La cerámica es pues un hermoso medio para conocer diversos aspectos de la
vida
• Religiosos y mitológicos: los dioses y su
culto.
Zeus
Atenea
Realizando un sacrificio
• Religiosos y mitológicos: los héroes
Teseo dando muerte
al Minotauro
Heracles y las Aves
del lago Estínfalo
Deportivos: Atletas y carreras
El vencedor en la carrera de caballos
Entrenamiento
Carrera
Saltador
Una carrera de carros.
Deportivos:
Lucha
Púgiles
La guerra
El combate
Curando las heridas
La despedida de los
hoplitas
Retirando a un
caído
Música y danza
La literatura y el teatro
Edipo y la Esfinge
Orestes da muerte a
Egisto
Safo y Alceo
poetas de
Mitilene
El trabajo
La caza
Agricultura
Comercio
La vida cotidiana: los banquetes
La mujer : el matrimonio
Los preparativos de la
ceremonia en casa de la
novia
El cortejo nupcial y los
regalos
La mujer: la maternidad
El matrimonio tenía como
principal objetivo la
procreación, al menos de un
heredero, preferiblemente
varón.
Las actividades de las mujeres :
La lana y la fuente
El trabajo
textil era una
de las
principales
tareas de las
mujeres en el
hogar.
Epinetrón, pieza cerámica que se
utilizaba para trabajar la lana colocado
sobre el muslo como muestra el dibujo.
Las actividades de las mujeres :
La lana y la fuente
El acarreo del agua también era una
tarea mayoritariamente femenina, para
ello empleaban las hidrias.
• Pintores: más importantes que escultores
• Continuismo con lo egipcio:
– De perfil y ojos vistos de frente
– Siluetean figuras tan claramente como fuera posible
– Incluyen todo su conocimiento del cuerpo humano
– Les gustan los perfiles sólidos y el dibujo equilibrado
– No intentan copiar la naturaleza tal como la veían
• Escorzo
– gran descubrimiento poco antes del 500 a.C.
– “Significa que el artista no se propuso ya incluirlo
todo (…) sino que tuvo en cuenta el ángulo desde el
cuál se veía el objeto” Gombrich, p. 81.
Aquiles y Ayax jugando a los dados, h. 540 a.C. Firmado por Exekias. 61
cm de altura. Museo Etrusco, Vaticano.
• Talleres con dos
clases de artistas,
alfareros y pintores.
- Diferentes tipos de
Vasos:
Vasijas con formas diferentes:
• Utilidad: almacenar aceite, contener agua, guardar joyas,
conservar perfumes, etc.
• Pintadas con motivos geométricos, animales fantásticos
y elementos vegetales.
• Posteriormente se decoraban con figuras negras sobre
fondo rojo o figuras rojas sobre fondo negro, que
representaban escenas mitológicas o de la vida cotidiana.
Vasijas griegas
Ánforas
Cráteras
Oinochoes
Alabastrón
Ánforas
- Recipiente de gran tamaño con dos asas y
un largo cuello estrecho.
- Servían para almacenar vino o aceite.
- Principal medio de transporte y
almacenamiento de la uva, aceitunas,
aceite de oliva, cereales, pescados, etc.
Cráteras
- Vasija de gran capacidad que contenía una
mezcla de agua y vino.
- Se empleaban para mezclar el agua y el
vino.
- Se fabricaban en barro y en metales
preciosos con formas distintas.
Oinochoes
- Jarras que servían para mezclar y servir el
vino en las comidas.
- Recipiente a modo de cántaro y con una
sola asa.
Alabastrón
- Recipiente usado para guardar perfumes.
- La mayoría tiene un cuerpo estrecho con
extremo redondeado y una amplia y
abierta boca.
- Su decoración representaba a menudo
escenas típicas de la época.
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Arquitectura Griega