ARTE CONTEMPORÁNEO
DE LA INDIA
Por: Aly Vélez Vélez
ARTE DE LA INDIA
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El arte y la cultura india están influenciadas en
gran medida por las religiones que predominan
en este país, especialmente por el budismo. Las
primeras manifestaciones artísticas indias son
las plasmadas por la Cultura Harappa en
cerámicas
y
sellos
grabados.
Durante el Período Védico se escribieron libros
sagrados que actualmente tienen una gran
importancia dentro de la cultura india, como el
Mahabharata y el Ramayana. Mientras que en el
Imperio Maurya se produce el desarrollo de las
artes.
CONTINUACIÓN:
Es en esta época cuando se desarrolla el budismo
y comienzan a aparecer las construcciones típicas
de esta religión, así como representaciones de
Buda, ya sean simbólicas o humanas. La invasión
musulmana deja también su huella en el arte de
la India, por lo que nos encontramos con
elementos islámicos como alminares y bóvedas
junto a mandapas y arcos de kudú, típicamente
hindúes.
Cuando surge el dominio del Imperio Mongol y se
empiezan a utilizar materiales como el mármol blanco y
las piedras preciosas en la construcción. Estos dos
estilos, el islámico y el mongol, se unen dando lugar a
construcciones únicas en el mundo como el Taj Mahal o
el
Fuerte
Rojo
de
Delhi.
La pintura india se desarrolla principalmente sobre
frescos, tejidos y manuscritos. Los temas representados
suelen ser motivos religiosos, grandes hazañas o
elementos de la naturaleza.
Los colores utilizados se caracterizaban por ser
brillantes
e
intensos.
La literatura propia de la India se desarrolló en sus
orígenes en manuscritos grabados en hojas de palmera
o pergamino, guardados en planchas de madera y
envueltos en tejidos, lo que ha permitido conservarlos a
lo largo del tiempo.
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El arte de la India se caracteriza principalmente
por ser un reflejo de la compleja sociedad India,
multiétnica y multicultural. Así mismo tiene un
carácter principalmente religioso, el arte sirve
como medio de transmisión de las distintas
religiones que han jalonado la India: hinduismo,
budismo, islamismo, cristianismo, etc. También
hay que destacar como rasgo distintivo del arte
indio su afán de integración con la naturaleza,
como adaptación al orden universal, teniendo en
cuenta que la mayor parte de elementos naturales
(montañas, ríos, árboles) tienen para los indios un
carácter sagrado.
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Uno de los hechos determinantes en la construcción
de la cultura india ha sido la diversidad étnica de
los múltiples pueblos que han ido llegando a sus
tierras: desde los aborígenes de tez oscura
ancestros de los actuales vedas y dravidas, fueron
llegando en sucesivas oleadas pueblos oceánicos,
protomediterráneos
mesolíticos,
mongoloides,
armenios, arios (1500 a. C.), persas y griegos (600300 a. C.), partos y protomongoles (50 a. C.-300),
hunos (siglos VI-VIII), árabes (siglos IX-XII), turcoafganos (siglos XIII-XV), turco-mongoles (siglos
XVI-XVIII) y británicos (siglos XIX-XX). Esta
mezcolanza de pueblos y culturas produce un arte
de gran diversidad estilística y formal, conviviendo
diversas tendencias artísticas según la región.
ARTE CONTEMPORÁNEO (SIGLOS XIX-XX)
La ocupación británica supuso la proliferación de
un estilo colonial que aportó al arte indio los
lenguajes estilísticos europeos. Tuvo bastante
repercusión la influencia del arte francés, sobre
todo por la presencia de militares franceses que
asesoraban a los majarásh indios en su lucha
contra los ingleses en los primeros años de
ocupación, como podemos percibir en Nagpur,
Baroda e Hyderabad. La conquista británica trajo
un estilo colonial bastante parecido al realizado
en Estados Unidos: Catedral de San Juan,
Calcuta (1787), Ayuntamiento de Bombay (1855),
fuerte de San Jorge (Madrás).
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El siglo XIX se caracterizó por el empleo de un
estilo neogótico victoriano, sobre todo en edificios
oficiales. Hasta finales de ese siglo no hubo un
cierto renacimiento de la arquitectura india:
Victoria Memorial Hall, Calcuta (1912), edificio de
Correos de Bombay, planificación urbanística de la
nueva capital, Nueva Delhi. El siglo XX supuso la
apertura a tipologías más universales, abriéndose
el arte indio a las formas de vanguardia, como se
puede apreciar en la intervención de arquitectos
extranjeros como Le Corbusier en Chandigarh y
Bangalore.
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Actualmente la India está viviendo un auge en el campo
de la creación emergente y las artes plásticas
contemporáneas. En el 2007 en total eran trece los
creadores indios que se encuentran en la lista de los
500 artistas de postguerra más cotizados. Algunos de
los nombres que destacan son Subodh Gupta, Francis
Newton Souza, Anju Dodiya, Shibu Natesan, Ravinder
G. Reddy, Raqib Shaw, Syed Haider Raza, Tyeb Mehta
y Jitish Kallat, entre otros. El artista hindú más
cotizado es el escultor Anish Kapoor, que entre julio de
2006 y junio de 2007 acumuló unos beneficios totales en
subastas de 6.440.150 euros, con 24 lotes vendidos.
Paralelamente,
el
panorama
galerístico
está
experimentando un fuerte auge en los últimos años.
Centralizado en Nueva Delhi y Bombay, cuenta sin
embargo con interesantes establecimientos en otras
ciudades como Bangalore o Kolkata, donde surgen
constantemente galerías jóvenes y centros de arte
independientes.
GRUPO DE LOS ARTISTAS PROGRESISTAS
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El Grupo de los artistas progresistas era el grupo más influyente de
los artistas modernos en la India desde su formación en 1947,
combinaron tema indígena con los colores post-impresionista, estilos
expresionistas, cubista y brusca formas.
El Grupo de los artistas progresistas estaba formado por Francis
Newton Souza y SH Raza. Uno de los primeros miembros fue MF
Husain y otros asociados con el grupo incluyó SK Bakre, Akbar
Padamsee y Tyeb Mehta.
El grupo deseaba romper con el resurgimiento del nacionalismo
establecido por la escuela de Bengala del arte y fomentar un indio
avant-garde, para participar a nivel internacional.
En 1950, Vasudeo S. Gaitonde, Krishen Khanna y Mohan Samant se
unió al Grupo, después de la salida de la India de los dos principales
fundadores Souza y Raza. Bakre también dejó el grupo.
El modernismo europeo fue la influencia más distintivos en el grupo,
pero sus miembros trabajaban en estilos radicalmente diferentes,
desde el expresionismo de Souza a la abstracción pura de Gaitonde.
Imágenes de paisajes específicos y la India también fueron adoptadas,
en particular por Metha y Husain.
ARTISTAS Y SUS OBRAS:
SUBODH GUPTA
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Es un artista que reside en Nueva Delhi. Nació en Khagaul, Bihar,
India. Estudió en el College of Art, Patna antes de trasladarse a
Nueva Delhi, donde actualmente vive y trabaja. Formado como
pintor, se fue a experimentar con una variedad de medios de
comunicación. Su obra abarca la escultura, instalación, pintura,
fotografía, actuación y vídeo. Gupta es mejor conocido por la
incorporación de los objetos cotidianos que son omnipresentes en toda
la India, como cajas de Tiffin acero utilizado por millones de personas
para llevar el almuerzo, así como sartenes thali, bicicletas y cubos de
leche. Este artista transforma los iconos de la vida cotidiana indígena
en obras de arte que se pueden leer a nivel mundial. Él está entre una
generación de jóvenes artistas de la India cuyo comentario nos habla
de un país en marcha, impulsado por el crecimiento económico de
ebullición y una mentalidad más materialista. La estrategia de Gupta
de apropiarse de objetos cotidianos y convertirlos en obras de arte que
disolver su antiguo significado y la función lo acerca a artistas como
Duchamp, The Guardian lo llamó "el Damien Hirst de Delhi" (2007).
Sucede en la búsqueda de un lenguaje del arte que hace referencia a
la India y al mismo tiempo, pueden ser apreciados por su apariencia y
estética en el mundo entero; como Gupta dice: "el lenguaje del arte es
la misma en todo el mundo. Lo que me permite estar en cualquier
lugar. "
CONTINUACION:
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Una de sus obras recientes más importantes, consistentes
en utensilios de cocina de la India, es "Línea de Control"
(2008), un hongo de nubes colosales construidas en su
totalidad de las ollas y sartenes. La pintura es también una
parte importante de la práctica del arte Subodh Gupta. Su
serie "Still Steal Acero" se compone de pinturas
fotorrealistas de utensilios de cocina que caen y se mueven
en el espacio. En sus primeras pinturas, Gupta utilizado
otro elemento de la vida de los indios cada día, estiércol de
vaca. Esto se usa en la India para la construcción de
viviendas y como combustible para cocinar. La idea de que
el estiércol de vaca es inherentemente limpio está
arraigada en la India rural. No, es un elemento purificador,
tanto ritual y simbólico. En su video de "Pure" (2000),
Gupta considera "detergente" concepto literal y ha filmado
a sí mismo tomando una ducha, para librarse de la espesa
capa de estiércol que cubre su cuerpo.
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En sus nuevas obras
que Subodh Gupta
está presentando en
Hauser & Wirth, en
octubre de 2009, el
artista se aleja de
esculturas compuestas
hacia los objetos que
poseen un aura de
calidad.
Very Hungry God by Subodh Gupta
Subodh Gupta - U.F.O (detail)
Subodh Gupta - Spill
FRANCIS NEWTON SOUZA
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Francis Newton Souza (12 de abril, 1924 - 28 de marzo, 2002), comúnmente
conocida como FN Souza, fue un artista de la India. Fue miembro fundador del
Grupo de los artistas progresistas "de Bombay, y fue el primer artista de la
independencia de la India para lograr el reconocimiento de alta en el oeste.
Estudió en la Escuela de Arte de Sir JJ, pero fue suspendido en 1945 debido a
su apoyo al Movimiento de la India. Después de esto fundó Grupo de los
artistas progresistas Bombay para alentar a los artistas indígenas a participar
en la vanguardia internacional. Sin embargo, en 1949, después de que India se
independizó, dejó el país y se fue para Londres. El Instituto de Arte
Contemporáneo de trabajo incluido en su exposición de 1954, y otros
espectáculos seguido. Su talento literario también ayudó a su carrera después
de la publicación de la obra autobiográfica de Nirvana de un gusano en el
Encuentro, una revista a continuación, editado por Stephen Spender. Su libro
Palabras y líneas publicados 1959 consolidó su reputación literaria.
La carrera de Souza fue desarrollándose de manera constante, y participó en
varios espectáculos, recibiendo comentarios positivos de John Berger. Su estilo
fue, como señaló Berger, deliberadamente ecléctica: esencialmente
expresionista de carácter, sino también basándose en la post-guerra Arte
movimiento Brut y elementos de British neo-romanticismo.
Después de 1967 se estableció en Nueva York, pero regresó a la India poco
antes de su muerte, Souza fue enterrado en el cementerio Sewri en Mumbai.
Lot and His
Daughters, 1963
Chemical
Alteration, 1975
Crucifixion, 2000
ANJU DODIYA
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Nació en Mumbai, y se graduó en la Escuela de Arte de Sir JJ, Mumbai, en 1986.
Dodiya es un muy buen colorista de agua, pero también se ha destacado con los
acrílicos. Sus exposiciones más importantes incluyen Bombay, la Galería de Arte
Jehangir, Mumbai (1996), una exposición en la Galería Apunto, Amsterdam (1993),
Husain Ki Sarai, en Faridabad (1992), Indian eclécticos, en la Embajada de Francia,
Nueva Delhi (1989), Century Gallery, Mumbai (2000), Lakeeren Gallery, Mumbai
(2000), Nehru Center, Mumbai (2000-2001), Arte en el Mundo (2000), Galería 42,
Nueva Delhi ( 2000), Galería Chemould, Mumbai (2000), Jehangir Art Gallery,
Mumbai (2001), Memorablia en Mumbai Ghoda Kala, Mumbai (2001), Salón CRY,
Dubai
(2001),
Sans
Tache
Gallery,
Mumbai
(2001)
entre
otros.
Las pinturas de Anju Dodiya son totalmente autobiográficas, este explora
el interior y exterior de la realidad, lo que refleja entre otras cosas, los
conflictos de la feminidad, las diversas dimensiones de las relaciones
humanas, o los seres diferentes que se enfrenta el artista. Su trayectoria
estética predominantemente figurativa, ha sido inspirado por maestros
como Giotto y Massachio. A pesar de sus brillantes colores y las capas
simbólicas tejidos en cada cuadro, se encuentra una sencillez austera en la
observancia de lo esencial y lo femenino que ve claramente en el uso de los
productos textiles bordados, las formas de flores y / o sus referencias
míticas.
CONTINUACION:
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Sus pinturas son a menudo los ejercicios de la
reinvención conceptual. Sus nuevas pinturas
sobre tela y papel exhibido recientemente en Bose
Pacia (2006) recibió una buena aclamación. El
artista
vive
y
trabaja
en
Mumbai.
Forked, 2005
Dos Orioles,1996
Picota, 2001
Tsunami
2007
Mirrors can Kill and Talk – Deer
2007
SHIBU NATESAN
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Nació en Kerala en el 1966, estudió pintura, Escuela de Bellas Artes de Trivandrum y
luego seguio estudiando en Amsterdam. Él ha tenido numerosas exposiciones individuales
en Mumbai, Nueva Delhi y de Amsterdam. Actualmete vive y trabaja en Londres.
Shibu Natesan pertenece a una generación de artistas de Kerala, que estudió en la Escuela
de Bellas Artes de Trivandrum, durante los años ochenta, una época de cambio continuo y
la rebelión contra un centro de arte burocrático y embrutecido. Las películas de John
Abraham y G. Aravindan fueron uno de los aspectos del clima cultural de la época, y de
formación, junto con las traducciones de la literatura de América Latina y África, de las
mentes y las actitudes de los jóvenes artistas. Su cuerpo significativo en primer lugar de
trabajo, un serie de pinturas titulada "la inutilidad de dispositivos" se deriva de una
historia feudal excavado en minucioso detalle, las reliquias exhibidas en las salas sombrías
de la memoria, los símbolos de la agresión que se repiten con regularidad opresivo. La
calidad atmosférica de estas obras, algunas de ellas basadas en fotografías de restos
arqueológicos como las cuevas de Ajanta, se ve aumentada por el uso de pintura sobre tela
metálica.
Shibu pasó dos años, entre 1996 - '97 en la Rijksakademie de Ámsterdam, y su reciente
serie de pinturas es representativo del cambio que se produjo durante el tiempo. El uso de
la fotografía aquí es aún más literal, aunque todavía se adhieren a un compromiso tenaz
con los procesos de pintura, su capacidad para cambiar y reorientar la mirada de extraer
información
sin
ser
visto
hasta
ahora.
No es una simulación que se asemeja a la original a un grado alarmante, pero que en
realidad provoca una serie de lecturas que son contrarias a lo que se pretendía,
desplazando así el sentido, sin alterar significativamente su apariencia. Las cosas no son lo
que parecen ser, la realidad y la cordura que, una vez que estas imágenes no está
repentinamente bajo sospecha.
Take me where I belong, 2002
ORIENTAL LADY, 2001
Contra el viento , 2003
Jah Love, 2005
RAVINDER G. REDDY
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Es un escultor que trabaja principalmente con un tipo de
dorado fibra de vidrio en sus versiones de los jefes. De
particular
interés
para
él
es
la
fusión
de lo arquetípico con el individuo. Nació en 1956 en
Suryapet, y actualmente vive en Vishakapatnam, Andhra
Pradesh, India.
Ravinder Reddy estudió escultura en la Universidad de
Baroda (Facultad de Bellas Artes) y el Goldsmiths College
de Londres. Después de mantener una posición de 19841990 como asistente de dirección en el Centro de las Artes
Kanoria en Ahmedabad, que ahora enseña en el
Departamento de Bellas Artes en la Universidad de
Andhra, Vishakapatnam. Sus obras se encuentran en
numerosas colecciones públicas y privadas, como
Richmond, Virginia Museum of Fine Arts, London Victoria
and Albert Museum y la Galería de Arte de Queensland en
Brisbane,
Australia.
Mujer sentada, 1995
Pintado de poliéster
resina de fibra de vidrio
Jefe IV, 1995
Mujer, 1995
Pintado, oro dorado
fibra de vidrio, resina de
poliéster
Pintado, oro dorado
fibra de vidrio, resina de
poliéster
Installation view, Ravinder Reddy,
Deitch projects, 2001
Installation view, Ravinder Reddy,
Deitch projects, 2001
Krishnaveni I, 1997
Malleshwari, 1998
Andalu, 2000
Family, 1997
RAQIB SHAW
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Pinturas gloriosamente opulenta Raqib Shaw sugieren un mundo fantástico lleno de
intrincados detalles, colores ricos, y joya-como las superficies, todos enmascarar la
naturaleza violenta y sexual intenso de sus imágenes. Inspirado por el siglo XV
Hieronymus Bosch de tríptico visionario, Shaw serie de obras bajo el mismo nombre
"Jardín de las Delicias" celebrar una sociedad libre de cualquier restricción moral.
Residencial con una gran cantidad de criaturas híbridas, Shaw retrata una escena
vertiginosa del hedonismo erótico, explosivas y terribles en su libertinaje. Una matriz de
fusión de la flora y la fauna pintada vibrante, Shaw crea un ecosistema habitado por
figuras como falo de cabeza los pájaros de ojos saltones cazadores de mariposas, reptiles y
monos guerreros sombrillas, tenencia, antropomorfos en sus gestos y sus insignias.
Técnica única de Shaw, donde los charcos de pinturas industriales esmalte y metálicos son
manipulados para el efecto deseado con una púa de puercoespín, meticulosamente mejora
numerosos detalles en las pinturas, como las plumas de coral, o flores. Cada tema se
presenta en relieve de oro, una técnica similar a la de 'tabicado' en Asia a principios de
cerámica, que es una fuente de inspiración para Shaw, junto con Uchikake (kimonos
japoneses de la boda), Biombo (pantallas), copias de Hokusai, los mantones de Cachemira ,
heráldica
medieval
y
miniaturas
persas,
alfombras
y
joyas.
Nacido en Cachemira, Raqib Shaw salió de la India en 1998 para Londres, donde estudió
para su licenciatura y maestría en la Central St Martins School of Art. Dado que
abandonar la universidad, Shaw ha exhibido internacionalmente, sobre todo en 'Sin
Fronteras', el MOMA de Nueva York, 'La vuelta al mundo en ochenta días ", el ICA de
Londres, de Arte" 6 ª Bienal de Gwangju, Corea del Sur y una exposición individual en
'Ahora' , la Tate Britain en 2006.
Absence of God II
2008
Absence of God I
2007
After the Garden of Earthly Delights I
2002
SAYED HAIDER RAZA
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Nació en 1922 en Madhya Pradesh y estudió pintura en la Escuela de Arte de
Nagpur y el Sir JJ escuela de arte. Un miembro fundador del Grupo de los
artistas progresistas. Raza participó activamente en las actividades del Grupo,
pueden estimular los debates en la lucha de principios para desarrollar un
lenguaje modernista y presentó varias exposiciones de sus pinturas en la India
antes de salir para Francia con una beca del Gobierno francés en 1950. En
París, estudió pintura en la Ecole Nationale des Beaux-Arts 1950 a 1953.
Galardonado con el Premio de la Crítica en París en 1956, Raza ha realizado
numerosas exposiciones tanto en la India y el extranjero. Ha participado en la
Venecia, Sao Paulo y bienales Menton y ha ocupado la muestra retrospectiva
más reciente en 1997 en Mumbai, Nueva Delhi, Bhopal y la Universidad de
California le invitó como profesor visitante en el Departamento de Arte de
Berkeley en 1962. En diciembre de 1978 el Gobierno de Madhya Pradesh lo
invitó a su estado natal para un homenaje y una exposición de su obra en
Bhopal. Fue galardonado con el Padma Shri en 1981 y fue elegido miembro de
la Lalit Kala Akademi, en 1983. En 1997 fue galardonado con prestigiosos
reconocimientos por el Gobierno de Madhya Pradesh de Kalidas Samman.
Si bien la elaboración de memorias de infancia pasada en los bosques también
ha sido inspirada por el pensamiento metafísico indio. Según él es la fuente de
energía y creatividad de los fuertes colores y formas geométricas en las
pinturas de Raza en ocasiones se han confundido con el neo-arte tántrico, pero
según el artista no hay afiliación a esa escuela. Preocupados con las energías
inminente, él es un modernista involucrados con las cualidades plásticas del
arte y su aparición en la superficie. Raza vive y trabaja en París y en Gorbio en
el sur de Francia.
Árbol, 1994
Germinación, 1994
Nagas,1994
THE SON OF THE SOIL
TYEB MEHTA
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Fue un pintor de la India. Formó parte del célebre Grupo
Mexicano progresiva de los artistas, que incluían grandes
como FN Souza, SH Raza y MF Hussain, y el puesto de
primera-generación de la colonia de artistas de la India,
que también se desprendió de la escuela de Bengala
nacionalistas y abrazaron el modernismo con su postcolores impresionistas, formas cubistas y brusco, estilo
expresionista.
Entre sus obras más notables fueron más tarde su
celebración tríptico, la cual se vendio para 1,5 millones de
rupias (317.500 dólares) a una casa de subastas llamada
Christie's en 2002, no era sólo la suma más alta para una
pintura de la India sino que era en una subasta
internacional. Se quedó y trabajó en Mumbai durante gran
parte de su vida, con excepción de tres períodos en Londres,
Nueva York, y Santiniketan, cada uno con un impacto
distinto sobre su obra. Recibió varios premios fue durante
su carrera, incluyendo el Padma Bhushan que le fue dado
por el governador de la India en 2007.
Mahisasura, 1997
Falling figure with bird, 2003
JITISH KALLAT
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Nació en 1974 en Mumbai (Bombay), India. Recibió su BFA en la
pintura de la Escuela de Arte de Sir JJ en Mumbai en 1996. Las
pinturas de Kallat son a menudo monumentales, su pintura más
grande es de 8 x 20 pies de tamaño. Sus temas suelen ser auto
referencial, que representa a sí mismo, su esposa, y otros miembros
de su familia. Su metodología implica una fuerte dependencia de la
fotografía, dando a sus cuadros una apariencia similar a publicidad
popular. Sus pinturas son creadas mediante la creación de numerosas
capas de pintura y collage, que luego se deja secar. Este las escáscara
y le pone varias capas de pintura para crear las imágenes de sus
pinturas. Esta metodología también se suma a la aparición comercial
de su obra. También comenta que las superficies en la combinación de
gran tamaño le da a su pintura el sentimiento de un muro de
Mumbai. Aunque Kallat Jitish todavía trabaja y vive en Mumbai ha
exhibido internacionalmente incluyendo Gran Bretaña, Alemania, y
los Estados Unidos.
Jitish Kallat escribe frecuentemente sobre el tema del arte
contemporáneo. Es miembro de la Fundación para las Artes de la
India.
Collidonthus 2007
Public Notice 2
Eruda
2006
ANISH KAPOOR
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Nacido el 12 de marzo de 1954 es un escultor, nacido en Bombay (Mumbai),
India. Kapoor se crió en una casa de la India-judía. Kapoor ha vivido y
trabajado en Londres desde principios de 1970 cuando se trasladó a estudiar
arte, primero en el Hornsey College of Art y posteriormente en la Chelsea
School of Art and Design.
Se ganó el reconocimiento internacional con exposiciones individuales en
lugares como la Galería Tate y Hayward Gallery en Londres, Kunsthalle de
Basilea, Haus der Kunst de Munich, el Deutsche Guggenheim de Berlín, el
Reina Sofía en Madrid, MAK de Viena, y el Boston, representó a Gran Bretaña
en la Bienal de Venecia XLIV en 1990, cuando fue galardonado con el Premio
Duemila. En 1991 recibió el Premio Turner. Notables esculturas públicas
incluyen Cloud Gate, el Millennium Park, Chicago, y Sky Mirror en el Centro
Rockefeller, Nueva York.
Sus primeras obras se basan en pigmentos en polvo para cubrir las obras y el
suelo alrededor de ellos. Tal uso de pigmentos caracteriza su primera
exhibición de alto perfil, como parte de la exposición de la nueva escultura en el
Londres Hayward Gallery en 1978. Esta práctica fue inspirada por los
montículos de pigmento de colores vivos en los mercados y los templos de la
India. Sus obras posteriores están hechas de piedra de cantera sólida, muchos
de los cuales se han labrado orificios y cavidades. Sus obras más recientes son
como un espejo, que refleja o distorsiona el espectador y el entorno. El uso de
cera roja es también parte de su repertorio actual, evocador de carne, sangre y
transfiguración.
1000 nombres, 1985
Cloud Gate, de Anish Kapoor (2004) en el
Millennium Park de Chicago, Illinois
Sky Mirror,2001
GRACIAS POR SU ATENCION:
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Arte contemporaneo en la India