Arte Gótico
Características del Arte Gótico
 Arte que sucede cronológicamente al románico.
 Nace ya en el siglo XII, coexistiendo con el estilo románico. En la
Isla de Francia (mediados de siglo). Difusión : hasta comienzos del
siglo XVI.
 Su máximo esplendor se produjo entre el siglo XIII y las primeras
décadas del XVI y adoptó múltiples variantes regionales.
 Origen del término: Vasari lo utiliza para el arte medieval
considerado monstruoso y bárbaro (concepto peyorativo). Recién
en el siglo XIX será entendido como arte digno de estudio por los
románticos y en el siglo XX se reconoce su vigor expresivo, su
dinamismo y nueva concepción del espacio creado creado por la
verticalidad y la ligereza.
 Evolución diferente: en Inglaterra enlaza con el neogótico del siglo
XIX; en España es el flamígero y luego el Reyes Católicos; en Italia
tiene influencias del clasicismo y termina con el Renacimiento.
Contexto histórico
 Económico: aumento de la producción y comercio a larga distancia.
 Social: se mantienen los tres estamentos, pero en el Estado llano a
partir del siglo XIII se comienzan a diferenciar artesanos y
comerciantes por su producción de la riqueza. Viven en burgos
(barrios comerciales en los extramuros de la ciudad).
 Político: por crisis de epidemias y guerras aparecen las monarquías
autoritarias (apoyo económico de la burguesía), extinguiéndose el
poder feudal y de la Iglesia.
 Iglesia: el papel poderoso que tenía en lo cultural y espiritual se va
transformando por reformas: cisterciense, órdenes mendicantes
(franciscanos y domínicos). Se adaptan a la vida urbana y aportan
religiosidad más humanizada y próxima a la naturaleza. Pierde
control sobre las universidades, aunque sigue la escolástica.
 Urbanismo: la ciudad es el foco de las innovaciones. Nuevos
edificios civiles: ayuntamiento, palacios y casas. Edificio
característico: la catedral (símbolo de poderío económico y
capacidad artística).
Sociología del arte
 Artistas: se agrupan en cofradías y gremios, lo que favorece el
sentido colectivo y el anonimato. Sin embargo, se conocen
maestros de obras, arquitectos, escultores y pintores que firman
sus obras.
 Clientes: Los burgueses los principales patrocinadores de obras
religiosas y municipales
Arquitectura Gótica
 Origen: Abad Suger en abadía de Saint Denis y San Bernardo y su
orden cisterciense.
 La abadía de Saint Denis es considerada el primer edificio gótico
y el centro de irradiación de este estilo hacia todo el Occidente
cristiano.
Arquitectura Gótica
 Los principales edificios:
 Iglesias, Catedrales y Monasterios.
 Edificios civiles: castillos, palacios, ayuntamientos,
lonjas.
Ejemplos
Castillo
Palacio
Lonja
Catedral
Elementos fundamentales de la Arquitectura Gótica
 La característica más destacada de la arquitectura gótica
es su verticalidad y ligereza.
 Catedral tipo:
 Planta basilical: axialidad, aumenta número de naves
(5). Crucero va hacia el centro( gran espacio interior).
 Interiores: elevación extraordinaria; nave principal
con bóveda de ojiva y naves laterales con bóveda de
artista.
 Exteriores: chapitel cubre el crucero y fachada:
exceso de expresividad y recargamiento, 3 portales,
más arquivoltas y estatuas que en el románico y
rosetón.
Elementos fundamentales de la Arquitectura Gótica
Planta
Elementos fundamentales de la Arquitectura Gótica
Gombrich:
“Las iglesias góticas
parecen una plegaria en
piedra que va hacia los
cielos”
Elementos fundamentales de la Arquitectura Gótica: Tipos de arcos
Arco carpanel
Arco apuntado u ojival
Arco carpanel:
Se parece al rebajado pero se
traza a partir de tres centros.
Arco apuntado:
Consta de dos segmentos de
arco que forman ángulo. Tiene
dos centros que pueden ser
interiores, a todo punto, o
exteriores. Los arcos evolucionan
alargándose y en la etapa
flamígera
aparecen
los
conopiales o carpaneles.
Arco conopial
Arco conopial:
Tiene forma de quilla de barco
invertida. Consta de cuatro
centros, dos interiores y dos
exteriores.
Elementos fundamentales de la Arquitectura Gótica
Bóveda de crucería (de ojiva):
Tiene arcos ojivales y es ligera
(dos ojivas entrecruzadas dan
lugar a cuatro plementos o
entrepaños
–
bóveda
cuatripartita).
Esto hace que el edificio
gótico sea una linterna de
piedra y vidrio.
Bóvedas
Las bóvedas transmiten las presiones:
-interior: a gruesos pilares
- exterior: arbotantes (segmentos de arco)
hacia los gruesos contrafuertes rematados
por pináculos, que junto a naves laterales
contrarrestan los empujes.
Es flexible: se adapta
superficies rectangulares.
a
Formada por arcos formeros,
fajones y nervios.
Elementos fundamentales de la Arquitectura Gótica: Contrafuertes,
arbotantes, pináculos.
 Muros exteriores mas ligeros gracias a:
A. Nave central
B. Nave lateral
1. Pilar
2. Arco perpiaño
3. Arco formero
4. Arco crucero
5. Plementería
6. Contrafuerte
7. Arbotante
8. Pináculo
Arco peripaño: el ojival
dispuesto
transversalmente al eje
de la nave.
Arco fomero: paralelo
al eje longitudinal de la
nave que sirve con la
columna o el pilar para
unir y separar las
naves contiguas.
Plementería: el
conjunto de los
plementos dispuestos
entre los nervios en
una bóveda de
crucería.
Elementos fundamentales de la Arquitectura Gótica: Contrafuertes,
arbotantes, pináculos .
Contrafuertes
Contrafuerte:
construcción adosada
al muro a la manera
de una pilastra para
reforzarlo y
contrarrestar los
empujes de las
bóvedas.
Arbotante: segmento de arco que
sobrevuela el tejado de la nave lateral y
que transmite el empuje lateral de la
bóveda central al contrafuerte.
También sirve para conducir el agua de
lluvia a través del canal excavado en sus
extradós hasta la gárgola. Aparece en el
siglo XII en la Ille de France.
Pináculo: cima, parte superior de un
edificio. En general, remate puntiagudo.
En la arquitectura gótica torrecilla de
forma piramidal, puntiaguda, que
desempeña función estética y estructural.
Elementos fundamentales de la Arquitectura gótica
Gablete: frontón ornamental muy puntiagudo,
generalmente calado, coronado por un festón. Situado
como remate de ventanales, pórticos o arquivoltas.
No responde a las vertientes de un tejado (como el frontón
clásico).
Portadas
Elementos fundamentales de la Arquitectura gótica
La
principal
occidental.
es
la
Flanqueda por dos torres
cuadradas que a veces van
rematadas en flechas.
La fachada gótica se
estructura en tres calles y
tres pisos:
-La zona de los portales,
-La zona del rosetón y las
vidriedas,
-Las torres.
Portadas
Elementos fundamentales de la Arquitectura gótica: rosetón y gablete
Rosetón
Rosetón: 2 significados:
1. Vano o ventana circular con tracería
característica del románico y gótico.
2. Flor decorativa característica de los
capiteles corintio y compuesto.
Gablete
Elementos fundamentales de la Arquitectura Gótica
El muro es liberado de su papel
sustentante, convirtiéndose en un
paramento que permite la apertura de
grandes ventanales cerrados con tracerías
y vidrieras.
Tracería: decoración hecha sobre piedra
calada a base de figuras geométricas
trazadas a regla y compás, especialmente
la que decora las ojivas góticas de los
ventanales, triforios, etc.
Vidriera: armazón o bastidor de madera
o metálico con vidrios utilizado en
puertas y ventanas. Vidriera emplomada
es el que tiene tiras de plomo.
Vidrieras
Elementos fundamentales de la Arquitectura Gótica
Fases de elaboración de la vidriera:
1.
Concepción de su composición sobre madera.
2.
Fabricación de los vidrios fundiendo en un horno potasa y
sílice y añadiendo óxidos metálicos durante la fusión para
colorearlos.
3.
Recorte de los vidrios con un hierro al rojo vivo siguiendo la
forma y dimensiones del patrón. A continuación se pintaban
los grafismos de los rostros, cuerpos, pliegues de trajes,
sombras, etc. Y se introducían de nuevo en el horno a fin de
que la pintura penetrase en la pasta vítrea.
4.
Colocación de las piezas de vidrio en el emplomado (hecho a
base de tiras de plomo – vergas-) de sección en forma de H
soldadas entre sí. Los plomos constituyen un elemento
esencial porque es una armazón flexible al viento y confiere
belleza (se superpone al dibujo, lo subraya, lo descompone y
permite mantener a cada color su propio valor, de tal manera
que sin los plomos, en vez de las visiones radiantes las
formas se desvanecerían y los tonos se mezclarían).
Elementos fundamentales de la Arquitectura Gótica
Alzados y Vidrieras
Portada: Catedral de León
Gablete
Arbotantes
Rosetón
Portada
El Espacio
-
-
-
Principio básico: la verticalidad, exalta la ingravidez.
-
Bóvedas impresión de liviandad.
-
Paredes de la nave central no es un muro continuo sino una
estructura diáfana.
-
Simbolismo: poder y acercamiento a la divinidad.
Elemento fundamental: la luz.
-
Espacio gótico está transfigurado y concebido en función de la luz.
-
Luz coloreada que se filtra a través de las vidrieras.
-
Tiene tanta importancia como la arquitectura, amplitud espacial.
-
Es una luz sobrenatural.
Color de las vidrieras:
-
Las vidrieras, arte de la luz y el color: elemento transformador del
espacio, muro traslúcido de cierre del edificio.
-
Completa la imagen visual de Dios-Sol, luz-color.
La concepción del espacio según Norberg-Schulz
-
El espacio es espiritualizado: se logra la dematerialización (con la luz)
-
En la Ig paleocristiana: reciben luz sólo superficie interior; Románico se
perfora el ábside con ventanas; Gótico se vuelve en una estructura
diáfana.
-
Su forma es abierta. Es una totalidad viviente más que una imagen
estática e inmutable.
-
La catedral expresa la idea de que la Cristiandad ya no está en camino,
sino que ha alcanzado su meta y siente a la Civitas Dei como un hecho
consumado.
-
En la arquitectura gótica Dios se acercó al hombre. Era el “espejo del
mundo”(su programa iconográfico reunía las esferas celestiales y
terrenales en un discurso complejo que enseñó al analfabeto la historia
del mundo, santos, virtudes, dogmas, etc.
-
La iluminación gótica, significa algo más que la presencia de la luz
divina, implica el esclarecimiento y comprensión y se concreta en
formas arquitectónicas como una estructura lógica resultante de la
interacción entre la luz y el elemento materia: “materia espiritualizada”
Simbolismo
“La catedral era algo más que el foco religioso de su sociedad. Sus
campanas regulaban las actividades seculares del día…la forma
material de la estructura del templo simbolizaba la Iglesia espiritual…
estaba considerada como metáfora del alma del hombre, y como
representante del Reino de los Cielos y del Cuerpo místico de
Cristo…La catedral era un símbolo ambivalente de Cristo, la celestial
Jerusalén, y el universo. La magnificencia de ella…juzgábase adecuada
a su función como ofrende de los fieles y morada espiritual de Cristo y
de la Virgen. A través de la catedral, el hombre entendía lo invisible y
lo infinito, y lo divino se hacía inminente”.
A. Elsen, Los propósitos del arte, pp. 71-74.
“El rosetón, su forma circular dividida por finos rayos de piedra parecidos
a los de una ruede, tiene para el cristiano de la época un significado
doblemente simbólico: alude…al sol, símbolo del Cristo, y a la rosa,
símbolo de María. Su función es también doble: por un lado constituye
una fuente de luz y por otro aligera el espesor de la pared con una
perforación fina y elegante, a menudo tan refinada como un encaje”.
Ma. C. Gozzoli, Cómo reconocer el arte gótico, p. 26.
Las Artes Plásticas en la Catedral
Clientes: Iglesia y Monarquía. También cofradías (buscan el prestigio que
da una catedral a la ciudad)
Artesanos: aún no considerados artistas, pero crecen talleres, se
reglamenta la carrera artesana.
Iconografía: sigue en su función pedagógica, pero cambia por una
transformación en la mentalidad.
Dios bondadoso en vez de justiciero
Idea de salvación en vez de horror del infierno
Belleza de las figuras: idea de bondad y sabiduría.
Escenas preferidas: del Nuevo Test.
Santos y mártires distinguidos por sus símbolos
Pantócrator y tetramorfos se representa como anfitrión: humanización
del Cristo con porte aristocrático relacionado con la salvación,
amor y protección.
Crucificados dolientes; Virgen Madre y apóstoles dialogantes.
Escultura Gótica.
 Temática:
–Religiosa
–Civil o laica.
Escultura Gótica
 Mayor realismo: en rostros, vestidos, volumen, movimiento, expresividad.
Gárgolas
Virgen Blanca, Catedral León
Escultura Gótica
 Grandes conjuntos escultóricos: en las portadas y claustros.
 Portadas: pórtico del Juicio Final, el de la Virgen o el de los
santos. En jambas: aumenta el tamaño de las figuras y toman
mayor expresividad (dialogantes), liberándose del marco arquitectónico muchas veces.
 Significado de la portada:
 Umbral solo debe ser flanqueado por los elegidos y en el más allá los
bienaventurados
 Virgen en el parteluz: mediadora entre Dios y los hombres en el Juicio
Final
 Virgen Blanca de León: con el Nino en el parteluz o mainel
 En el dintel: relato de los condenados y bienaventurados
 En el tímpano: Dios justiciero
 En jambas: apóstoles y santos
 En arquivoltas: ángeles
 Riqueza ornamental en el interior y exterior, más recargada.
Escultura Gótica: tímpano
Escultura Gótica: portada
Pintura Gótica: características.

El espacio ocupado por las vidrieras resta protagonismo a la pintura al fresco.


Se generalizó la pintura sobre madera, podían ser encargos de la iglesia, de
un noble, o de un burgués para su domicilio particular. Tipos :
Tablas: para los altares de las iglesias o para particulares.
Retablos dípticos y trípticos. Gran importancia, portador de doctrina
- El dibujo tiene gran importancia.
- La luz contribuye a destacar el volumen, no es real sino simbólica.
- Es clave el color, también simbólico.
- Se toma en cuente el eje de simetría.
- Las formas de expresión reflejan un nuevo ideal estético hacia un naturalismo
idealizado individual y expresivo, al igual que en la escultura.
- La temática religiosa, y en menor escala también la profana
- Tiene un carácter narrativo y finalidad didáctica y devocional
Miniaturas
Beato Angelico, Convento de San Marcos de Florencia. Hacia
1417
Limbourg, Libros de Horas del duque
de Berry, h.1480
Miniaturas: viveza cromática, empleo
del oro, las orlas de temas vegetales y
decoración historiada de las letras
capiteles.
Gran expresividad.
Maestro Hugo, Biblia Bury,
1150.
Pintura Gótica: características.
 Los personajes empiezan a abandonar la rigidez y adquieren
mayor movimiento y expresividad.
 Mayor interés por plasmar la realidad.
 Temas:
 religiosos
 y particulares, Retratos.
 Descripción detallista de la vida cotidiana: Pintura Flamenca
(transición del Gótico al Renacimiento)
Del Gótico al Renacimiento en las artes plásticas
 Evolución de las artes figurativas es distinta en cada región.
 Italia: arraigo de la tradición clásico, por lo que el gótico da paso
al Renacimiento que se define en el siglo XV.
 Borgoña y Flandes: Gótico pervive en arquitectura, pero por rica
burguesía se estimula un Renacimiento en artes plásticas.
 España, Inglaterra y Francia: se mantiene el gótico hasta el siglo
XVI.
 Contexto histórico: desarrollo urbano, nuevo patriciado en
ciudades italianas y Países Bajos. Su poderío económico y
contacto con lujo oriental los lleva a interesarse por la historia
(cultura y lenguas clásicas) y al desarrollo de lenguas romances.
 Clientes y mecenas: rica burguesía. Preocupados por sus
viviendas, casa del gremio, la ciudad.
 Características de la mentalidad: misticismo, interés por la
naturaleza, deseo de libertad y de individualismo.
La escuela de los Primitivos Flamencos: siglo XV
En el siglo XV, algunas ciudades de Flandes se convierten en sedes de una importante
escuela pictórica, que para muchos autores supone ya los inicios del Renacimiento.
Tiene sus orígenes en el gótico internacional y su mayor aportación al arte europeo
será su progresiva captación de la realidad, que se inspira en la escultura y que se verá
favorecida por la nueva clientela: la burguesía. Las características del estilo flamenco
son:
Innovación técnica. El trabajo de pintura al óleo que permite realizar
superficies muy lisas y los cuadros ganan en color, luz y juegos de trasparencias,
además de un trabajo lento que da lugar al virtuosismo.
Desarrollo de la pintura sobre tabla
Minuciosidad y gusto por el detalle. Las obras se conciben para ser
contempladas de cerca, y por eso se recrean detalles.
Introducción del retrato a través de la imagen del donante
Valoración de la luz
Interés por la reproducción de los objetos de la vida cotidiana, como las escenas
burguesas en interiores, con muebles, cuadros y diversos objetos.
Amor al paisaje, que se aprecia en las luces del horizonte o en los brillos de las
aguas.
Naturalismo y realismo. Un enfoque cercano lleva a los pintores a una
representación veraz de la realidad, captando todos los detalles.
Creación de un espacio pictórico, como consecuencia del realismo y el
naturalismo con que se realizan las obras
Sibila Cumana
Profeta
Miqueas
Sibila Eritrea
Profeta
Zacarías
Jan van Eyck Adoración del
Cordero Místico - Altar de Gante.
Óleo sobre tabla. 1432
Joos Vyd
Elisabeth
Borluut
San Juan
Bautista
San Juan
Evangelista
Pintura Gótica
políptico
Jan van Eyck Adoración del Cordero Místico - Altar de Gante. Óleo sobre tabla.
3,50 m por 4,61 m; 1432.
Pintura Gótica
Apocalipsis – Relato del Cordero Místico (cap. 5, versículos 5-7)
“Y vi en la mano derecha del que estaba sentado en el trono un libro escrito por
dentro y por fuera, sellado por siete sellos.
Y vi a un ángel fuerte que pregonaba a gran voz: Quién es digno de abrir el libro y
desatar sus sellos? Y ninguno ni en el cielo ni en la tierra ni debajo de la tierra, podía
abrir el libro, ni aun mirarlo.
Y lloraba yo mucho, porque no se había hallado a ninguno digno de abrir el libro, ni
de leerlo, ni de mirarlo. Y uno de los ancianos me dijo: No llores. He aquí que el León
de la tribu de Judá, la raíz de David, ha vencido para abrir el libro y desatar sus siete
sellos.
Y miré, y vi que en medio del trono y de los cuatro seres vivientes, y en medio de los
ancianos, estaba en pie un Cordero como inmolado, que tenía siete cuernos, y siete
ojos, los cuales son los siete espíritus de Dios enviados por toda la tierra.
Y vino, y tomó el libro de la mano derecha del que estaba sentado en el trono. Y
cuando hubo tomado el libro, los cuatro seres vivientes y los veinticuatro ancianos se
postraron delante del Cordero; todos tenían arpas, y copas de oro llenas de incienso,
que son las oraciones de los santos; y cantaban un nuevo cántico, diciendo: Digno
eres de tomar el libro y de abrir sus sellos; porque tú fuiste inmolado, y con tu sangre
nos has redimido para Dios, de todo linaje y lengua y pueblo y nación; y nos has
hecho para nuestro Dios reyes y sacerdotes y reinaremos sobre la tierra. Y miré, y oí la
voz de muchos ángeles alrededor del trono, y de los seres vivientes, y de os ancianos;
y su número era millones de millones…
Pintura Gótica
Actividad:
-Explica qué es un políptico y de cuántas tablas se compone éste.
-Identifica las figuras en esta obra, utilizando el relato. Cuéntalas, destaca los grupos;
describe los elementos del paisaje; las telas, las joyas, rostros, todos los detalles.
-Analiza el eje de la composición, el reparto de masas y vacíos, los colores.
- Cómo explicas que la pintura pueda reflejar detalles con tanta minuciosidad?
Programa iconográfico de la obra:
-El pecado
-La Anunciación de la salvación para la humanidad
-La Redención
Representa la teoría de los bienaventurados que se dirigen al Cordero y que la
Iglesia celebra desde el siglo VI en la “Fiesta de todos los Santos” (instituida en el
siglo VII por el Papa Bonifacio IV cuando ordenó trasladar al Panteón de Roma los
restos enterrados en las catacumbas).
El Cordero:
-Símbolo del Verbo Encarnado.
-Mana sangre en el cáliz = redime a
la humanidad mediante su sacrificio.
14 ángeles le rodean.
La Fuente de la Vida:
-La Gracia de Dios, que mana abundantemente sobre la humanidad.
Espíritu Santo:
-Alcanza con la luz de sus rayos a
todos los bienaventurados
Los bienaventurados
Santos mártires
Patriarcas
Profetas
Vírgenes
Apóstoles
Papas, obispos
y diáconos
Los bienaventurados de las tablas laterales
La Procesión de
los Eremitas
La Procesión de
los Jueces
Íntegros
La Procesión de
los Caballeros de
Cristo
La Procesión de
los Peregrinos
Aspectos formal y técnico que llaman la
atención en la época:
-
Sus dimensiones (la pintura del momento era la de las ilustraciones en
libros).
-
Su compleja estructura.
-
La exactitud y el detalle de lo representado, como si fuera real:
-
-
Los ropajes
-
Rostros donde se perciben las arrugas (algunos son retratos de contemporáneos)
-
Las miradas
-
El lenguaje de las manos
-
El paisaje (tiene entidad propia en el cuadro) no es convencional (hay atmósfera, distintos
colores, nubes, pájaros, edificios).
-
La verosimilitud y la profundidad son nuevas
La utilización de una nueva pintura, al óleo.
Análisis plástico: el esquema compositivo
-
Eje central vertical (fuente, altar y Espíritu Santo)
-
Simetría:
-
-
-
Figuras repartidas simétricamente a ambos lados. Cada grupo tiene su correspondencia
del otro lado.
-
Equilibrio de masas y vacíos en el paisaje del fondo del cuadro respecto al eje central.
-
Correspondencia en los praderíos, en los bosques, en los paisajes urbanos.
Eje horizontal (altar y Cordero)
-
Marca la diferenciación entre lo cercano y lo lejano para el espectador.
-
Primer plano: figuras de mayor tamaño, mismo número de personas ocupan más espacio.
Segundo plano: menor tamaño, mismo número ocupan menos espacio. Isocefalia.
Reposo. Rostros individualizan a los personajes.
Utiliza métodos empíricos para recrear un espacio verosímil. Esta
perspectiva no es correcta desde el punto de vista geométrico (sus ejes se
encuentran en múltiples puntos principales) como la italiana.
-
Elementos plásticos trabajados por Van Eyck: Línea y Color
Línea
-
Dibujo es fundamental. Es fino, minucioso, detallado.
-
Lo primero que hacía era dibujar las formas sobre el fondo de yeso, luego aplica los tintes
de color y luego la capas de barniz.
Color
-
Abandona los colores convencionales de la Edad Media.
-
Selecciona y le permiten lograr la sensación de realidad, ambiente y atmósfera.
-
Investiga sobre la representación de la textura superficial: la reacción de la luz ante
superficies distintas. Así logra expresar el carácter peculiar de cada material: destelleo y
brillo de las joyas, el bruñido del metal, el mate del terciopelo. Toque de luz sobre una
perla o joya, sobre la pupila de un ojo. DOMINIO DEL COLOR Y DE LOS TOQUES DE
LUZ le permiten transforma el detalle del paisaje en un verdadero microcosmos del mundo
real.
Valoración estética:
-
Van Eyck recrea un mundo verosímil , las Praderas del Cielo, aunque es
fruto de su arte imaginativo. Da una visión de un mundo rico, refinado,
brillante, tranquilo, feliz. No hay ningún detalle violento, no hay dolor.
-
Muchos centros de atención: telas, joyas, rostros, libros, plantas, flores y
árboles. Ese gusto por el detalle se relaciona con el origen de la pintura
flamenca: la ilustración de manuscritos.
-
En su elección de colores busca los más brillantes y luminosos, capta sus
tonalidades, las infinitas modificaciones del color en relación con el espacio
y la luz.
Contenido simbólico, función, significado:
-
Tema: la Redención de la humanidad y se concentra en los
Bienaventurados.
El pecado del hombre hace necesaria la Encarnación y el Sacrificio; todos
aquellos que son capaces de redimirse de sus pecados, por la sangre del
Cordero, gozarán de la vida eterna, de la visión de Dios y podrán disfrutar
del paraíso.
Todas estas visiones provienen de Juan el Evangelista quien, en su estadía
en Patmos, las transmite en imágenes simbólicas en su Apocalipsis.
-
El Apocalipsis: fuente documental de la iconografía cristiana medieval.
-
Van Eyck utiliza un soporte distinto y realiza una representación plástica
distinta del tema. No utiliza el fondo de oro, las escenas religiosas se sitúan
en un espacio real que, si bien no ocurrió, tiene verosimilitud (en cuerpos,
rostros, vestidos contemporáneos, expresiones, luz atmosférica). No utiliza
halos, disposicion sintetizada (refuerzo de contornos lineales) ni colores
planos y brillantes. Igual continua utilizando contenidos teológicos.
-
Lo divino y lo sobrenatural son representados con naturaleza humana. Dota
su pintura de una dimensión individualista y antropocéntrica.
Matrimonio Arnolfini, Van Eyck, 1434
Óleo sobre tabla, 82 x 62 cm.
¿Cómo mirar el cuadro?
•
La posición de los contrayentes, sus manos y gestos ¿qué nos dicen?
•
¿Con quién se casa Giovanni Arnolfini?
•
¿Dónde está el oficiante de la ceremonia?
•
Las vestiduras, la alfombra: ¿a qué posición social pertenecen?
•
¿Por qué hay una cama en la estancia?
•
Los protagonistas están descalzos: los zapatos de él están cerca del mundo exterior,
los de ella al lado de la cama, ¿Qué simboliza la desnudez de sus pies y la posición
en la que se encuentran los zapatos?
•
La lámpara sólo tiene una vela como símbolo de la llama del amor; ¿qué otra
interpretación, de carácter religioso puede dársele?
•
Las naranjas, fruta que en el norte de Europa ha de ser importada del
sur, representa por un lado el alto nivel económico y por otro el origen mediterráneo
de los contrayentes ¿de qué país provienen éstos?
•
El espejo: en una superficie total de 5´5cm, dibuja las escenas de la Pasión de
Cristo, 10 de las 14 estaciones del Vía Crucis y la imagen reflejada de ¿quién?
•
La firma de Van Eyck sobre la cama: "Jan Van Eyck estuvo aquí". Curiosa forma de
rubricar la obra y a la vez ser "testigo" del casamiento.
Pintura Gótica
Pintura Gótica
Tabla
Rogier van der Weyden, El Descendimiento, Museo
del Prado, c. 1435. Óleo sobre tabla, 220 x 262 cm.
Los personajes, de izquierda a derecha son: María, esposa de Cleofás, una de las
mujeres que supuestamente presenció la crucifixión de Cristo. A su lado, san Juan,
cuya cara transmite la contenida gravedad del que pugna por controlar sus
emociones, se agacha para consolar a María, desmayada por el sufrimiento; su
postura se repite en la de María Magdalena, al otro lado del cuadro, abrumada por
el dolor. A sus pies, una calavera representa a Adán, expulsado del paraíso por
comer la fruta prohibida. Cristo se sacrificó para redimir al mundo del pecado
original. La túnica de María está pintada de azul de ultramar, bello y raro pigmento
(se hacía con un preciado lapislázuli importado de Afganistán) que determinaba el
precio de los cuadros en tiempos de Van der Weyden; su tocado es blanco, el color
de la inocencia y la pureza. A subrayar la recurrencia del blanco en el equilibrado
cromatismo del cuadro. La postura de la Virgen repite la de Cristo muerto -la mano
derecha de la Virgen remeda la izquierda de su hijo y viceversa-. Si él ha padecido
un extremo dolor físico, no es menor la agonía emocional de su madre. El cuerpo de
Cristo lo sostiene José de Arimatea, un hombre acaudalado que obtuvo permiso
para bajarlo de la cruz y depositarlo en el sepulcro destinado para sí. El hombre que
sostiene los pies de Cristo es Nicodemo, discípulo secreto de Jesús como José de
Arimatea; ambos se disponen a envolver el cuerpo en un lienzo. El detalle de su
capa está pintado con desapasionada objetividad. Un seguidor de Cristo porta un
tarro de ungüentos. La última figura es María Magdalena, representada en actitud
convulsa de inconsolable dolor. Las intensas tonalidades rojas en las mangas de
María Magdalena y la túnica de San Juan, además de su valor simbólico como color
de la Pasión, hacen que la vista se desplace por todo el cuadro y resalten las heridas
de Cristo.
TÉCNICA: el autor utilizó la técnica del óleo, en la que los pigmentos se machacan y
aglutinan con aceites vegetales (aceite de linaza y nuez). Para aportar una mayor
fluidez, se pueden añadir disolventes, especialmente, esencia de trementina o
aguarrás. Esta técnica permite hacer correcciones (arrepentimientos, o según los
italianos, pentimentis). Para terminar la pintura al óleo, se da una capa de barniz
(capa transparente de tipo resinosa) que la protege y le da brillo.
SOPORTE: se trata de varias tablas ensambladas, engatilladas, y lijadas, que dan el
aspecto de una sola y que únicamente se aprecia a escasa distancia del cuadro. Las
tablas fueron preparadas alisándolas y dándoles una capa de gesso (yeso y cola),
que se deja secar. Luego se hace el dibujo preparatorio y se aplican los pigmentos.
TIPO DE PINCELADA Y TEXTURA: el uso del óleo permite pintar incluso con pinceles
de un único pelo, los cuales permiten realizar los detalles más minuciosos, como el
pelo de las barbas y de las pieles, o las lágrimas. En esta composición, tanto el
dibujo como los colores son de gran importancia: el dibujo, por dar una gran
definición al contorno de las figuras, y los colores, porque produce que la escena se
haga aún más impactante. Todos los personajes llevan hermosos ropajes, cuyas
texturas permiten diferenciar terciopelos, sedas, etc. Es también una característica
propia del arte flamenco ésta de resaltar la calidad de las materias que aparecen, ya
que indica el poder de quien encarga la pintura.
LUZ: da la impresión de ser luz artificial por el color dorado del fondo.
COLOR: el autor utilizó varias gamas de colores. Todo el fondo está recubierto por
riquísimas láminas de pan de oro (influencia gótica), que además de un símbolo de
riqueza, impide que la mirada del espectador profundice en otra cosa que no sea la
escena. La túnica de San Juan, está pintada de color carmesí, la de la Virgen, de
color azul lapislázuli (esto indica que el cuadro costó caro a quienes lo encargaron,
puesto que se utilizaba esta piedra semi-preciosa para conseguir ese color); M.
Magdalena y una de las “Marías” (la más joven) están vestidas en tonos verdes
(también a base de machacar piedras semi-preciosas); Nicodemo, en tonos
marrones y ocres; y el ángel, en azul pálido. El color blanco aparece en varios
personajes (en una de las “Marías”, en el tocado de la Virgen, en la cabeza de M.
Magdalena, y en el paño de pureza de Cristo). Se consigue fácilmente, puesto que
únicamente tienen que dar unas pocas pinceladas para que tome brillo, porque la
base ya es blanca debido al gesso. Además de todo esto, el color acentúa el efecto
de sentimientos exaltados por la pasión y muerte de Cristo, que en definitiva, es el
objetivo que el autor persigue con el cuadro, que los devotos y no devotos sientan la
emoción de la escena.
Bibliografía:
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ALONSO IGLESIAS, L. et. atlri: Trabajos Prácticos de Arte. Una visión integradora, Del
Renacimiento al Postimpresionismo, Libro del Profesor, Ed. Akal, Madrid, 1994.
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ELSEN, A.E.: Los propósitos del Arte, Ed. Aguilar, Madrid, 1971.
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GOMBRICH, E.H.: Historia del Arte, Ed. Alianza Forma, Madrid, 1987.
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JESTAZ, B.: El Arte del Renacimiento
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ROMANO, R. TENENTI, A.: Los Fundamentos del Mundo Moderno, Ed. Siglo XXI, Madrid, 1972.
Sitios de Internet:
http://educartecc.blogspot.com/2010/12/el-matrimonio-arnolfini.html
http://www.avizora.com/publicaciones/pintura_y_escultura/textos/0043_descendimiento_cruz_van_der
_weyden.htm