ALBERTO GIACOMETTI
Aunque nacido en Suiza, gran parte de la trayectoria artística de
Alberto Giacometti (1901-1966) transcurrió en Francia y, más
concretamente, en París, adonde se había trasladado en su
juventud para ampliar su formación artística. Allí tomó contacto
con las primeras vanguardias y, durante unos años, sus obras se
asociaron a la experimentación cubista y, más tarde, al
surrealismo, corriente en la que participó activamente al comienzo
de la década de los 30.
Sin embargo, ya en los años 40, el artista imprime un giro radical a
su obra, pasándose al campo de la figuración. Para entonces, el
mundo ha conocido ya la catástrofe de la Segunda Guerra Mundial
y descubierto el horror de los campos de concentración nazis.
Quizás influenciado por todo eso, el figurativismo de Giacometti es
tan peculiar: con frecuencia nos presenta figuras humanas en pie,
muchas veces desnudas y a menudo extremadamente delgadas,
casi filiformes, acusando una fragilidad desmesurada.
FOTOGRAFÍA
"El palacio a las cuatro de la madrugada". (1932). Nueva York.
Alberto Giacometti: "Hombre señalando" (1947). "Hombre caminando" (1960).
ALEXANDER ARCHIPENKO
La obra de Alexander Archipenko (1887-1964), uno de los ejemplos más claros de cómo el concepto de
vanguardias artísticas puede aplicarse no sólo a la pintura de comienzos de ese siglo, sino también (y muy
merecidamente) a la escultura, que encuentra en él uno de sus mejores exponentes. Archipenko nació en
Kiev, ciudad ucraniana entonces perteneciente al Imperio Ruso, y allí realizó sus primeros estudios artísticos,
completados a continuación en Moscú.
El cubismo es la orientación de sus esculturas de este primer periodo, con figuras reducidas a sus volúmenes
más simples y con una evidente tendencia a la geometrización.
(Kiev, 1887 - Nueva York, 1964) Escultor ruso, pionero de la escultura cubista. Emigrado de Ucrania, llegó a
París en 1908 atraído por los trabajos de Picasso y Braque, y un año después expuso en el Salón de Otoño su
primera escultura cubista, Torso. "La escultura -afirmó- puede empezar en el punto en el que el espacio es
rodeado por la materia." Esta afirmación se hace realidad en el juego sucesivo de formas cóncavas y
convexas, como alternancia entre hueco y volumen, con el que construye estructuras como Mujer andando
(1912, The Denver Art Musem) o El combate de boxeo (1913, Colección Perls Galleries, Nueva York) en las
que invierte el concepto tradicional de la escultura haciendo surgir el espacio como negativo de la masa y
creando una dinámica de ritmos y contrastes. Sus "escultopinturas" preludian los assemblages dadaístas y
demuestran su interés por borrar las fronteras entre las disciplinas, aunque él fundamentalmente priorizó la
investigación escultórica. Establecido en Estados Unidos, fue profesor en la Universidad de Washington, en la
New Bauhaus de Chicago y en Nueva York. Las esculturas de su célebre serie de los "Medrano", combinación
de madera, metal y vidrio, son buenos ejemplos de su obra.
FRANK STELLA
Frank Stella (nacido en Malden, Massachusetts, el 12 de mayo de 1936) es un pintor y grabador estadounidense.
Es una figura destacada del minimalismo, la abstracción postpictórica y la litografía.
Stella se convierte desde la década de 1960 en uno de los máximos representantes de la abstracción geométrica
y constructivista que preludia el arte minimalista. Sus pinturas-relieve han ocupado un papel fundamental en el
desarrollo de la vanguardia norteamericana.
A partir de 1958, con sus black paintings («pinturas negras»), se convierte en uno de los máximos representantes
de la llamada «nueva abstracción», antecedente directo del minimalismo. Fue uno de los creadores y promotores
del hard edge («pintura de borde duro»), y del desarrollo de los shaped canvas (o lienzos de formas diferentes a
la cuadrangular tradicional, conocida como «pintura de marco recortado»). Sus cuadros-objetos y sus pinturasrelieve han ocupado un papel fundamental en el desarrollo de la neovanguardia norteamericana e internacional.
En 1960 presenta su primera muestra individual en la Galería Leo Castelli de Nueva York. En 1962 exhibe en una
muestra colectiva en el Museo Whitney de Nueva York y en 1963 es nombrado artista residente en el Dartmouth
College de New Hampshire.
Entre otras tantas exposiciones colectivas que se realizaron durante la década de los sesenta, Stella participó en
algunas de las más importantes, relacionadas con la nueva abstracción y el arte minimalista, como por ejemplo,
«Toward a New Abstraction» (Museo Judío de Nueva York, 1963) o «Systemic Painting» (Museo Guggenheim de
Nueva York, 1966).
Desde mediados de los años ochenta hasta mediados de los noventa, Stella creó un gran corpus de obras que
responde en términos generales al Moby-Dick de Herman Melville. Durante esta época, el creciente relieve de las
pinturas de Stella dio paso a una plena tridimensionalidad, con formas escultóricas derivadas de conos, pilares,
curvas francesas, olas, y elementos arquitectónicos decorativos. Para crear estas obras, el artista usó collages o
maquetas que eran luego agrandadas y recreadas con ayudantes, cortadores de metal industriales y tecnología
digital.
En los años noventa, Stella comenzó a realizar esculturas para espacios públicos y desarrollar proyectos
arquitectónicos. En 1993, por ejemplo, creó todo un esquema decorativo para el Teatro Princesa de Gales de
Toronto, que incluye un enorme mural.
FOTOGRAFÍA
DAVID SMITH
Con frecuencia se tiende a considerar al expresionismo abstracto
como una corriente pictórica desarrollada en los Estados Unidos
tras el final de la Segunda Guerra Mundial. Sin embargo podemos
encontrar una estética semejante en el escultor norteamericano
David Smith (1906-1965), a quienes algunos han llegado a calificar
como el padre de la escultura abstracta de aquel país, un hombre
de quien se cuenta la anécdota de que su creatividad le permitió en
una ocasión realizar 27 esculturas en 30 días, empleando para ellas,
fundamentalmente, objetos hallados de manera casual. Hijo de un
ingeniero e inventor, parecía lógico que Smith pasase por la
Universidad. Y así lo hizo durante algo más de un año, periodo tras
el que abandonó los estudios para emplearse, muy joven aún,
como obrero industrial en una fábrica de automóviles. Fue allí
donde descubrió el mundo de la soldadura de acetileno y donde
comenzó a mostrar un acusado interés por las manifestaciones
artísticas y, de forma muy significativa, por las esculturas realizadas
en hierro por Pablo Picasso y, sobre todo, Julio González.
Algo más tarde, y trasladado a Nueva York, la pintura abstracta de las vanguardias
europeas y las aportaciones del constructivismo ruso también fueron objeto de
su interés de Smith. De esta manera, a comienzos de los años treinta del pasado
siglo, justamente cuando se desarrolla en el país la Gran Depresión, Smith toma la
decisión de dedicarse a la escultura, tarea que le ocupó el resto de su vida. Su
último actividad laboral ajena al arte se desarrolló en una fábrica de ferrocarriles,
ensamblando locomotoras y tanques.
DONATELLO
Donatello fue el hijo de Nicolo di Betto Bardi, un cardador de lana, y nació en Florencia, probablemente en
1386. Su padre era de vida tumultuosa que participó en la revuelta de los Ciompi, un levantamiento popular
del año 1378, organizado por los cardadores de lana. Nicolás Maquiavelo describió esta revuelta años más
tarde (1520-1525), dentro de su Historia de Florencia. Más tarde, su padre, también participó en otras
acciones en contra de Florencia, que le condujeron a ser condenado a muerte y después indultado, fue un
personaje muy diferente a su hijo, que era noble, elegante y delicado, por sus amigos y demás artistas era
conocido bajo el nombre de Donatello.[4]
Según unos informes de Vasari, el artista pasó sus últimos días abandonado por la fortuna, sus últimos años
a consecuencia de una enfermedad paralizante los pasó en la cama y sin poder trabajar.
Murió en Florencia en el año 1466 y se dispuso su enterramiento en la Basílica de San Lorenzo en la cripta
debajo del altar y al lado de la tumba de Cosme el Viejo. Entre los hombres que portaron el ataúd se
encontraba Andrea della Robbia.[5] El cenotafio de Donatello fue realizado en 1896 por el escultor Raffaello
Romanelli.
A su muerte aún le quedó la deuda de 34 florines de pago por el alquiler de su casa y esto ha dado lugar a
debatir sobre su estado real de pobreza, pero la cuestión parece más bien relacionada con su total
indiferencia en los asuntos financieros, que en toda su vida demostró tener el artista, por las cuestiones
económicas. Muchas anécdotas dan testimonio de esta actitud, como cuando en el momento de su mayor
apogeo de trabajo en su taller, solía colgar una cesta llena de dinero, del que sus ayudantes podían
aprovechar libremente, según fuera necesario. Los honorarios que recibió por su trabajo le habían
asegurado grandes ganancias y también por otra parte Cosme de Médicis le había concedido una paga
vitalicia semanal hasta el fin de su vida.
RETRATO
"San Juan evangelista" (1410-11). Florencia.
"Púlpito de la iglesia de San Lorenzo" (1465). Florencia.
"Martirio de San Lorenzo". Púlpito de la iglesia de San Lorenzo (1465). Florencia.
FRANCISCO SALZILLO
No es poca cosa nacer en el seno de una familia de escultores, en la que se aprende el
oficio compartiéndolo con el padre y dos hermanos, como le ocurrió a Francisco
Salzillo (1707-1783). Sucedía esto con cierta frecuencia en la sociedad del Antiguo
Régimen, en la que los oficios (no sólo los de carácter artístico) se traspasaban de
padres a hijos, generación tras generación. Pero nada de ello aseguraba ser una
primera figura del arte correspondiente y este es el nivel al que llegó Salzillo, el cual
constituye el más brillante exponente de la imaginería barroca murciana y sin cuya
obra la Semana Santa de la ciudad de Murcia no dispondría del extenso e interesante
repertorio de imágenes que ahora muestra.
He aquí por tanto a un escultor que hereda de su padre (nacido en Nápoles) claras
influencias del barroco italiano, pero que las asume e integra para crear un estilo
personal en el que hay que considerar también las propias tradiciones escultóricas
hispanas, que ponían un especial acento en la realización de obras de carácter religioso
que pudiesen encauzar (y estimular al mismo tiempo) las devociones populares.
Salzillo produjo una extensa obra en la que son abrumadora mayoría las imágenes
religiosas. Destacan en este sentido sus imágenes procesionales y, sobre todas, las que
realizó por encargo de la Cofradía de Jesús de la ciudad de Murcia. En los distintos
pasos se aprecia el sentido de la composición de las escenas y el fuerte naturalismo,
mostrado tannto en imágenes de vestir como en las de talla completa. El gusto del
escultor por el realismo llega a extremos tales que emplea cabello natural en el
nazareno de la caída. Así pues, un escultor de raíces italianas, que alcanzó una larga
edad y tuvo las suficientes dotes organizativas para dirigir un amplio taller escultórico,
pudo dar en él rienda suelta a sus capacidades
RETRATO
HENRY MOORE
Como suele ocurrir cuando tratamos la escultura del siglo XX, es prácticamente imposible asignar un
determinado estilo al artista británico Henry Moore (1898-1986), más allá de que podamos afirmar que su
obra se inserta en el contexto de aquellas vanguardias que en las primeras décadas del siglo XX dieron al
traste con la plástica escultórica tradicional. El caso de Moore es verdaderamente paradigmático de ese
cambio de mentalidad: se cuenta de él que en su infancia resolvió firmemente dedicarse a la escultura, tras
ver algunas imágenes de las obras de Miguel Ángel. Y aunque aquella decisión fue definitiva, tuvo que
aplazarse durante algún tiempo, porque el ejército inglés acabó reclutándolo como soldado en los años de la
Primera Guerra Mundial, en una de cuyas batallas resultó afectado por uno de esos letales inventos del siglo
XX: los gases característicos de la entonces novedosa guerra química.
Pasados los tiempos de la Gran Guerra, el joven Moore retoma decididamente su vocación, a la que
permanecerá fiel el resto de su vida. En esos años de formación se impregna por completo de las más
diversas influencias. Le atraen por igual los artistas del Renacimiento y las obras escultóricas de las culturas
de la América prehispánica, los autores góticos o las novedosas realizaciones de escultores contemporáneos
como Brancusi. Conoce también a fondo las aportaciones del cubismo y la abstracción y, en su momento, no
despreciará tampoco los planteamientos procedentes del surrealismo.
Moore, porque no dejó nunca de experimentar. Empleó materiales diversos, aunque fueron la piedra y el
bronce las materias primas con las que trabajó más frecuentemente.
FOTOGRAFÍA
Henry Moore: "Figura recostada en tres piezas" (1975).
Henry Moore: "Figura reclinada (1951). Cambridge, Reino Unido.
Henry Moore: "Rey y reina" (1952-53). Amberes, Bélgica.
JEAN ARP
Fue pintor, aunque una gran parte de su obra son relieves y esculturas. Particìpó
con los expresionistas,tomó contacto con los surrealistas, pero no despreció jamás
el arte abstracto, hasta el punto de que una parte de su obra puede encuadrarse
en esta tendencia. a mediados de la segunda década del siglo XX, cuando, en
contacto con los dadaístas, realiza relieves en madera pintada los cuales, más que
suponer un trabajo puramente escultórico, son como collagges tridimensionales a
los que en algunos casos denomina constelaciones, bastante semejantes a las
pinturas de la misma época. Arp no dejó de experimentar con este tipo de formas
en las que lo que denominaba "leyes del azar" jugaban un papel fundamental.
a partir de la década de los años veinte introdujo sustanciales novedades en sus
esculturas, que ahora adquieren formas curvadas, muy sinuosas, en las que las
aristas brillan por su ausencia. Es lo que el mismo llamó "esculturas biomórficas",
queriendo hacer alusión con ello a la relación que, a su juicio, se establecía entre
la pura creatividad artística y la creación en la misma naturaleza. Ahora el bronce y
otros metales, además de diversos tipos de piedra son sus materiales
favoritos.Tenía un profundo interés por lo humano y por la naturaleza.
ANTONIO CANOVA
Nació en Possagno, Italia. Escultor precoz considerado como el más importante del período Neoclásico. Sus
obras más conocidas representan personajes mitológicos y religiosos, sin embargo su calidad artística, le
permitió abordar todo tipo de temas. Aun niño (11 años), va a vivir a Venecia y a los 24 a Roma. Para ese
entonces Canova ya deslumbraba con sus obras talladas en marmol, tanto así, que aun a su corta edad fue
contratado para esculpir la tumba del papa Clemente XIV. En adelante, Canova fue requerido en toda Europa y
trabajó para un sin número de notables de la época como Napoleón y la emperatriz Catalina de Rusia.
El prestigio de Canova era inmenso. Ingleses y franceses lo recibieron con honores cuando visitó Londres y
París. Al observar sus esculturas es facil concluir que han sido creadas por un superdotado de las artes. Su estilo
y técnica incomparables lo situan entre los más grandes maestros de la escultura clásica italiana.
Paulina Borghese
Cupido y Psyche
GEORG RAPHAEL DONNER
Nació en Esslingen, Austria. Escultor ecléctico, pintor, grabador y
ebanista del período Barroco, que concilia con refinado buen gusto los
estilos manierista, rococó y neoclásico. Sus esculpidos principales
incluyen altares tallados en marmol, fuentes de agua ornamentales,
esculturas metálicas de plomo, bustos de madera y sobrerrelieves con
cubierta de oro. Las esculturas de Donner fueron requeridas en Europa
central por nobles, gobiernos e instituciones religiosas. Viena fue su
lugar de trabajo principal. También realizó obras en Salzburgo y en
Bratislava hoy capital de Eslovaquia.
La Piedad
La musa recostada
FOTOGRAFÍA
ANNIE LEIBOVITZ
Leibovitz es la tercera hija del matrimonio judío compuesto por
Samuel Leibovitz, un Teniente Coronel de las Fuerzas Armadas, y
Marilyn Heit Leibovitz, una instructora de danza contemporánea.[7]
Las labores militares de su padre obligaban a Annie y a sus cinco
hermanos a mudarse frecuentemente.
En la secundaria, Leibovitz se interesó en diversas ramas artísticas.
Comenzó a escribir y a tocar música, e ingresó al Instituto de Arte
de San Francisco en 1967 porque deseaba ser profesora de arte.[8]
Su interés por la fotografía surgió en un cuarto oscuro de la base
aérea Clark, ubicada en Filipinas, donde su padre fue destinado
durante la Guerra de Vietnam.[6] Por varios años continuó
desarrollando sus habilidades fotográficas mientras trabajaba en
diferentes lugares, incluyendo una temporada en un kibutz israelí
en 1969,[3] lugar en el que participó en una excavación
arqueológica en el templo del rey Salomón.[9]
obtuvo una licenciatura en Bellas Artes en el Instituto de Arte de
San Francisco.[7
FOTOGRAFÍA
ROMULO Y REMO
HOMENAJE A LEONARDO DA VINCI
EL OSO POLAR KNUT QUE FUE FOTOGRAFIADO POR ANNIE LEIBOVITZ
PARA UNA CMPAÑA MEDIOAMBIENTAL Y TAMBIEN PARA LA PORTADA
DE VANITY FAIR
ANSEL ADAMS
Ansel Adams nace en 1902 en San Francisco (Estados Unidos), adoptó como tema
fotográfico los paisajes del suroeste de su país.
En 1916 realizó un viaje a Yosemite, California, donde captó en blanco y negro la
majestuosidad de la naturaleza de Estados Unidos. Sus fotografías reflejan un enorme
contraste de sombras y luces, desiertos áridos, nubes gigantescas y monstruosos
árboles.
En 1932 Ansel Adams, junto con Imogen Cunningham y Edward Weston, crearon el f/64,
todos ellos eran un grupo de fotógrafos que defendían el detalle y la estética
naturalista, este estilo había sido impulsado en un principio por Paul Strand, donde
tiene sus raíces en artistas del siglo XIX como Timothy O'Sullivan.
En 1939 Adams expone por primera vez en San Francisco. Crea el primer departamento
de fotografía en la escuela de Bellas Artes Decorativas de California y publica la
colección Libros esenciales sobre fotografía acerca de técnicas fotográficas.
En 1949 se encarga de poner a prueba los primeros prototipos de Polaroid, trabajo que
desarrolló con entusiasmo para descubrir las nuevas posibilidades que ofrecía el
sistema.
Entre sus obras destacan Taos Pueblo (1930), Sierra Nevada (1948), This Is the American
Earth
FOTOGRAFÍA
YOSEMITE NATURAL PARK
CAPTUS
HELMUT NEWTON
De origen judío, nace en el Berlín en el año 1920. Justo cuando comienza la persecución contra los judíos, abandona
Alemania hacia Singapur, donde trabajó como fotógrafo en un diario.[2] Es ahí donde comienza su carrera fotográfica,
aunque como tantos otros artistas no gozaba del apoyo de su padre.
De Singapur fue deportado a Australia. Y al ser alemán, estuvo un periodo en un campo de internamiento. Posteriormente
fue alistado por el ejército australiano hasta el final de la II Guerra Mundial.
Después de la guerra, pone su propio estudio de fotografía y continua ese punto y aparte que sufrió su carrera. Es por esa
época cuando conoce a la más tarde sería su mujer, June Browne. Más tarde, para completar su formación en el campo de
la moda, marcha a Londres por dos años. Dejando atrás su etapa en Londres, viaja a París para trabajar con revistas
especializadas en moda como Vogue o Elle. Tras tanto viajar, es en París donde fijará su residencia habitual. Allí su carrera
como fotógrafo de moda empieza a tener reconocimiento mundial, convirtiéndose en uno de los fotógrafos de más éxito.
Los últimos años de Newton están a caballo entre Nueva York y Montecarlo.
El trabajo de Newton tiene un estilo propio que hace reconocer su obra allí donde se observe. Fotos llenas de glamour,
seducción y elegancia le han hecho portada de las más prestigiosas revistas. Son famosas sus fotos de bellas mujeres en
ambientes lujosos y alguna se ha convertido en una imagen icónica del siglo XX.[3] Realmente, Newton ha sido un
enamorado de la belleza, que casi obsesivamente, sabía captar como nadie con su cámara. Para visitar la mayor parte su
obra y también objetos personales suyos tales como cámaras, bolsas de material y artículos usados para fotografiar debe
dirigirse a Berlín, a la Fundación Helmut Newton, Museum für Fotografie. Jebensstrasse, 2
El 23 de enero de 2004 Helmut Newton moría en un accidente de tráfico en Los Ángeles. Además de su enorme legado
fotográfico nos ha dejado su autobiografía, que se ha publicado recientemente en castellano (Helmut Newton,
autobiografía
DAVID LACHAPELLE
David Lachapelle nació en Fairfield, Connecticut, el 11 de marzo de 1969.
Su primer acercamiento a la fotografía fue cuando tenía 6 años de edad,
durante unas vacaciones familiares en Puerto Rico. Allí utilizó la cámara
para retratar a su madre, Helga LaChapelle, quien vestía un bikini y bebía
champaña en un balcón. Desde ese momento, quedó obsesionado con la
fotografía.
A los 15 años se mudó a Nueva York.
Las descabelladas imágenes de David LaChapelle, bizarras y fantásticas, han
aparecido en las páginas y portadas de las revistas Vogue, Rolling Stone, iD, Vibe, Interview, The Face y GQ, sólo por nombrar algunas.
Su incondicional dedicación a la originalidad es leyenda dentro del mundo
de la moda, el cine y la publicidad. LaChapelle ha participado en campañas
publicitarias para una variedad de clientes que incluyen L’Oreal, Iceberg,
MTV, Ecko, Diesel Jeans, Sirius, Ford, Sky Vodka,Cervecería Cuahtemoc
Moctezuma y la campaña Got Milk?.
David ha fotografiado numerosas portadas de discos para artistas de la talla
de Macy Gray, Moby, No Doubt, Whitney Houston, Elton John, Christina
Aguilera y Madonna.
FOTOGRAFÍA
PINTORES
ANTONIO CLAVE
España. (1913) Nacido en Barcelona, en el seno de una familia de escasos recursos
económicos, hubo de trabajar desde muy joven, sacando tiempo de sus escasa horas de
ocio para poder asistir a clases libres de modelado y dibujo. Se inició en el mundo del arte
en el taller de pintura y decoración de Tortosa, haciendo copias de los clásicos por encargo.
Buscó la salida de este callejón sin futuro por un camino entonces muy poco transitado: la
publicidad cinematográfica. A través de esos carteles, anunciadores de ilusiones, penetraría
en la vanguardia artística de las experimentaciones cubistas. Estudió y usó las nuevas
técnicas, en especial los collages, con todo tipo de materiales.
Llegada la guerra civil, trabajó para el Comisariado de Propaganda de la Generalitat en la
creación de carteles y en la ilustración de libros.
En 1937 marchó al frente de Aragón donde realizó numerosos dibujos: publicó cinco de ellos
en el álbum "10 dibujos de guerra", junto a otros de Martí-Bas. Acalladas las armas, se exilió
a Francia. Pasó, primero, unos meses en campos de concentración, que reflejó en dibujos guaches y retratos- que expuso en Perpignan tras su liberación.
En abril de 1939 pudo llegar a París. Allí, durante duros y trabajosos años, dedicados a la
elaboración de litografías y escenografías que le abrieron las puertas de la fama y del
bienenstar económico, fue profundizando en su búsqueda pictórica, iniciada antes de la
guerra. En su primier estudio de Montparnasse ejecutó cuadros de carácter íntimo, retratos,
escenas amables de interiores difuminados, mostrando, en ocasiones, una tendencia hacia
la abstracción, hasta llegar a una manera personalísima, de desbordada fantasía, y mágica,
de tipo expresionista con gran plasticidad, que deja patente sus hallazgos técnicos, fruto de
largos años de experimentación con todo tipo de técnicas y materiales.
FOTOGRAFIA
Época:
Siglo XX. Transvanguardia/Figuración
19.70.15 - Realismo Crítico
Nombre:
La patronne
Descripción:
1945. 73 x 50 cm. Colección del artista.
Época
70.20 - Siglo XX. Vanguardias
Históricas/Realismo
19.55.40 - Carteles y Obra Gráfica
Nombre:
Carteles realizados por Clavé
Descripción:
1931-1935. Barcelona. España.
Época:
80.00 - Siglo XX.
Transvanguardia/Abstracción
19.70.35 - Informalismo
Nombre:
A Don Pablo
Descripción:
1982. Técnica mixta. 50 x 32 cm.
Colección particular.
CLAUDE MONET
Pintor impresionista francés que llevó a su máxima expresión el estudio de los estados transitorios de la luz natural. Monet nació en
París el 14 de noviembre de 1840 .En la década de 1860 se le asoció con el pintor pre-impresionista Édouard Manet y con otros pintores
franceses que más tarde formarían la escuela impresionista—Camille Pissarro, Pierre Auguste Renoir y Alfred Sisley. Monet pintaba,
trabajando al aire libre, paisajes y escenas de la sociedad burguesa contemporánea. De este modo, deliberadamente le dio la espalda a
la posibilidad de una carrera exitosa como pintor convencional en la línea del arte oficial. En 1874 Monet y sus colegas decidieron apelar
directamente al público mediante la organización de sus propias exposiciones. Se denominaron a sí mismos independientes, aunque la
prensa pronto les aplicó burlonamente la etiqueta de impresionistas a causa del aspecto inacabado de sus obras (como una primera
impresión) y porque una de las pinturas de Monet llevaba el título Impresión, sol naciente (1872, Museo Marmottan, París). Las
composiciones de Monet de este periodo poseen una estructura bastante libre, aplicando el color con cortas y vigorosas pinceladas.
Esta técnica viene determinada por la espontaneidad e inmediatez que exige la pintura al aire libre a la hora de captar una impresión de
la naturaleza.
Durante las décadas de 1870 y 1880 Monet refinó su técnica poco a poco, realizando viajes a otros escenarios franceses, especialmente
a las costas mediterráneas y atlánticas, con el fin de estudiar los efectos de la luz sobre formas y colores. El deshielo de Vétheuil de 1881
(Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid) es un buen ejemplo de la obra de Monet de esta época. A mediados de la década de 1880
Monet, considerado el dirigente de la escuela impresionista, había alcanzado un reconocimiento importante y una buena posición
económica. A pesar de la audacia de su colorido y de la extrema simplicidad de sus composiciones, se le valoró como un maestro de la
observación meticulosa, un artista que no sacrificó ni las complejidades reales de la naturaleza ni la intensidad de sus propios
sentimientos. En 1890 tuvo la posibilidad de adquirir una propiedad en el pueblo de Giverny, cerca de París, y allí comenzó a construir
un nuevo jardín (hoy abierto al público) —un estanque con nenúfares atravesado por un puente japonés colgante con sauces y matas
de bambú—. En 1906 comienza a pintar las series del estanque con nenúfares que están expuestas en la Orangerie de París, en el
Instituto de Arte de Chicago y en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Durante estos años también trabajó en otras series de
pinturas, grupos de obras que representan el mismo tema —álamos, la catedral de Ruán, la estación de Saint-Lazare, el Sena—
representando las diferentes luces de las horas del día o en las distintas estaciones del año. Monet continuó pintando, a pesar de que la
vista le fallaba, casi hasta el momento de su muerte, ocurrida el 5 de diciembre de 1926 en Giverny.
RETRATO O FOTOGRAFIA DEL AUTOR
Época:
60.10 - Siglo XIX. Impresionismo
19.20.70 - Retratos
Nombre:
Camille Monet en traje japonés
Descripción:
1876. Museum of Fine Arts. Boston. U.S.A.
Época:
60.10 - Siglo XIX. Impresionismo
19.20.30 - Mar y Barcos
Nombre:
Arrecifes en Étretat
Descripción:
1886. Óleo sobre lienzo. 65 x 81 cm.
Museo Pushkin de Bellas Artes de
Moscú. Moscú. Rusia.
Época:
60.10 - Siglo XIX. Impresionismo
19.20.30 - Mar y Barcos
Nombre:
El Geldersekade de Amsterdam
en invierno
Descripción:
1871-1874. Óleo sobre lienzo. 55
x 65 cm.
EDWARD HOPPER
Edward Hopper (Nyack, 22 de julio de 1882 - Nueva York, 15 de mayo de 1967) fue un famoso pintor
estadounidense, célebre sobre todo por sus retratos de la soledad en la vida norteamericana contemporánea. Se
le considera uno de los pintores de la Escuela Ashcan, que a través de Arshile Gorky llevó al Expresionismo
abstracto posterior a la Segunda Guerra Mundial. Hopper entra en 1900 en la New York School of Art. En ese
instituto coincidirá con otros futuros protagonistas del arte americano de principios de los años 1950: Guy Pène
du Bois, Rockwell Kent, Eugene Speicher y George Bellows.
Serán tres de los profesores de la escuela: William Merrit Chase, que le animó a estudiar y a copiar lo que veía en
los museos; Kenneth H. Miller.
Viaja a Europa.Su pintura se caracteriza por un peculiar y rebuscado juego entre las luces y las sombras, por la
descripción de los interiores, que aprende con Degas y que perfecciona en su tercer y último viaje al extranjero, a
París y a España, en 1910 y por el tema central de la soledad.
Mientras en Europa se consolidaban el fauvismo, el cubismo y el arte abstracto, Hopper se siente más atraído por
Manet, Pissarro, Monet, Sisley, Courbet, Daumier, Toulouse-Lautrec y por un pintor español anterior a todos los
mencionados: Goya.
Regresa definitivamente a los Estados Unidos, donde se establecerá y permanecerá hasta su muerte, en estos
momentos Hopper abandona las nostalgias europeas que le habían influido hasta entonces y empieza a elaborar
temas en relación con la vida cotidiana norteamericana, modelando y adaptando su estilo a la vida cotidiana.
Hopper realiza composiciones basadas en formas geométricas grandes y sencillas, áreas de color planas y
utilización de elementos arquitectónicos para introducir en sus escenas fuertes líneas verticales, horizontales y
diagonales.
En 1925 pintó La casa cercana a la estación.Expresaba atmósferas de aislamiento total y de soledad casi
sobrecogedora.
Otras de sus obras que reflejan la vida urbana y la soledad es Nighthawks.
En 1933 el Museo de Arte Moderno de Nueva York le consagró la primera retrospectiva, y el Whitney Museum la
segunda, en 1950.
Hopper muere el 15 de mayo de 1967 en su estudio neoyorquino, cerca de Washington Square.
RETRATO
Época:
Siglo XX. Vanguardias
Históricas/Realismo
19.50.90 - Paisajes y Vistas
Nombre:
Adobe Houses
Descripción:
1925. Acuarela sobre papel.
Colección Privada
Época.
Siglo XX. Vanguardias Históricas/Realismo
19.55.30 - Cultura Americana
Nombre:
Domingo
Descripción:
1926. Óleo sobre lienzo. 73.6 x 86.3 cm.
Collección Phillips. Washington D.C. Estados
Unidos.
Época:
Siglo XX. Vanguardias
Históricas/Realismo
19.55.30 - Cultura Americana
Nombre:
New York Office
Descripción:
1962. Óleo sobre lienzo. 101,6 x 139,7
cm. Montgomery Museum of Fine Arts.
Montgomery. Alabama. USA.
ESTEBAN VICENTE
Turégano, Segovia, 1903 - 2000. El traslado de su familia a Madrid por
cuestiones laborales va a permitir que pueda matricularse en la Real
Academia de Bellas Artes de San Fernando y entre de lleno en los círculos
intelectuales conociendo a personalidades como Juan Ramón Jiménez,
Rafael Alberti o Luis Buñuel. Realiza su primera exposición en el año 1928
junto a Juan Bonafé en el Ateneo de Madrid y comienza una serie de viajes
por Europa, donde en París, participa en el "Salon des Surindépendants".
Con el estallido de la guerra civil en 1936 se ve obligado a marchar a los
Estados Unidos donde permanecerá hasta casi el final de su vida. Allí será
profesor en diferentes y prestigiosas instituciones y universidades a la vez
que se integra de modo absoluto en la vida artística y mas en concreto en
los ambientes que desarrollan el Expresionismo Abstracto, llegando incluso
a compartir estudio con Willem de Kooning y formando parte de la llamada
"Escuela de Nueva York". Siendo su arte y su persona ignorado en España
durante mucho tiempo, pese haber recibido numerosos galardones en
Estados Unidos, en 1991 será por fin reconocido al otorgarle el gobierno
español, la Medalla de Oro de las Bellas Artes.
FOTOGRAFÍA
Siglos XX y XXI. Arte
Último/Abstracción
19.80.28 - Pintura Abstracta
Nombre:
Número 25
Descripción:
1982. Pintura sobre papel. 71.5 x 54.7
cm.
Siglos XX y XXI. Arte
Último/Abstracción
19.80.28 - Pintura Abstracta
Nombre:
Percepción Dos
Descripción:
1992. Óleo sobre lienzo. 112.2 x 157.8
cm.
Siglos XX y XXI. Arte Último/Abstracción
19.80.28 - Pintura Abstracta
Nombre:
Rítmico
Descripción:
1995. Óleo sobre lienzo. 127 x 106.7 cm.
FRANCIS BACON
Irlanda. (1909-1992) Nació en Dublín, de padres ingleses, el 28 de octubre de 1909 y llegó
a Londres a finales de la década de 1920. Su personalísimo estilo expresionista, basado en
un simbolismo de terror y rabia, le ha convertido en uno de los artistas más originales del
siglo XX.
En 1948 el Museo de Arte Moderno (MOMA) de Nueva York compró una obra suya y en
1949, año de su primera pintura inspirada en el cuadro de Velázquez, Inocencio X,
comenzaron una serie de exposiciones individuales. Una buena parte de su obra está
constituida por autorretratos y retratos de amigos suyos. Fiel a la idea de que el arte más
grande te devuelve siempre a la vulnerabilidad de la situación humana, su obra es una
constante reflexión sobre la fragilidad del ser. Bacon intentó impactar al espectador al
hacerle tomar conciencia de la crueldad y violencia.
Siglo XX. Transvanguardia/Figuración
19.65.80 - Expresionismo Figurativo
FOTOGRAFÍA
Siglo XX. Transvanguardia/Figuración
19.65.80 - Expresionismo Figurativo
Nombre:
Crucifixion
Descripción:
1933. 60.5 x 47 cm. Private collection
Siglo XX.
Transvanguardia/Figuración
19.65.80 - Expresionismo Figurativo
Nombre:
Chipmanzee
Descripción:
1955.
Siglo XX. Tranvanguardia /Figuración
Nombre:
Cabeza IV
Descripción:
1961.
HERRY ROUSEAU
Henri Julien Félix Rousseau, llamado "El aduanero Rousseau", (* Laval, 21 de mayo de
1844- Ý París, 2 de septiembre de 1910, a causa de una herida infectada en el pie) fue
un célebre pintor francés, uno de los máximos representantes del arte naïf. Henri
Rousseau nació en Laval, ciudad del valle del Loira en el norte de Francia, el 21 de mayo
de 1844. Tenia un gran interés por la poesía y la música.
Empezó a pintar conla de edad de 49
Henri Rousseau murió el dos de septiembre de 1910 en el hospital Necker de París.
Henri Rousseau dedicaba mucho tiempo a cada uno de sus cuadros, e aquí que su obra
sea relativamente escasa.
A pesar de las intenciones "realistas", en la obra de Rousseau destacan el tono poético,
la búsqueda de lo exótico y, sobre todo, su estilo naíf.
Aproximadamente desde 1890 se observa una maduración en su lenguaje pictórico.
También se dio influenciar por el surrealismo. Algunas de sus obras son:La gitana
dormida (1897); El Sueño (1910) .
Se incluye a Rousseau,tambien dentro del post-impresionismo francés . Agunos de sus
cuadros de paisajes son: Paysage avec le dirigeable "Patrie" (1908), La passerelle de
Passy (1904) y Pêcheurs a la ligne (1908).
RETRATO
Siglo XX. Vanguardias
Históricas/Pintura Naif
19.55.80 - Paisajes y Vistas
Nombre:
El Bievre en Gentilly
Descripción:
1895
Siglo XX. Vanguardias
Históricas/Pintura Naif
19.55.80 - Paisajes y Vistas
Nombre:
Footbridge at Passy
Descripción:
1895. Óleo sobre lienzo.
Colección Privada.
Siglo XX. Vanguardias
Históricas/Pintura Naif
19.55.80 - Paisajes y Vistas
Nombre:
Horse Attacked by a Jaguar
Descripción:
1910. Óleo sobre lienzo. 89 x
116 cm. Museo Pushkin de
Bellas Artes de Moscú. Moscú.
Rusia.
JACOB ABRAHAM CAMILLE
PISARRO
Jacob Abraham Camille Pissarro, más conocido como Camille Pissarro (* Saint Thomas, 10 de julio de 1830 - Ý París, 13 de noviembre de 1903), fue un
pintor impresionista y después neo-impresionista francés. Está considerado como uno de los fundadores del movimiento impresionista. Como decano
del impresionismo tuvo un importante papel de conciencia moral y guía artístico. Pintó la vida rural francesa y escenas del barrio de Montmartre.
Entre sus discípulos se cuentan Paul Cézanne, Paul Gauguin, Jean Peské y Henri-Martin Lamotte.
Nació en Santo Tomás, en las Antillas danesas, el padre, judío de origen francés, dedicado al comercio, en 1841 le envió a cursar estudios a París. De
regreso en su isla natal trabajó en el comercio del padre, hasta que en 1851, el pintor danés, Fritz Melbye, requiere de sus servicios, a pesar de la
oposición de sus padres a que se convirtiese en artista. Gracias a esto, Pissarro viaja a Venezuela y a París,
En París asistió a la Escuela de Bellas Artes y a la Academia de Jules Suisse. Estudió con el paisajista francés Camille Corot y trabó amistad con Claude
Monet, Cézanne y Armand Guillaumin.
Sobre todo se relacionó con Monet, con él, pinta al aire libre en Pontoise y después en Louveciennes. Ambos barbudos, en entrañable amistad, van
encontrando paso a paso el estilo que les hará famosos y que desembocará en el impresionismo.
Contrajo matrimonio con Julie Vellay, la antigua doncella de su madre, que ya le había dado dos de los siete hijos en que fructificará su matrimonio.
Mientras tanto, se entera de que su casa de Louveciennes ha sido convertida por los alemanes en matadero, que muchas de sus pinturas han sido
utilizadas como tarima en el embarrado jardín y que, al fin, casa y cuadros han sido destruidos por un incendio.
Claude Monet y Pissarro coincidieron también en Londres, donde conocieron a Durand-Ruel (1831-1922), que se convirtió a partir de ese momento en
el marchante "oficial" del grupo. Pissarro y Monet hicieron en Londres estudios de edificios envueltos en nieblas.
Su estilo en esta época era bastante tradicional. Se le asocia con la Escuela de Barbizon aunque pasado algún tiempo evolucionó hacia el
impresionismo. Se le considera, junto con Monet y Alfred Sisley, uno de los impresionistas puros, diferenciándose del grupo de los "problemáticos"
(Renoir, Degas, Cezanne).
Al volver a Francia después de su estancia en Londres, participó plenamente en las exposiciones del grupo impresionista, del que fue cofundador.
Además, fue el único que participó en las ocho exposiciones del grupo (1874-1886).
Durante la Guerra Franco-prusiana, (1870-1871), volvió a residir en Inglaterra, donde estudió el arte inglés y en especial los paisajes de William Turner.
En los años 80 experimentó con el puntillismo y produjo escenas rurales de ríos y paisajes y también escenas callejeras de París, como La calle SaintHonoré después del mediodía (1897, Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid), La Haya y Londres.
Atraído por la tierra, pintó la vida rural francesa, en particular paisajes y escenas representando personas trabajando en el campo. Del período
llamado de Pontoise (1872-1884, aproximadamente), cerca de París. Durante treinta años los alrededores de la villa constituirán el tema de su arte. Le
acompaña ahora Cézanne, al que inicia en los secretos del impresionismo.
De esta época datan sus mejores obras inspiradas en Monet y Cézanne: La siega en Montfoucault (1876), Los tejados rojos (1877), Primavera en
Pontoise (1877). Tras un período neoimpresionista, volvió al lirismo y al esplendor cromático del impresionismo. También son famosas sus escenas de
Montmartre.
En 1884 se deja influenciar por las mezclas ópticas de Seurat y se pasa al puntillismo.
En 1895, un empeoramiento de la enfermedad ocular que padecía le obligó a pintar paisajes urbanos de París desde la ventana de su casa: Avenida de
la Ópera, Jardín de las Tullerías y Efecto de nieve.
Falleció el 13 de noviembre de 1903 en París, no hubo de cerrarle los ojos, ya ciegos desde hacía meses.
La obra de Pissarro está representada en el Museo de Orsay de París. Como profesor tuvo como alumnos a Paul Gauguin, Paul Cézanne, su hijo Lucien
Pissarro y la pintora impresionista estadounidense Mary Cassatt. Políticamente fue simpatizante del anarquismo
RETRATO
Época:
60.10 - Siglo XIX. Impresionismo
19.20.20 - Paisaje Urbano
Nombre:
El Louvre, mañana brumosa
Descripción:
1901. Óleo sobre lienzo. 73 x 92 cm.
Época:
Siglo XIX. Impresionismo
19.20.20 - Paisaje Urbano
Nombre:
Ermita nevada
Descripción:
1874. Óleo sobre lienzo. Colección
privada.
Época:
Siglo XIX. Impresionismo
19.20.20 - Paisaje Urbano
Nombre:
La Plaza del Teatro Francés
Descripción:
1898. Óleo sobre lienzo. 65,5 x
81,5 cm. Museo del Hermitage.
San Petersburgo. Rusia
JOSE MANUEL BROTTO
Zaragoza, 1949 Establecido en la ciudad de Barcelona, a
principio de la década de los setenta, funda la revista
"Trama" que hasta 1976 funcionará como espacio de
reflexión de artistas e intelectuales.
Influenciado por el grupo francés "Soporte/Superficie", que
hacia 1966 reclaman un regreso a la "Pintura" tras el
desorden producido por los últimos movimientos
conceptuales, Broto recurre a una técnica basada en
recubrimientos y goteos, en los que flotan estructuras de
marcada índole arquitectónica, para realizar una personal
reflexión sobre la misma actividad pictórica.
Destacan su series dedicadas a compositores
contemporáneos, realizadas a finales de los años ochenta.
FOTOGRAFÍA
Siglos XX y XXI. Arte
Último/Abstracción
19.80.28 - Pintura Abstracta
Nombre:
La cruz
Descripción:
1988. Acrílico y collage sobre tela. 230
x 230 cm.
Siglos XX y XXI. Arte
Último/Abstracción
19.80.28 - Pintura Abstracta
Nombre:
Du cristal
Descripción:
1995. Acrílico sobre lienzo. 26 x 26
cm.
Siglos XX y XXI. Arte Último/Abstracción
19.80.28 - Pintura Abstracta
Nombre:
Las cifras: siete
Descripción:
1988. Acrílico y collage sobre tela. 230 x
230 cm.
PAUL KLEE
Paul Klee (Münchenbuchsee, Suiza, 18 de diciembre de 1879 - Muralto, Suiza, 29 de junio de 1940)
fue un pintor alemán nacido en Suiza, que desarrolló su vida en Alemania, cuyo estilo varía entre el
surrealismo, el expresionismo y la abstracción. Klee nació en Münchenbuchsee, cerca de Berna,
Suiza, en una familia de músicos, de padre alemán y madre suiza. Trabajaba en óleo, acuarela, tinta y
otros materiales, generalmente combinándolos en un solo trabajo. Sus cuadros frecuentemente
aluden a la poesía, la música y los sueños, y a veces incluyen palabras o notas musicales.
Paul Klee estuvo tambien relacionado con el movimiento expresionista.En 1914, visitó Túnez y quedó
impresionado con la calidad de la luz del lugar, por lo que escribió en su diario:
"El color me posee, no tengo necesidad de perseguirlo, sé que me posee para siempre... el color y yo
somos una sola cosa. Yo soy pintor."
Después de la Primera Guerra Mundial, donde participó como soldado por ser ciudadano alemán,
Klee enseñó en la Bauhaus, y a partir de 1931, en la Academia de Bellas Artes de Düsseldorf, antes de
ser denunciado por los nazis por producir «arte degenerado».
En 1933 dejó la enseñanza y regresó a Berna, donde realizó una gran exposición en la Kunsthalle
(1935). En 1936 se le diagnosticó esclerodermia, una grave enfermedad degenerativa . En 1940 fue
internado en una clínica de Muralto-Locarno, donde falleció el 29 de junio.
A lo largo de su vida, Paul Klee usó el color de maneras variadas y únicas, y mantuvo con él una
relación que progresó con el tiempo. Para un artista que amaba tanto la naturaleza parece algo
extraño que en sus comienzos Klee despreciara el color, creyendo que no era sino una decoración.
Con el tiempo Klee cambió de idea y llegó a manipular el color con una enorme precisión y pasión,
hasta tal punto que terminó enseñando teoría del color y de su mezcla en la Escuela de la Bauhaus.
Sus pinturas y acuarelas mostraron el dominio de unas armonías cromáticas delicadas y de ensueño,
que generalmente usó para crear composiciones sencillas y semiabstractas o incluso efectos que las
asemejan a mosaicos. A partir de 1935, afectado por una enfermedad, Klee adoptó un estilo claro,
sencillo, caracterizado por líneas gruesas como de carboncillo y grandes áreas de colores matizados.
FOTOGRAFÍA
Siglo XX. Vanguardias
Históricas/Expresionismo
19.45.50 - Animales
Nombre:
Cat and Bird
Descripción:
1928. Oil and ink on gesso on
canvas, mounted on wood. 38.1 x
53.2 cm. Sidney and Harriet Janis
Collection Fund.
Siglo XX. Vanguardias
Históricas/Expresionismo
19.45.50 - Animales
Nombre:
El concierto de los partidos
Descripción:
1907. Acuarela sobre pluma y tinta
china sobre papel de dibujo. 24.4 x 33
cm. Fundación Paul Klee.
Kunstmuseum. Berna.
Siglo XX. Vanguardias
Históricas/Expresionismo
19.45.20 - Costumbres y
Espectáculos
Nombre:
The Artists at the Window
Descripción:
1909. Watercolor and colored
chalk. Colección Felix Klee. Berna.
Suiza.
PEDRO ZUBIZARRETA
Pedro Zubizarrerta Puente nace en 1946, en Cabezón de la Sal, Vernejo,
Cantabria, España. En 1969-1974, realiza estudios de Bellas Artes en Barcelona:
escultura como especialidad, dibujo artístico, pintura, muralismo y cerámica
como parte integral del aprendizaje. En Madrid, desde 1975, realiza obra
escultórica y estudia las diferentes técnicas del grabado, que en 1983 ampliará
en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma
de México, plantel Xochimilco, México D.F., ciudad donde reside desde ese año.
Ha realizado 41 exposiciones individuales y 48 colectivas en los siguientes
paises: España, Alemania, Francia, Mónaco, Italia, Suiza, Holanda, Ecuador,
Estados Unidos y México.
Tiene obra en los siguientes museos: Arte Contemporáneo de Elche, Alicante,
España; Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, Oaxaca, México; Museo de
la Universidad de Ostos, Bronx, Nueva York, Estados Unidos.
FOTOGRAFÍA
ANTONIO LÓPEZ GARCÍA
Pintor español que, si bien, técnicamente podría considerarse como
hiperrealista, la magia lumínica, heredada de Velázquez o Zurbarán, que
impregna sus composiciones, le aparta de esta corriente, conformándolo
como un autor único, simbólico y enigmático para el que el proceso pictórico
es de tanta importancia como la obra terminada.
Esto se pone de manifiesto en el film de Víctor Erice “El Sol del Membrillo”,
en el cual Antonio López reflexiona sobre el objeto pictórico, la actividad
artesanal y creativa y su constante preocupación sobre el paso del tiempo.
Destacan sus crónicas familiares, a modo de retratos o bodegones y sus
vistas panorámicas de Madrid
En junio de 1961 inaugura su primera exposición individual, en la Galería
Biosca de Madrid, y, en 1993 el Centro de Arte Reina Sofía de Madrid realiza
su exposición
El manzano
El reloj
MIGUEL BARCELÓ
Felanitx, Mallorca. (1957Realiza su primera exposición en 1974, año en el que viaja por primera vez a París,
donde descubre a Klee, Dubuffet y en especial algunas obras de Art Brut. Se instala
en esa ciudad a principios de los años ochenta, y es ya un autor reconocido cuando,
en 1982 participa en la Documenta de Kassel.
Artista con una muy peculiar concepción de la pintura, alejado de las modas y
corrientes dominantes, realiza un proceso de introspección, personal por un lado,
con un carácter casi autobiográfico, y matérica por otro, en el juego de los
materiales y las texturas.
A partir de 1986 su temática se amplia abordando las naturalezas muertas y los
bodegones, de los que en una entrevista con Kevin Power (Conversaciones. Ed.
Diputación de Alicante, 1985) dice: “ lo que me preocupa con el bodegón es
trabajarlo como materia orgánica, sentirlo como pura materia”.
Su viaje a África en 1988, le llevará a la utilización en sus obras de pigmentos
locales y sedimentos fluviales, y, a su regreso a Europa, a la incorporación temática
de paisajes, desiertos y dunas.
Siglos XX y XXI. Arte Último/Figuración
19.70.75 - Paisajes y Vistas
Pedra blanca sobre pedra negra
Siglos XX y XXI. Arte Último/Figuración
19.70.75 - Paisajes y Vistas
Nombre:
L'amour fou
(Jean-Michel Basquiat)
Nueva York, (1960-1988)
Nace el 22 de diciembre en Brooklyn, hijo de madre portorriqueña y padre haitiano. De
formación autodidacta, en la segunda mitad de los años setenta, comienza a pintar
camisetas, postales y graffitis, imbuido en la cultura callejera de las minorías raciales y del
Hip-Hop. Es en la calle, donde conoce a Keith Harring, con el que le une una amistad que
durará hasta el final de su vida.
En 1980, participa, por primera vez, en la exposición colectiva “The Times Square Show”,
especie de galería de arte alternativo y moda. En 1981 se exponen sus graffitis en la
“Documenta VII” de Kassel. A partir de este momento, su arte será reclamado para las más
importantes exposiciones colectivas europeas, compartiendo lugar con David Salle, Julian
Schnabel, Francesco Clemente o Andy Warhol, al que conocerá personalmente, colaborando
con él desde 1984.
Su arte evoluciona hacia una mayor objetualidad creando lienzos, aunque sin abandonar
nunca sus orígenes y estética callejera y de mestizaje, tomando conciencia de la realidad
social y criticando el poder de los políticos, la religión y los mass-media.
En agosto de 1988 aparece muerto en su apartamento y las causas, según el informe de la
autopsia fueron “Intoxicación aguda por mezcla de drogas: Cocaína y Opiáceos”
Siglos XX y XXI. Arte Último/Figuración
19.70.90 - Retratos
Nombre:
Cabeza
Siglos XX y XXI. Arte Último/Figuración
19.70.90 - Retratos
Nombre:
Autorretrato
Juan Gris - (José Victoriano
González)
José Victoriano González-Pérez, conocido artísticamente como Juan Gris (Madrid, 23 de marzo de 1887 Boulogne-sur-Seine, Boulogne-Billancourt, Francia, 11 de mayo de 1927), fue un pintor español que
desarrolló su actividad principalmente en París como uno de los maestros del cubismo.
José Victoriano González Pérez nace en Madrid el 23 de marzo de 1887, hijo de padre merchante, familia
bien situada y que le permitió entrar gradualmente en un ambiente de clase media.
Entre 1904 y 1906 estudia en la escuela de artes y oficios de Madrid y en el estudio de José Moreno
Carbonero. En su adolescencia es ilustrador de publicaciones como Blanco y Negro y Madrid.
En 1906 para evitar la milicia y conocer vida artística, se muda a París donde conoce a Pablo Picasso y
Georges Braque. Vive en un hostal sin baño en el Bateau-Lavoir de Montmartre, durante alrededor de diez
años.
Al año siguiente pasó el verano con Picasso en Céret, allí comenzó un periodo en el que desarrolló la técnica
del "collage" (formas recortadas en papel y pegadas al lienzo). Un ejemplo típico de su técnica de "collage"
es Vasos y periódico.
Los primeros años vive dibujando para L'Assiette au Beurre y Charivari.
Sus primeros intentos como pintor cubista son de 1910 aunque en los museos españoles existen pocos
ejemplos.
Después de 1925 utilizó sobre todo el gouache y la acuarela y realizó algunas ilustraciones para libros.
Durante la década de 1920 empeoró seriamente su salud y murió, con apenas cuarenta años, en BoulogneSur-Seine el 11 de mayo de 1927.
Siglo XX. Vanguardias Históricas/Realismo
19.55.20 - Bodegones y Flores
Nombre:
Siphon et bouteilles
Siglo XX. Vanguardias Históricas/Realismo
19.55.20 - Bodegones y Flores
Nombre:
Tres lámparas
FRANCOIS BOUCHER
Nació en París en el año 1703, estudió con el pintor
Francois Le Moyne, pero sobre todo le influenció su
contemporaneo Antoine Watteau.
Su trabajo se caracteriza por la frivolidad y
sensualidad del estilo Rococó, fue famoso por sus
escenas mitológicas y pastorales, gran pintor del
erotismo por las abundantes representaciones que
realizó del cuerpo femenino en las mas variadas
actitudes, pero siempre en situaciones de intimidad
y rodeado de una sofisticada interpretación de la
naturaleza.
En 1765 se convirtió en pintor del Rey.
Falleció en París el 30 de Mayo de 1770.
FRANCISCO BAYEU Y SUBÍAS
Nació en Zaragoza en el año 1734, se inició en la tradición del
barroco español y la pintura italiana del siglo XVIII, fue discípulo de
Mengs.
Cuñado de Goya y hermano de Ramón y Fray Manuel Bayeu.
Extendió su actividad a todos los campos de la pintura, pero
cultivó con preferencia las decoraciones al fresco de palacios e
iglesias y la confección de cartones para tapices en los que plasmó
diversas escenas de la vida popular madrileña. En este aspecto
coincidió con su hermano Ramón y con José del Castillo.
Se trasladó a Madrid en 1763 para colaborar en las decoraciones
palaciegas y fue nombrado por Carlos III pintor de Cámara en
1767, en 1788 se convirtió en director de pintura de la Real
Academia de San Fernando.
Falleció en 1795 a los 57 años de edad víctima de saturnismo.
Siglos XVII/ XVIII. Clasicismo. Neoclasicismo/Romanticismo
18.20.50 - Costumbres e Historia
Nombre:
El Paseo de las Delicias en Madrid
Siglo XVIII. Barroco/Rococó
18.10.50 - Costumbres e Historia
Nombre:
La rendición de Granada
WILLIAM BLAKE
UMBERTO BOCCIONI
Italia. (1882-1916)
Fue uno de los líderes del movimiento futurista. En 1910, escribió
el Manifiesto de los pintores futuristas en el que hacía la
revolucionaria propuesta de que los artistas se liberaran del
pasado y abrazaran el mundo moderno con su movimiento, su
velocidad y su dinamismo.
Utilizó los colores complementarios para crear un efecto de
vibración; expresa el movimiento presentando una secuencia de
varios movimientos al mismo tiempo. En sus esculturas intentaba
ilustrar la interacción que se establece entre un objeto en
movimiento y el espacio que lo rodea.
Falleció el 16 de Agosto de 1916 a consecuencia de una caída de
caballo.
Siglos XIX y XX. Simbolismo
19.35.20 - Dibujos y Grabados
Nombre:
Caricature of Carlo
Siglos XIX y XX. Simbolismo
19.35.20 - Dibujos y Grabados
Nombre:
Ciociara
(Arnold Böcklin)
Basilea, 1827 - Fiésole, 1901
Artista suizo que perteneció al circulo de los Neoclásicos-RomanoGermanos. Comenzó pintando paisajes al modo romántico tradicional,
escenas bucólicas y luminosas, influenciado por su visita a Italia entre 1890
y 1897.
Más adelante, su pintura evolucionó hacia una mayor voluptuosidad, sobre
todo en las figuras, que pasan, de formar parte de una vista general, como
motivo casi anecdótico, a ser parte central de la composición en temas
mitológicos y alegóricos.
La proyección del arte de Böcklin, nos acerca a la Pintura Simbolista, que
recoge ese espíritu mágico y casi irreal, para representar los valores
fundamentales del ser humano.
Siglos XIX y XX. Neoclasicismo/Romanticismo
19.10.50 - Mitología y Alegorías
Nombre:
Centaure et nymphe
Siglos XIX y XX. Neoclasicismo/Romanticismo
19.10.50 - Mitología y Alegorías
Nombre:
La Complainte du berger (Daphnis et Amaryllis)
Canaletto - (Giovanni Antonio Canal)
Nació el 28 de Octubre de 1697 en Venecia, en el seno de una familia arraigada en la ciudad, aunque de
origen popular. Bernardo Canal, el padre, era decorador de escena. El fue quien le inició en los pinceles y
quien le llevó a Roma en 1719 cuando fue a relizar la escenografía de unas óperas. Quizá fue Roma la que
despertó en Canaletto su característico estilo de vedutista naturalista: plasmar en el cuadro con toda
fidelidad lo visto por los ojos y lo corregido por la inteligencia con afán de "fotografiar" la realidad.
En 1720 regresó de nuevo a Venecia, dedicado a describir pictóricamente con todo pormenor lo que ve.
Pinta para vender sus obras al turista extranjero, atraído por la magia de Venecia, deseoso de llevarse un
recuerdo y un testimonio de la visita. Para aumentar la productividad y satisfacer las exigencias de su
marchante Joseph Smith, solicita la ayuda de colaboradores, entre ellos su sobrino, Bernardo Belloto, que
copiará e imitará a su tío.
Canaletto pinta de acuerdo con los gustos de su público ya tocado por el morbo del racionalismo y de la
pseudoobjetividad científica. Incluso llega a utilizar el método de la cámara oscura para no olvidar ningún
detalle y conservar la exacta perspectiva.
En 1746, en busca de nuevos horizontes, se va a Londres, donde ya estaban Tiepolo y Belloto, el resultado
es decepcionante, sus trabajos no muestran la misma calidad que los que realizara en Venecia o en otras
partes de Italia.
Dos años después regresa a Venecia, consigue su ingreso en la Academia veneciana en 1763, pero algo se
ha apagado en el alma del pintor que no vibra ante la amada traicionada.
El 20 de abril de 1768 moría entre canales y palacios. Sus restos descansan en Venecia y la mayoría de sus
obras en la Royal Collection británica.
Siglo XVIII. Barroco/Rococó
18.10.20 - Paisajes y vistas
Nombre:
Basílica de Vicenza y puente de Rialto
GEORGE BRAQUES
Braque nació el 13 de mayo de 1882 en Argenteuil-sur-Seine. Junto con Pablo
Picasso contribuyó al origen y desarrollo del cubismo, del cual es una de las figuras
más importantes.
En 1905 empezó a pintar al modo de los fauvistas, utilizando colores puros y
brillantes en composiciones de estructura muy libre.
Sin embargo, ya en 1908, su atención se había desplazado a las obras de Paul
Cézanne. El interés de éste por las formas extrañamente distorsionadas y sus
perspectivas poco convencionales llevaron a Braque a pintar de un modo que más
tarde se conocería como cubista. Entre 1908 y 1913 llevó a cabo un exhaustivo
estudio sobre los efectos de la luz y de la perspectiva y los medios con los que
cuentan los pintores para representar estos efectos.
Picasso, con quien Braque empezó a trabajar en estrecha colaboración a partir de
1909, utilizaba un enfoque pictórico similar. Desde 1910 a 1912 ambos artistas
realizaron obras estructuradas en complejas formas geométricas y pintadas con
colores neutros, que hoy son conocidas como cubismo analítico..
Tras la guerra, Braque desarrolló un estilo más personal, que se caracteriza por los
colores brillantes y la textura de las superficies y, por la reaparición de la figura
humana. En esa época pintó muchas naturalezas muertas y escenas de playa. Murió
el 31 de agosto de 1963 en París.
Siglo XX. Vanguardias Históricas/Fauvismo
19.40.80 - Bocetos y Dibujos
Nombre:
El puerto de El Havre
Siglo XX. Vanguardias Históricas/Fauvismo
19.40.80 - Bocetos y Dibujos
Nombre:
Estudio de desnudo
BERTHE MORISOT
Nacida en Bourges, en el seno de una familia burguesa, hija de un
funcionario y con grandes dotes naturales para la pintura, fue
precisamente su familia quien animó a Berthe y a su hermana Edma a
iniciarse en el arte. Morisot demostró la posibilidades de las mujeres en las
artes a fines del siglo XIX. Copió en el Louvre y cuando a la edad de 20
años, quiso trabajar al natural, recibió algunos consejos de Corot,
importante paisajista de la Escuela de Barbizon, que en lo sucesivo fue uno
de los habituales del hotel de los Morisot en Passy.
La vida de Berthe Morisot se vio ensombrecida por la muerte de Édouard
Manet en 1883, la de su esposo, Eugène Manet, en 1892, y la de su
hermana. Educó sola a su hija, Julie Manet, con quien mantuvo siempre
lazos muy fuertes. Al morir a los cincuenta y cuatro años, confió su hija a
sus amigos, Edgar Degas y Stéphane Mallarmé.
Berthe Morisot murió en 2 de marzo de 1895 en París y está enterrada en
el cementerio de Passy en París.
En la actualidad, sus pinturas pueden alcanzar cifras de más de 4 millones
de dólares.
PAUL CEZANNE
Nació el 19 de Enero de 1839 en Aix-en-Provence, al sur de Francia,
pero pronto se fué a estudiar arte a París donde se empezó a sentir
atraido por la obra de Delacroix, Courbet y Manet.
Las primeras obras de Cezanne están pintadas con pigmentos espesos
y en tonos oscuros recuerdando el expresionismo romántico y
melancólico de generaciones anteriores.
Bajo la tutela de Pissarro, Cezanne empezó a interesarse por las
escenas de la vida rural utilizando colores brillantes, pero, mas tarde,
descubrió un modo de representar tanto la luz como las formas de la
naturaleza simplemente mediante el color.
Es considerado como el padre del arte moderno, aunque dejó la
mayor parte de sus obras sin acabar y destruyó muchas otras.
Falleció el 22 de Octubre de 1906 en Aix-en-Provence.
Siglo XIX. Realismo
19.10.93 - Bodegones y Flores
Nombre:
Naturaleza muerta
Siglo XIX. Realismo
19.10.93 - Bodegones y Flores
Nombre:
Naturaleza muerta con tarro, cafetera y fruta
GUSTAVE COUBET
Nació el 10 de Junio de 1819 en Ornans, en el seno de una próspera familia
campesina, que le proporcionó una esmerada educación. En 1841 llegó a
París, para seguir los deseos paternos de estudiar leyes, pero con la intención
secreta de formarse como pintor copiando y analizando los maestros del
Louvre. Estudió sobre todo a Velázquez y Ribera, y otros pintores del siglo
XVII español.
En 1871 fué nombrado director de los museos de París por la revolucionaria
Comuna de París, desde ese puesto, logró salvar las colecciones del Louvre
del incendio de las Tullerías y del saqueo de las masas, pero sin embargo,
tras la caída de la Comuna, fué acusado falsamente de haber permitido el
derribo de La columna de Napoleón, situada en la Plaza Vendòme, fué
encarcelado y obligado a expatriarse en 1873.
Se trasladó a vivir a Verey (Suiza) en donde falleció el 31 de Diciembre de
1877.
Siglo XIX. Realismo
19.10.93 - Bodegones y Flores
Nombre:
Ramo de flores de un manzano
MARC CHAGALL
Pintor y diseñador francés de origen ruso, conocido por su
inventiva surrealista. Se le reconoce como uno de los pintores y
artistas gráficos más relevantes del siglo XX.
Chagall nació en el seno de una familia judía el 7 de julio de 1887,
en la ciudad rusa de Vitebsk y recibió instrucción artística en San
Petersburgo y, desde 1910, en París, donde permaneció hasta 1914.
El uso singular del color y la forma en Chagall deriva en parte del
expresionismo ruso y recibió una influencia decisiva del cubismo
francés. Sus obras evocan de modo característico escenas de la vida
de la comunidad judía en las pequeñas aldeas rusas.
Chagall también ilustró obras literarias y terminó las pinturas que
decoran uno de los techos de la Ópera de París. Murió el 28 de
marzo de 1985 en Saint Paul de Vence, en el sur de Francia.
Siglo XX. Escuela de París
19.65.15 - Paisajes y Vistas
Nombre:
París por la ventana
WILLIAMS BLAKE
Inglaterra. (1757-1827)
Nació en Londres el 28 de Noviembre de 1757. Aunque su formación es
primordialmente autodidacta, estudió durante un breve periodo de
tiempo en la Royal Academy, pero se rebeló contra las doctrinas
estéticas de su director.
Fué un famoso poeta, pintor y grabador, se le considera un
preromántico porque rechazó el estilo intelectual del neoclasicismo,
defendiendo siempre la imaginación frente a la razón, la mayoría de sus
pinturas son de temática religiosa.
En el año 1880 se trasladó a Felpham, sus últimos años los vivió en la
pobreza, falleciendo en Londres el 12 de Agosto de 1827.
Siglos XIX y XX. Neoclasicismo/Romanticismo
19.10.63 - Dibujos y Grabados
Nombre:
Beatriz en el carro, Matilde y Dante
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estan por fin los