1ª UNIDAD
EXPLORANDO LA FIGURA HUMANA
EN LA HISTORIA DEL ARTE
La figura humana en la pintura y escultura.
INTRODUCCIÓN
El género de ‘Figura Humana’ denomina a las
obras visuales que tienen como motivo principal el
cuerpo humano, representado generalmente
desnudo.
 Si bien hallamos todo tipo de representaciones del
Cuerpo Humano desde la prehistoria, éste adquiere
autonomía como tema estético en sí mismo a partir
de las vanguardias del Siglo XX, ya que, si antes lo
encontrábamos en la Historia del Arte, surgía
normalmente bajo la excusa de otras motivaciones,
como las escenas mitológicas o bíblicas, o bien,
como imagen necesaria para los ritos mágicos de
algunas culturas.

PREHISTORIA
LAS PRIMERAS MANIFESTACIONES PICTÓRICAS QUE
PROVIENEN DE LA ÉPOCA PALEOLÍTICA O DE LA PIEDRA
TALLADA, SE LE DENOMINÓ PINTURA RUPESTRE.
ESTAS PINTURAS SE HAN LOCALIZADO EN DIVERSAS
REGIONES DEL MUNDO, GENERALMENTE EN LAS PAREDES
DE CUEVAS Y CAVERNAS, ALCANZANDO GRANDES
DIMENSIONES.
MIENTRAS LAS PRIMERAS ESCULTURAS DE FORMA HUMANA
SON FIGURAS FEMENINAS, EN HUESO, MARFIL O PIEDRA,
DE PEQUEÑO TAMAÑO, RELACIONADAS CON EL CULTO A LA
FECUNDIDAD. SE LAS CONOCE CON EL NOMBRE GENÉRICO
DE VENUS. ENTRE LAS MÁS CONOCIDAS TENEMOS A LA
VENUS DE WILLENDORF
LA VENUS DE WILLENDORF
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Es una estatuilla antropomorfa femenina de
20.000 ó 22.000 años de antigüedad. La obra
lleva el nombre del sitio a la vera del Danubio
donde fue descubierta en 1908 por el
arqueólogo austriaco Josef Szombathy.
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Es una figura obesa, de vientre abultado y
enormes senos.
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Esta imagen de la mujer gorda que esta
completamente desnuda también era usual
en las esculturas egipcias, griegas y
babilónicas del Período Neolítico.
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Es la más conocida de las venus paleolíticas.
La Venus de Willendörf de perfil.
PINTURA RUPESTRE
El Diccionario Académico nos
dice que rupestre viene del
término en latín rupestris, y éste
de rupes (roca). Hay pintura
rupestre y también diferentes
representaciones del arte
prehistórico en forma de grabados
o esculturas.
Petroglifos: grabado sobre
piedra mediante la erosión o la
percusión sobre la roca.
EGIPTO
LA PINTURA EGIPCIA POSEE UNA SENSIBILIDAD ARTÍSTICA INNATA; RESULTA
SER UN MEDIO EXCELENTE PARA TRANSMITIR UN MENSAJE ESTÉTICO,
CREANDO UN AMBIENTE CARGADO DE RELIGIOSIDAD; EN ELLA SE OBSERVA
LA PUREZA DE LA LÍNEA, LA ARMONÍA DE LAS FORMAS, EL EQUILIBRIO
COMPOSITIVO Y UNA GRAN GAMA DE COLORES QUE LA HACEN ATRACTIVA,
MÁGICA, NATURAL Y CONTEMPLATIVA.
CON RESPECTO A LA REPRESENTACIÓN DE LA FIGURA HUMANA, ESTA SE
CARACTERIZA POR LOS SIGUIENTES RASGOS: LEY DE TORSIÓN O
FRONTALIDAD: CABEZA, BRAZOS Y PIERNAS DE PERFIL; HOMBROS, OJOS,
VIENTRE Y PIES DE FRENTE. SE DESTACA LA SILUETA DE LA FIGURA. ES
DETALLISTA. UTILIZA TRAZO SEGURO Y FIRME. SUPERPOSICIÓN DE FIGURAS
Y GRAN COLORIDO, LOGRANDO DIVERSOS TIPOS DE ARMONÍAS.
REPRESENTACIÓN DE ESCENAS DE LA VIDA REAL. CARÁCTER DECORATIVO
EN ATENCIÓN A QUE ELLA ES EMPLEADA EN LAS PAREDES DE TEMPLOS,
TUMBAS Y PALACIOS.
EGIPTO
El inspector de escribas Raherka
y su mujer
Hacia 2350 a.de C. V Dinastía.
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Esta estatua originalmente se encontraba en la
capilla de la tumba de la pareja, se supone en
Giza.
Esta estatua fue tallada en un solo bloque de
piedra caliza y aún conserva los rastros de los
colores originales.
* El uso de la piedra - un material eterno garantiza la perpetuidad de la obra.
* Meresanj abraza a su esposo, de pie justo
detrás de él en una posición que suaviza la
actitud hierática de las figuras convencionales.
* El marido se destaca en primer plano con sus
tonos de piel color rojo, formando un hermoso
contraste con el ocre amarillo de tez de su mujer,
que se adapta bien a la dulce presencia a su
lado.
GRECIA
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Floreció entre los siglos VII y II antes de C., en Grecia y otros
territorios del Mediterráneo habitados por los griegos.
Se caracteriza por su idealismo estético, proporcionalidad,
equilibrio de los elementos y su interés por reflejar la expresividad
genuina en la figura humana; por ello, desarrollaron una gran
perfección en el dibujo.
El atletismo, tan cultivado por estos pueblos, brindó a los artistas
sus mejores modelos. La sencillez, el ritmo, la claridad y la unidad
dominan todas sus formas artísticas; así, los griegos alcanzaron
sus mayores logros en la cerámica, la escultura y la arquitectura
GRECIA
“Venus de Milo”
130 a. C. - 100 a. C.
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La Afrodita de Milos más conocida como
Venus de Milo, es una de las estatuas más
representativas del periodo helenístico de
la escultura griega, y una de las más
famosas esculturas de la antigua Grecia.
Se cree que representa a Afrodita
(denominada Venus en la mitología
romana), diosa del amor y la belleza; mide
aproximadamente, 211 cm de alto.
Esta estatua fue encontrada en Milo (Islas
Cícladas) , desenterrada por un campesino
y vendida a Francia entre 1819 y 1820.
La Venus de Milo es una escultura
tridimensional, ya que además de tener
volumen puede ser vista desde diferentes
perspectivas. Un elemento fundamental
que da mayor movimiento a la estatua es el
contrapposto, pues de la base parte un
desequilibrio que afecta a toda la estatua.
ROMA
Se
desarrolló en Italia desde el año 200 antes de C.,
hasta el siglo IV después de C., algunos lo consideran
inferior al arte griego, pero en realidad fue más variado,
más flexible y en ciertos aspectos se acerca más al arte
moderno
Sus mayores logros los presenta en el desarrollo de la
arquitectura; por ello, el dibujo y la pintura la realizaban a
servicio de esta, predominando los murales.
Los temas eran asuntos bélicos, eróticos, leyendas
heroicas, paisajes, marinas, naturaleza muerta y el
retrato.
“Discóbolo”
ROMA
Estatua original de bronce atribuida a Mirón
Dimensiones: altura 1,60 m.
Estilo: griego clásico,
cronología aproximada: Siglo V aC. 460 aC.
Localización: Museo Nazionale Romano,
Italia, y varias copias más en otros museos
y lugares.
 Realizada por Mirón de Eleuteras en torno
al 455 a. C., que representa a un atleta justo
en el instante anterior a lanzar un disco.

Hay quien interpreta que la figura representa al
héroe «Hyakinthos» (Jacinto); amado por
Apolo, el cual le habría matado de forma
involuntaria con un disco.
•EL DISCÓBOLO (LANZADOR DE DISCO) FUE EN ORIGEN, COMO MUCHAS OTRAS
OBRAS GRIEGAS, UNA ESCULTURA DE BRONCE, QUE SÓLO CONOCEMOS A TRAVÉS DE
COPIAS ROMANAS EN MÁRMOL

Mirón representa el cuerpo en el momento de su máxima tensión; ese
esfuerzo no se refleja sin embargo en el rostro, que muestra solo una
tenue concentración. La torsión del cuerpo, es vigorosa, pero al
mismo tiempo armoniosa y delicada. Todo el cuerpo está echado
hacia delante, para producir con el balanceo posterior el impulso
necesario para poder lanzar el disco.
Copia de “El Discóbolo” de Mirón en
el Jardín Botánico de Copenhague,
Dinamarca.
EDAD MEDIA
El arte de la Edad Media es esencialmente religioso, aunque haya
producido obras maestras de carácter profano; la época medieval podemos
dividirla en cuatro, ya que fue un largo período en las que se produjeron
distintos estilos de arte:
Paleocristiano: cuya pintura se inicia en las catacumbas, está llena de simbolismo y
cabe destacar la realización de los muy famosos mosaicos, los cuales eran de un
gran colorido y los temas eran litúrgicos, figuras de Cristo, apóstoles, la cruz, etc .
Arte Bizantino: en cuanto al dibujo y la pintura, adquiere características propias,
los artistas realizaban excelentes mosaicos centrados en la representación de
acontecimientos bíblicos.
Románico: se encargó de decorar el interior de muchas basílicas e iglesias. Durante
este período se pinta sobre ábsides y bóvedas figuras estilizadas, llenas de
incesante movimiento y colorido; los temas solían ser figuras de ángeles, santos,
apóstoles, corderos, etc.
Arte o estilo gótico: La pintura gótica fue expresiva y realista, manifestando el
naturalismo en sus composiciones. El paisaje se introduce como modalidad
pictórica y en los dibujos las figuras se presentan estilizadas y poco modeladas.
EDAD MEDIA
Obra representativa:
“Cristo como Pantocrátor”

Mosaico bizantino del siglo VI
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Representa a Cristo Pantocrátor (el
que todo lo gobierna)

El nimbo crucífero y el gesto de la
mano en bendición son
representaciones convencionales
de su divinidad.
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El fondo dorado expresa la
eternidad.
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Se limita a un color plano (dorado simbolizando la eternidad),sin
buscar efectos de profundidad.
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No se utiliza la perspectiva geométrica.

Este mosaico que representa la divinidad de Cristo se encuentra en la
iglesia San Apolinar el nuevo en Rávena en la región de la Romaña,
Italia.

Las piezas que conforman esta obra medieval, probablemente son
material de roca.
RENACIMIENTO
Se llama Renacimiento al gran movimiento artístico y filosófico
que se produce en Europa, en Italia en primer lugar, a fines del siglo
XV, y que muestra como principal característica, que se manifiesta
particularmente en las artes, su admiración por la antigüedad clásica,
que toma como modelo. El nombre de Renacimiento alude a lo que
este movimiento quiso ser: un renacer o volver a nacer de la cultura
grecolatina. Comenzó como un movimiento orientado por artistas e
intelectuales en Italia, bajo el signo del Humanismo; es un renacer de
las artes donde los asuntos representados, desde el punto de vista
ético y estético se liberaron de los vínculos del concepto de vida
cristiano. Para ellos el arte ya no era un servicio anónimo, ofrecido a
Dios y a la iglesia, sino un himno personal en alabanza a la belleza.
RENACIMIENTO
“ALEGORÍA DE LA PRIMAVERA”

Es una de las obras
maestras del pintor
renacentista Italiano
Sandro Botticelli. Está
realizado al temple sobre
tabla. Mide 203 cm de alto
y 314 cm de ancho.

nos muestra la naturaleza
y el cuerpo humano en
toda su belleza y colorido.

Esta obra fue pintada entre
los años 1478 y 1482
BARROCO
Este fue un movimiento artístico que se extendió
aproximadamente entre los años 1600 y 1750. Surgió en Italia y se
difundió por muchos lugares, adquiriendo distintas modalidades.
En términos estilísticos, el barroco prefirió el movimiento, la
grandiosidad y el dramatismo, al contrario de la serenidad y simetría
que buscaba el Renacimiento.
Pretendió dar una sensación de movimiento a través de lineas
curvas y oblicuas. Las personas o cosas eran representadas con gran
realismo, se privilegiaba el color sobre el dibujo, el efecto del claro
oscuro.
Representaban figuras mitológicas, personajes históricos, así como
santos y escenas religiosas.
BARROCO
“ANATOMÍA”

Obra del pintor holandés
Rembrandt.

Se trata en primer lugar de
un retrato de grupo o retrato
colectivo, muy frecuente en
los Países Bajos, y de los que
Rembrandt realizó varios. En
este caso dispone a los
retratados, ninguno de los
cuales era cirujano, en una
estructura piramidal, pero
agrupados estrechamente en
torno al maestro cirujano,
consiguiendo de esta forma
un gran efecto de unidad
entre todos ellos.
NEOCLÁSICO
Fue un movimiento que se produjo en Europa en el siglo
XVIII ante los cánones ya agotados del clasicismo, al
producirse el desgaste de las culturas barrocas, que aspiraba
restaurar el gusto y las normas del clasicismo. En la época
neoclásica, el color pasa a un segundo plano y adquiere
mucha importancia el dibujo; es decir, el trazo puro, y el color
es aplicado sólo como complemento. Este arte trató de imitar
los estilos utilizados antiguamente en Grecia y Roma, por la
influencia de los descubrimientos arqueológicos como los de
Pompeya y Herculano.
NEOCLÁSICO
EL JURAMENTO DE LOS HORACIOS

Jacques-Louis David, 1784

Juramento de los Horacios, es
una obra de Jacques-Louis
David realizada en 1784, antes
de la Revolución francesa. El
cuadro tiene una dimensión de
330 x 425 cm y se conserva en
el Museo del Louvre. Se le
considera el paradigma de la
pintura neoclásica.
En él se representa el saludo
romano, con el brazo extendido
y la palma hacia abajo. El tema
de la pintura tiene una
perspectiva extrema patriótica y
neoclásica; más tarde se
convirtió en modelo a seguir por
futuros pintores. Aumentó la
fama de su autor, y le permitió
mantener a sus propios
estudiantes.

ROMANTICISMO
VIAJERO FRENTE AL MAR
DE NIEBLA

Caspar David Friedrich, 1818

El caminante sobre el mar de
nubes es un conocido cuadro del
pintor romántico alemán Caspar
David Friedrich. del año 1818. Se
trata de un óleo sobre tela que mide
74,8 centímetros de ancho por 94,8
centímetros de alto.

La obra representa a un viajero, al
que se ha identificado con el propio
Friedrich, que encuentra de pie en lo
alto de una montaña elevada,
mirando un mar de nubes que
queda debajo. El viajero se
encuentra de espaldas. Viste de
negro. Adelanta una pierna y se
apoya en un bastón.
REALISMO
MUJERES CAMPESINAS

Esta obra retrata a las
mujeres campesinas en sus
labores del cultivo y cosecha.

Pintura realista de JeanFrançois Millet.
NEOIMPRESIONISMO
TARDE DE DOMINGO EN LA ISLA DE LA GRANDE JATTE

Es un cuadro del pintor
neoimpresionista francés
Georges Seurat, ejemplo de
puntillismo considerado por
muchos una de las pinturas
más relevantes del Siglo XIX.

Basado en el estudio de la
teoría óptica del color,
contrastó puntos minúsculos
de color que, a través de la
unificación óptica, forman una
figura coherente en el ojo del
observador. Creía que esta
forma de pintura, conocida
luego como puntillismo, haría
los colores más brillantes y
fuertes que pintados a
pinceladas.
VANGUARDIA
El vanguardismo se manifiesta a través de varios
movimientos que, desde planteamientos
divergentes, abordan la renovación del arte o la
pregunta por su función social, desplegando
recursos que quiebren o distorsionen los sistemas
más aceptados de representación o expresión
artística, en teatro, pintura, literatura, cine,
arquitectura o música, entre otros.
VANGUARDIA
LAS SEÑORITAS DE AVIGNON

fue pintado en 1907y no fue
expuesto sino hasta 1916.

En este período lo mostró a
amigos, quienes se asombraron y
algunos también se burlaron del
cuadro.

Aparecen cinco mujeres
desnudas y en el centro, en la
zona de abajo se muestra un
bodegón compuesto por algunas
frutas: una raja de sandía, un
racimo de uvas, una pera y una
manzana, todo ello sobre una
mesa tapada con un mantel
arrugado de color blanco
SALVADOR DALÍ
MUJERES DE FENANDO BOTERO
ROBERTO MATTA
CLAUDIO BRAVO
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