RENACIMIENTO
QUATTROCENTO
PINTURA
MASACCIO
FRA ANGELICO
BOTTICELLI
LA PINTURA DEL QUATTROCENTO ITALIANO
Se caracteriza por la representación real de la naturaleza, las dimensiones y la
profundidad.
Habitualmente se suele establecer una división de la pintura quattrocentista por escuelas
principales, en función de la zona geográfica:
Escuela de Florencia
De la Escuela de Florencia serán principales representantes: Fra Angélico y Masaccio
("creador" de la perspectiva), Piero Della Francesca (maestro en el uso de la luz),
Ghirlandaio, Paolo Ucello (para el que será importantísima la profundidad), Botticelli
(maravillosas serán sus exquisitas y melancólicas composiciones de temas mitológicos).
CARACTERISTICAS
- La pintura se independiza de la arquitectura.
- Los artistas empiezan a gozar de mayor libertad creativa (transición del artesano al
artista) y su obra una consideración de carácter no sólo manual sino, también, intelectual
(humanismo).
- Las obras reflejan el amor por el hombre y la naturaleza, inspirándose en la antigüedad
clásica (obras literarias, manifestaciones plásticas). El antropocentrismo se convierte en el
eje de la nueva mirada que estos artistas aportan.
Técnicas y soportes:
°- Pintura
mural: se mantiene la tradición del fresco pero
va perdiendo importancia, poco a poco, aunque se
conserva para la decoración de muros y bóvedas.
° Pintura de Caballete: irá ganando importancia; sobre
tabla y, en menos ocasiones, sobre tela; se emplean las
técnicas del temple (primera mitad del siglo XV) y del óleo
(a partir de la segunda mitad del siglo XV), como
consecuencia de la influencia de la escuela flamenca.
Los Temas (variedad): Religiosos, Mitológicos , Retrato
° Religiosos: siguen siendo los más importantes pero dejan de ser exclusivos.
Los temas religiosos tradicionales se interpretan con el nuevo espíritu renacentista, se
humanizan o se proponen lecturas neoplatónicas, en consonancia con el resurgir de la
filosofía platónica.
- La Virgen con el Niño es uno de los más frecuentes, pero tratado con gran dulzura y
delicadeza.
- Surgen nuevos temas como La Sagrada Conversación que representa a la Virgen
entronizada acompañada de Santos.
- A veces se representan anacronismos en ambientes y vestidos, ya que los donantes
aparecen vestidos a la manera del s. XV pero en escenas que, según la tradición, se
desarrollan en Palestina o en el próximo oriente.
° Mitológicos (con un sentido alegórico, la mayoría de las veces)
Son temas específicamente humanistas: los artistas se inspiran en descripciones
literarias (la Metamorfosis, de Ovidio, por ejemplo) y en las obras escultóricas de la
antigüedad clásica. Se quiere exaltar los valores que representan estos temas
mitológicos (belleza, perfección, virtud, etc.). Se da importancia al desnudo (no sólo
como expresión de la belleza física, sino como expresión de la belleza espiritual;
equilibrio, en definitiva, entre la dimensión humana y espiritual del ser humano. Se
mantienen los anacronismos en la vestimenta igual que en los cuadros de tema
religioso.
° Retratos.
Alcanzan gran importancia por la influencia del
humanismo e individualismo renacentista. Se representan
los rasgos físicos y psicológicos del personaje aunque
existe una cierta tendencia a la idealización.
La figura se representa normalmente de perfil o de tres
cuartos (ligeramente vuelta hacia el espectador); primero
se representa sólo el busto pero más tarde será
representado el cuerpo completo.
Las figuras se colocan sobre distintos tipos de fondos:
monocromos y neutros, celajes ambiguos, paisajes que no
guardan relación con los personajes.
Retrato de Giovanna degli
Albizzi Tornabuoni pintado por
Domenico Ghirlandaio en 1490.
Rasgos de Estilo (más o menos comunes a la mayoría de los autores):
Existe entre los artistas un deseo de verdad en la representación de la
Naturaleza.
* Se concede tanta importancia al tema como a la belleza de las formas y la
armonía compositiva.
* Se concede gran importancia al dibujo; predomina la línea sobre el color, por lo
que los contornos suelen aparecer muy definidos. El dibujo refleja el carácter del
pintor: sereno en Fra Angélico, nervioso en Botticelli,
* Preocupación por la perspectiva: mediante ella pueden conseguir una mejor
representación de la Naturaleza, así como la ilusión de la representación espacial
(tridimensionalidad). Primero se utiliza una perspectiva central, de tipo lineal, con
el punto de fuga excéntrico e incluso se intenta despertar la ilusión de espacios
fingidos. A fines del siglo XV la perspectiva lineal es sustituida por la aérea.
* Otro elemento básico es la luz y su influencia en la composición, en la
perspectiva y en el color. Mediante la luz refuerzan el efecto de las líneas y los
volúmenes (intentos ya realizados por Giotto); aunque se conoce el claroscuro
(Piero della Francesca, por ejem.), se prefieren las luces cenitales y uniformes,
que aportan claridad a la composición.
* La figura humana es el centro de la representación: los estudios anatómicos, el
intento de establecer un canon ideal de las medidas del cuerpo humano, la
importancia del desnudo, el afán de dotar a las figuras de volumen y relieve,
constituyen los ejes de la representación pictórica.
* El paisaje va ganando importancia aunque lentamente. Se busca el naturalismo,
pero el paisaje sigue apareciendo como un telón de fondo con una total
desconexión entre él y las figuras. Sin embargo, se procura que exista una
correcta proporción entre el tamaño de las figuras y el ambiente. El paisaje sirve
para obtener los efectos de profundidad y para enmarcar las figuras.
* Se utilizan composiciones complicadas con varias figuras principales e incluso
varias escenas en el mismo cuadro, manteniendo el sentido narrativo de épocas
anteriores. El tema principal siempre ocupa el centro rodeado de numerosos
elementos secundarios.
* Se mantiene una disposición simétrica de las diferentes figuras.
La perspectiva lineal o cónica aparece vinculada al
concepto de punto de fuga, concebido como aquel en el que
convergen todas las líneas de profundidad.
El resultado se aproxima a la visión obtenida si el ojo estuviera
situado en dicho punto.
Filippo Brunelleschi fue el primero que formula las leyes de la
perspectiva cónica, mostrando en sus dibujos las construcciones en
planta y alzado, indicando las líneas de fuga
.La perspectiva aérea o perspectiva atmosférica
La idea es muy sencilla. Como le ocurre al ojo humano,
las cosas, cuanto más lejanas, más borrosa.
Así, y gracias a la pincelada suelta, consiguieron que el
paisaje fuera mucho más real, y que las figuras se
integraran mejor en él
El término fue acuñado por Leonardo da Vinci, pero la técnica
pudo haber sido empleada ya en las antiguas pinturas murales
grecorromanas de Pompeya. Se descubrió que el polvo y la
humedad en el ambiente causaban la dispersión de la
luminosidad; siendo la luz de longitud de onda corta (azul) más
diseminada y la luz de longitud de onda larga (roja) menos
esparcida.
En esta obra al fresco pintada en el refectorio de Santa
Maria delle Grazie (Milán) Leonardo nos enseña
claramente la perspectiva lineal. Si te fijas bien,
existe un punto de fuga (cabeza de Jesús) en el que todo
converge y hacia donde es conducida nuestra mirada.
Diversas líneas de fuga se encargan de conducir el
espacio hacia ese punto (línea del techo-pared, bordes
superiores de los cuadros de la pared, etc.). El resultado
es un poderoso efecto de espacio tridimensional,
acentuado además por el juego de luces alternadas en la
distancia.
Una de las grandes invenciones del Renacimiento será la
perspectiva (técnicas para crear fondo en un cuadro, que en
realidad es plano).
Ya desde el Quattrocento se buscarán técnicas para conseguirla,
creando la llamada perspectiva lineal. La Idea es sencilla. Se
trata de crear una serie de líneas de fuga que se unen en el punto
de fuga (la zona más lejana del cuadro). Esto formará una especie
de pirámide visual como la que puedes ver en la Escuela de Atenas
de Rafael
Perspectiva aérea
Leonardo Da Vinci hizo de todo y todo lo hizo bien. Sus inquietudes pictóricas le
llevaron a investigar en el campo de la perspectiva, donde aportó su célebre
"SFUMATO", técnica consistente en difuminar los contornos, prescindir de la línea
negra que contiene las figuras y lograr una atmósfera vaporosa y sugerente. Con el
sfumato gradual (más cuanto más lejos) se logra una gran sensación de realismo, los
objetos se ven más borrosos cuanto mayor es la distancia entre ellos y el observador .
MASSACIO 1401-1428
Tommaso di Ser Giovanni di Mone Cassai, más conocido
como Masaccio, es muy importante dentro del arte
italiano de comienzos del s.XV , será él quien desarrolle
(tomando de referente a Brunelleschi) la perspectiva,
creando escenas donde creará la ilusión de un espacio
real, "aéreo".
Su obra tiene una gran personalidad y un fuerte sentido
volumétrico y naturalista, prefiguran la evolución que
culminarán pintores posteriores, sentando las bases de la
pintura del renacimiento
CARACTERISTICAS DE SU OBRA:
- Prescinde totalmente del goticismo.
- Carácter escultórico de las figuras: formas robustas,
monumentales, llenas de dramatismo. Reencarna la
monumentalidad de Giotto pero las figuras se funden mejor con el
ambiente.
- Fondos muy trabajados: se abandona lo anecdótico. Difumina los
contornos y crea efectos de luz y sombra para aumentar la
sensación de profundidad.
- Modela las figuras mediante los juegos de luz y sombra.
obras:
• Santísima Trinidad. Santa María Novella. Florencia.
• Tributo de la moneda.
*Frescos de la capilla Brancaci, iglesia del Carmine, Florencia.
• Expulsión del paraíso. Iglesia del Carmine. Florencia.
Principales obras de Masaccio:
•Frescos que decoran la capilla Brancacci en la iglesia del Carmine de Florencia es la obra
más importante de Masaccio, quien trabajará en su ejecución a lo largo de varios
periodos.
•Los frescos cuentan la vida de San Pedro,
•
DESCRIPCION :
En el cuerpo superior, hay escenas pertenecientes al Génesis, la Expulsión de Adán y Eva
del Paraíso, El bautismo de los neófitos, El Tributo y las arquitecturas en las cuales se
enmarca la escena de la Resurrección de Tabita
En el inferior, estan los episodios de San Pedro cura a los enfermos con su sombra , La
distribución de los bienes y la muerte de Ananías, junto con parte de La resurrección del
hijo de Teófilo y San Pedro en la cátedra.
Esta obra es especialmente importante porque en ella desaparece cualquier rasgo del
gótico , siendo un ejemplo de las características de la pintura del Renacimiento:
-La composición es extremadamente compleja, tanto en las escenas individuales como
al conjunto global de la decoración.
-La composicion está estructurada en función de un punto de vista principal: el del
observador.
Masaccio: La Trinidad Fresco.
Hacia 1427. 667 x 317 cm.
Santa María Novella, Florencia
Brunelleschi fué el "descubridor"
de la perspectiva. Y formuló las
leyes matemáticas por las que los
objetos disminuyen de tamaño a
medida que retroceden hacia el
fondo.
Fue Brunelleschi quien
proporcionó a los artistas los
medios matemáticos de resolver
este problema.
La Trinidad de Masaccio es una
de las primeras pinturas hechas
de acuerdo con estos principios
matemáticos de las leyes de la
perspectiva.
Espiritu Santo en
forma de paloma
ICONOGRAFIA
La obra representa la TRINIDAD (Dios
Padre, Jesús en la cruz y el Espíritu Santo
con forma de paloma blanca) con la Virgen
y san Juan bajo la cruz, y los donantes -un
mercader y su esposa- arrodillados, fuera
de la escena .
El gesto sencillo de la Virgen señalando al Hijo en la cruz es muy elocuente e impresionante
porque es el único movimiento en el conjunto solemne de la pintura. Sus figuras,
efectivamente, parecen estatuas, lo que se realza mediante la perspectiva del marco que las
encuadra. Parece UNA REPRESENTACION ESCENICA en la que podemos participar, y esta
sensación es la que hace de esta obra y de su mensaje algo nuevo para la historia de la
pintura.
Las Figuras presentan rasgos realistas,con escasa movilidad para que refuerce
el sentido divino de la imágen.
Los vestidos, sin demasiado interés por las texturas, tienen trazos y formas
geométricas.
La escena esta planteada como un escenario teatral, donde se representa la
acción
Nos podemos imaginar la sorpresa de los florentinos al ver esta pintura mural,
como si fuese un agujero en la pared a través del que se pudiera ver una nueva
capilla en el moderno estilo de Brunelleschi.
Pero quizás les impresionó más la simplicidad y la magnitud de las figuras.
En lugar de la delicadeza del gótico internacional, vemos pesadas y macizas
figuras; en lugar de curvas suaves, sólidas formas angulares; y, en lugar de
pequeños detalles como flores y piedras preciosas, arquitectura
majestuosamente austera..
COMPOSICION
Como es típico también en el Renacimiento se recurre
a las formas geométricas (cuadrado, rectángulo,
círculo) para organizar todo el espacio. Se trata de
utilizar la geometría como una forma de crear armonía,
pues todas las medidas del cuadro se realizan en
función de operaciones numéricas .
Perspectiva.
Se trata de uno de las cosas más intereses de la obra.
Para conseguir este espacio fingido el pintor ha
utilizado especialmente la arquitectura, colocando a
los personajes en distintos escalones que entran en el
espacio.
Además, todo el fondo está tratado por medio de una
arquitectura clásica que, además de tener carácter
iconográfico (Arco del Triunfo como Triunfo de Cristo
sobre la muerte), permite realizar una serie de líneas
de fuga por medio de sus casetones que coinciden en
el punto de fuga y también eje de la composición: La
Trinidad.
Los Recursos pictóricos:
Iluminación y perspectiva relacionan el mundo pictórico con el real,
al situar a
los donantes en un escalón inferior, delante de la capilla, Masaccio pretende indicar que
se encuentran en nuestro lado de la pared de la iglesia, justamente dentro del espacio y
la luz de la nave.
La arquitectura está iluminada desde la izquierda, que es de donde viene la luz
predominante en el conjunto general de la nave.
En términos pictóricos, el único hueco posible que podía permitir el paso de la luz en la
capilla de la Trinidad es el arco a través del cual vemos el fresco, lo que podía crear la
impresión de que la iluminación del interior debería simular su procedencia del exterior
(...): lo que resultaba nuevo en este caso concreto es el concepto de luz pictórica
entendido como extensión de la luz en la iglesia, las figuras están iluminadas no por la
fuente de luz del interior de santa María Novella, sino por una fuente sobrenatural, la
que emana del halo de Cristo al interceptar los rayos dorados que brotan de la cabeza del
Espíritu Santo. Además, la sombra al lado de san Juan sirve para destacar el rosa de su
manto y si la cara de María se iluminase frontalmente perdería su fuerza dramática.
En este cuadro se finge abrir una capilla real, donde tiene lugar ante el fiel el misterio de
la Santísima Trinidad.
TEMA: La escena une en el mismo espacio lo más sagrado
(Trinidad compuesta por Dios Padre, Hijo crucificado y
Paloma del Espíritu Santo), los intercesores entre Dios y
los hombres (María y San Juan a los lados de Cristo) y los
simples mortales (representados como donantes o
personas arrodilladas que rezan ante la divinidad,
normalmente forma de representar a aquellos que
pagaban el cuadro).
Técnica y soporte. La obra se encuentra realizada en una
pared utilizando la técnica del fresco (pigmentos
coloreados mezclados con huevo como aglutinante)
Composición es típicamente renacentista. Las figuras se
inscriben en un triángulo equilátero que crea una
movilidad pero sin generar angustia o tensiones,
subrayando el eje central en el que se encuentra la
Trinidad.
Línea y color.
Predomina la línea sobre el color, aunque
ésta sea apenas perceptible. El dibujo es
sintético (con pocos detalles y una cierta
tendencia a la geometría, especialmente en
los paños). En cuanto al color está
contrapesado para no perder armonía. Fíjate
en los rojos y azules que se van alternando en
el cuadro (El azul es un frío y pesa menos que
el rojo, un cálido; su organización equilibrada
se hace para evitar que una parte del cuadro
sea más importante que la otra)
Luz es utilizada de forma representativa por
el autor, creando con ella claroscuros que
refuercen el carácter volumétrico
(tridimensional) de las figuras.
Masaccio va a conocer y aplicar
las reglas de la perspectiva
científica, distribuyendo las
escenas de un mismo episodio
(que pueden ser varias a la vez)
en función de un punto de fuga,
dotándolas de esta manera de
una unidad e interrelación
narrativa que poco tenía que
ver con obras anteriores.
Además, el tratamiento de la luz
en las diversas escenas es
maestro, logrando con el
manejo del mismo una
corporeidad en las figuras (ya
de por sí monumentales, debido
a la influencia de Donatello) y
una ambientación "física"
plenamente realistas.
FRA ANGELICO
1387-1455)
- Profunda religiosidad: huye de lo trágico.
- Rasgos curvilíneos, finos contornos, actitudes serenas (influencias sienesas)
- Colores vivos, de gran riqueza cromático.
- Goticista: abundante uso del dorado; figuras alargadas y curvilíneas; colorido
preciosista.
- Renacentista: volumen y espacio
obras:
• Anunciación. Museo del Prado.
• Frescos del Convento de San Marcos. Florencia.
• Frescos de la capilla de Nicolás V. Vaticano.
SIMBOLOGIA
Parece que ante la
llegada del ángel
María ha dejado de
leer el libro que
ahora mantiene
sobre la pierna. Tanto
ella como la figura
del ángel, son dos
personajes rubios, de
blanca piel y de
manos finas y
alargadas.
La Virgen lleva una
túnica de color
rosado y un manto
azul. El ángel está
vestido con un traje
de color rosa con
franjas de oro. utiliza
colores muy vivos
que le dan un toque
alegre y a la vez
sencillo
LA ANUNCIACION
El tema principal de la obra se centra en dos
figuras, la del Arcángel San Gabriel y María.
El cuadro representa el anuncio de la
maternidad de María como madre del
salvador en un primer plano y en un 2º
plano la expulsión de Adán y Eva del paraíso
terrenal.
La escena se desarrolla en un bello pórtico
que desarrolla con sus bóvedas y arcos la
perspectiva y el espacio mediante el punto
de fuga que determina la arquitectura y la
tridimensionalidad de los cuerpos.
En el lado izquierdo, Adán y Eva son expulsados del paraíso. Ya están vestidos y el ángel los echa
de un maravilloso jardín lleno de detalles botánicos; flores y frutos .
El cuadro está lleno de detalles, en los vestidos en el paisaje.
Fra-angélico, fraile dominico, toca temas casi exclusivamente religiosos y conserva todavía
características de la pintura gotica internacional, detallista y colorista, junto con aspectos ya
claramente renacentistas: PERSPECTIVA , TRIDIMENSIONALIDAD, ESPACIO.
La elegancia decorativa y un estilo realista refuerzan las expresiones de devoción muy logradas
en los personajes.
La perspectiva
lineal
En la Anunciación de Fra
Angelico, pintada al fresco en
el pasillo del convento de San
Marco en Florencia, la
perspectiva lineal está
construída con una precisión
geométrica hasta en los
mínimos detalles
arquitectónicos.
El espacio así creado da a los personajes una "presencia" pacífica y armoniosa pero éstos
quedan en un espacio cerrado.
El punto de fuga, ubicado en la pequeña ventana, llama irresistiblemente la atención del
espectador que debe "entrar" en el cuadro para impregnarse de la belleza del
acontecimiento.
En el ángulo izquierdo de la pintura se ven las manos
de Dios y de ellas sale un rayo de luz dorada que
viene recto hacia la derecha, en el que vuela la
paloma del Espíritu Santo
. El jardín que hay delante del pórtico está lleno de
flores y hay algunos árboles entre los cuales puede
verse a dos personajes: Adán y Eva, en este caso
vestidos.
Representa en conjunto la escena, el principio y el
final del pecado, los primeros padres y la salvación del
hijo de María.
En la parte inferior del cuadro hay un banco o predela
en la que se narran escenas de la vida de la Virgen. La
predela se compone de cinco paneles donde se
representan cronológicamente los episodios:
Nacimiento y Desposorios, Visitación, Adoración de
los Magos, Presentación en el Templo y Tránsito.
SANDRO
BOTTICELLI
1445-1510
La ciudad de Florencia es la capital del arte renacentista
del Quattocento, gracias al desarrollo económico y al
apoyo de numerosos mecenas, sobre todo la familia de
los Médicis.
Uno de los más interesantes pintores de este periodo es
Botticelli (1445-1510), pintor florentino que además de lo
habitual en los pintores de su época, trató con singular
maestría la sensualidad femenina encuadrada en temas
mitológicos de la antigüedad clásica. Son muy destacables
sus trazos elegantes y la fuerza expresiva de sus líneas.
Botticelli realizó muchas obras, las más conocidas y
apreciadas son el nacimiento de Venus y la Alegoría de la
primavera ,son obras muy celebradas como logros
estéticos y mitológicos.
Obra: La primavera.
Autor: Sandro Botticelli.
Cronología: Segunda mitad del S.XV. Quatrocento (1477-1482).
Estilo artístico: Renacimiento.
Género artístico: Pintura (temple) sobre tabla.
Otras obras: El nacimiento de venus, Palas dominando al centauro, El hombre del medallón...
ANÁLISIS
Esta es una pintura al temple sobre tabla
Galleria degli Uffizi, Florence.
203 x 314 cm Pintura - Témpera sobre madera 1492 c..
Visitada 19316 veces.
Personajes que aparecen
Apolo, Venus, Afrodita, gracias, Flora, Céfiro Cloris, ninfa, ninfas
Descripción
Apolo aparece en la esquina extrema izquierda.
En el centro está Venus, a la izquierda de Venus están las tres Gracias, y a su
derecha la diosa Flora.
En el lado derecho de la pintura está el dios Céfiro del viento persiguiéndo a la
ninfa Cloris.
La respiración del Céfiro ocasiona que la ninfa brote flores de su boca.
LA PRIMAVERA
Esta obra de la primera etapa, en la que trabajó con los Medici es una alegoría del reino
del amor, divulgada por la filosofía neoplatónica
COMPOSICION En el centro de la imagen, sirviendo además de eje compositivo nos
encontraríamos con Venus, destacada porque en torno a su cabeza, se dibuja una
especie de aureola con la vegetación.
La composición se estructura a base de triángulos, contribuyendo a dotar aún más al
cuadro de sensación de serenidad.
La luz es homogénea, no crea sombras ni aparece claramente identificada y con respecto
al color, predominan los tonos suaves, destacando los complementarios, como el rojo y el
verde.
SIMBOLOGIA:
Mediante este complejo relato se trataría de crear uno de los círculos
neoplatónicos del Amor.
Éste surge en la tierra mediante la pasión (representada por la actitud de
Céfiro) y regresa al cielo como contemplación (la de “Castitas” hacia Mercurio
y la de éste hacia el cielo). Esto para un neoplatónico es lo mismo que decir
que el amor carnal no es el verdadero (así desaparece al tocarlo, igual que
Cloris), sino que debe convertirse para que sea real, en un amor
contemplativo, espiritual e idealizado (platónico).
La rememoración de este tipo de mundo se hace mediante la ausencia de
perspectiva, para construir un escenario que no sea real. El protagonismo,
como es característico del pintor le corresponde a la línea que marca un suave
ritmo ondulante, haciendo parecer a las figuras como bailarines de un mundo
ajeno al real.
Sobre Venus se encuentra Cupido, que lanza una de sus flechas
hacia una de las ninfas que acompañan a Venus
CÉFIRO Y LA NINFA CLORIS
A la derecha del espectador aparece
Céfiro, uno de los vientos, que
persigue a la ninfa Cloris que, en el
momento en que éste la toca
empieza a expulsar flores por la boca
para transformarse en Flora-
FLORA- , diosa de la
vegetación y de las flores, que
nos mira sonriente a la vez
que parece ir esparciendo las
flores que conforman su
vestido.
LAS TRES GRACIAS: voluptas, pulcritud
castidad.
A la izquierda (del espectador) se representan las Tres
Gracias, las servidoras de Venus, muy apreciadas por los
neoplatónicos, que les van a atribuir las mismas virtudes
que a la diosa. Aparecen realizando una especie de
danza, vestidas con telas semitransparentes,
correspondiéndose la que está más a la izquierda del
cuadro con “Voluptas”, la de la derecha con
“Pulchritudo” y la que está de espaldas, hacia la que
apunta la flecha de Cupido, con “Castitas”, que
precisamente se vuelve hacia el dios Mercurio, pintado a
la izquierda de la composición.
VENUS
Venus
aparece
representada
con los
atributos de
una mujer
casada,
simbolizar la
fuerza
creadora del
orden
natural.
MERCURIO
mensajero de
los dioses, es
el nexo de
unión entre la
tierra y el
cielo.
La Ninfa CLORIS
CEFIRO Hijo del
Dios del Viento y la
ninfa Cloris, su
aliento se convierte
en flores simboliza
la primavera.
CARACTERISTICAS GENERALES:
Esta obra está situada en la segunda mitad del Quattrocento (S.XV) .
La pintura de esta época de caracteriza:
-Por su total independencia, ya que no es utilizada para adornar la arquitectura
-Por la aparición de nuevos temas, como son las alegorías , los temas mitológicos, las
pinturas totalmente paisajísticas y los estudios de la anatomía e incluso los desnudos
integrales.
-Da mucha importancia al dibujo la composición y la armonía.
-Usa diversas técnicas. pintura mural y sobre lienzo (tela) y uso del temple (clara de
huevo) hasta finales de siglo que llega el óleo (aceite de linasa).
El quattrocento se subdivide en dos momentos;
1) La primera mitad del siglo caracterizado por el estudio del volumen, la perspectiva
y la monumentalidad.
2) La segunda mitad del siglo, que es una pintura más delicada, narrativa, movida y
con detalles cotidianos
En el quattrocento se pueden diferenciar tres tendencias:
1) Continuación del gótico lineal (gran uso de la línea, el dibujo, perspectiva
y dibujo alegre con autores como Fra Angelico).
2)Experimentación normativa (gran avance del volumen y el espacio que se
puede ver en autores como Masaccio y Piedro della Francesca).
3) Gusto por lo complicado y rico (donde abundan los detalles cotidianos y la
dinámica y la narrativa en sus obras. Aquí encontramos autores como Botticelli)
de donde procede el autor de esta obra;
Botticelli,que se formó en un taller de orfebrería, convirtiéndose en el pintor
favorito de los Medicis, hace un arte menos revolucionario y más dulzón, aunque
será una de las personalidades más influyentes y famosas de su época.
Botticelli representa el espíritu neoplatónico con formas delicadas, suaves,
bellas y sensibles.Suele hacer grandes cuadros mitológicos, que son alegorías
de carácter didáctico-moral sobre la educación de los jóvenes. Su pintura es
elegante y decorativa, al gusto refinado de la Florencia de finales de siglo XV. El
color no le sirve para modelar y sus figuras son planas, pero sus pinturas
rezuman clasicismo y por ello trabajó para los Medicis en una atmósfera
refinada, clásica, humanista y elitista.
Sus dos mejores obras mitológicas las hace para los Medicis, La primavera, y El
nacimiento de Venus, que simbolizan el amor y la belleza.
EL NACIMIENTO DE VENUS
Venus: representa el
amor, la belleza y el
ideal femenino. La
diosa parece hecha de
mármol e imita la
postura de una famosa
estatua romana, la “
Venus Púdica”, en la
que castamente trata
de cubrir su cuerpo
con las manos. Los
largos y dorados
bucles son
caracteristicos de la
obra de Boticelli, así
como los ojos
abstraidos y las manos
con uñas largas y bien
cuidadas.
Céfiro: el viento del
oeste sopla una
suave brisa que
impulsa a la diosa a
la costa. Suele
representarse como
un joven alado y aquí
aparece entrelazado
con su esposa Cloris.
Ambas figuras flotan
contra un simple
fondo plano, como si
se trataran de
recortes de papel.
Céfiro era el único
viento al que se le
permitía entrar en el
jardín de Venus, es
quien proporciona el
rocio y las dulces
fragancias.
Rosas: Algunos de los
simbolos atribuídos a la
diosa eran la rosa, el
mirto, la manzana, el
delfín y la tortuga.
Su carro, hecho de
conchas marinas suele
ser tirado por palomas o
cisnes.
En el cuadro aparece una
lluvia de rosas y una
concha de nácar o
madreperla, ejemplos
claros de sus atributos.
FLORA La Primavera: La figura de la derecha representa a una de las Horas o Estaciones. Lleva una guirnalda
de mirto y su vestido de flores sujeto con un cinturón de rosas sigue la moda florentina de la época. En un
principio, las Horas eran tres, ya que sólo se conocían tres estaciones (primavera, verano e invierno),
posteriormente se multiplicaron y acabaron por ser tantas como las horas del día. Estaban al servicio de la
Diosa y entre otras funciones, se ocupaban de abrir y cerrar las puertas del cielo.
TEMA:
Mitologico
Representa a
VENUS la
Diosa del
amor y la
Belleza
llegando a la
costa sobre
una concha
tras haber
nacido de la
espuma del
mar
Cefiro , el viento del Oeste y la ninfa de las flores, Cloris su esposa vuelan enzarzados impulsando con
su soplo de viento a Venus.
En la Orilla la espera la Primavera con un manto bordado de flores para arroparla.
SIMBOLISMO el cuadro esta lleno de símbolos que aluden al amor idealizado del platonismo , La
concha sobre la que va la Diosa simboliza la Fertilidad
Las rosas simbolizan la alegría del amor pero también las amarguras con sus espinas.
La guirnalda que se ciñe sobre la primavera simboliza el amor eterno.
COMPOSICION La composición es
triangular y simétrica , la figura central
es la Diosa muy serena y la tensión y el
movimiento lo dan los dos conjuntos de
la derecha y la izquierda , Cefiro y Cloris
completamente enlazados y flotando y
la primavera envuelta en amplios y
vaporosos ropajes movidos por el viento
TECNICA Boticelli no utiliza la
perspectiva , el paisaje es convencional
e idílico
Prima la línea y el dibujo ,las figuras
están dibujadas con una línea negra
nítida que delimita el contorno.
Utiliza colores suaves y las figuras
femeninas tiene una gran palidez que
contrasta con la piel oscura de Cefiro.
Las figuras están idealizadas , son
esbeltas y delicadas
LA SENSACION DE IRREALIDAD se
acentua con la esquematización del
fondo y la minuciosidad en los detalles
FIN DE LA PRESENTACIÓN
ESPERO QUE OS GUSTE
INMA
Descargar

la perspectiva