Del carboncillo al megapixel: La
enseñanza y práctica del dibujo
artístico. La importancia de aprender
a dibujar.
Para un estudiante de Arte aprender a dibujar es
fundamental pues el dibujo es la base sobre la que
se sustenta toda obra de arte y la herramienta básica
que debe conocer para crear una buena obra
artística.
El aprendizaje de los métodos de dibujo tradicionales
resulta imprescindible para el análisis correcto de la
realidad que pretendamos plasmar. La interpretación,
basada en estilos más libres y personales, constituye
un segundo paso en la evolución estilística del
artista.
Manos dibujando. M.C. Escher
Imagen de Jameswy Wang con licencia CC vía Flickr.
La enseñanza y práctica del dibujo artístico
¿Qué es el dibujo?
Dibujo es toda representación gráfica realizada con
herramientas sencillas, generalmente el lápiz, y sobre soportes
poco estables, habitualmente el papel, en la que predomina la
línea como elemento configurador de las formas.
Retrato de Daniel-Henry
Kahnweiler.Juan Gris.
Imagen de dominio público
vía Wikimedia Commons
Pero para dibujar también puedes
emplear cualquiera de las técnicas
secas o húmedas estudiadas en los
temas 1 y 2 , con su gran variedad de
instrumentos y soportes, a las que
hay que sumar las recientemente
aparecidas herramientas gráficas
digitales. Lo cual convierte al dibujo
en el medio más versátil para la
expresión artística.
Imagen de Dave Kleinschmidt
con licencia CC vía flickr
El molinillo de café.Juan Gris
Imagen con licencia para su reutilización
donada por the Brooklyn Museum
vía Wikimedia Commons
Imagen de vicandwilliam con licencia CC vía
Flickr
La enseñanza y práctica del dibujo artístico
1. El proceso de dibujo
Dibujar requiere un proceso que te permitirá realizar un correcto análisis de todos los
elementos imprescindibles para dotar a la imagen de una adecuada calidad artística.
Como premisa general, se va de lo general a lo concreto y del análisis al detalle.
El boceto o apunte previo sirve para
encajar y decidir aspectos como el
encuadre y la composición, así como a
analizar las formas y las proporciones.
Sobre él se concretan las líneas de
contorno de las formas.
El sombreado, que nos permitirá
crear la sensación de volumen, se
suele dejar para la última fase aunque
hay artistas que prefieren ir realizando
la entonación del dibujo desde los
primeros trazos. También podemos
prescindir de él si optamos por un
dibujo sólo de líneas.
Imagencon licencia Creative Commons vía Wikimedia Commons
La enseñanza y práctica del dibujo artístico
1.1. El boceto y el apunte
Un boceto es un dibujo esquemático que se realiza de manera rápida y como
estudio previo a la realización de una obra artística para analizar las formas, la
composición o el color sin preocuparse de los detalles ni el acabado. Se trata,
pues, de un trabajo preparatorio de una obra que se desarrollará
posteriormente de forma más compleja.
El apunte se puede decir que es
el paso previo al boceto y suele
ser más sencillo y esquemático
que éste. Normalmente, se
realiza del natural y con un
material sencillo, generalmente el
lápiz, empleándose tan sólo la
línea como elemento
configurador de las formas.
Imagen de Falling Sky con licencia CC vía Flickr
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1. 2. Dibujando el volumen
El volumen es el espacio tridimensional que ocupa todo cuerpo.
Dibujar implica representar mediante dos dimensiones objetos
que tienen un volumen.
En el dibujo artístico existen dos recursos gráficos para fingir la
tridimensionalidad: el claroscuro y la mancha.
Imagen de magvil con licencia CC vía Flickr
La luz modela las formas y nos permite captar sus volúmenes, al incidir sobre éstas da como
resultado diferentes zonas de iluminación:
brillo: es donde la luz incide directamente.
penumbra: en ella la iluminación es más
suave al recibir la luz indirectamente.
sombra propia: esta zona no recibe ninguna
iluminación por estar en el lado opuesto a la
zona de brillo. En ella, a veces, la luz reflejada
en los objetos próximos produce lo que se llama
reflejo.
sombra arrojada o proyectada: el objeto
produce un oscurecimiento en las superficies
que se encuentran próximas al mismo.
Imagen de elaboración propia
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1.2.1. El claroscuro y la mancha
La técnica artística mediante la cual los diferentes grados de iluminación de los objetos
se representan gráficamente mediante fuertes contrastes entre las luces y las sombras
se llama claroscuro.
Las técnicas más comunes para crear el
efecto del claroscuro son el sombreado,
bien mediante rayado o bien a través de la
grisalla; y la mancha.
Head of an Apostle Looking Downward.
Durero
Imagen de dominio público vía
Wikimedia Commons
imagen de falling sky con licencia CC vía Flickr
La valoración tonal permite, a través de
una imagen monocromática, crear la
sensación de volumen de los cuerpos
traduciendo a diferentes gamas de grises
los distintos grados de luminosidad del
modelo.
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2. Los temas o géneros del dibujo
Se conoce como género o tema en las artes a cada una de las distintas categorías en
que se pueden clasificar las obras según el contenido temático del motivo
representado.
Al igual que en la pintura, en el dibujo podemos hablar de cuatro grandes géneros:
naturaleza muerta o bodegón, retrato, desnudo y paisaje.
retrato
paisaje
desnudo
JGarden of the Citadel Caire.James Tissot
Imagen con licencia para su reutilización
donada por the Brooklyn Museum
vía Wikimedia Commons
bodegón
Retrato de Francois Pouqueville. Ingres
Imagende dominio público vía
Wikimedia Commons
El baño. Degas
Imagen de dominio público vía
Wikimedia Commons
Bodegón. Egon Schiele
Imagen de dominio público vía
Wikimedia Commons
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2.1. El dibujo de la figura humana
La representación de la figura humana requiere el análisis de tres aspectos
fundamentales: las proporciones, el movimiento y la anatomía.
En el estudio de las
proporciones es muy
importante el canon, regla
que establece las
proporciones perfectas o
ideales de la figura
humana y hace referencia
a las relaciones armónicas
entre las distintas partes
de una figura y entre éstas
y el todo.
Para analizar el
movimiento de la figura
hay que trazar los ejes
fundamentales del cuerpo
observando sus diferentes
direcciones.
Imagen con licencia CC vía Wikipedia Commons
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2.2. El retrato
Un buen retrato debe reflejar, no sólo la apariencia y personalidad del modelo a través
del parecido con éste, sino también el alma del artista que debe realizarlo mediante su
estilo y expresividad propios.
Cuando dibujas un retrato es fundamental realizar un estudio
de las proporciones del rostro del modelo mediante el trazado
de sus ejes principales y las medidas relativas de todos sus
elementos.
Estudio para cabeza de mujer.Modigliani
Imagen de dominio público
vía Wikimedia Commons
Imagen de elaboración propia
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2.3. El paisaje
Se conoce como paisaje en el arte al género de la pintura o el dibujo que representa
escenas de la naturaleza aunque también es considerado como tal aquella obra artística
que representa una escena urbana o interior. Según sea uno u otro el motivo, podemos
hablar de: paisaje natural, dentro del cual se incluye la marina; paisaje urbano o paisaje
de interiores.
Al dibujar un paisaje hay que tener en
PAISAJE INTERIOR
PAISAJE URBANO
cuenta los siguientes aspectos:
la elección del encuadre, que
determinará la composición de los
elementos de la imagen.
la perspectiva para crear la sensación
de profundidad de la escena.
el adecuado tratamiento de los
Habitación de Vincent en Arlés. Van Gogh.
Imagen de dominio público vía Wikimedia
elementos visuales básicos, es decir,
Commonns
la línea, la forma, la textura y,
PAISAJE NATURAL
opcionalmente, el color de los
diferentes elementos que en él vamos
a representar.
Barrio en Krumau. Egon Schiele.
la elección de la técnica y materiales
Imagen de dominio público vía
Wikimedia Commonns
más idóneos para el resultado que nos
propongamos.
Imagen de jamesjohnsonartcon licencia CC vía Flickr
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2.4. El bodegón
Un bodegón, también conocido como naturaleza muerta, es una obra de arte que
representa objetos inanimados, generalmente extraídos de la vida cotidiana, que pueden
ser naturales o hechos por el hombre, en un espacio determinado.
Los aspectos más importantes a tener en
cuenta para dibujar una naturaleza muerta
son:
la selección de objetos.
la composición de éstos.
la iluminación del conjunto.
la elección de la técnica más adecuada al
fin que te propongas
Para dibujar un bodegón debes seguir el
mismo proceso que el descrito para otros
temas:
1. Fase de encaje: estudio de los ejes
fundamentales, de las proporciones
relativas y de las formas básicas en las
que podemos incluir cada uno de los
objetos.
2. Fase de concreción de las formas.
3. Fase de entonación: estudio de las
luces y sombras del modelo realizando la
valoración tonal de la escena.
4. Fase de detalles: su grado de
acabado depende de tus preferencias y
tu propio estilo.
Bodegón cubista. Zygmunt Waliszewski
imagen De dominio público
vía Wikimedia Commons
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