Leonardo da Vinci
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Leonardo da Vinci (Leonardo di ser Piero da Vinci) fue un pintor florentino y polímata (a la
vez artista, científico, ingeniero, inventor, anatomista, escultor, arquitecto, urbanista, botánico,
músico, poeta, filósofo y escritor). Nació en Vinci el 15 de abril de 1452. Tras pasar su infancia en
su ciudad natal, Leonardo estudió con el célebre pintor florentino Andrea de Verrocchio. Sus
primeros trabajos de importancia fueron creados en Milán al servicio del duque Ludovico Sforza.
Trabajó a continuación en Roma, Boloña y Venecia, y pasó los últimos años de su vida en
Francia, por invitación del rey Francisco I. Falleció en Amboise el 2 de mayo de 1519, a los 67
años, acompañado de su fiel Francesco Melzi, a quien legó sus proyectos, diseños y pinturas.
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La imaginación sin límite de este artista lo llevó a diseñar máquinas que fueron perfeccionadas
siglos más tarde y que son útiles al hombre en la actualidad.
•
Entre estas invenciones cabe destacar las siguientes: El tornillo aéreo, que es considerado el
antepasado teórico del helicóptero; concibió la idea del paracaídas e indicó claramente sus
dimensiones. Inventó el planeador, una especie de aeroplano sin motor que volaba sostenido por
las corrientes de aire; diseñó un carro de asalto, anticipo del tanque moderno; inventó la grúa
giratoria; ideó un cañón de bocas múltiples, dotado de 33 caños, con capacidad para disparar
tres cargas de 11 tiros consecutivos. Creó un pedernal para encendido automático de las mechas
de las minas y cañones. También estudió el mundo vegetal, la óptica, la música y la astronomía.
Con sus estudios se pudo construir la primera máquina a vapor.
•
Leonardo da Vinci es considerado como uno de los mas grandes pintores de todos los tiempos y,
probablemente, es la persona con el mayor número de talentos en múltiples disciplinas que
jamás ha existido. También, es considerado como genio universal, filósofo humanista y el
arquetipo o símbolo del hombre del Renacimiento, movimiento artístico al que perteneció.

La Gioconda, también conocida
como la Mona Lisa, es una obra
pictórica de Leonardo da Vinci,
que fue pintada entre 1503 y
1506 y es considerado como el
cuadro más famoso del mundo.
Desde el siglo XVI es propiedad
del estado francés, y se exhibe
en el museo del Louvre de París.

En esta obra, se observa a una
mujer con un rostro que,
dependiendo de cómo se mire, a
veces parece sonreír y otras
refleja cierta amargura.

Da Vinci dejó un campo a la
imaginación de los espectadores.
Utilizó brillantemente la técnica
de esfumar y suavizar los
colores, quitando rigidez a los
contornos. Este es el secreto de
la mona Lisa, cuyos ojos y
comisuras de los labios, fundidos
con suaves sombras, adquieren
nuevos matices cada vez que los
miramos.
Mona Lisa, Gioconda
Autor: Leonardo da Vinci
Fecha :1503-6
Museo: Museo Nacional del Louvre
Características: 77 x 53 cm.
Material: Oleo sobre tabla
Estilo: Renacimiento Italiano


La Última Cena es una pintura
mural original de Leonardo da
Vinci ejecutada entre 1495 y
1497, se encuentra en la pared
sobre la que se pintó
originariamente, en el refectorio
del convento dominico de Santa
Maria delle Grazie en Milán
(Italia). La pintura fue elaborada
para el duque Ludovico Sforza de
Milán. No es un fresco
tradicional, sino un mural
ejecutado al temple y óleo sobre
dos capas de preparación de
yeso extendidas sobre enlucido.
Para muchos expertos e
historiadores del arte, La Última
Cena de Leonardo es
considerada como la mejor obra
pictórica del mundo.
En el cuadro, se refleja la última
cena de Jesús con los apóstoles.
Se observa a Jesús en medio del
cuadro y a los apóstoles,
acompañados de María
Magdalena, junto a él.
Ultima Cena
Autor: Leonardo da Vinci
Fecha:1495-97
Museo: Iglesia de Santa Maria delle
Grazie de Milán
Características:480 x 880 cm.
Material: Fresco
Estilo: Renacimiento Italiano

El Homo Cuadratus es un
famoso dibujo acompañado
de notas anatómicas de
Leonardo da Vinci realizado
alrededor del año 1492 en
uno de sus diarios.

Representa una figura
masculina desnuda en dos
posiciones sobreimpresas de
brazos y piernas e inscrita en
un círculo y un cuadrado. Se
trata de un estudio de las
proporciones del cuerpo
humano, realizado a partir de
los textos de arquitectura de
Vitruvio, arquitecto de la
antigua Roma, del cual el
dibujo toma su nombre.
Homo Cuadratus
Autor: Leonardo da Vinci
Fecha: 1485-90
Museo: Galerías de la Academia de Venecia
Características: 34,2 x 24,5 cm.
Material: Dibujo
Estilo: Renacimiento Italiano
Vincent Van Gogh
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Vincent Willem van Gogh nació en Zundert, Países Bajos, el 30 de marzo de 1853 y murió en Auverssur-Oise, Francia, el 29 de julio de 1890. Fue un pintor holandés, uno de los principales exponentes del
postimpresionismo. Pintó 900 cuadros (de ellos 27 autorretratos y 148 acuarelas) y 1.600 dibujos.
•
Un estudio autodidacto y casi obsesivo de la Biblia le llevó a Gran Bretaña a ejercer de instructor y
evangelista en Ramsgate y en la Jones Methodist School de Isleworth. De regreso a Holanda (1877) se
preparó estudios de teología en la Universidad de Amsterdam, a los que renunciaría un año más tarde.
Sin abandonar, sin embargo, su idea de dedicarse a la carrera eclesiástica, siguió un curso misional en
Bruselas y marchó como misionero laico.
•
Al fracasar como misionero (1880), siguió residiendo allí como vagabundo e intensificó la práctica del
dibujo bajo la influencia de la obra de Jean-Francois Millet, uno de los artistas que más admiró siempre.
Su actividad de artista voluntariamente marginado de los gustos imperantes y diversas experiencias
amorosas y sentimentales fracasadas lo llevaron a refugiarse junto a sus padres en Nuenen (1883),
donde dos años más tarde pintó su primer óleo importante: Aldeanops comiendo patatas.
•
Muerto su padre, marchó a Amberes donde se matriculó en la Academia de Bellas Artes allí estudió a
fondo la obra de Rubens. Marchó luego a residir con Theo en París (1886), donde, en el taller de
Cormon, conoció a diversos representantes del movimiento impresionista. Dos años más tarde se
trasladó a Arlés. Su salud mental gravemente quebrantada, le llevó a cortarse el lóbulo de una oreja y,
poco más tarde, a recluirse voluntariamente en una casa de salud de Saint-Ramy, la cual no abandonaría
hasta 1890, cuando ya en París era reconocido su talento. Tras una breve estancia en esta ciudad,
marchó a Auvers-sur-Oise, donde acudió al doctor Gachet, pese a lo cual el 17 el julio de 1890 se disparó
un tiro en el pecho y murió dos días después.
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El Museo Nacional Van Gogh de Amsterdam conserva la colección más completa de obras suyas, entre
las que resulta difícil destacar ninguna sobre las demás. Era un artista puro, muy aficionado a la lectura
preocupado por lo estético y un buen conocedor de la historia de la pintura. La valoración estética de su
obra intensificada en la segunda posguerra mundial, después que el nazismo proscribiera su arte por
decadente, ha llevado aparejada una altísima valoración económica de sus cuadros.

Noche estrellada es una obra maestra del
pintor postimpresionista Vincent van Gogh. El
cuadro muestra la vista exterior durante la
noche desde la ventana del cuarto del
sanatorio de Saint-Rémy-de-Provence, donde
se recluyó hacia el final de su vida. Sin
embargo, la obra fue pintada durante el día, de
memoria. Data de mediados de 1889, trece
meses antes del suicidio de van Gogh. Desde
1941 forma parte de la colección permanente
del Museo de Arte Moderno de Nueva York.
Considerado como el ”magnum opus” de van
Gogh, el cuadro ha sido reproducido en
numerosas ocasiones, siendo una de sus
obras más conocidas.

La parte central del lienzo muestra el pueblo
de Saint-Rémy bajo un cielo arremolinado, una
vista hacia el norte desde la ventana de su
habitación en el asilo. Las colinas de Alpilles
aparecen a lo lejos en el margen derecho,
aunque hay poca correlación entre la escena y
la realidad, ya que las colinas intermedias
parecen estar superpuestas, correspondiendo
en realidad a la vista meridional del sanatorio.
Asimismo, el ciprés que aparece a la izquierda
fue también añadido a la composición.

Durante su estancia en el asilo, van Gogh se
dedica a pintar sobre todo los paisajes de la
región de Provenza. Es en ese período que
rompe con el estilo impresionista,
desarrollando un estilo muy personal donde
prevalece el amarillo, símbolo de la luz y del
calor.
Noche estrellada
Autor: Vincent Van Gogh
Fecha: 1889
Museo: Museo de Arte Moderno de Nueva
York
Características: 73´7 x 92´1 cm.
Material: Óleo sobre lienzo
Estilo: Neo-Impresionismo

Comedores de patatas es un cuadro
del pintor Vincent van Gogh, terminado
en abril de 1885. Este tema fue tratado
por varios artistas de la época en obras
como “La comida frugal” de Jozef
Israëls.

Van Gogh tomó nota de las manos
gruesas y las huellas en las caras de los
trabajadores de la tierra. En busca de la
intensidad en la expresión dramática,
exploró el potencial de los tonos
oscuros del barroco y el trazo nervioso.
Estas características se transformaron
radicalmente después de su viaje a
París, lugar en el que vivió durante
algunos años. En cuanto a esta obra,
Van Gogh expresó lo siguiente:

“He querido poner conscientemente de
relieve la idea de que esa gente que, a
la luz de la lámpara come patatas
sirviéndose del plato con los dedos,
trabajó asimismo la tierra en la cual las
patatas han crecido; este cuadro, por
tanto, evoca el trabajo manual y sugiere
que esos campesinos merecen comer lo
que honestamente se han ganado. He
querido que haga pensar en un modo
de vivir muy diferente al nuestro. Así
pues, no deseo en lo más mínimo que
nadie lo encuentre ni siquiera bonito ni
bueno”.
Comedores de patatas
Autor: Vincent Van Gogh
Fecha: 1885
Museo: Museo Nacional Van Gogh
Características: 82 x 114 cm.
Material: Óleo sobre lienzo
Estilo: Neo-Impresionismo

La Italiana es un cuadro pintado al óleo
sobre tela de Vincent van Gogh
realizado en París en 1887. Esta pintura
se encuentra en el Museo de Orsay
(París, Francia).

Se representa una mujer sentada,
presumiblemente Agostina Segatori,
antigua modelo y propietaria del café
del Tambourin, en el boulevard de
Clichy. Con ella tuvo una breve relación
amorosa Van Gogh unos meses antes
de ejecutar este retrato.

La mujer es retratada frontalmente,
vestida con trajes folclóricos y con un
pañuelo rojo en la cabeza que le cubre
sus negros cabellos. Se ve sólo una
esquina del respaldo de la silla azul
sobre la que se encuentra sentada. El
fondo es una mancha uniforme de color
amarillo, lo que recuerda la técnica de la
mancha de color puro y opaco de las
estampas. Esta ausencia de referencias
de perspectiva da a la tela una cierta
bidimensionalidad. La cabeza de la
figura está enriquecida por tonos
claroscuros que hacen intuir la
profundidad y la consistencia. Sobre el
lado derecho y sobre el superior de la
tela está pintado un marco cuyos
colores recuerdan a los de la falda de la
modelo.
Italiana
Autor: Vincent Van Gogh
Fecha: 1887
Museo: Museo de Orsay
Características: 81 x 60 cm.
Material: Óleo sobre lienzo
Estilo: Neo-Impresionismo
Salvador Dalí
•
Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech, más conocido como Salvador Dalí, primer marqués de
Púbol, nació en Figueras, España, el 11 de mayo de 1904 y murió el 23 de enero de 1989. Fue un pintor
considerado como uno de los máximos representantes del surrealismo.
•
Estudió en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, de donde sería expulsado años después. Sus primeras
obras, como "Muchacha en la ventana", estaban dentro de una línea naturalista y minuciosa que producía una
ambigua sensación de irrealidad, la que se acentuaría más tarde.
•
Dalí es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir
a la influencia y admiración por el arte renacentista. También fue un experto dibujante. Los recursos plásticos
dalinianos también abordaron el cine, la escultura y la fotografía, lo cual le condujo a numerosas colaboraciones
con otros artistas audiovisuales. Forjó un estilo marcadamente personal y reconocible, que en realidad era muy
ecléctico y que «vampirizó» innovaciones ajenas. Una de sus obras más célebres es La persistencia de la
memoria, el famoso cuadro de los «relojes blandos», realizado en 1931.
•
Como artista extremadamente imaginativo, manifestó una notable tendencia al narcisismo y la megalomanía,
cuyo objeto era atraer la atención pública. Dalí atribuía su «amor por todo lo que es dorado y resulta excesivo,
[su] pasión por el lujo y su amor por la moda oriental» a un autoproclamado «linaje arábigo», que remontaba sus
raíces a los tiempos de la dominación árabe de la península ibérica.
•
En 1928, marchó a París y se adhirió al movimiento surrealista, sin embargo, con su exposición de 1933 conoció
la fama internacional. Fue entonces cuando comenzó a llevar una vida social llena de povocaciones y
excentricidades. Tal actitud fue considerada por algunos como una forma de comercializar sus cuadros y sumada
a su falta de postura política, condujeron a su expulsión del grupo surrealista. Durante este período puso en
práctica su "método de interpretación paranoico-crítico", basado en las teorías del psicoanálisis, asociando
elementos delirantes y oníricos en un lenguaje pictórico realista.
•
Durante la Segunda Guerra Mundial, se instaló en Estados Unidos, cerca de Hollywood, donde colaboró con
algunas películas. A fines de la década de 1940 regresó a España e inició una etapa de carácter místico basada en
composiciones famosas como "La última cena", sobre la obra de Leonardo da Vinci. Posteriormente, alternó la
pintura con el diseño de joyas y la ilustración de libros. Mientras tanto, las exposiciones antológicas de su obra se
sucedieron (Nueva York, 1966; París, 1979; Madrid, 1982), y, a medida que sus intervenciones públicas
decrecían, la polémica dio paso a un renacido interés por su pintura.
•
En 1974 se inauguró en Figueras, su pueblo natal, el Museo Dalí. Salvador Dalí fue junto a Pablo Picasso y Joan
Miró, uno de los grandes representantes de la pintura española del siglo XX.

Muchacha asomada a la ventana es un
famoso cuadro del artista español Salvador
Dalí pintado en 1925. Está hecho mediante
la técnica del óleo sobre cartón piedra
empleando un estilo realista. Se conserva
en Madrid, en el Museo Reina Sofía.

El cuadro pertenece a la etapa formativa de
Dalí, cuando el surrealismo no había influido
todavía de manera apreciable en su pintura.

Representa a la hermana del artista, Ana
María, a la edad de diecisiete años,
asomada a la ventana, de espaldas, en la
casa de vacaciones que la familia poseía en
Cadaqués, a la orilla del mar. Dalí realiza un
trabajo de gran uniformidad cromática y
sencillez en la composición, donde la
muchacha nos introduce en el paisaje que
ella contempla.

Claramente, los valores cromáticos de la
obra son azules, al igual que en las obras
tempranas de Picasso las cuales estaban
formadas sólo por gamas de azules.

La muchacha sufre algunas
desproporciones notables como sus pies,
los cuales son muy pequeños. La hermana
de Dalí aparece en otros cuadros
contemporáneos y posteriores del pintor,
pues fue la modelo del pintor hasta que
conoció a Gala en 1929. La pintura estuvo
en la primera exposición del autor en la
galería Dalmau de Barcelona, en noviembre
de 1925.
Muchacha asomada a la ventana
Autor: Salvador Dalí Domènech
Fecha: 1925
Museo: Museo Nacional Centro de Arte
"Reina Sofía"
Características: 103 x 75 cm.
Material: Óleo sobre lienzo

La persistencia de la memoria, conocido también
como Los relojes blandos, es un famoso cuadro del
pintor español Salvador Dalí, pintado en 1931. Es de
estilo surrealista y fue realizado mediante la técnica del
óleo sobre lienzo. La pintura fue exhibida en la primera
exposición individual de Dalí en la Galerie Pierre Colle
de París, del 3 al 15 de junio de 1931, y en enero de
1932 en una exposición en la Julien Levy Gallery de
Nueva York. Se conserva en el Museo de Arte
Moderno de Nueva York, donde llegó en 1934. En una
revisión posterior del cuadro, Dalí creó “La
desintegración de la persistencia de la memoria”.

El cuadro fue cedido en préstamo por dos meses, del
16 de enero al 18 de marzo del 2009, al Teatro-Museo
Dalí de Figueras, Gerona, siendo la primera vez que ha
podido verse en España.

En el cuadro aparece la bahía de Port Lligat al
amanecer. En el paisaje aparece el mar al fondo y una
pequeña formación rocosa a la derecha. Hay cuatro
relojes; un reloj de bolsillo y tres relojes blandos y
deformados. Dalí añadió los relojes al cuadro,
relacionándolos por su calidad de "tiernos,
extravagantes, solitarios y paranoico-críticos". Uno de
los relojes cuelga en equilibrio de la rama de un árbol.
Más abajo, en el centro del cuadro, otro se acopla a
modo de montura sobre una cara con largas pestañas
inspirada en una roca del cabo de Creus. El tercer reloj
blando está, quizás, a punto de deslizarse por un muro.
Sobre este reloj hay una mosca y sobre el reloj de
bolsillo, situado sobre el muro, hay multitud de
hormigas que no están ahí por casualidad (este tipo de
reloj se lleva próximo a los genitales).

Los relojes, como la memoria, se han reblandecido por
el paso del tiempo. Son relojes perfectamente
verosímiles que siguen marcando la hora
(supuestamente en torno a la seis de la tarde). Dalí dijo
sobre el cuadro: "Lo mismo que me sorprende que un
oficinista de banco nunca se haya comido un cheque,
asimismo me asombra que nunca antes de mí, a
ningún otro pintor se le ocurriese pintar un reloj
blando".
La persistencia de la memoria
Autor: Salvador Dalí Domènech
Fecha: 1931
Características: 24 x 33 cm.
Museo: Museo de Arte Moderno de
Nueva York

Luis Buñuel Portolés fue un
director de cine español
naturalizado mexicano. La gran
mayoría de su obra fue realizada
en México y Francia y es
considerado uno de los más
importantes y originales
directores de la historia del cine.

Este director de cine tuvo una
amistad con salvador Dalí.
Luis Buñuel
Autor: Salvador Dalí Domènech
Fecha: 1924
Museo: Museo Nacional Centro de
Arte "Reina Sofía"
Características:
Material: Óleo sobre lienzo
Estilo: Surrealismo
Henri de Toulouse-Lautrec
•
Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec-Montfa, conde de Toulouse-Lautrec-Montfa, conocido
simplemente como “Toulouse Lautrec” o “Lautrec”, nació en Albi el 24 de noviembre de 1864 y murió en
Malromé el 9 de septiembre de 1901. Fue un pintor y cartelista francés que destacó por su representación de la
vida nocturna parisiense de finales del siglo XIX. Se le enmarca en la generación del postimpresionismo.
•
Nació en el seno de una familia noble que en 1872 se instaló en París. Dos graves caídas consecutivas
provocaron el defectuoso desarrollo de sus piernas. En 1882, se integró en grupos artísticos y se formó al lado
de León Bonnat y Fernand Cormon. A los veinte años, habiendo ya conocido a través de Emile Bernard la obra
de Cézzanne, abrió su propio taller.
•
Conoció más tarde a Van Gogh y en 1888 expuso en Bruselas, donde volvería a exponer en 1892 y 1894. Desde
su inauguración en 1889 frecuentó el cabaret parisiense Moulin Rouge, al tiempo que, junto a su íntimo amigo
Maurice Joyant, llevaba la galería Goupil desde que se enfermó Theo Van Gogh. En 1893 compartió una
exposición con Charles Maurin.
•
Trabajó y expuso en diversas poblaciones de Francia, así como en Londres y visitó varias ciudades europeas. Su
admiración por Goya y el Greco arrancan de su estancia en Madrid y Toledo. En 1899 se vio obligado a realizar
una cura de dos meses en una clínica de Neuilly, producto de un avanzado alcoholismo. Aprovechó este reposo
forzado para componer la serie de dibujos titulados “En el circo”. En 1901, estando en Toussant, sufrió un
ataque de parálisis que le acarreó la muerte. A causa de su defecto físico Toulouse Lautrec se mantuvo un
tanto apartado de las relaciones aristocráticas de su familia, hallando refugio en el alcohol y en la vida de
cabarets, donde encontró los principales temas de su obra.
•
Abundan también en sus dibujos las escenas de circo, espectáculo al que era aficionado, así como dibujos y
caricaturas de artistas de teatro. De sus cuadros pintados al aire libre cabe destacar: “Bailarina”; “La dama de
la sombrilla” y “La dama del jardín”. Como pintor abundan en su producción técnica híbridas o poco ortodoxas
(como los óleos sobre papel o cartón), y a menudo las figuras están simplemente encajadas y sin acabar.
Sobresalen de su obra el impresionante retrato: “Carmen”, de frente; “Baile en el Moulin Rouge”; “El paseo del
Moulin Rouge”; “El retrato de Oscar Wilde”, “El aseo”, etc. Su obra patentiza su fervorosa admiración por
Degas, de quien adoptó, aparte alguna coincidencia de temática, la audacia de los encuadres y escorzos y el
trazo alargado de sus cuadros al pastel.

Cha-U-Kao es un cuadro de Henri de
Toulouse-Lautrec realizado al óleo sobre
cartón. Fue pintado en 1895, y, actualmente,
se encuentra en el Museo de Orsay, París,
Francia.

El mundo del circo fascinó siempre a
Toulouse-Lautrec. Ya lo pintó en los años
1880, y vuelvió a ello en la década siguiente,
con obras como esta. Las payasas son una
variación más de su tema favorito, que es la
representación de las mujeres de la noche.
Era ya la época de madurez de ToulouseLautrec y, como es típico de esta última etapa,
la pincelada resulta más pesada, con un
empaste más grueso.

Cha-U-Kao es un nombre onomatopéyico con
el significado de «ruido y caos», que se
suponía provocado por las actuaciones
circenses. El pintor la había tomado como
modelo en otras ocasiones. Es un cuadro
realizado en el Moulin Rouge, cabaret parisino
frecuentado por Toulouse-Lautrec.

Toulouse-Lautrec representa a la payasa en
su camerino, con una peluca blanca y un
vestido azul, y poniéndose el tutú amarillo. El
intenso cromatismo de la pintura (amarillo,
morado, rojo, turquesa) da una gran vitalidad
a la escena. Hay rasgos estilísticos que
recuerdan las estampas japonesas: con muy
pocos trazos describe el ambiente, le da un
tratamiento plástico y esquemático al busto de
la modelo. El tema y la técnica recuerdan a un
pintor admirado por Toulouse-Lautrec, que era
Edgar Degas.
Cha-U-Kao
Autor: Toulouse Lautrec
Fecha: 1895
Museo: Museo de Orsay
Características: 64 x 49 cm.
Material: Óleo sobre lienzo

La toilette es un cuadro de Henri de
Toulouse-Lautrec realizado al óleo sobre
cartón. Fue pintado en 1896 y se encuentra
actualmente en el Museo de Orsay, París,
Francia.

Es un cuadro tomado del natural, en uno
de aquellos prostíbulos que el artista
visitaba y en los que pasaba muchas horas
del día. El encuadre es fotográfico, con el
punto de vista en contrapicado, de arriba
hacia abajo.

La modelo y los pobres objetos de la
ambientación recuerdan a Degas, del que
Toulouse-Lautrec se consideraba un
continuador ideal. La intimidad femenina le
atrae del mismo modo que a Degas, como
puede verse en esta obra y otras análogas
de la misma época: “Mujer peinándose”
(1891), “Mujer que se estira la media”
(1894) o “En el aseo” (1898).

Los colores son utilizados con parsimonia,
en algunos puntos aflora el color del cartón
que sirve de fondo. Las intuiciones
impresionistas se superan en este cuadro,
gracias a las sugerencias realistas
próximas a Van Gogh.

Los colores son fríos y luminosos. La
pincelada es vigorosa. Produce la
sensación de cuadro inacabado.
La toilette
Autor: Toulouse Lautrec
Fecha: 1889-91
Museo: Museo Nacional del Louvre
Características: 64 x 52 cm.
Material: Óleo sobre cartón

En el Moulin-Rouge, el baile o Baile en el
Moulin Rouge es un cuadro del pintor francés
Henri de Toulouse-Lautrec. Está realizado al
óleo sobre lienzo. Fue pintado en 1890 y se
encuentra actualmente en el Museo de Arte de
Filadelfia, formando parte de la colección
McIlhenny, Filadelfia, Estados Unidos.

El recién inaugurado Moulin Rouge es visto
por Lautrec en clave casi de caricatura,
captado en un momento de frecuentación por
parte de la sociedad parisina. Diversos
personajes interactúan entre ellos, se apoyan
en la barra del bar, discuten y observan a las
bailarinas. Gracias a la línea pictórica que guía
el ojo hacia los personajes en segundo plano a
través de una hábil disposición de los
elementos sobre la tela. Allí se entrevé a un
hombre con la cara de calavera y a la bailarina
Jane Avril, musa del pintor. En ese segundo
plano están retratados amigos del pintor.

En frente de ellos, a la izquierda del cuadro,
Valentin-le-Désossé (Valentín el
descoyuntado), famoso vividor de la época,
dirige a otra bailarina, anónima. Es pelirroja y
fuerte, lo que hace pensar en La Goulue en
una actuación en público. El movimiento de
estos bailarines contrasta con la quietud del
público.

En el primer plano se sitúa una elegante dama
con vestido rosa y sombrero.
En el Moulin Rouge: el baile
Autor: Toulouse Lautrec
Fecha: 1890
Museo: Museo de Arte de Filadelfia
Características: 115 x 150 cm.
Material: óleo sobre lienzo
Edvard Munch
•
Edvard Munch nació en Løten el 12 de diciembre de 1863 y murió en Ekely el 23 de enero de 1944. Fue un pintor y
grabador noruego de la corriente expresionista. Sus evocativas obras sobre la angustia influyeron profundamente en
el expresionismo alemán de comienzos del siglo XX.
•
Munch destacó por pintar cuadros tristes y angustiosos, inspirados en tristes sueños y situaciones de su vida
personal. Sin embargo, fue capaz de convertirse en uno de los principales precursores del expresionismo.
•
Comenzó a pintar a la edad de 17 Años. Una beca, concedida en 1885, le permitió proseguir sus estudios en París
durante un breve período. Veinte años después, en las ciudades de París y Berlín, Munch desarrolló la mayor parte de
su producción artística. Tras una influencia de la pintura impresionista y postimpresionista, desarrolló su propio estilo,
en el que son frecuentes las imágenes relacionadas con la enfermedad y la muerte.
•
La exposición de sus cuadros en Berlín en 1892 impresionó de tal manera, que las autoridades decidieron cerrar la
muestra. Pero, al parecer este hecho le otorgó mayores energías al pintor, para en 1890 comenzar a desarrollar el
arte expresionista alemán.
•
Su obra más conocida es "El Grito" (1893, Museo Nacional de Oslo) (en la imagen) y el angustioso "Niño enfermo"
(1881-1886 Museo Nacional de Oslo). Amabas reflejan el trauma sufrido por Munch en su niñez, al ver a su madre y
a su hermana morir de tuberculosis. Otros temas recurrentes en su pintura se pueden observar en el cuadro "El
Puente", con figuras pálidas, de rasgos y rostros indefinidos. Sus ansiedades sexuales también se representan a lo
largo de la obra con sus retratos de mujeres, las que se muestran frágiles o como vampiresas devoradoras.
•
En 1908 tuvo que ser hospitalizado por ansiedad. En 1909 regresó a Noruega y de ahí en adelante vivió con una
tranquilidad relativa que le permitió pintar los murales de la Universidad de Oslo (1910-1916) y paisajes coloridos y
brillantes. Sus últimos cuadros no son tan impactantes como sus primeros trabajos, pero su último autorretrato "Entre
el reloj y la cama" (1940 Museo Munch de Oslo), marca una vuelta a sus obras anteriores.
•
Munch no sólo pintó al óleo, sino también hizo xilografías, aguafuertes y litografías, que en la actualidad son
consideradas como un valioso aporte al arte contemporáneo. Su estilo es definido como poderoso, simple, directo y
fuerte.

En El Grito, Munch nos habla de sus
sentimientos cuando pintó esta obra: "Estaba allí,
temblando de miedo. Y sentí un grito fuerte e
infinito perforando la naturaleza". Estas frases
tremendas nos hablan de una hipersensibilidad
del autor que con la realización de este cuadro
se convierte en altavoz de la angustia existencial
que caracteriza el pensamiento contemporáneo
en alguna de sus facetas. La situación personal
de Munch está íntimamente relacionada con esta
obra: de personalidad depresiva y traumatizado
por su relación con las mujeres, a quienes odia
fervorosamente, en el momento de pintar este
cuadro acababa de sufrir el fallecimiento de su
madre. Esto le marcó terriblemente y es uno de
los condicionantes que le impulsaron a emitir
este grito visceral.

El simbolismo de la imagen es patente en el
rostro agitado del protagonista en primer plano,
que es casi una calavera que se aprieta el
cráneo con las manos para que no le estalle. El
empleo de los colores, violentos, arqueados en
agresivas bandas de color, trata de transmitir al
espectador el agitado estado de ánimo del autor.
Esta sensación se refuerza con la presencia de
dos testigos mudos, lejanos, anónimos, dos
figuras negras que se recortan al fondo de una
violentísima perspectiva diagonal. Las formas se
retuercen y los colores son completamente
arbitrarios, tan sólo intentan expresar el
sentimiento del autor. Este rasgo es lo que
incluye a Munch en la senda de otros pintores de
simbolismo visionario y expresivo en una
tendencia intemporal denominada
Expresionismo.
El Grito
Autor: Edvard Munch
Fecha: 1893
Museo: National Gallery (Oslo)
Características: 91 x 73´5 cm.
Material: Pastel
Estilo: Expresionismo

Muchachas en el puente es un
cuadro elaborado por Edvard Munch
en 1901 empleando la técnica del
óleo sobre lienzo.

En el cuadro se aprecia a tres
mujeres al borde de un puente
observando un río. Al fondo del
paisaje, se encuentran algunas
casas y árboles, el primero de los
cuales se refleja en el agua del río.

Munch empezó a explorar las
posibilidades del color violento y las
distorsiones lineales para poder
expresar las emociones más
elementales de ansiedad, miedo,
amor y odio. Con su angustia, fue el
punto de partida de los
expresionistas y ya en 1889 escribió
algo que parece la divisa o el
pistoletazo de salida: "Ya no debes
pintar interiores con hombres
leyendo y mujeres sentadas. Deben
ser seres que respiren y sientan,
que amen y sufran".
Muchachas en el puente
Autor: Edvard Munch
Fecha: 1901
Museo: National Gallery (Oslo)
Características: 136 x 125, 5 cm.
Material: Óleo sobre lienzo
Estilo: Expresionismo

Pubertad es una obra realizada por
Edvard Munch en 1894, empleando la
técnica del óleo sobre lienzo.

En este retrato se puede observar a
una adolescente desnuda sentada en
una cama y proyectando su sombra
detrás de ella. La figura tiene las
piernas y las manos juntas. De
nuevo, Munch emplea colores
trágicos y oscuros.

El pintor noruego realiza un segundo
viaje a la capital francesa en 1889,
donde conoce la obra de Signac y
Seurat y experimenta la técnica
pictórica de los puntillistas. Es a partir
de esta segunda estancia en París
cuando Munch enuncia las nuevas
bases de su pintura, alejándose ya de
los conocimientos adquiridos de los
artistas franceses para empezar a
representar "seres humanos vivos,
que respiran, sienten, sufren y aman"
acercándose así, paulatinamente, al
expresionismo.
Pubertad
Autor: Edvard Munch
Fecha: 1894
Museo: National Gallery (Oslo)
Características: 151, 5 x 110 cm.
Material: Óleo sobre lienzo
Estilo: Expresionismo
Edouard Manet
•
Edouard Manet nació en París el 23 de enero de 1832 y murió el 30 de abril de 1883. Fue un pintor francés, reconocido
por la influencia que ejerció sobre los iniciadores del impresionismo. Manet rescató la pintura del academicismo realista
para darle vida a través de una amplia gama de color aplicada en tonos delicados.
•
El pintor realizó sus primeros estudios en el Colegio Rollin, donde desarrolló su gusto y afición por el dibujo. Aunque su
padre quería para Edouard la profesión de abogado, Edouard estaba decidido a realizar estudios de dibujo. Ante esta
situación tomó la decisión de salir del país a cualquier coste, y una vez rechazado en la escuela naval, se embarcó hacia
Brasil en diciembre de 1848.
•
A su regreso, tras un nuevo intento fracasado por ingresar a la escuela naval, logró vencer la oposición de su padre e
ingresó al estudio del prestigiado maestro pintor Thomas Couture.
•
Durante seis años adquirió la destreza y la técnica que lo haría sobresalir entre muchos otros pintores de su tiempo.
Después estudió y revisó las obras de los grandes en los museos para complementar su instrucción. Hacia 1856, junto
con otro pintor, Albert De Balleroy, Manet estableció su propio estudio, donde empezó a despuntar. Poco a poco tomó
influencias del parnasianismo literario y del arte español.
•
En 1863 presentó la obra "Almuerzo Campestre", que aunque realizada en una técnica revolucionaria, fue rechazada por
los tradicionalistas por incluir a una mujer desnuda en medio de un grupo de hombres vestidos. Aun así, la pintura
alcanzó notoriedad.
•
En 1865, el retrato de una mujer desnuda volvió a ser motivo de controversia, y debió ser expuesto bajo la protección de
guardias armados antes de ser colocada a una altura que la alejaba de los críticos.
•
Molesto por la actitud negativa hacia su creación, Manet se trasladó a España donde permaneció por un tiempo hasta
que decidió regresar a Francia. Como el rechazo hacia su obra seguía vigente, decidió exhibirla en una plaza pública en
1867.
•
En 1873 exhibió con gran éxito "El buen Bock", y un año después participó en la primera exposición del movimiento que
fue conocido como impresionista. Edouard Manet logró ganar fama y reconocimiento durante sus últimos años y murió el
30 de abril de 1883.

Almuerzo sobre la hierba es un cuadro realizado por Édouard
Manet en 1863. Es un cuadro al óleo. Se exhibe en el Museo de
Orsay de París, Francia. Al principio se llamó a este cuadro “La
merienda campestre” o, también, “Almuerzo campestre”.

La yuxtaposición de un desnudo femenino con caballeros vestidos
suscitó controversia cuando la obra se mostró por vez primera en
el Salon des Refusés en 1863. Aparte de considerar vulgar el que
una mujer estuviera desnuda junto a jóvenes vestidos, numerosos
críticos rechazaron la modernidad del estilo.

No es una pintura realista en el sentido social o político del término
propio de un Daumier, sino que es una afirmación a favor de la
libertad individual del artista. El escándalo que causaba una mujer
desnuda desayunando despreocupadamente con dos hombres
completamente vestidos, ofendía a la moralidad de la época.

El cuadro representa un almuerzo en un bosque, cerca de
Argenteuil, donde discurre el Sena. La mujer desnuda, cuyo cuerpo
está crudamente iluminado, mira directamente al espectador. Está
sentada sobre una tela azul, probablemente una parte de las ropas
que se ha quitado. Los dos están vestidos como dandis y parecen
estar ocupados conversando, ignorando a la mujer. En frente de
ellos, se muestran las ropas de la mujer, una cesta de frutas, y un
pan redondo. En el fondo, una mujer ligeramente vestida vadea
una corriente y es demasiado grande en comparación con las
figuras del primer plano. La desproporción entre la mujer del fondo
y la barca a la derecha se consideraba una impericia de parte del
pintor: en realidad, los mórbidos contrastes cromáticos y la
utilización de la perspectiva aérea en clave moderna inscriben esta
obra entre las obras maestras del siglo XIX.

El fondo pintado toscamente carece de profundidad. Esta
impresión se refuerza por el uso de una intensa luz ”fotográfica”: de
hecho, la iluminación de la escena es inconsistente y nada natural.

El estilo de la pintura rompe con las tradiciones académicas de la
época. Se considera un cuadro «preimpresionista» por usar un
motivo del entorno inmediato del artista. La hechura es
conscientemente clásica.
Desayuno en la hierba
Autor: Edouard Manet
Fecha: 1863
Museo: Museo de Orsay
Características: 214 x 269´9 cm.
Material: Óleo sobre lienzo
Estilo: Impresionismo

El pífano es una pintura del Édouard Manet
realizada en 1866. En la actualidad, se conserva en
el Museo de Orsay, en París.

Manet lo pintó influido por la manera de los retratos
de Velázquez que había admirado en el Museo del
Prado de Madrid. En particular, le impresionó “Pablo
de Valladolid”, un retrato de un actor de la época en
que desaparecen el fondo o cualquier objeto que
sirva de referencia, excepto la propia sombra del
personaje.

Como en el cuadro del pintor español, Manet
concibe un fondo sin profundidad, en que los planos
vertical y horizontal son apenas distinguibles. En
opinión de Peter H. Feist, “El pífano” muestra la
atracción de Manet por “el efecto decorativo de unas
figuras individuales de gran tamaño, con contornos
enfáticos y colocadas ante una superficie de fondo”.
Frente al fondo monocromo, resalta la figura
enérgicamente coloreada en base a una paleta
reducida pero de colores vivos, en la que predomina
la técnica del empaste: el negro muy nítido de la
guerrera y los zapatos, el rojo de los pantalones, el
blanco de la bandolera, etc. Como resultado, la
figura destaca “firme, armoniosa y viva”.

Además, como en Velázquez, Manet retrata también
a un personaje anónimo, un adolescente, músico de
la banda de la Guardia Imperial, que fue enviado a
Manet por el comandante Lejosne.
El pífano, Tocador de pífano
Autor: Edouard Manet
Fecha:1866
Museo: Museo de Orsay
Características: 161 x 97 cm.
Material: Óleo sobre lienzo
Estilo: Impresionismo

El balcón es un cuadro de Édouard Manet. Data de
1868-1869. Se trata de una pintura al óleo sobre
lienzo. Actualmente se conserva en el Museo de
Orsay de París (Francia).

Manet presentó esta obra en el Salón de París de
1869. La tela representa principalmente a Berthe
Morisot (a la izquierda), que se convirtió en 1874 en
cuñada de Manet.

El cuadro, inspirado por las “Majas en el balcón”, de
Francisco de Goya , se realizó en la misma época y
con la misma intención que “El almuerzo”. Los tres
personajes, todos amigos de Manet, parece que no
están relacionados entre sí por nada. Berthe Morisot,
a la izquierda, con un vestido blanco de gasa y
sentada sobre un taburete negro, hace la figura de
heroína romántica e inaccesible. La joven violinista
Fanny Claus viste igualmente de blanco y tiene
accesorios de color verde: la sombrilla y la cofia,
blanca pero con una orla verde. Finalmente, el
caballero que está de pie detrás de ellas, con un
cigarro en la mano, es el pintor paisajista Antoine
Guillemet, con una corbata violeta sobre camisa
blanca. Los tres parecen vivir en otro mundo.

El verde agresivo y audaz del balcón, por otra parte,
hizo correr ríos de tinta.

En fondo es oscuro, y en él se puede distinguir el
contorno de una jarra. Delante, a la izquierda, se ve
una maceta de porcelana con rododendros violetas.1
Muchachas en el balcón
Autor: Edouard Manet
Fecha: 1868-69
Museo: Museo de Orsay
Características: 170 x 125 cm.
Material: Óleo sobre lienzo
Estilo: Impresionismo
Diego Velázquez
•
Diego Rodríguez de Silva y Velázquez conocido como Diego Velázquez nació en Sevilla el 6 de junio de
1599 y murió en Madrid el 6 de agosto de 1660. Fue un pintor barroco, considerado uno de los máximos
exponentes de la pintura española y figura indiscutible de la pintura universal.
•
A los once años inicia su aprendizaje en el taller de Francisco Pacheco donde permanecerá hasta 1617, cuando
ya es pintor independiente. Pasó sus primeros años en Sevilla donde desarrolló un estilo naturalista de
iluminación tenebrista por influencia de Caravaggio y sus seguidores, destacando como obras “El Aguador de
Sevilla” o “La Adoración de los Magos”.
•
Se trasladó a Madrid y a los 24 años fue nombrado pintor del rey, y cuatro años después fue ascendido a pintor
de cámara, el cargo más importante entre los pintores del rey. A esta labor dedicó el resto de su vida. Su trabajo
a partir de entonces consistía en pintar retratos del rey, de su familia, así como otros cuadros para decorar las
mansiones reales. Su estilo evolucionó hacia una pintura de gran luminosidad con pinceladas rápidas y sueltas.
•
Tras ponerse en contacto con Peter Paul Rubens, durante la estancia de éste en Madrid, en 1629 viaja a Italia,
donde realizará su segundo aprendizaje al estudiar las obras de Tiziano, Tintoretto, Miguel Ángel, Rafael y
Leonardo. En Italia pinta “La Fragua de Vulcano” y “La Túnica de José”, regresando a Madrid dos años después.
•
La década de 1630 es de gran importancia para el pintor, que recibe interesantes encargos para el Palacio del
Buen Retiro como “Las Lanzas” o los retratos ecuestres, y para la Torre de la Parada, como los retratos de caza.
Su pintura se hace más colorista destacando “La Dama del Abanico”, obras mitológicas como “La Venus del
Espejo” o escenas religiosas como el “Cristo Crucificado”.
•
En su madurez, a partir de 1631, pintó grandes obras como “La rendición de Breda”. En su última década su
estilo se volvió más esquemático y abocetado alcanzando un dominio extraordinario de la luz. Este periodo se
inauguró con el retrato del papa Inocencio X, pintado en su segundo viaje a Italia y a él pertenecen sus dos
últimas obras maestras: “Las Meninas” y “Las Hilanderas”.
•
Alcanzó su máxima fama entre 1880 y 1920, coincidiendo con los pintores impresionistas franceses para los que
fue un referente. Manet se sintió maravillado con su pintura y lo calificó como “el pintor más grande que jamás
ha existido”.

La rendición de Breda o Las lanzas es un óleo sobre lienzo,
pintado entre 1634 y 1635 por Velázquez y que se conserva en
el Museo del Prado de Madrid desde 1819.

El cuadro se pintó (junto con otros doce) para la decoración del
denominado Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro. Este
gran palacio, formado por diversos pabellones entre amplios
jardines, se construyó anexo al monasterio de San Jerónimo el
Real.

El Salón de Reinos era la estancia más relevante del conjunto,
pues era donde Felipe IV recibía a los embajadores y demás
autoridades extranjeras. A fin de impresionarles con una imagen
de poder bélico y económico, se decidió a decorar este gran
salón con imágenes de los principales éxitos militares de
España. Junto con los cuadros relativos a batallas, se colgó otra
serie de pinturas, debidas a Francisco de Zurbarán, sobre los
“Trabajos de Hércules”.

Para la serie de doce batallas, se convocó a Velázquez y a otros
artistas, como Vicente Carducho, Jusepe Leonardo, Juan
Bautista Maíno y Antonio de Pereda. Los dos últimos fueron,
junto con Velázquez, quienes realizaron los cuadros
actualmente más valorados por los críticos. La serie se
conserva en el Museo del Prado.

Velázquez desarrolla el tema sin vanagloria ni sangre. Los dos
protagonistas están en el centro de la escena y más parecen
dialogar como amigos que como enemigos. Justino de Nassau
aparece con las llaves de Breda en la mano y hace ademán de
arrodillarse, lo cual es impedido por su contrincante que pone
una mano sobre su hombro y le impide humillarse. En este
sentido, es una ruptura con la tradicional representación del
héroe militar, que solía representarse erguido sobre el
derrotado, humillándolo. Igualmente se aleja del hieratismo que
dominaban los cuadros de batallas.

Velázquez representa con realismo al general Spínola, al que
conocía personalmente, pues habían viajado juntos a Italia en
1629. Un realismo semejante, y la caracterización individual se
aprecia en los rostros de los soldados, que están tratados como
retratos.
Las Lanzas, La Rendición de Breda
Autor: Velázquez
Fecha: 1635
Museo: Museo del Prado
Características: 307 x 367 cm.
Material: Óleo sobre lienzo

Velázquez sólo pinta cinco al acortar la sala. El Cuarto del Príncipe estaba decorado con
pinturas mitológicas, realizadas por Martínez del Mazo, que se pueden contemplar al
fondo de la estancia.

En la composición, el maestro nos presenta a once personas. La escena está presidida
por la infanta Margarita y a su lado se sitúan las meninas María Agustina Sarmiento e
Isabel de Velasco. En la izquierda se encuentra Velázquez con sus pinceles, ante un
enorme lienzo. En la derecha se hallan los enanos Mari Bárbola y Nicolasillo Pertusato,
este último jugando con un perro de compañía. Tras la infanta observamos a dos
personajes más: doña Marcela Ulloa y el desconocido guardadamas. Reflejadas en el
espejo están las regias efigies de Felipe IV y su segunda esposa, Mariana de Austria. La
composición se cierra con la figura del aposentador José Nieto.

Las opiniones sobre qué pinta Velázquez son muy diversas. Soehner, con bastante
acierto, considera que el pintor nos muestra una escena de la corte. La infanta Margarita
llega, acompañada de su corte, al taller de Velázquez para ver como éste trabaja. Nada
más llegar ha pedido agua, por lo que María Sarmiento le ofrece un búcaro. En ese
momento, el rey y la reina entran en la estancia, de ahí que algunos personajes
detengan su actividad y saluden a sus majestades. Esta idea de tránsito se refuerza con
la presencia de la figura del aposentador al fondo, cuya misión era abrir las puertas de
palacio a los reyes, vestido con capa pero sin espada ni sombrero. La pequeña infanta
estaba mirando a Nicolasillo, pero se percata de la presencia de sus regios padres y
mira de reojo hacia fuera del cuadro.

Algunos autores piensan que el pintor sevillano está haciendo un retrato del Rey y de su
esposa a gran formato, por lo que los monarcas reflejan sus rostros en el espejo.
Las dos conclusiones más interesantes de Ángel del Campo son las siguientes: las
cabezas de los personajes de la izquierda y las manchas de los cuadros forman un
círculo, símbolo de la perfección. En el centro de ese círculo encontramos el espejo con
los rostros de los reyes, lo que asimila la monarquía a la perfección. Si unimos las
cabezas de los diferentes personajes se forma la estructura de la constelación llamada
Corona Borealis, cuya estrella central se denomina Margarita, igual que la infanta. De
esta manera, la continuidad de la monarquía está en la persona de Margarita. Del
Campo se basa para apoyar estas teorías en la gran erudición de Velázquez.

Jonathan Brown piensa que este cuadro fue pintado para remarcar la importancia de la
pintura como arte liberal.

En cuanto a la técnica con que Velázquez pinta esta obra maestra, el primer plano está
inundado por un potente foco de luz que penetra desde la primera ventana de la
derecha. La infanta es el centro del grupo. Las figuras de segundo plano quedan en
semipenumbra, mientras que en la parte del fondo encontramos un nuevo foco de luz,
impactando sobre el aposentador.

La pincelada empleada por Velázquez no puede ser más suelta y anticipa la pintura
impresionista. Predominan las tonalidades plateadas de los vestidos, al tiempo que
llama nuestra atención el ritmo marcado por las notas de color rojo que se distribuyen
por el lienzo: la Cruz de Santiago, los colores de la paleta de Velázquez, el búcaro, el
pañuelo de la infanta…
Pero lo que verdaderamente impacta es la sensación atmosférica creada por el pintor es
la llamada perspectiva aérea, que otorga profundidad a la escena a través del aire que
rodea a cada uno de los personajes y difumina sus contornos. También es interesante la
forma de conseguir el efecto espacial, creando la sensación de que la sala se continúa
en el lienzo. Como bien dice Carl Justi: "No hay cuadro alguno que nos haga olvidar
éste".
Las Meninas, La Familia de Felipe IV
Autor: Velázquez
Fecha: 1656
Museo: Museo del Prado
Características: 318 x 276 cm.
Material: Oleo sobre lienzo
Estilo:

La fragua de Vulcano es una obra de Velázquez
realizada después de su primer viaje a Italia en
1629, los críticos están de acuerdo en fechar la
obra en 1630 al mismo tiempo que su cuadro "La
túnica de José". Actualmente se encuentra en el
Museo del Prado donde ingresó el 5 de agosto
de 1819.

El cuadro describe el momento en que el dios
Apolo, con la corona de laurel, visita el lugar
donde Vulcano se encuentra fabricando armas
para la guerra. El dios Apolo comunica a Vulcano
el adulterio de su esposa Venus con Marte, dios
de la guerra, por esa razón todos los personajes
miran con cara sorprendida al dios que acaba de
presentarse en el estudio, incluso alguno de ellos
abre la boca y los ojos para indicar este gesto de
sorpresa.

Velázquez se inspiró para realizar esta obra en
un grabado de Antonio Clempesta, modificándolo
ampliamente y centró la acción narrativa en el
traje de Apolo, mediante un estilo clasicista
barroco que no recuerda nada al tenebrismo.
Destaca el interés por el desnudo, como
influencia de la estatuaria grecorromana y de la
corriente clasicista de Guido Reni. De Reni
podría provenir también la composición a modo
de friso. A Guercino recuerda, por otro lado, los
tonos claros de la figura de Apolo.

Esta obra la realizó en Roma sin mediación de
encargo a instancias del pintor Pedro Pablo
Rubens que había visitado España aquel mismo
año de 1629.
La Fragua de Vulcano
Autor: Velázquez
Fecha: 1630
Museo: Museo del Prado
Características: 223 x 290 cm.
Material: Óleo sobre lienzo
Francisco de Goya
•
Francisco de Goya y Lucientes nació en Zaragoza, el 30 de marzo de 1746 y murió en Burdeos, Francia, el 15 de abril de 1828 fue un pintor y
grabador español. Su obra abarca la pintura de caballete y mural, el grabado y el dibujo. Desarrolló un estilo que inaugura el Romanticismo. El arte
goyesco supone, asimismo, el comienzo de la Pintura contemporánea, y se considera precursor de las vanguardias pictóricas del siglo XX.
•
Goya se desvincula del estilo característico de su tiempo. Quizá su figura sea más atrayente por lo que supone de ruptura. Sus padres formaban parte de
la clase media baja de la época. La familia se trasladó a Zaragoza. Allí recibió sus primeras enseñanzas; fue a la escuela del padre Joaquín y parece que
acudió a la Escuela de dibujo de José Ramírez. Con doce años estaba en el taller de José Luzán, quien le introdujo en el estilo decadente de finales del
Barroco.
•
En la capital de España se instalará en el taller de Francisco Bayeu, cuyas relaciones con el dictador artístico del momento y promotor del Neoclasicismo,
Antón Rafael Mengs, eran excelentes. Durante cinco años permaneció en el taller.
•
Posteriormente, decidió ir a Italia por su cuenta. En 1771 se presentó en Parma a un concurso en el que obtuvo el segundo premio y a mediados de 1771
estaba trabajando en Zaragoza.
•
En 1773 Goya contrae matrimonio en Madrid con la hermana de Francisco y Ramón Bayeu por lo que los lazos se estrechan con su "maestro". Los
primeros encargos que recibe en la Corte son gracias a esta relación. Su destino sería la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara, para la que Goya
realizaba bocetos que después se transformarían en tapices. La relación con la Real Fábrica durará 18 años y en ellos realizará sus cartones más
preciados: “Merienda a orillas del Manzanares”, “El Quitasol”, “El Cacharrero”, “La Vendimia” o “La Boda”. También realizó otros encargos importantes;
en 1780 ingresa en la Academia de San Fernando para la que hizo un “Cristo crucificado”. Y ese mismo año decoró una cúpula de la Basílica del Pilar de
Zaragoza.
•
Regresó a Madrid para trabajar en la recién inaugurada iglesia de San Francisco el Grande por encargo de un ministro de Carlos III. En Madrid se iniciará
la faceta retratística de Goya, pero fue en 1783 cuando retrató a toda la familia del hermano menor de Carlos III, el infante D. Luis, sirviéndole para
abrirse camino en la Corte, gracias también a su contacto con las grandes casas nobiliarias como los Duques de Osuna o los de Medinaceli, a los que
empezará a retratar, destacando la “Familia de los Duques de Osuna”, uno de los hitos en la carrera de Goya.
•
En 1789, fue nombrado Pintor de Cámara por Carlos IV. Este nombramiento supone el triunfo del artista. Durante 1792 Goya cayó enfermo, quedando
sordo para el resto de sus días. Esta dolencia hará mucho más ácido su carácter y su genio se verá reforzado. El estilo suave y adulador dejó paso a una
nueva manera de trabajar. Al fallecer su cuñado en 1795 Goya ocupó la vacante de Director de Pintura en la Academia de San Fernando. Este mismo año
se iniciará la relación con los Duques de Alba, especialmente con Doña Cayetana, cuya belleza y personalidad cautivarán al artista. De la relación que
mantuvo con ella, surge la hipótesis de que Doña Cayetana fuera la protagonista del cuadro más famoso de Goya: la “Maja Desnuda”.
•
En 1798 el artista realiza la llamada Capilla Sixtina de Madrid: los frescos de San Antonio de la Florida. El contacto con los reyes va en aumento hasta
llegar a pintar La Familia de Carlos IV. La “Condesa de Chinchón” será otro de los fantásticos retratos. El estallido de la Guerra de la Independencia en
mayo de 1808 supone un grave conflicto interior para el pintor ya que su ideología liberal le acerca a los afrancesados y a José I mientras que su
patriotismo le atrae hacia los que están luchando contra los franceses. Este debate interno se reflejó en su pintura, que se hizo más triste, más negra,
como muestran “El Coloso” o la serie de grabados “Los Desastres de la Guerra”. Al finalizar la contienda pinta sus famosos cuadros sobre el Dos y el Tres
de Mayo de 1808. La Corte madrileña sustituciyó a Goya como pintor de moda por el valenciano Vicente López. Goya inicia un periodo de aislamiento y
amargura con sucesivas enfermedades que le obligan a recluirse en una finca en las afueras de Madrid en la que realizará su obra suprema: las “Pinturas
Negras”, en las que recoge sus miedos, sus fantasmas, su locura. Le acompañó su ama de llaves, Dª. Leocadia Zorrilla Weis, con quien tendrá una hija,
Rosario. De su matrimonio con Josefa Bayeu había nacido su heredero, Francisco Javier.
•
Aunque viajó a Madrid en varias ocasiones, sus últimos años los pasó en Burdeos donde realizará su obra final, la Lechera de Burdeos, en la que anticipa
el Impresionismo.

La maja desnuda es una de las más célebres obras de Goya. El
cuadro es una obra de encargo pintada antes de 1800. Luego formó
pareja con “La maja vestida”, datada entre 1802 y 1805,
probablemente a requerimiento de Manuel Godoy.

En esta pintura se retrata de cuerpo entero a una hermosa mujer
recostada plácidamente en un lecho y mirando directamente al
observador. No se trata de un desnudo mitológico, sino de una mujer
real, contemporánea a Goya, e incluso en su época se le llamó “la
Gitana”.

Se ha especulado con que la retratada sea la Duquesa de Alba, pues a
la muerte de esta en 1802, todos sus cuadros pasaron a propiedad de
Godoy, a quien se sabe que pertenecieron las dos “majas”, en forma
similar a lo ocurrido con la “Venus del espejo” de Velázquez. Sin
embargo no hay pruebas definitivas ni de que este rostro pertenezca al
de la duquesa ni de que no hubiera podido llegar la “Maja desnuda” a
Godoy por otros caminos.

En el diseño de este cuadro el dibujo es decisivo, por ese motivo y por
el predominio de una gama cromática fría se nota la influencia del
neoclasicismo, si bien Goya va mucho más allá.

Aunque se ubica dentro de la estética del neoclasicismo, esta obra de
Goya es audaz y atrevida para su época, como audaz es la expresión
del rostro y actitud corporal de la modelo, que parece sonreír
satisfecha y contenta de sus gracias. Más aún, es la primera obra de
arte (conocida) en la cual aparece pintado el vello púbico femenino, lo
cual resalta el erotismo de la composición.

Cabe destacar la particular luminosidad que Goya da al cuerpo de la
desnuda, que contrasta con el resto del ambiente, y junto a esa
luminosidad la típica expresividad que Goya sabe dar a los ojos.

Si en la cultura occidental hasta Goya y desde hacía siglos casi
siempre se recurría a subterfugios para representar a la mujer
desnuda, en la “Maja desnuda” tenemos a una mujer real.

Es notable que, aún dentro de la típica fuerza de las pinceladas que
caracterizan a Goya, el artista se ha esmerado en el tratamiento de las
carnaduras y sombreados acompañadas por la figuración sutil de las
telas, la coloración se hace con un minucioso juego de verdes que
contrasta con blancos y rosados, de este modo la maja casi parece
suspendida mediante su brillo y delicadeza.
Maja desnuda
Autor: Francisco de Goya y Lucientes
Fecha: 1800
Museo: Museo del Prado
Características: 97 x 190 cm.
Material: Óleo sobre lienzo
Estilo:

Saturno devorando a sus hijos es una de
las Pinturas Negras realizadas por Goya
más desgarradoras y trágicas.

Goya, igual que hizo Rubens en su
“Saturno” para la Torre de la Parada, ha
elegido el momento en que el dios del
tiempo desgarra el cuerpo de su hijo para
que ninguno pudiera destronarle. Pero
Júpiter escapó al rito antropófago de su
padre y consiguió acabar con su tiranía. Un
espacio totalmente oscuro rodea la figura
del dios, en la que destaca su deformidad y
su rostro monstruoso. Es una magnífica
representación de como el tiempo lo devora
todo, una de las obsesiones del pintor.

La restauración que sufrió la obra al ser
pasada del muro al lienzo fue bastante libre
y decepcionante, aunque hay que advertir
que había perdido grandes zonas de
pintura, sobre todo en los ojos. La mayor
parte de los expertos coinciden en plantear
que la avanzada edad de Goya motivaría
una decoración en la que primaba la
melancolía y la tristeza por el tiempo
pasado, aunque también se hagan
referencias al presente. Incluso se ha
llegado a ver en esta escena una imagen
de Fernando VII devorando a su pueblo.
Saturno devorando a un hijo
Autor: Francisco de Goya y Lucientes
Fecha: 1820-23
Museo: Museo del Prado
Características: 146 x 83 cm.
Material: Óleo sobre lienzo

Aníbal vencedor contempla por primera vez Italia
desde los Alpes es un óleo de tema histórico que Goya
presentó a un concurso de pintura convocado por la
Academia de Parma el 29 de mayo de 1770. La obra se
encuentra en la Fundación Selgas-Fagalde sita en El Pito
(Cudillero, Asturias)

Goya marchó a Italia, sufragándose el viaje por sus
propios medios, en 1770 con el objeto de aprender de los
grandes maestros italianos. En una de sus estancias, en
Parma, decide presentarse a un concurso cuyo tema era
obligatorio y consistía en representar en un cuadro a
Aníbal vencedor contemplando por primera vez Italia
desde los Alpes.

En efecto, el cuadro muestra a Aníbal erguido en actitud
dinámica, girado el cuerpo hacia un ángel (o genio) que le
señala el paisaje Italiano, desde un otero rocoso, y
alzándose la visera del yelmo. A su lado izquierdo hay un
jinete abanderado y tras él un cielo nuboso del que baja la
Victoria en su carro, con la mano en la rueda (posible
alusión a la cambiante Fortuna) que porta una corona de
Laurel. Parte de la caballería de Aníbal comienza a bajar
hacia el valle al extremo derecho del cuadro y al fondo y
en la izquierda se vislumbra una batalla. En primer término
y de espaldas, contemplando y enmarcando la
composición, aparece un robusto cuerpo humano con
cabeza de buey, alegoría del río Po, que vierte un
recipiente de donde manan las fuentes de este río, como
prescribía la representación de la Lombardía en la
figuración iconológica de Cesare Ripa.


La composición inicial pudo inspirarse en el bajorrelieve
de José Arias. En este concurso, en la modalidad de
pintura tomó Goya parte tembién, por lo que es muy
probable que el aragonés hubiera tomado apuntes del
relieve de Arias que luego reutilizó en el diseño del
personaje de Aníbal (enormemente coincidente, incluso en
la postura con el Trajano que centra la composición del
escultor) y en las líneas generales de la composición del
cuadro.
En cuanto al cromatismo, dominan los azules suaves, los
rosas y el gris perla, lo que se ha visto como expresión del
carácter clásico e irreal de la escena, que adquiere así
tintes heroicos.
Aníbal contemplando Italia
Autor: Francisco de Goya y Lucientes
Fecha: 1771
Museo: Colección Particular
Características: 33 x 40´5 cm.
Material: Oleo sobre lienzo
Pablo Picasso
•
Pablo Ruiz Picasso nació en Málaga, España, el 25 de octubre de 1881 y murió en Mougins, Francia, el 8 de abril de 1973.
Fue un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque y Juan Gris, del movimiento cubista.
•
Considerado uno de los mayores artistas del siglo XX, participó desde la génesis de muchos movimientos artísticos que se
propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Incansable y prolífico, pintó
más de dos mil obras actualmente presentes en museos y colecciones de toda Europa y del mundo. Además, abordó otros
géneros como el dibujo, el grabado, la ilustración de libros, la escultura, la cerámica y el diseño de escenografía y vestuario
para montajes teatrales.
•
En lo político, Picasso se declaraba pacifista y comunista. Fue miembro del Partido Comunista Francés hasta su muerte.
•
Picasso es el gran genio de la pintura contemporánea. Su capacidad de invención y de creación le sitúan en la cima de la
pintura mundial. Nació en Málaga, ciudad en la que su padre era profesor de Dibujo y director del Museo Municipal. La familia
Ruiz Picasso pronto se trasladó a La Coruña y de allí a Barcelona, donde el joven Pablo inicia sus estudios artísticos dentro de
un estilo totalmente académico; pero rápidamente contacta con grupos modernistas que hacen cambiar su forma de expresión.
París se va a convertir en la gran meta de Pablo y en 1900 se traslada a la capital francesa por un breve periodo de tiempo.
•
Al regresar a Barcelona, empezó a trabajar en una serie de obras en la que se observan las influencias de todos los artistas que
había conocido o cuya obra había visto. Era una esponja que lo absorbe todo pero no retiene nada; está buscando un estilo
personal. Entre 1901 y 1907 se desarrollan la Etapa Azul y la Etapa Rosa, caracterizadas por el uso de esos colores y por su
temática con figuras sórdidas, aisladas, con gestos de pena y sufrimiento.
•
La pintura de los años iniciales del siglo XX estaba viviendo continuos cambios y Picasso no podía quedarse al margen. Así que
se interesó por Cézanne y partiendo de él desarrolló una nueva fórmula pictórica junto a su amigo Braque: el cubismo. Pero
Picasso no se queda ahí y en 1912 practica el collage en la pintura; a partir de este momento la imaginación se hace dueña del
arte. Picassso era el gran revolucionario y cuando todos los pintores se interesaban por el cubismo, él se preocupaba por el
clasicismo de Ingres; durante una temporada llegó a alternar obras clasicistas con otras totalmente cubistas.
•
El movimiento surrealista de 1925 le sirvió como elemento de ruptura con lo anterior, introduciendo en su obra figuras
distorsionadas con mucha fuerza y no exentas de rabia y furia. A Picasso, como a Goya, le influyó mucho su situación personal
y social a la hora de trabajar. Sus relaciones con las mujeres, muy tumultuosas en ocasiones, afectaron a su obra. Pero lo que
afectó tremendamente al artista fue el estallido de la Guerra Civil Española y el bombardeo de Guernica, que provocó la
realización de la obra más famosa del arte contemporáneo, en la que critica la guerra y la sinrazón que conlleva un
enfrentamiento armado. París fue su refugio durante mucho tiempo, pero los últimos años de su vida los pasó en el sur de
Francia, trabajando en un estilo muy personal, con vivos colores y formas extrañas.

Las señoritas de Avignon es un cuadro de Picasso pintado
en 1907. Está hecho mediante la técnica del óleo sobre lienzo.
Se conserva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Este cuadro es la referencia clave para hablar del cubismo.
Imprime un nuevo punto de partida donde Picasso elimina
todo lo sublime de la tradición rompiendo con el Realismo, los
cánones de profundidad espacial y el ideal existente hasta
entonces del cuerpo femenino, reducida toda la obra a un
conjunto de planos angulares sin fondo ni perspectiva
espacial, en el que las formas están marcadas por líneas
claro-oscuras.

Dos de los rostros, los de aspecto más cubista de los cinco,
que asemejan máscaras, se deben a la influencia del arte
africano, cuyas manifestaciones culturales comenzaron a ser
conocidas en Europa por aquellas fechas, mientras los dos
centrales son más afines a las caras de los frescos
medievales y las primitivas esculturas ibéricas, el rostro de la
izquierda presenta un perfil que recuerda las pinturas egipcias.

Las bases de esta obra están influenciadas por una
reinterpretación de las figuras alargadas de El Greco,
habiéndose señalado una influencia particular de su “Visión
del Apocalipsis”. Los tonos ocre-rojizos son característicos de
su época negra.

Obra muy criticada e incomprendida incluso entre los artistas,
coleccionistas y los críticos de arte más vanguardistas de la
época, que no comprendieron el nuevo rumbo tomado por
Picasso, quien, junto con Georges Braque, crearía y
continuaría la nueva corriente cubista hasta el inicio de la
Primera Guerra Mundial.


Se expuso en la Galerie d’Antin (París) en 1916, tras lo cual
Picasso la guardó en su estudio, hasta que fue exhibida en
1925 en el Petit Palais. Poco tiempo después el cuadro fue
comprado por el Museo de Arte Moderno de Nueva York,
donde es una de las piezas más preciadas de la colección.
Esta obra es considerada el inicio del arte moderno y una
nueva etapa en la pintura del siglo XX.
Les Demoiselles d´Avignon
Autor: Picasso
Fecha: 1907
Museo: Museo de Arte Moderno de
Nueva York
Características: 245 x 235 cm.
Material: Óleo sobre lienzo
Estilo: Cubismo

Guernica es un famoso cuadro de Picasso, pintado en
1937. El título alude al bombardeo de Guernica, ocurrido
el 26 de abril de dicho año, durante la Guerra Civil
Española. Fue realizado por encargo del Gobierno de la
República Española para se expuesto en plena Guerra
Civil Española.

En la década de 1940, con el régimen dictatorial del
general Franco, Picasso dejó que el cuadro fuese
custodiado por el Museo de Arte Moderno de Nueva York,
aunque expresó su voluntad de que fuera devuelto a
España cuando volviese la democracia. En 1981 la obra
llegó finalmente a España. Se expuso al público primero
en el Casón del Buen Retiro, y luego, desde 1992, en el
Museo Reina Sofía de Madrid.

Su interpretación es objeto de polémica, pero su valor
artístico está fuera de discusión. No sólo es considerado
una de las obras más importantes del arte del siglo XX,
sino que se ha convertido en un auténtico "icono del siglo
XX", símbolo de los terribles sufrimientos que la guerra
inflige a los seres humanos.

No es un cuadro narrativo, sino simbólico. Está pintado
utilizando únicamente el blanco y negro, y una variada
gama de grises.

La estructura del cuadro es semejante a la de un tríptico,
cuyo panel central está ocupado por el caballo agonizante
y la mujer portadora de la lámpara. Los laterales serían, a
la derecha, la casa en llamas con la mujer gritando, y, a la
izquierda, el toro y la mujer con su hijo muerto. El del
tríptico no es, sin embargo, el único principio de
ordenación espacial presente en el “Guernica”. Las figuras
están organizadas en triángulos, de los cuales el más
importante es el central, que tiene como base el cuerpo
del guerrero muerto, y como vértice la lámpara.

En el cuadro aparecen representados nueve símbolos:
seis seres humanos y tres animales (toro, caballo y
paloma). De izquierda a derecha, los personajes son los
siguientes:
Guernica
Autor: Picasso
Fecha: 1937
Museo: Museo Nacional Centro de Arte
"Reina Sofía"
Características: 351 x 782 cm.
Material: Óleo sobre lienzo
Estilo: Cubismo

En el invierno de 1906, antes de
partir para Gosol, Picasso realizará
dos retratos cumbres en su
producción del periodo primitivista,
antes de dar el salto al cubismo. Se
trata del retrato de Gertrude Stein y
del Autorretrato con paleta que
contemplamos. Si observamos con
detenimiento ambos retratos,
podemos comprobar que los rostros
de los dos personajes están
relacionados. La razón debemos
encontrarla en el empleo de las
máscaras ibéricas como fuente,
marcando la mandíbula y las orejas al
tiempo que las sombras bajo la
mejilla y la barbilla se interrumpen de
manera brusca. El cuerpo es
volumétrico, casi arquitectónico,
definido gracias a intensas líneas de
color negro. Sin embargo, el resto de
la composición pertenece claramente
al periodo rosa como podemos
apreciar en la postura frontal de la
figura o el colorido empleado,
jugando con tonos rosas, azules,
blancos y grises. Los ojos abiertos del
artista parecen indicar la expectación
sobre lo que pronto va a llegar: la
revolución cubista.
Autorretrato con la paleta en la mano
Autor: Picasso
Fecha: 1906
Museo: Museo de Arte de Filadelfia
Características: 92 x 73 cm.
Material: Oleo sobre lienzo
Estilo: Cubismo
Paul Rubens
•
Peter Paul Rubens nació en Siegen, Alemania, el 28 de junio de 1577 y murió en Amberes, Bélgica, el 30 de mayo de 1640. Fue el
pintor barroco más popular de la escuela flamenca. Su destacado estilo enfatizaba el movimiento, el color y la sensualidad. Trató
toda clase de temas pictóricos, religiosos, históricos, de mitología clásica, escenas de caza, retratos, así como ilustraciones para
libros y diseños para tapicerías. Se calcula que llegó a pintar unos 3.000 cuadros gracias, en parte, a los miembros de su taller.
Rubens dominaba diversas lenguas y llegó a ejercer como diplomático entre distintas cortes europeas.
•
En 1570 tuvo que huir por motivos religiosos y se refugió en Colonia, en Renania del Norte-Westfalia (Alemania). En 1578, con la
muerte de la princesa Ana de Sajonia, se le permitió volver a residir en Colonia, donde posiblemente, Rubens inició su formación
artística.
•
En 1589, dos años después de la muerte de Jan, padre de Paul, la madre de Rubens regresó a Amberes, donde practicaron el
catolicismo y él prosiguió con su formación. Estudió latín, alemán, español y francés, pero las penurias económicas de la familia le
obligaron a abandonar los estudios y entró como paje al servicio de la condesa de Lalaing. Se cree que tuvo dos maestros de
pintura, Adam van Noort y Otho van Vaenius.
•
De sus obras de juventud, existe una llamada de muchos nombres: “Retrato de un joven sabio”, “El relojero” y “El hombre de
veintiséis años”. Es una pintura al óleo sobre una plancha de cobre que se encuentra en una colección particular de Nueva York.
•
Rubens obtuvo el grado de maestro en el gremio de San Lucas. Además, existe un certificado de "buenas costumbres y de buena
salud" que data del 8 de mayo de 1600, que el artista pidió para poder realizar un viaje a Italia.
•
En 1600 estuvo en Venecia, Italia, donde obtuvo el cargo de pintor de la corte del Duque de Mantua, Vincenzo Gonzaga. Su cargo le
obligaba a ejecutar los retratos del duque y su familia, copiar las pinturas de grandes artistas que deseara el duque y cuidar de la
decoración de sus palacios. Los Gonzaga tenían la fama de ser unos grandes amantes de las artes y unos buenos mecenas, por lo
que Rubens se encontró con gran cantidad de obras importantes de grandes maestros italianos como Tiziano, Paolo Veronese y
Tintoretto; también algunos como Annibale Carracci y Caravaggio considerados ya del incipiente estilo barroco.
•
Por orden de su mecenas Rubens se trasladó a Roma para adquirir objetos antiguos y hacer copias de otros pintores. En Roma se
sabe que realizó tres cuadros, encargados por el príncipe Alberto de Austria, regente de los Países Bajos, que debían ser dados en la
Basílica de la Santa Cruz de Jerusalén en Roma. Estos cuadros formaban parte de un tríptico formado por: “La invención de la Santa
Cruz por Santa Elena”, “La Coronación de espinas” y “La Elevación de la Cruz”.
•
El 5 de marzo de 1603 viajó a España para entregar unos regalos enviados por el duque de Mantua al rey Felipe III de España y a su
ministro el Duque de Lerma. Durante su estancia en Madrid se le encargó la realización de varias pinturas sobre bustos de apóstoles,
actualmente conservados en el Museo del Prado. Entre las obras realizadas destaca el “Retrato ecuestre del Duque de Lerma”.

Al poco de llegar a Amberes procedente de Italia, Rubens
recibe su primer encargo importante: el retablo de la
Erección de la Cruz destinado al altar mayor de la iglesia de
Santa Walpurgis.

Cornelis van der Geest, un rico e influyente comerciante,
encargó la obra, estableciendo una estrecha relación con el
pintor. A pesar de que el encargo debía presentar la
estructura de un tríptico en el que se incluyeran imágenes de
santos y episodios de sus vidas, el pintor flamenco resolvió
acertadamente el envite al trasladar estos temas a las alas
exteriores para realizar una composición unitaria en las tres
tablas, ocupando el espacio central el episodio principal,
siguiendo las directrices de la Contrarreforma.

Rubens realizó un boceto preparatorio que se conserva en el
Museo del Louvre donde encontramos significativas
diferencias respecto a la obra definitiva. El maestro flamenco
tomó como referencia compositiva la Crucifixión de
Tintoretto. La potente anatomía de los sayones y sus
escorzadas posturas están inspiradas en la estatuaria clásica
y en Miguel Angel, dos de sus fuentes favoritas. Para el
claroscuro debemos buscar la inspiración en Caravaggio,
pintor italiano que debió conocer en Roma.

Con estas diversas fuentes, Rubens crea una obra
difícilmente superable, en la que la violencia, la tensión y el
dramatismo están contenidos de manera espectacular. La
composición se organiza con una acentuada diagonal típica
del Barroco, que se proyecta desde el fondo del espacio
pictórico hasta el plano del espectador, precipitándose hacia
ese plano dos de los sayones. Los gestos de tensión se
convierten en otro foco de atención, especialmente el rostro
de Cristo. Los ojos de Jesús se dirigen hacia la parte
superior de la escena, concretamente hacia las estatuas de
Dios Padre y los ángeles que remataban el retablo original,
donde se había estudiado especialmente el efecto que
causaría ya que el altar se elevaría por diecinueve
escalones. En la actualidad, el retablo se puede contemplar
junto al Descendimiento de la cruz en el transepto de la
catedral de Amberes.
La erección de la Cruz
Autor: Peter Paul Rubens
Fecha: 1610-11
Museo: Catedral de Amberes
Características: 462 x 300 cm.
Material: Óleo sobre tabla
Estilo: Barroco Centroeuropeo

Para el altar mayor de la catedral de Amberes Rubens
pintó la “Asunción de la Virgen” entre 1624 y 1627, la
interpretación más interesante de las realizadas por el
maestro.

En 1618 Rubens es invitado a presentar dos modelos a
las autoridades eclesiásticas y un año después firma
un contrato con el deán Johannes del Rio. En el
proyecto se planteaba la realización de un altar donde
se integrarían la escultura y la pintura, ya que Dios
Padre estaría esculpido sobre el cuadro. Jan y Robert
de Nole fueron los encargados de la ejecución del
marco escultórico.

Rubens se puso a trabajar en el cuadro hacia 1624
pero, con motivo de la epidemia de peste que asoló
Amberes, abandonó la ciudad en agosto del año
siguiente, regresando en febrero de 1826. En este
momento fue autorizado a pintar su obra in situ,
finalizándola un año más tarde.

Tomando como referencia la magnífica Asunción
pintada por Tiziano para la iglesia de Santa Maria dei
Frari de Venecia, el maestro flamenco crea una obra
maestra protagonizada por el momento de la asunción
de María, rodeada de una amplia corte de ángeles.
Dos de ellos proceden a coronarla con flores. En la
zona terrenal, formando un grupo compacto, dos
mujeres examinan el sarcófago vació mientras que
algunos de los apóstoles dirigen su mirada al cielo,
especialmente la figura de San Juan que ocupa la zona
izquierda de la composición, sirviendo de enlace entre
el mundo terrenal y el celestial al tocar con su brazo
una de las piernas del querubín; otros discípulos se
abalanzan sobre el sarcófago para comprobar el
milagro.Las tonalidades rojas, doradas y azules de los
ropajes de los discípulos se reflejan en el grupo de
ángeles y en la túnica de la Virgen. Las pinceladas son
más rápidas y fluidas, creando un efecto atmosférico
de clara inspiración veneciana.
Asunción de la Virgen
Autor: Peter Paul Rubens
Fecha: 1624-27
Museo: Catedral de Amberes
Características: 490 x 325 cm.
Material: Óleo sobre tabla
Estilo: Barroco Centroeuropeo

Las típicas escenas de aldeanos
flamencos fueron protagonistas de
algunas obras de Rubens. Un grupo de
hombres y mujeres de la campiña
flamenca danza al son de la música de
un flautista que se ha subido al árbol.
Un perro refuerza el ritmo frenético de
la composición corriendo alrededor de
los aldeanos.

Posiblemente se trate de una de las
escenas más frescas y alegres de las
que pintó el maestro, iluminada por una
luz de atardecer que inunda todo el
escenario. Los escorzos de las figuras,
vestidas con ropajes de vivos colores,
son marca característica de Rubens.

El realismo con el que ha captado el
momento hace que los espectadores se
animen a integrarse en la danza,
participando así de la fiesta a la que el
pintor nos invita. La “Kermese” del
Louvre también responde a las
características de esta gran obra, en la
que observamos un interesante
contraste con el Jardín del Amor.
Danza de Aldeanos
Autor: Peter Paul Rubens
Fecha: 1635
Museo: Museo del Prado
Características: 73 x 106 cm.
Material: Óleo sobre tabla
Caravaggio
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Michelangelo Merisi da Caravaggio nació en Milán el 29 de septiembre de 1571 y murió en Porto Ércole el 18 de julio de 1610. Fue un pintor italiano
activo en Roma, Nápoles, Malta y Sicilia, entre los años de 1593 y 1610. Es considerado como el primer gran exponente de la pintura barroca.
La cercanía con las familias Colonna y Sforza, ayudaron más tarde a Caravaggio en su carrera.
Tras concluir su aprendizaje comenzó a moverse en el circuito Milán-Caravaggio, y probablemente visitó Venecia, donde debió conocer las obras de
Giorgione y de Tiziano. Su familia le mostró el patrimonio artístico y cultural de Milán, su ciudad natal..
Hacia mediados de 1592 Caravaggio llegó a Roma. Caravaggio pintó varios cuadros durante esa época, entre los que se incluyen “Muchacho cogiendo
fruta” (su primera pintura conocida), “Cesto con frutas” y “Baco”. Estas tres obras demuestran una particularidad física, por el cual Caravaggio adquirió
renombre: las frutas de la canasta en “Cesto de frutas”.,
Caravaggio abandonó el taller de Cesari en 1594, decidido a abrirse paso por su propia mano. “La buenaventura” es su primera composición con más de
una figura. Este tema fue un poco nuevo para la sociedad romana. “Los jugadores de cartas” es psicológicamente más compleja que sus anteriores obras
y por ello fue considerada como su primera obra maestra. Al igual que “La buenaventura”. Más importante aún, fue atraída por el patronato del cardenal
Francesco María Del Monte, en Roma. Para el cardenal y su círculo amante del arte, Caravaggio ejecutó un gran número de obras de cámara, como “Los
músicos”, “Apolo tocando el laúd”, “Chico mordido por una lagartija”.
Caravaggio adquiere una nueva forma de realismo, pues por primera vez le son encargados trabajos religiosos. La contrarreforma necesitaba adornar
sus templos, y Caravaggio fue uno de los comisionados para ilustrar sus nuevos templos. La primera de estas pinturas fue “Magdalena Penitente”, en la
que muestra a la pecadora bíblica abandonando su vida de cortesana y sentándose a llorar en el piso.
En 1599, presumiblemente bajo la influencia del cardenal Del Monte, Caravaggio fue contratado para decorar la Capilla Contarelli, en la iglesia romana de
San Luis de los Franceses. Los dos trabajos hechos para este encargo fueron: “El martirio de San Mateo”, y “La vocación de San Mateo”, entregados en
1600. El tenebrismo se mostró una vez más en estos trabajos, aumentando el claroscuro y un realismo barroco muy emocional. Fue criticado por su
excesivo realismo. Mientras que algunos de los pintores italianos aclamaron a Caravaggio por estas obras, que lo encumbraban.
Justo en ese año surgió el primer gran escándalo de su carrera: Caravaggio debía pintar a San Mateo inspirado para escribir su evangelio, junto a un
ángel que supuestamente le dictaría las divinas enseñanzas. Pero Caravaggio representó al santo como un hombre viejo, parecido a un jornalero, con la
frente arrugada y sosteniendo torpemente el libro, como si estuviese cansado. El ángel fue pintado como un adolescente que llevaba la mano de Mateo
cual maestro que enseña a escribir al alumno. La obra fue rechazada por el clero y el pueblo. Caravaggio debió pintarla de nuevo. De forma similar, “La
conversión de San Pablo” tampoco fue aceptada.
Otros trabajos incluyen El entierro de Cristo, la “Madonna de Loreto”, “Madonna con el niño y Santa Ana” y la “Muerte de la Virgen”. “La muerte de la
Virgen”, fue comprada por el Duque de Mantua por consejo de Rubens, como un obsequio para el monarca Carlos I de Inglaterra. Finalmente entró en la
corte francesa en 1671.
Caravaggio tuvo una vida tumultuosa. Con una gran capacidad de enfrascarse en riñas. En 1606 mató, probablemente por accidente, a un hombre
llamado Ranuccio Tomassoni. Con una orden de aprehensión a sus espaldas, Caravaggio huyó a Nápoles. Ahí, bajo la protección de los Colonna, la
autoridad romana veía mermado su poder. Pronto se convirtió en la estrella de la pintura napolitana. En esta etapa realizó “Siete acciones de
misericordia” y la “Madonna del Rosario”, entre otros.
Luego de este suceso, Caravaggio marchó a Malta. Los principales trabajos de esta época fueron “La degollación de San Juan Bautista” y “Retrato del
gran maestre de la Orden de Malta Alof de Wignacourt”. Las circunstancias que rodean al brusco cambio de fortuna del pintor no han sido reveladas del
todo, pero se señala que se debió a una riña callejera en la que una casa resultó con serios daños y un caballero fue herido de gravedad. Fue expulsado
de la Orden.
Luego Caravaggio se asentó en Sicilia. Continuó realizando trabajos bien pagados, como “La sepultura de Santa Lucía”, “La resurrección de Lázaro” y “La
adoración de los pastores”. Su estilo siguió evolucionando, con la particularidad de que ahora se mostraban en sus cuadros figuras aisladas ante un
enorme vacío.
Después de nueve meses en Sicilia, Caravaggio regresó a Nápoles. Ya había obtenido perdón, gracias al nuevo Papa, el cardenal Camilo Borghese y pudo
regresar a Roma. En Nápoles realizó “La negación de San Pedro” y “El martirio de Santa Úrsula”, su última pintura. Nuevamente, el estilo de Caravaggio
evolucionaba.
En Nápoles fue víctima de un intento de asesinato. Al recuperarse pintó “Salomé sostiene la cabeza de Juan el Bautista”, mostrando su propia cabeza en
el plato, En ese mismo tiempo pintó “David con la cabeza de Goliat”. Una de sus obras más conocidas de la época es “La negación de San Pedro”.

La Muerte de la Virgen es una obra maestra de Caravaggio. Está realizado
al óleo sobre lienzo, en el año 1606 y se conserva actualmente en el Museo
del Louvre de París.

Es un lienzo de gran tamaño representando la muerte de la Virgen María.
Este cuadro se realizó en un tiempo en que el dogma de la Asunción de
María no se había enunciado formalmente ex cátedra por el papa. Aunque su
asunción en cuerpo y alma sea un dogma, no hay evidencia documental en
relación con la muerte de la Virgen. La pintura recuerda al “Entierro de Cristo”
en el Vaticano en cuanto a su tamaño, sobriedad y el naturalismo fotográfico.
Su naturalismo es típico de la Contrarreforma.

Las figuras casi tienen tamaño real. El centro de atención del cuadro es la
figura de la Virgen María, representada de manera muy parecida a una mujer
del pueblo, sin atributos místicos, evidenciándose su santidad sólo en el halo.
Por otro lado, la María de Caravaggio sí está muerta. No representa una
asunción sino su muerte, con la mano apuntando al suelo. Sus
contemporáneos acusaron a Caravaggio de usar como modelo de la Virgen a
una prostituta.

Alrededor de la Virgen se encuentran María Magdalena y los Apóstoles. En
primer plano, María Magdalena llora sentada en una simple silla, con la
cabeza entre las manos. Los Apóstoles, a su alrededor, también se muestran
entristecidos, pero no mediante expresiones exageradamente emotivas, sino
ocultando los rostros. Caravaggio, maestro de los lienzos oscuros y
tenebristas, no está interesado en un ejercicio manierista que capte la
variedad de emociones. Los gemidos discurren en un silencio emocional sin
rostro. El hombre mayor a la izquierda puede ser san Pedro, y el que se
arrodilla, a su lado, quizá sea Juan el Evangelista.

La escena transcurre en un ambiente humilde. Los colores son muy oscuros,
con los únicos toques luminosos del rojo de la ropa de la muerta y un gran
telón rojo que pende por la parte superior del lienzo, motivo usual en un
cuadro fúnebre.

Nada hay en este cuadro que revele la naturaleza sagrada de su tema. Su
tratamiento es naturalista, incluso brutal y de gran crudeza, lo que motivó su
rechazo. Para comprender el cuadro se ha de tener presente que Caravaggio
estaba próximo a las posiciones pauperísticas de muchos movimientos
religiosos contemporáneos, como los Oratorianos. La Virgen es retratada
como una joven, porque representa alegóricamente la Iglesia inmortal,
mientras que el vientre hinchado, simboliza la gracia divina de la que está
"grávida".

Se trata de una obra trascendental dentro de la historia de la pintura. El tema
sagrado se ha despojado de todo manierismo e irrealidad. Los personajes se
representan según modelos del natural, personas del pueblo, y se iluminan
de manera tenebrista. Representa de manera realista el dolor de la pérdida
de un ser querido.
Muerte de la Virgen
Autor: Caravaggio
Fecha: 1605-06
Museo: Museo Nacional del Louvre
Características: 369 x 245 cm.
Material: Óleo sobre lienzo
Estilo: Barroco Italiano

La negación de San Pedro es uno de los
últimos cuadros de Caravaggio. Actualmente
se exhibe en Nápoles. En el claroscuro, dos
mujeres señalan con sus dedos a Pedro,
mientras que un soldado completa el trío. De
esta manera, Caravaggio representó
simbólicamente las tres negaciones de Pedro
hacia Cristo.

Caravaggio, en esta obra de sus últimos
años, ha sintetizado hasta su máximo
extremo la narración de la escena. Resulta
difícil identificar el tema, la Negación de San
Pedro, que solamente puede rastrearse en
los gestos de los personajes. Éstos se han
visto reducidos a tan sólo tres, Pedro, una
mujer y un soldado. Además, están captados
de medio cuerpo y se encuentran aislados de
cualquier referencia paisajística o
arquitectónica. Así pues, como decíamos, tan
sólo los gestos y las expresiones nos
permiten establecer que se trata de la
Negación: San Pedro, como un viejo vestido
con una túnica pobre y el manto marrón, se
señala con gesto sorprendido y dice algo con
energía, al tiempo que evita la mirada del
soldado. La mujer se dirige al soldado y
señala a Pedro, identificándole como
seguidor de Cristo. La figura del soldado
queda totalmente en la oscuridad. Destaca la
coraza y el casco, a la moda romana del
siglo XVII.
Negación de San Pedro
Autor: Caravaggio
Fecha: 1609-10
Museo: Shickman Gallery
Características: 94 x 125 cm.
Material: Óleo sobre lienzo
Estilo: Barroco Italiano

Salomé con la cabeza de Juan el Bautista
es un cuadro de Caravaggio, realizado en
1607. El cuadro muestra a Juan el Bautista
tras ser decapitado, algo muy común en la
pintura barroca italiana. Salomé, con un aire
de frialdad, siente haber cumplido su misión.
Ensangrentada, la cabeza del Bautista no es
otra que la del propio Caravaggio.

El tema de la decapitación de San Juan
Bautista es muy frecuente en la pintura del
Barroco, así como la aparición junto al mártir
de la princesa Salomé. Sin embargo, no es
tan usual la manera de presentar a los
personajes: Salomé lleva la bandeja con la
cabeza del santo, pero está con una
expresión de vacío absoluto, ligeramente
apartada del tema y sin dar muestras de
repulsión, alegría o arrepentimiento.
Simplemente está ausente de lo que ha
ocurrido. Por contra, el verdugo no muestra la
frialdad que exige su profesión, sino que mira
con expresión concentrada y adusta la
cabeza del muerto. En su mirada podemos
encontrar reprobación. Pero además aparece
un tercer personaje no identificado, una vieja
que retuerce sus manos ante el asesinato
consumado. Se ha creído que hace referencia
al destino o a las parcas que cortan los hilos
de la vida del hombre, pero nada es seguro.
Caravaggio repite el modo de ejecución de
gran parte de su pintura, con fondos
extremadamente oscuros que se pierden,
contra los que se recortan las figuras, muy
iluminadas.
Salomé con la cabeza del Bautista
Autor: Caravaggio
Fecha: 1607
Museo: National Gallery de Londres
Características: 91´5 x 107 cm.
Material: Óleo sobre lienzo
Estilo: Barroco Italiano
Tiziano
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Tiziano Vecellio o Vecelli, nació en Pieve di Cadore, Belluno, en 1477 y murió en Venecia, el 27 de agosto de 1576. Fue un pintor italiano del
Renacimiento, uno de los mayores exponentes de la Escuela veneciana. Es uno de los más versátiles pintores italianos, igualmente capacitado para
ejecutar retratos, paisajes, escenas mitológicas o cuadros de temática religiosa. Tuvo una larga y dilatada carrera, y su obra atravesó muchas y
diferentes etapas, en las que su estilo cambió drásticamente.
•
En cualquier caso, el conjunto de su obra se caracteriza por el uso del color, vívido y luminoso, con una pincelada suelta y una delicadeza en las
modulaciones cromáticas sin precedentes en la Historia del Arte occidental.
•
Recibió su primera formación en el taller de Giovanni Bellini, del que salió a los 18 años para integrarse en la escuela de Giorgione.
•
La concepción poética de la pintura de éste dejó una profunda huella en Tiziano, como resulta evidente en todas sus obras de juventud, y muy
especialmente en la enigmática alegoría “Amor sagrado y amor profano”, lienzo con el que se consagra como un maestro del desnudo femenino,
además de manifestar un talento natural en la plasmación del paisaje. Con anterioridad había colaborado con Giorgione en la realización de los
frescos de la fachada del Fondaco dei Tedeschi y había realizado en Padua los “Milagros de san Antonio”. No tardó en convertirse en el artista más
importante de Venecia y fue nombrado pintor oficial de la República.
•
El artista comenzó la parte más brillante de su carrera con una serie de retablos de colores fuertes y contrastados y figuras poderosas, como “La
Asunción” o el “Retablo Pesaro” para Santa Maria dei Frari. Son obras que muestran una gran vitalidad. Los mismos esquemas dinámicos se
repiten en las obras mitológicas de este período, como “La bacanal” o “Baco y Ariadna”. Por entonces, Tiziano se reveló también como un gran
retratista, con obras como el llamado “Ariosto”, en las que establece un esquema nuevo.
•
Hacia 1530, perdió a su esposa, y seguramente como consecuencia del impacto emocional que ello le causó, su estilo pictórico evolucionó hacia
composiciones menos dinámicas, más pausadas, y hacia colores mucho más claros y complementarios. Recibió encargos de Carlos I de España y
Francisco I de Francia, monarcas a los que retrató en obras magistrales. Carlos I quedó tan entusiasmado con el arte de Tiziano que lo nombró
pintor de la corte. También los príncipes italianos solicitaron sus servicios, y así para el duque de Urbino pintó la famosa “Venus de Urbino”.
•
Entre 1545 y 1546, Tiziano realizó un viaje a Roma, que supuso el punto de partida hacia un nuevo tratamiento del color a base de pinceladas
largas y atrevidas, y de manchas y toques que deshacen las formas y dan una apariencia ligera y agradable a las pinturas. Entre 1548 y 1562 fue
reclamado por Carlos I y luego por su hijo Felipe II, para quien, además de retratos, realizó una serie de cuadros de tema mitológico.
•
Su última obra documentada es la “Piedad de Venecia”, que presenta ciertas afinidades con el manierismo. La grandeza de Tiziano como pintor, su
fama de artista inimitable y la gran influencia que ejerció sobre sus coetáneos y sucesores contrastan con su carácter de hombre avaricioso y que
se servía en ocasiones del engaño para obtener ventajas.

La Asunción de la Virgen es un cuadro de Tiziano. Fue
acabada en 1518. Se trata de un óleo sobre madera de
gran tamaño. Se encuentra en la Basílica de Santa María
Gloriosa dei Frari, de Venecia, Italia.

Es un retablo monumental, el de mayor tamaño de la
ciudad de Venecia, y está dedicado a la Asunción de
María.

La pintura muestra diferentes acontecimientos en tres
capas. En la inferior están representados los Apóstoles,
con los brazos alzados hacia el cielo, con la excepción de
san Pedro, cuyos brazos están cruzados. Miran a la Virgen
María, vestida de azul y rojo, que está volando entre ellos
y Dios, en pie sobre una nube y está rodeada de
querubines celebrando y bailando.

Junto a Dios, que la está esperando, hay otro querubín
sosteniendo la corona de la Gloria Santa.

En este cuadro, Ticiano rompe con la dulzura y el
tonalismo de Giorgione. Se nota la influencia de Miguel
Ángel en la figura de Dios Padre, y la de Rafael Sanzio en
la composición piramidal.

Los tres planos están unidos por un efecto de luz insólito.

Los personajes están representados en movimiento, con
posiciones distintas: de frente, de espaldas o en escorzo.
Asunción
Autor: Tiziano
Fecha: 1517
Museo: Iglesia de Santa María dei
Frari (Venezia)
Características: 690 x 360 cm
Material: Óleo sobre lienzo
Estilo: Renacimiento Italiano

En 1516 Tiziano inicia una estrecha relación con
Alfonso d´Este, el duque de Ferrara, quien
encargará al pintor algunos cuadros de la Cámara
de Alabastro para su castillo de Ferrara. Durante
cuatro años Tiziano realizó tres cuadros
mitológicos: la “Ofrenda a Venus”, la “Bacanal” y el
“Baco y Ariadna”.

Ariadna era hija del rey Minos y fue ella quien dio a
Teseo el hilo con cuya ayuda el héroe ateniense
consiguió escapar del laberinto. El héroe y la joven
huyeron de Creta pero Teseo abandonó a Ariadna
en el litoral de la isla de Naxos. Cuando ella
descubrió que había sido abandonada rompió a
llorar siendo escuchada por Baco, que se apiadó
de ella. El dios del vino se enamoró de ella y la
tomó por esposa. Cuando ella falleció, Baco
recuperó la corona de oro que le regalara y la
convirtió en estrella.

En este cuadro podemos contemplar el momento
en el que el cortejo de Baco llega ante Ariadna.
Una carroza tirada por tigres, danzantes, sátiros y
músicos forman el cortejo mientras que el dios
aparece en la zona del fondo, subido a una mula.
Ariadna se sitúa en la izquierda, haciendo un
primer gesto de desprecio. En la zona de la
derecha encontramos al Laoconte con las
serpientes rodeando su cuerpo. Las figuras están
integradas a la perfección en el paisaje, y hay una
sensación de fuerza y tensiónl. El color y la luz
serán una crean una acertada sensación de
movimiento y alegría que provoca la integración del
espectador en la escena. Las tonalidades
brillantes, las calidades de las telas, el detallismo
en algunas zonas son elementos que identifican el
estilo tizianesco de estos años iniciales de la
década de 1520.
Baco y Ariadna
Autor: Tiziano
Fecha: 1520-22
Museo: National Gallery de Londres
Características: 175 x 190 cm.
Material: Óleo sobre lienzo
Estilo: Renacimiento Italiano

Retrato de hombre llamado El hombre del guante, es
un cuadro ejecutado por el Tiziano hacia 1520-1523. Se
trata de un óleo sobre lienzo. Actualmente se exhibe en
el Museo del Louvre de París, Francia.

Se trata de un retrato, género en el que Ticiano
consiguió crear un nuevo tipo, en el que la hondura
psicológica venía dada por la atención que prestaba a
la expresión del retratado. Contribuye así al desarrollo
del retrato psicológico.

En este caso es un joven aristócrata, representado con
gran sencillez. La elegante apariencia, con el toque
refinado de los guantes de piel y el cabello,
cuidadosamente peinado, sugieren que se trataba de
un aristócrata en torno a los veinte años, seguidor de la
moda veneciana de la época.

El retratado está sentado frente al espectador y se
apoya en un bloque de mármol. El rostro está vuelto
hacia un lado. La camisa blanca ilumina el rostro. En la
pechera se distingue un colgante de color rojo con un
zafiro y una perla. El resto de la vestimenta y el fondo
son oscuros, concentrándose toda la atención en el
rostro.

Se aprecia la influencia de Giorgione en el rostro
soñador, y la de Leonardo en el realismo de las manos,
en las que se aprecian los tendones y las venas.

Tiziano concentra su interés en los dos elementos que
permiten apreciar la personalidad del modelo: la mirada
y las manos. La mirada del hombre se dirige hacia la
derecha, en la misma dirección que señala el dedo de
su mano desnuda. Una mano está enguantada y
sostiene el guante de la otra. Los guantes castaños
están representados de manera minuciosa. El peso de
la composición cae totalmente al lado inferior derecho
de la pintura.
Hombre con un guante
Autor: Tiziano
Fecha: 1520-22
Museo: Museo Nacional del Louvre
Características: 100 x 89 cm.
Material: Óleo sobre lienzo
Estilo: Renacimiento Italiano
Paul Cézanne
•
Paul Cézanne nació el 19 de enero de 1839 y murió el 22 de octubre de 1906. Fue un pintor francés postimpresionista, considerado el
padre del arte moderno, cuya obra estableció la transición entre la concepción artística decimonónica hacia el mundo artístico del siglo XX. Sin
embargo, mientras vivió, Cézanne fue un pintor ignorado que trabajó en medio de un gran aislamiento. Hasta 1895, expuso de forma
ocasional. Fue un «pintor de pintores» ignorado, siendo apreciado sólo por algunos impresionistas y, al final de su vida, por la nueva
generación.
•
Instaló su primer estudio en la casa de campo de su padre, hasta que en 1861 su madre y su hermana le apoyaron para reunirse en París con
su amigo Zola, que se había trasladado allí un año antes. Una vez en la capital francesa, se inscribió en la Academia Suiza para preparar el
examen de ingreso en la de Bellas Artes. En el Museo del Louvre descubrió la obra de Caravaggio y de Velázquez.
•
Sintiéndose incapaz de pintar, regresó a Aix, pero en 1862 decidió volver a París para consagrarse definitivamente a la pintura. Allí reanudó su
amistad con Zola y continuó sus estudios en la Academia Suiza, donde conoció a Guillaumin y a Pissarro. Gracias al contacto con este último,
Cézanne daría un giro radical en su estilo.
•
En 1886 su obra fue rechazada por el Salón de Otoño por vez primera, lo que se repetiría una y otra vez hasta el final de sus días. Conoció por
entonces a la modelo Hortense Fiquet, de la que tendría un hijo, y se trasladó con ella a L´Estaque, localidad en la que pintó paisajes y
bodegones en los que se aprecia una mayor fluidez y vivacidad de los colores debido a la influencia de los impresionistas.
•
Se convenció de la importancia de pintar al aire libre, y, tras volver nuevamente a París en 1872, realizó una colección de paisajes en
Louveciennes junto a Pissarro y otros artistas que inauguraron su período impresionista. En 1878 se estableció casi permanentemente en
Provenza, alcanzando la madurez expresiva que iba a configurar uno de los estilos más representativos e influyentes del arte del siglo XX.
•
Llevó a cabo su actividad pictórica en una reclusión casi total, acentuada por la ruptura con su antiguo amigo Zola. En 1886 murió su padre y
Cézanne abandonó a su esposa y a su hijo en París, pasando a instalarse en Aix. Cézanne continuó con su actividad prácticamente en el
anonimato, hasta que en 1895 el marchante Ambroise Vollard organizó, con el apoyo de Pissarro, Renoir y Monet, una exposición sobre su
obra que fue bien recibida por la crítica, lo que le abrió las puertas del Salón de los Independientes cuatro años más tarde.
•
El primer Salón de Otoño de 1904 le dedicó una sala de forma exclusiva. Dicha exposición confirmó a Cézanne como el padre de cubistas y
fauvistas, y ejerció un gran impacto sobre artistas como Picasso, Braque o Dérain.
•
La tendencia constructivista de Cézanne fue la semilla que germinó en el movimiento cubista,. Compaginó así el estilo directo y vivaz del
impresionismo con la precisión en la composición, el ritmo y la cadencia en un intento de solidificar el impresionismo.

Los jugadores de cartas es un cuadro del Paul
Cézanne. Está realizado en óleo sobre lienzo. Fue
pintado entre 1889 y 1892. Actualmente, se
encuentra en el Museo de Orsay, París, Francia.

Sobre el tema de la partida de cartas, Cézanne
pintó cinco cuadros diferentes entre 1890 y 1896.
Comenzó la tela estando en Suiza y la acabó en
Aix-en-Provence.

Este lienzo pertenece a la época de madurez
(década de 1890) en la que Cézanne produce sus
principales lienzos. Es un periodo en que Cézanne
fue invitado a exponer con el grupo Les XX en
Bruselas y, más tarde, celebró su primera
exposición en París.

Todos los volúmenes están definidos de manera
geométrica, lo que confiere a los dos personajes
una dignidad clásica. Son dos campesinos que
juegan a las cartas, con una botella de vino en
medio, en la que se refleja la luz, Cézanne logra
obtener el máximo grado de centralidad, que
resulta increíble en una escena de vida. Toda la
tela está construida con tonos de los colores azul,
amarillo y rojo. Las pinceladas se presentan
solitarias y sintéticas, como el reflejo sobre la
botella o el simple trazo del ojo del jugador de la
derecha. Pinta con la técnica del facetado, lo que
es evidente en la cara del jugador de la izquierda.
éste lleva un sombrero de forma cilíndrica.

En el cuadro, Cézanne no proporciona sólo una
impresión, sino también una descripción del
sentido interno de la acción, como si fuese la
síntesis destinada a permanecer en la mente bajo
la forma del recuerdo.
Jugadores de cartas
Autor: Paul Cézanne
Fecha: 1890-95
Museo: Museo de Orsay
Características: 47 x 57 cm.
Material: Óleo sobre lienzo
Estilo: Neo-Impresionismo

Las grandes bañistas es un cuadro de
Paul Cézanne. Está realizado en óleo
sobre lienzo. Fue pintado en 1906. Se
encuentra en el Museo de Arte, Filadelfia,
Estados Unidos.

Es la tela más grande jamás pintada por
Cézanne. La trabajó durante siete años en
el estudio que tenía en Lauves, y es la más
trabajada de las versiones del tema de los
bañistas, tratado reiteradamente por el
pintor, desde 1870 hasta su fallecimiento
en 1906.

La gama de los colores está reducida a
tonos sobrios: ocre, malva y verde o azul
verdoso.

El cuadro se compone de dos grupos de
figuras de bañistas, entre las que hay una
mancha blanca que podría ser un perro.
Están a la orilla de un río, en el que puede
verse a una figura nadando. Más allá, en
línea con el perro y la nadadora, se sitúan
dos figuras en la otra orilla; y, detrás de
ellas, un castillo. Hay dos grupos de
árboles inclinados por encina de las
bañistas.

Los cuadros de los bañistas serán
fundamentales para la historia posterior del
arte, influyendo profundamente a todos los
protagonistas de la vanguardia, desde
Matisse a Braque, de Picasso a Moore.
Este estilo final de Cézanne anuncia ya el
cubismo.
Grandes bañistas
Autor: Paul Cézanne
Fecha: 1900-05
Museo: National Gallery de Londres
Características: 126 x 196 cm.
Material: Óleo sobre lienzo
Estilo: Neo-Impresionismo

La montaña de Sainte-Victoire,
vista desde Bibémus es un cuadro
de Paul Cézanne. Está realizado en
óleo sobre lienzo. Fue pintado entre
1898 y 1900. Actualmente, se
encuentra en Museo de Arte,
Baltimore, Estados Unidos.

Esta obra pertenece al género
paisajístico, uno de los favoritos de
Cézanne, junto al bodegón y el
retrato. La montaña de Sainte-Victorie
es, además, uno de sus temas
predilectos. Era un macizo calcáreo
del sur de Francia. Cézanne la hizo
famosa con sus cuadros.

Le dedicó numerosos cuadros en dos
épocas: de 1882 a 1890 y de 1901 a
su muerte. Esta visión desde
Bibémus se enmarca en la segunda
época.

Cézanne no pretendía una
representación estática del paisaje.
Quería lograr la unidad entre el color,
la composición, la superficie y la
tectónica. Además, buscaba dar una
base teórica a sus experiencias y
experimentos.
Montaña Sainte-Victorie vista desde la
cantera de Bibémus
Autor: Paul Cézanne
Fecha: 1897 h.
Museo: Museo de Baltimore
Características: 65 x 80 cm.
Material: Óleo sobre lienzo
Estilo: Neo-Impresionismo
Rafael Sanzio
•
Raffaello Santi o Sanzio, también conocido como Rafael, nació en Urbino, actual Italia, en 1483 y murió en Roma en 1520. Fue
un pintor y arquitecto italiano. Sus obras representan el Renacimiento por su clasicismo equilibrado y sereno basado en la
perfección de la luz, la composición y la perspectiva.
•
Su padre, que fue el pintor y humanista Giovanni Santi, lo introdujo pronto en las ideas filosóficas de la época y en la pintura. A los
diecisiete años trabajaba ya como artista independiente. Desde 1504 hasta 1508, trabajó fundamentalmente en Florencia, en donde
recibió la influencia del arte de Leonardo da Vinci y Miguel Ángel.
•
De entre sus obras de este período (“El sueño del caballero”, “Las tres Gracias”), se aprecian sus variaciones sobre el tema de la
Virgen y la Sagrada Familia. Los personajes sagrados, dotados de cautivadores toques de gracia, nobleza y ternura, están situados
en un marco de paisajes sencillos y tranquilos. En estas telas, Rafael muestra su inigualable talento para traducir a un lenguaje
sencillo y asequible los temas religiosos. Su maestría en la composición y la expresión y la característica serenidad de su arte se
despliegan ya en plenitud en la “Madona del gran duque”, “La bella jardinera” o “La Madona del jilguero”, entre otras obras.
•
En 1508, el papa Julio II lo llamó a Roma para que decorara sus aposentos en el Vaticano. Con sólo veinticinco años, era un pintor
de enorme reputación. En las habitaciones de Julio II, Rafael pintó uno de los ciclos de frescos más famosos de la historia de la
pintura.
•
Entre 1509 y 1511 decoró la Estancia de la Signatura, donde pintó las figuras de la Teología, la Filosofía, la Poesía y la Justicia en
los cuatro medallones de la bóveda, para desarrollar de forma alegórica estos mismos temas en cinco grandes composiciones sobre
las paredes: “El triunfo de la Eucaristía”, “La escuela de Atenas”, “El Parnaso”, “Gregorio IX promulgando las Decretales” y
“Triboniano remitiendo las pandectas a Justiniano”. En un espacio de gran amplitud, organizado con un perfecto sentido de la
perspectiva, Rafael dispone una serie de grupos y figuras, con un absoluto equilibrio de fuerzas y una sublime elegancia de líneas.
•
En la Estancia de Heliodoro, decorada de 1511 a 1514, Rafael desarrolló cuatro temas históricos: “La liberación de San Pedro”,
“Misa de Bolsena”, etc. En la estancia del Incendio del Borgo (1514-1517) predomina ya la aportación de los discípulos sobre la del
maestro, lo mismo que en la Estancia de Constantino, donde sólo la concepción del conjunto corresponde a Rafael.
•
El pintor simultaneó la decoración de las Estancias del Vaticano con la realización de otras obras, como los frescos de “El triunfo de
Galatea” para la Villa Farnesina. A este período corresponden también numerosos cuadros de la Virgen con el Niño y retratos
romanos. En ambos casos, el dibujo es de una calidad inigualable y el colorido, discreto, servidor de la forma.
•
A partir de 1518, Rafael se ocupó de la decoración de las Logias del Vaticano con pequeñas escenas del Antiguo Testamento. “La
Transfiguración”, última obra del artista, es considerada por algunos el compendio perfecto de su arte.

La Transfiguración es una pintura de Rafael, que fue realizada entre
1517 y 1520, dentro del periodo romano del artista. Esta obra está
considerada su última pintura, que dejó inacabada y que se cree fue
completada por su alumno Giulio Romano poco después de la muerte
de Rafael. Es una pintura al óleo sobre tabla. Se conserva en la
Pinacoteca Vaticana (Museos Vaticanos), Ciudad del Vaticano.

Constituye un resumen de toda la evolución artística de Rafael.
Inicialmente, la “Transfiguración” se había pensado para representar
la aparición de Dios, pero influido por Sebastiano del Piombo divide la
escena, adoptando una composición original. Las dos partes en las
que se divide, narran episodios sucesivos del Evangelio de Mateo: la
parte superior de la pintura muestra la transfiguración de Jesucristo
en el monte Tabor, con Cristo transfigurado flotando en frente de
nubes suavemente iluminadas, perdiendo la materialidad para
transformarse en Espíritu Santo entre los profetas Moisés y Elías con
quienes está conversando. Debajo de él hay tres discípulos, en tierra,
asustados.

En la parte inferior, Rafael representa a los Apóstoles intentando
liberar a un niño poseído de los demonios. Son incapaces de curar al
niño enfermo hasta la llegada de Jesucristo transfigurado, quien lleva
a cabo el milagro.

La Transfiguración de Rafael constituye el comienzo de una nueva
era, prefigurando el manierismo, como se evidencia en las posturas
estilizadas y retorcidas de la parte inferior; pero también anticipa el
arte barroco, como se evidencia en la tensión dramática de tales
figuras, y el fuerte uso del claroscuro. Presenta así una nueva
tipología de cuadro que marcará todo el curso del siglo XVI.

La pintura puede interpretarse como una representación de una
dicotomía: arriba, el poder redentor de Cristo, abajo, las debilidades
de los hombres. La zona celestial de Cristo redentor se caracteriza
por la pureza y la simetría, con figuras menos táctiles y tratadas con
colores más claros. En cambio, la zona inferior es una escena oscura
y caótica.

Ambas partes, sin embargo, mantienen cierta relación gracias a la
pared rocosa en sombras. También hay figuras en la parte inferior que
apuntan a la superior.
Transfiguración
Autor: Rafael
Fecha: 1518-20
Museo: Museos Vaticanos
Material: Oleo sobre lienzo
Estilo: Renacimiento Italiano

Los desposorios de la Virgen es un cuadro de
Rafael Sanzio, que data de 1504. Es una pintura
ejecutada con temple y óleo sobre tabla. Se
conserva en la Pinacoteca de Brera de Milán,
Italia. Esta tabla representa la transición del
Prerrenacimiento al Alto Renacimiento

En los Desposorios de la Virgen se ha querido ver
el manifiesto de los principios del arte renacentista
italiano. Rafael realiza una obra de perfección
extraña. Lo que más destacar de la composición
es la presencia del templo circular al fondo de la
escena, por encima de los personajes. Posee
todos los rasgos clasicistas que se pretendían
aplicar a la arquitectura renacentista. Este tipo de
templo simboliza la perfección divina, que a su vez
es la que representa la Virgen o el mismo
sacramento del matrimonio, la unión de los
contrarios para producir un ser perfecto. La
explanada donde se encuentran las figuras posee
unas baldosas rectangulares que permiten
representar la proyección del espacio en
perspectiva hacia un punto de fuga central. Los
personajes están simétricamente distribuidos a los
lados del sacerdote, a un lado las mujeres y al otro
los hombres. Para romper la monotonía, se
encuentran pintados grupos de paseantes en toda
la explanada y las escalinatas del templo.

La idea de la composición está inspirada en la
Entrega de las llaves que Perugino pintó en las
paredes de la Capilla Sixtina.
Desposorios de la Virgen
Autor: Rafael
Fecha: 1504
Museo: Pinacoteca di Brera
Características: 117 x 170 cm.
Material: Óleo sobre tabla
Estilo: Renacimiento Italiano

El Pasmo de Sicilia se encuentra en
el convento de Olivetanos de Santa
María della Spasimo en Palermo. Fue
enviado a España en 1661 por el
Virrey de Nápoles para decorar la
sala del Ochavo en el Alcázar de
Madrid.

Rafael se inspira en los libros
apócrifos. Jesús, con la cruz a
cuestas, cae en la subida al monte
Calvario donde será crucificado.

La Virgen María sale a su encuentro
rodeada por las Santas Mujeres. Los
sayones obligan al caído a levantarse
mientras soldados a caballo vigilan la
marcha. Al fondo se puede
contemplar el monte con las dos
cruces de los ladrones. Se representa
el dramatismo y la tensión,
centrándose en las figuras de Cristo y
María (cuyas miradas se enlazan con
cariño y compasión). Se aprecia la
monumentalidad de las figuras y sus
poses escultóricas, marcando sus
músculos. La belleza de los rostros,
el detallismo de las telas y el vibrante
colorido son marcas especiales de su
pintura.
El Pasmo de Sicilia, Caída camino
del Calvario
Autor: Rafael
Fecha: 1515.
Museo: Museo del Prado
Características: 318 x 229 cm.
Material: ´´Oleo sobre tabla
Tintoretto
•
Venecia, 1518 - id., 1594) Pintor italiano. En la Venecia de la generación posterior a la de Tiziano, las
dos grandes figuras de la pintura fueron Tintoretto y el Veronés; mientras que éste se trasladó a la
ciudad de la laguna desde su Verona natal, El Tintoretto era veneciano y prácticamente no se movió
de la ciudad que lo vio nacer.
•
Apenas nada se sabe de su etapa de formación, para la cual se apuntan diversos nombres en función
de los rasgos estilísticos de sus primeras obras. Lo único seguro es que tenía en la pared de su
estudio la frase «el dibujo de Miguel Ángel y los colores de Tiziano», que constituye una muestra
clara de sus preferencias estilísticas.
•
Aunque se estableció por su cuenta en 1539, El Tintoretto no realizó una obra verdaderamente
notable hasta 1548 (El milagro del esclavo), siendo aquellos primeros años de mera supervivencia; al
parecer, no dudaba en competir deshonestamente con sus rivales para llevarse él los encargos.
•
Más tarde no le faltó trabajo, ya que gustó mucho su pintura de efectos espectaculares, ambientada
en espacios que parecen escenarios teatrales y animada por una iluminación, unos gestos y un
movimiento que acentúan los efectos de dramatismo; basta con pensar, por ejemplo, en su
abundante recurso a los escorzos.
•
Sus obras de mayor alcance son las que realizó entre 1565 y 1587 para la Scuola de San Rocco, que
se conservan in situ. Son una serie de escenas de la vida de Cristo en la planta superior y de la vida
de la Virgen en la inferior, interpretadas con un gran sentido decorativo y una viveza cautivadora.
•
Además de estas pinturas, las más apreciadas de su prolífica producción son el Lavatorio de los pies y
la Última Cena, esta última destacable sobre todo por la novedad de la composición y la iluminación
con respecto a los modelos anteriores. La arquitectura, el lujo de los vestidos y las joyas, y la
ambientación fantástica son rasgos que caracterizan algunas otras de sus obras mayores.

San Marcos liberando al esclavo, es uno de los
cuadros más conocidos de Tintoretto. Está realizado
en óleo sobre lienzo. Fue pintado en 1548,
encontrándose actualmente en la Galería de la
Academia de Venecia, Italia.

Es uno de los primeros cuadros realizados por
Tintoretto sobre el patrono de Venecia, Marcos el
Evangelista. Entre 1548 y 1563, Tintoretto ejecutó
diversos lienzos sobre la vida de san Marcos. Son
representaciones caracterizadas por una acción
vehemente, desconocida hasta entonces en la pintura
veneciana, con violentos escorzos. Fue pintado para la
Scuola Grande di San Marco.

Es una obra maestra innovadora que asienta su estilo
y consagró al maestro. Fue muy celebrada,
representando en la actualidad una de las obras más
destacadas de la Galería de la Academia de Venecia.

Representa un episodio tomado de la “Leyenda
dorada” de Jacobo de la Vorágine: el servidor de un
caballero provenzal va a ser castigado con tortura por
haber venerado las reliquias del santo. La figura
sentada en la parte del lado derecho, vestida de rojo
intenso, es el caballero de provenza, señor de quien
va a ser castigado. Sin embargo, es salvado por la
milagrosa intervención del santo. El santo está pintado
en un sorprendente escorzo, en lo alto, en paralelo al
escorzo de la figura del esclavo que yace en el suelo.

Las figuras se enmarcan en un escenario
arquitectónico. Pueden observarse aquí las diversas
influencias de Tintoretto: por un lado, las anatomías y
los escorzos típicamente miguelangelescos, por otro,
los intensos y vivos colores propios de la escuela
veneciana.
San Marcos liberando al esclavo
Autor: Tintoretto
Fecha: 1548-1566
Museo: Galería de la Academia de
Venecia
Características: 416 cm × 544 cm
Material: Óleo sobre lienzo
Estilo: Manierismo

La última cena, es la última gran obra de
Tintoretto. Está realizada en óleo sobre lienzo.
Fue pintado en los años 1592-1594, y se
encuentra en la Basílica de San Giorgio
Maggiore de Venecia, Italia.

La última cena es un tema clásico en la pintura
religiosa católica. Este cuadro, junto con la
“Recogida del maná” y “La deposición”, fueron
realizados para la iglesia y el monasterio de
San Giorgio Maggiore, en una pequeña isla de
Venecia.

En la “Última cena” de da Vinci, los discípulos
se sitúan alrededor de Jesús con una simetría
casi matemática. En las manos de Tintoretto,
la misma escena aparece dramáticamente
distorsionada, utilizando una perspectiva
oblicua. Las figuras humanas parecen
abrumadas por la aparición de seres
fantásticos. La escena tiene lugar en una
taberna sombría y popular, donde las aureolas
de los santos aportan una luz extraña. Es una
obra oscura, en la que destaca el tratamiento
que hace de la luz. Los rostros de los santos
se distinguen gracias a la luz de sus propias
aureolas. Hay dos puntos de luz intensa: uno
en alto, a la izquierda, y otra la intensa aureola
de Jesucristo.
La última cena
Autor: Tintoretto
Fecha: 1592-1594
Museo: Basílica de San Giorgio Maggiore
Características: 365 cm × 568 cm
Material: Óleo sobre lienzo
Estilo: Marienismo

San Jorge luchando con el dragón es un cuadro de Tintoretto.
Está realizado en óleo sobre lienzo. Fue pintado hacia 1550-1560.
Fue adquirido por la National Gallery de Londres, Reino Unido,
donde se exhibe.

Representa un episodio popularizado por la “Leyenda dorada” de
Jacobo de la Vorágine: La leyenda del dragón relacionada con el
santo Jorge de Capadocia. Un dragón hace un nido en la fuente que
provee de agua a una ciudad. Como consecuencia, los ciudadanos
debían apartar diariamente el dragón de la fuente para conseguir
agua, lo que conseguían mediante la ofrenda de un sacrificio
humano que se decidía al azar entre los habitantes. Un día resultó
seleccionada la hija del rey. Cuando estaba a punto de ser devorada
por el dragón, aparece San Jorge, oficial romano, se enfrenta con el
dragón, lo mata y salva a la princesa. Los agradecidos ciudadanos
abrazaron el cristianismo.

La batalla entre San Jorge y el Dragón simbolizaba la lucha entre el
bien y el mal. Era un tema clásico en la pintura occidental

Domina la composición la figura de la princesa en el primer plano.
Mira hacia atrás, atrayendo con su mirada la del espectador hasta la
figura de san Jorge que lucha con el dragón y el mar al fondo.
El tema está tratado con un gran dinamismo entre las direcciones
opuestas de la princesa, que parece que va a salir por el lado
inferior derecho del cuadro, y la dirección del caballero, hacia la
izquierda. Se trataría de una composición centrífuga, en zigzag.



Hay cierta teatralidad en la escena, como puede verse en el viento
que azota la capa de la princesa y en la aparición en lo alto de Dios
Padre bendiciendo la victoria del santo sobre el dragón.
Inusual es también la presencia de un cadáver con los brazos
extendidos, en la postura de Jesucristo crucificado. Se cree que con
ello pretende establecer un paralelismo entre san Jorge vencedor
del mal y Jesucristo.

Los ricos verdes del paisaje se consiguen gracias a la malaquita.
Resulta básica en la obra de Tintoretto.

También es propio de este pintor el uso de destellos de luz como los
que pueden verse en la figura de Dios Padre, lo que contribuye a la
teatralidad del cuadro.
San Jorge luchando con el dragón
Autor: Tintoretto
Fecha: 1550-1560
Museo: National Gallery de Londres
Características: 157 cm × 100 cm
Material: Óleo sobre lienzo
Estilo: Manierismo
Giovanni Bellini
•
Giovanni Bellini, también conocido por su apodo Giambellino, nació en Venecia, Italia, en 1424 y
murío en la misma ciudad en 1516. Fue un pintor cuatrocentista italiano.
•
Inició su carrera como ayudante en el taller de su padre. En su primera época sufrió una gran
influencia por su cuñado, Andrea Mantegna, de quien tomó el aspecto escultórico de las figuras, la
potencial elocuencia de los contornos muy marcados y, en ocasiones, el tipo de composición, como en
la obra de su primera época “La oración del huerto”. En las obras de Giovanni Bellini se puede captar
una percepción, propia y sutil, del color y la luz, de una excepcional sensibilidad para los paisajes y de
una compenetración con el tema humano directa y delicada.
•
Bellini comenzó a tomar contacto con el óleo a través de la pintura flamenca. Su colorido adquirió
mayor profundidad y se dedicó a investigar las interacciones de color, luz, aire y materia más a fondo.
El resultado fue que la distinción entre masa y espacio se tornó menos clara; el aire comenzó a
adquirir cuerpo entre ellos; las líneas de los contornos empezaron a desaparecer gradualmente para
ser reemplazadas por transiciones de luz y sombra. “San Francisco” representa un primer estadio de
ese proceso, que ya denota una evolución más avanzada en dos obras fechadas en la década de 1480:
“Madona de los arbolitos” y “La Virgen, el Niño y santos” y culmina hacia 1500 en el espléndido
periodo final de Giovanni Bellini
•
Ademas, introdujo innovaciones que sentarían precedente en una serie de retablos monumentales en
los que se representa a la Virgen entronizada entre santos. El equilibrio entre las figuras, el espacio, la
luz, la arquitectura y, a veces, el paisaje, es de una perfección de gran naturalidad y, a través de él,
logra una imagen de serena grandeza, compleja pero armoniosa. Obras como “La Virgen con el Dogo
Agostino Barbarigo”, son un magnífico ejemplo del más puro estilo renacentista.

Oración en el huerto es una obra de
Bellini pintada al temple sobre tabla
en 1455. Se conserva en el museo
National Gallery de Londres.

Esta obra es considerada como el
punto de partida del paisaje
veneciano. Aún existe un cierto aire
flamenco en el aspecto acartonado
de las formas, hallándose una
estrecha relación con la Oración en el
huerto que pinta Mantegna.

Se observa el aspecto escultórico de
las figuras y las rocas, así como un
interés exacerbado por la
perspectiva. Giovanni aporta su vivo
colorido y la iluminación típicamente
veneciana, resultando sus obras un
anticipo de los maestros del
Cinquecento.

Los tres apóstoles aparecen en
primer plano en posturas escorzadas
mientras que Cristo se presenta de
espaldas, elevando su mirada hacia
el ángel que se aparece en el cielo.
Las tropas que van a arrestar al
Mesías se encuentran al fondo,
dirigidas por Judas, en un
sensacional efecto crepuscular tras
las montañas.
Oración en el huerto
Autor: Giovanni Bellini
Fecha: 1455
Museo: National Gallery de Londres
Material: Óleo sobre lienzo
Estilo: Renacimiento Italiano

La Virgen y el Niño con santos es una
de las obras del periodo de madurez de
Bellini. En origen estaba realizado al óleo
sobre tabla, pero fue pasado a lienzo. Se
pintó en 1505.

La obra está firmada y datada “IOANNE
BELLINVS MCCCCCV” sobre un
“cartellino” fijado en el escalón del trono
de la Virgen. Se conserva en la iglesia
de san Zacarías en Venecia (Italia), en
su emplazamiento originario.

En el centro de la tela está representada
la Virgen María en un trono con el Niño
en brazos. A la derecha está santa
Catalina de Alejandría, y delante tiene a
san Pedro. En la parte opuesta están
Santa Lucía detrás y San Jerónimo
delante.
La Virgen y el Niño con santos
Autor: Giovanni Bellini
Fecha: 1505
Musero: Iglesia de San Zacarías, Venecia
Características: 500 cm × 235 cm
Material: Óleo sobre lienzo
Estilo: Renacimiento

Esta Alegoría cristiana es una de las
obras del periodo de madurez de Bellini.
Se conserva en la Galería de los Uffizi, en
Florencia (Italia). Está realizado al temple
sobre tabla. Fue pintado hacia 1490.

Se cree que pudo ser una obra encargada
por Isabel de Este. Puede ser una alegoría
del Purgatorio.

En un marco arquitectónico con un colorido
paisaje al fondo, se muestran diversas
figuras de santos cuyo nexo de unión o
sentido general de la obra no está muy
claro. La terraza tiene elaboradas baldosas
de mármol. La profundidad del paisaje se
logra por el cromatismo.


Se distingue a san Sebastián, a la derecha
con una flecha clavada. Junto a él, san
Jerónimo o quizá una representación del
santo Job; estas dos figuras no presentan
el mismo modelado que el resto. Al otro
lado de la balaustrada, a san Pablo, con un
gran manto rojo y una espada en la mano.
En la parte de la izquierda, María en un
trono. En el extremo de este lado, una
figura con turbante.
Esta alegoría se relaciona con las obras
maestras que Bellini elaboraría a finales
del siglo XV y principios del XVI.
Alegoría del cristiano
Autor: Giovanni Bellini
Fecha: 1490
Museo: Galería de los Uffizi
Características: 73 x 119 cm
Material: Témpera sobre madera
Estilo: Renacimiento Italiano
Giorgione
•
Giorgio Barbarelli da Castelfranco más conocido como Giorgione, nació en Castelfranco Véneto en
1477 y murió en Venecia en 1510. Fue un pintor italiano, representante destacado de la escuela
veneciana.
•
Es una de las figuras más oscuras de la historia del arte, ya que nada se sabe de su vida y muy poco de
su obra, sobre la que existen numerosos problemas de atribución, entre otras razones porque dejó
varios cuadros inacabados, que completaron otros pintores. Pese a ello, puede afirmarse sin lugar a
dudas que el artista fue un innovador, una figura fundamental en la evolución de la pintura veneciana.
•
Llegó a Venecia hacia el año 1500 y se formó en el taller de Giovanni Bellini, antes de establecerse por
su cuenta en asociación con Vincenzo Catena. Participó en dos importantes encargos públicos: un lienzo
para la sala de audiencias del palacio ducal (perdido) y los frescos exteriores del Fondaco dei Tedeschi,
en colaboración con Tiziano. Además, pintó por encargo para coleccionistas privados, y en esto se
diferencia de los otros artistas de su tiempo, que trabajaron sobre todo para grandes instituciones
públicas o de la Iglesia.
•
Se le considera el inventor del paisaje emocional, es decir, de la naturaleza representada en función del
estado de ánimo del artista. Constituye una buena muestra de ello su obra más admirada, “La
tempestad”, donde el tema parece un mero pretexto para la realización de un ejercicio de imaginación
creadora; este cuadro ejerció una gran influencia en la pintura posterior.
•
Un papel de primer orden desempeña también el paisaje en otra de las grandes creaciones de Giorgione,
“Los tres filósofos”, una pintura de significado incierto en la que resulta muy innovador el que la
pincelada se orinte casi exclusivamente a la creación de efectos cromáticos. Obras de atribución segura
son también el retrato de Laura y “Venus dormida”.

La tempestad es una famosa pintura
renacentista de Giorgione hacia 1508.

La Tempestad es el título que se le asignó a este
lienzo mucho tiempo después de que su autor,
Giorgione, muriera prematuramente. La obra fue
pintada entre 1505 y 1510, siéndole dado este
título gracias al rayo que rompe el pesado cielo
que amenaza tormenta. Bajo tan tétrico dosel,
se observa la figura de una joven madre
desnuda con su bebé y, al otro lado, un caballero
vestido de manera principesca. Las figuras están
incluidas en un paisaje silvestre, mientras un
fondo urbano amurallado y con torres cierra la
escena. Las figuras están separadas por un
podio con dos columnas truncadas que no
sujetan nada, por ello, la presencia de estos
elementos soporta un trasfondo simbólico que
no se ha logrado comprender.

Se han dado multitud de explicaciones a esta
obra: mitológicas, alegóricas, políticas, literarias
e incluso se ha visto como una fusión de
diversas interpretaciones. Pero posiblemente, la
obra sólo representaría una tempestad con una
mujer.

Manteniéndose libre de todo esquema gráfico
Giorgione construye las imágenes por capas
superpuestas de color, generando una nueva
síntesis cromático-espacial que marcará el inicio
de la pintura en el sentido moderno.
La tempestad
Autor: Giorgione
Fecha: 1518
Museo: Galería de la Academia de
Venecia.
Características: 82 cm × 73 cm
Material: Óleo sobre lienzo
Estilo: Renacimiento

Los tres filósofos es una obra de Giorgione
realizada al óleo sobre lienzo en 1505. Esta
genial pintura se encuentra en el
“Kunsthistorisches Museum” (Viena).

En la perfección de este lienzo se aprecia la
relación entre pintura y naturaleza y la
plasmación de la luz y la atmósfera que son
características de Giorgione. Las tres figuras
se insertan a la perfección ante la naturaleza,
recibiendo un potente foco de luz que resalta
las tonalidades de sus vestimentas y crea una
sensación atmosférica. La disposición de las
figuras en el espacio es muy acertada,
situándolas en diferentes planos mientras que
el punto de fuga se halla en el paisaje, en
tanto en cuanto se acerca más a la realidad y
se intenta representar la naturaleza tal y como
es.

La poesía que el maestro aporta al paisaje
estaría en relación con su elevada cultura,
estrechamente relacionada con el
neoplatonismo, por lo que algunos
especialistas interpretan esta escena como
una alegoría de las tres edades del hombre,
mientras otros críticos consideran que
estamos ante un tema menos profano al
apuntar a los tres Reyes Magos, que hacen
sus cábalas para encontrar la estrella que les
guiará al Niño Jesús.
Los tres filósofos
Autor: Giorgione
Fecha: 1505
Museo: Kunsthistorisches Museum
Material: Óleo sobre lienzo
Estilo: Renacimiento Italiano

Con motivo del matrimonio entre Gerolamo
Marcello y Morosina Pisan, el 7 de octubre
de 1507 fue encargada esta Venus
dormida a Giorgione. El maestro de
Castelfranco dejó inacabada la obra al
fallecer inesperadamente de peste en
octubre de 1510, siendo Tiziano el
encargado de realizar el paisaje en el que
se ubica la Venus.

Las casas que se aprecian en la colina son
muy similares a las que aparecen en el
“Noli me tangere” de la National Gallery de
Londres por lo que se considera que ésta
sería la parte del paisaje que pintó el de
Cadore. Otros especialistas piensan que el
paisaje no sería la zona en la que intervino
Tiziano, sino en las telas blancas y rojas
sobre las que descansa la sensual figura
de la diosa. Venus aparece recostada ante
un fondo de paisaje, en el que la figura se
integra espectacularmente. Una luz dorada
baña el sensual cuerpo, cubriéndose la
diosa el pubis. Dicha iluminación resalta las
brillantes tonalidades de las telas. La
sensación atmosférica creada es una
herencia de Leonardo, artista por el que
Giorgione sentía especial admiración.
Venus dormida
Autor: Iniciado por Giorgione y
acabado por Tiziano
Fecha: 1507-10
Museo: Gemäldegalerie de Dresde
Características: 108 x 174 cm
Material: Óleo sobre lienzo
Estilo: Renacimiento Italiano
Gustave Courbet
•
Gustave Courbet nació en Ornans, Francia, el 10 de junio de 1819 y murió en La Tour-de-Peilz, Suiza, el 31 de
diciembre de 1877. Fue un pintor francés, fundador y máximo representante del realismo, y comprometido activista
democrático.
•
Nació en un pueblo próximo a Besançon, en el Doubs francés, cuyo paisaje refleja en sus cuadros. Estudió en Besançon
y luego en París (1840). Sus padres deseaban que emprendiese la carrera de Derecho, pero al llegar a París se volcó en
el arte.
•
Viajó a Holanda (1846) y Alemania (1853). Como él, sus amistades eran contrarias al academicismo artístico y literario;
entre ellas Baudelaire, Corot y Daumier. A partir de la revolución de 1848, Courbet fue etiquetado de “revolucionario
peligroso”.
•
En 1855 expuso algunas de sus obras en el Palacio de las Artes de la Exposición Universal de París, pero el rechazo del
jurado hacia algunos de sus cuadros le hizo inaugurar una exposición individual ubicada en las proximidades del campo
de Marte, a la que bautizó con el nombre de "Pabellón del Realismo". Entre las obras que exhibió en dicho lugar cabe
mencionar “El taller del pintor”.
•
Tuvo fama de arrogante y efectista. Algunos le achacaban que provocaba escándalos sólo para entretener a las clases
biempensantes y que, en realidad, su arte se mantenía fiel a cierta exquisitez formal. Sin embargo, otras voces como
Delacroix lamentaban que Courbet malgastaba su habilidad.
•
A pesar de sus polémicas, llegó a disfrutar de éxito. Se le otorgó la medalla de la Legión de Honor, pero la rechazó. Si
bien accedió a participar en el breve gobierno de la Comuna de París de 1871. De él, el filósofo Proudhon, quiso hacer
un pintor proletario. Creía que el arte podría subsanar las contradicciones sociales.
•
Durante la Comuna se le encargó la administración de los museos de París. Tras caer dicho gobierno, el gobierno
posterior le responsabilizó de la destrucción de la columna Vendôme dedicada a Napoleón Bonaparte. Un consejo de
guerra lo condenó a seis meses de prisión y a pagar 300.000 francos. Al salir de la cárcel escapó a Suiza (1873) para
evitar que el Estado le obligara a pagar la multa.

El taller del pintor es un cuadro de Courbet. Está realizado al óleo sobre lienzo.
Fue pintado en 1855, encontrándose actualmente en el Museo de Orsay, de
París, Francia.

Este monumental cuadro es el más emblemático, considerado una alegoría real
de su entorno político, artístico y cultural.

Las figuras en la pintura son representaciones alegóricas de varias influencias
en la vida artística de Courbet. A la izquierda están figuras humanas de todos los
niveles de la sociedad. En el centro, Courbet trabaja en un paisaje, mientras se
aparta de una modelo desnuda que es un símbolo de la tradición artística de la
academia. A la izquierda están amigos y asociados de Courbet.

La escena tiene lugar en el taller de Courbet en París. Se divide en tres partes:
en el centro, el artista, con una modelo desnuda detrás suyo; a su derecha, los
“simpatizantes”; a la izquierda, “los que viven de la muerte y la miseria”. La
intención de Courbet era hacer desfilar por su lienzo a toda la sociedad. Justo
entre los dos mundos hay un maniquí que representa a San Sebastián
atravesado por flechas: simbolizaría a la Academia.

En el centro, el pintor, su modelo y los recuerdos dispersos de su pasado. Sobre
el caballete figura un paisaje del Franco Condado su paisaje natal. El artista se
sienta sobre una silla, de perfil. Courbet interpreta en este cuadro el papel de
mediador, de regulador.

Delante de la tela, un pastorcillo del Franco Condado, símbolo de la inocencia y
de la vida. A la derecha del pintor está su modelo desnuda, que observa al pintor
trabajar; con las dos manos agarra un gran paño. La modelo y el niño serían los
espectadores ideales, pues representan la percepción genuina, de la verdad.

Entre las personas representadas al lado izquierdo se encuentran: un cazador,
que representa la caza. Un sombrero y un puñal que simbolizan la poesía
romántica. Una máscara sobre un diario representa la prensa. Enfrente, una
irlandesa dándole el pecho a un niño, alusión a la gran hambruna de 1845 en
Irlanda, o a la miseria en general. Delante, un rabino representa la religión
hebraica y un segundo judío, el comercio. Este último ofrece una estola a un
burgués. Este burgués podría ser quizá el abuelo de Courbet o el banquero y
ministro de economía Achille Fould recaudando la plata necesaria para el golpe
de Estado.

Entre los otros símbolos y figuras alegóricas de este lado de la obra, se puede
igualmente remarcar un jergón para el teatro y un sacerdote para la religión
católica. En el fondo se encuentra un segador y un terrateniente simbolizando la
vida de los campos o las naciones en lucha por su independencia. Un
enterrador, un obrero desempleado simbolizaría el paro, y una mujer pública
desnuda, el vicio.

Los «simpatizantes» de Courbet , se encuentran a la derecha. Son, en total,
doce personajes. En primer plano, Charles Baudelaire, leyendo sentado en una
mesa; simboliza la poesía. A su lado una pareja burguesa visitando el taller.
Algunos reconocen en ellos a la pareja Sabatier, coleccionistas de Montpellier y
furieristas militantes. A sus pies, su niño lee, es la infancia estudiosa. En medio
del grupo una pareja se abraza representando el amor libre. Champfleury, el
amigo del pintor, se encuentra sobre un taburete y representa la prosa.

En el fondo, Proudhonm, por la filosofía, Promayet por la música, Max Buchon
por la poesía realista, Urbain Cuenot, un amigo íntimo de Courbet, y Alfred
Bruyas.
Estudio del pintor
Autor: Gustave Courbet
Fecha: 1854-55
Museo: Museo de Orsay
Características: 359 x 598 cm.
Material: Óleo sobre lienzo
Estilo: Realismo Francés

Entierro en Ornans es uno de los cuadros más
conocidos de Gustave Courbet. Está realizado al
óleo sobre tela. Fue pintado en 1849,
encontrándose actualmente en el Museo de
Orsay, de París.

La pintura fue presentada en el Salón de 1850,
provocando un escándalo, ya que se había dado
el tratamiento, en formato y estilo, de una pintura
de historia a lo que no era sino un entierro de
pueblo. Esta pintura marcó el nacimiento del
realismo.

Transmite con el máximo realismo posible un
funeral al que asiste toda la comunidad, desde los
representantes del ayuntamiento hasta las
plañideras oficiales, pasando por los hidalgos y la
familia del pintor. Incluso un perro perdiguero se
presenta en primer plano. Se puede decir que esta
obra es un panfleto del nuevo estilo artístico
considerado como un arte científico, naturalista,
anticlásico, antirromántico, antiacadémico,
progresista y social, cuya única fuente debía ser la
observación directa del natural.

Las figuras forman un grupo compacto y se
recortan sobre las planas montañas de la
localidad, representadas en diversas actitudes y
posturas, siendo una de las mejores galerías de
retratos de la historia del arte. Las tonalidades
empleadas son bastante oscuras. El estilo de
Courbet es muy seguro, dominado por un
poderoso dibujo y un acertado estudio lumínico.
Desgraciadamente empleaba mucho betún para
las tonalidades negras, lo que provoca problemas
de conservación en sus lienzos. Esperando
obtener un sonoro triunfo en el Salón de París
presentó su lienzo pero recibió sonoras críticas y
sólo alguna que otra alabanza, especialmente de
los jóvenes pintores.
Entierro en Ornans
Autor: Gustave Courbet
Fecha: 1849-50
Museo: Museo de Orsay
Características: 314 x 663 cm.
Material: Óleo sobre lienzo
Estilo :Realismo Francés

El origen del mundo es un cuadro realizado por
Gustave Courbet en 1866. Es una pintura al óleo
sobre lienzo, que representa en primer plano un pubis
femenino, el de un tronco de mujer desnudo,
reclinado sobre las sábanas de un lecho y que tiene
las piernas separadas. La escala, el encuadre y el
punto de vista elegidos por el artista supusieron una
radical novedad respecto de toda la tradición pictórica
anterior, produciendo en el espectador una fuerte
impresión de sensualidad y erotismo.

Nos encontramos ante una de las obras más
sorprendentes y desconcertantes del maestro del
Realismo, Gustave Courbet. El espectador contempla
en esta pequeña tela los órganos sexuales de una
mujer sin rostro, en una "indecente" postura. La obra
representa un paso más en el descubrimiento del
cuerpo femenino, enlazando con el más puro
realismo defendido por el maestro.

Según los especialistas, la obra fue pintada en 1886
por encargo del diplomático turco Halil Serif quien en
esos momentos residía en París. Permaneciendo
durante más de 100 años en colecciones privadas, en
1913 la galería Bernheim-Jeune vendió el lienzo al
pintor húngaro Ferenz Hatvany.

Se piensa que la llegada de la Segunda Guerra
Mundial llevó el lienzo a manos del ejército alemán en
primer lugar y después pasó al ejercito soviético. En
1947 Hatvany lo recuperaba y se trasladó con él a
París para venderlo ocho años despues. El
comprador era el famoso psicoanalista Jacques
Lacan quien decidió también ocultar la obra, en esta
ocasión bajo una esquemática pintura con el mismo
título de André Masson. La obra permaneció oculta
durante bastante tiempo lo que llevó a los
especialistas a considerar que se había perdido. Los
herederos de Lagan vendieron en 1995 el lienzo al
Estado francés, pasando a engrosar la colección del
Museo d´Orsay y perdiendo el halo de misterio que le
rodeaba.
Origen del mundo
Autor: Gustave Courbet
Fecha: 1866
Museo: Museo de Orsay
Características: 46 x 55 cm.
Material: Óleo sobre lienzo
Estilo: Realismo Francés
Renoir
•
Pierre Auguste Renoir nació el 25 de febrero de 1841 y murió el 3 de diciembre de 1919, es uno de los más célebres pintores
franceses. Perteneció a la escuela impresionista, pero se separó de ella rápidamente por su interés por la pintura de cuerpos
femeninos sobre los paisajes.
•
Renoir, ofrece una interpretación más sensual del impresionismo, más inclinada a lo ornamental y a la belleza. No suele incidir en
lo más áspero de la vida moderna. Mantuvo siempre un pie en la tradición; se puso en relación con los pintores del siglo XVIII que
mostraban la sociedad galante del rococó.
•
En sus creaciones muestra la alegría de vivir, incluso cuando los protagonistas son trabajadores. Siempre son personajes que se
divierten, en una naturaleza agradable. Trató temas de flores, escenas dulces de niños y mujeres y sobre todo el desnudo
femenino con formas gruesas.
•
Renoir posee una vibrante y luminosa paleta que hace de él un impresionista muy especial. "El palco", "El columpio", "El Moulin de
la Galette", "Le dèjeuner des canotiers", "Bañistas", son sus obras más representativas.
•
En 1862, Renoir, al captar atención por las pinturas que tuvo que hacer en unas misiones religiosas, postuló a la Escuela de Bellas
Artes y entró al taller de Gleyre, donde conoció a Monet, Bazille y Sisley. Sus primeros cuadros de estilo clásico, romántico y
realista no fueron inicialmente bien criticados. Sin embargo, la primera obra que expone en la galería “l’Esméralda” en 1864 recibió
una muy buena acogida, pero después de la exposición la destruyó. Pintó gran cantidad de paisajes y de cuerpos humanos,
principalmente femeninos (sobre todo el de Lise Tréhot quien fue su amante). La carrera de Renoir realmente se inicia en 1867
con la exposición de la “Lise à l’ombrelle”.
•
El período impresionista de Renoir dura entre 1870 y 1883. Pinta gran cantidad de paisajes pero sus obras más características
tiene por tema la vida social urbana. En todos sus temas el énfasis lo pone en la juventud y la vitalidad. Su más grande obra
durante este período es “Déjeuner des canotiers”. De esta época data su “Retrato de Madame Charpentier con sus hijos”. Le fue
encargado por el editor Charpentier, quien le ayudó en años difíciles.
•
Entre 1883 y 1890, Renoir entra en su período ingresco. Los contornos de sus personajes se vuelven más precisos. Dibuja las
formas con gran precisión, los colores se vuelven más fríos. Al convertirse en padre por primera vez deja la pintura por un tiempo.
Al regresar al trabajo realiza la más importante obra de este período “Grandes baigneuses”.
•
De 1890 a 1900, Renoir cambia nuevamente su estilo. Ahora es una mezcla de sus estilos impresionista e ingresco. Su primera
obra de este período “Jeunes filles au piano”, es adquirida por el estado francés para ser expuesta en el Museo de Luxemburgo.
•
Entre 1900 y 1919, Renoir entra en su período de Cagnes. En esta época sufre graves crisis de reumatismo. Con el nacimiento de
su tercer hijo en 1901 su pintura toma un nuevo matiz. Al morir su esposa Aline en 1915, Renoir continúa pintando para ahogar su
pena. Vuelto a Cagnes continuó pintando hasta terminar su composición "Descanso tras el baño".

Almuerzo de remeros es una obra de Renoir
realizada en 1881 al óleo sobre lienzo. Se
conserva en el museo National Gallery de
Washington.

La composición fue realizada en el
restaurante de Fournaise, posando sus
amigos Aline Charigot (la mujer de la
izquierda con el perrito), el pintor Caillebotte
(sentado a horcajadas en primer plano) o la
modelo Angèle mirando al pintor. Lhote,
Lestringuez y otros conocidos del artista
también se distribuyen por el lienzo de
manera acertada.

Un perfecto bodegón de botellas, frutas,
platos y copas preside la composición. Las
figuras se sitúan bajo un toldo que evita la
entrada de la luz solar, provocando sombras
coloreadas típicas del Impresionismo. La
factura es cuidadosa, destacando el perfecto
dibujo de las figuras, mientras que el fondo
está más abocetado. La luz tomada
directamente del natural, la disposición de las
figuras en la escena, los rostros de los
personajes muy realistas y la sensación de
vida que se respira en el conjunto hacen de
esta obra una de las más atractivas del pintor.
Almuerzo de remeros
Autor: Pierre Auguste Renoir
Fecha: 1881
Museo: National Gallery (Washington)
Características: 129´5 x 172´7 cm.
Material: Óleo sobre lienzo
Estilo: Impresionismo

Grandes bañistas es una obra de
Renoir realizada en 1885 a sanguina.

Es una de las obras más ambiciosas
pintadas por Renoir, expuesta en
mayo de 1887 en la sexta “Exposition
Internationale” de la galería Georges
Petit.

Para su ejecución buscó la
inspiración en un relieve que decora
una de las fuentes de Versalles en el
que se representa el Baño de las
ninfas. Renoir realizó diversos
estudios a lápiz y sanguina como
éste, en el que ya establece las
líneas básicas de la composición
definitiva. Los firmes trazos recuerdan
a las obras de Ingres, uno de los
artistas más admirados por Renoir,
empleando el dibujo y el modelado
para recuperar el volumen y la forma
que estaban perdiendo los
impresionistas, interesados por el
efecto de la luz y la atmósfera.
Grandes bañistas
Autor: Pierre Auguste Renoir
Fecha: 1885
Museo: Colección Particular
Características: 108 x 162 cm.
Material: Sanguina
Estilo: Impresionismo

Baile en el Moulin de la Galette es una de las
obras más célebres Renoir, que se conserva
en el Museo de Orsay en París, siendo uno de
los cuadros más emblemáticos del museo.

Renoir era maestro en representar los eventos
comunes cotidianos. En esta obra maestra del
impresionismo fija un momento de la vida
parisina. Presenta a la gente sencilla y popular
que se divierte un soleado día de verano en el
moulin de la Galette. Este establecimiento era
un antiguo molino, reconvertido en café, al que
se acudía los domingos, porque allí se
celebraba un baile.

La composición se desarrolla en torno a un
esquema curvilíneo, siguiendo las diagonales
del cuadro. La pincelada es borrosa. Consigue
un gran colorido y efectos de luz, como filtrada
a través de las hojas.

En el primer plano aparece Georges Rivière,
amigo de Renoir. Era un escritor y crítico que
defendía a los impresionistas.
Baile en el Moulin de la Galette
Autor: Pierre-Auguste Renoir
Fecha: 1876
Museo: Museo de Orsay, París
Características: 131 cm × 175 cm
Material: Óleo sobre lienzo
Estilo: Impresionismo
Edgar Degas
•
Hilaire-Germain-Edgar de Gas, más conocido como Edgar Degas nació en París el 19 de julio de 1834 y murió
el 27 de septiembre de 1917, fue un pintor y escultor francés. Es conocido por su visión particular sobre el mundo
del ballet, capturando escenas sutiles y bellas, en obras al pastel.
•
Después de regresar de Italia, Degas copió pinturas en el Louvre. En 1865 algunos de sus trabajos fueron aceptados en
el Salón, y gradualmente ganó respeto en el mundo del arte. En 1870, hacia el final de la Guerra Franco-Prusiana,
Degas se alistó en la guardia nacional, lo que le dejó poco tiempo para su pintura. Durante el entrenamiento con
el rifle se le diagnosticaron problemas en su visión.
•
Finalizada la guerra, Degas visitó a su hermano René en Nueva Orleans, y produjo un número de trabajos, muchos
sobre familiares, antes de regresar a París en 1873. El siguiente año, Degas ayudó a organizar la primera
exhibición impresionista. Los impresionistas hicieron siete presentaciones posteriores, en las que Degas exhibió su
trabajo. Por este entonces Degas se convertiría también en fotógrafo amateur.
•
En 1874, tras la muerte de su padre, surge una demanda del estado que revela que su padre contrajo enormes deudas.
De repente se encontraba dependiente de las ventas de su arte como única fuente de ingresos. Después de varios años
su situación financiera mejora, y las ventas de su trabajo artístico le permiten dar rienda suelta a su pasión por
coleccionar trabajos de los artistas a quienes admiraba.
•
A medida que pasaron los años Degas se aisló. La controversia del Caso Dreyfus reveló sus inclinaciones antisemitas,
rompiendo con sus amigos judíos. Se cree que estuvo trabajando en pastel hasta fines del año 1907, y también que
continuó haciendo escultura hasta finales de 1910. Aparentemente dejó de trabajar en 1912, cuando la demolición de
su residencia en la rue Victor Massé lo forzó a mudarse al boulevard de Clichy. Nunca se casó y pasó los últimos años
de su vida prácticamente ciego.

Carreras de caballos. Antes de la salida es
un cuadro del pintor francés Edgar Degas.
Está realizado al óleo sobre lienzo. Fue
pintado en 1862. Actualmente, se encuentra
en el Museo de Orsay, de París, Francia.

Las carreras de caballos es uno de los temas
favoritos del pintor, en los que explora
el movimiento.

Representa una escena antes de la salida. El
primer plano lo ocupan los caballos y sus
yóqueys, vestidos con maillots de colores.
Detrás se ve la fila de los espectadores. El
fondo está ocupado por un prado, a lo lejos
se ven las chimeneas de las fábricas y toda la
parte superior está dominada por un cielo
brumoso.

El cuadro presenta un carácter instantáneo y
espontáneo. El encuadre, con su corte en la
parte inferior y el lado derecho es, al parecer,
arbitrario.
Antes de la carrera
Autor: Edgar Hilaire Degas
Fecha: 1882
Museo: Colección Particular
Características: 26´5 x 34´9 cm
Material: Oleo sobre lienzo
Estilo: Impresionismo




La taza de té es un cuadro
del pintor francés Edgar Degas. Está
realizado al pastel. Fue pintado hacia 1894.
Actualmente, se encuentra en la Tate,
de Londres, Reino Unido.
En esta obra, Degas representa a una
mujer peinándose su cabello pelirrojo,
mientras a la derecha se ve a una criada
que le trae una taza de té. Sobre el tocador
se ve un tibor oriental.
El autor se centra más en la composición,
insertando el acto de peinarse en un
rectángulo formado por los brazos de la
mujer y el borde de la mesa. Contrasta la
forma suave de la figura central con la de
la criada, de perfil muy marcado. La
tensión y energía que se desprende de
este contraste resulta enfatizada por el rico
tratamiento de las paredes y de los
muebles.
Es uno de los últimos cuadros de Degas
antes de quedarse ciego. Es un tipo de
obra frecuente en la producción de Degas.
A pesar de su naturalidad y aparente
espontaneidad, son cuadros
cuidadosamente estudiados.
La taza de té
Autor: Edgar Degas
Fecha: 1894
Museo:
Características: 95,5 x 110 cm
Material: Pintura al pastel
Estilo: Impresionismo

El foyer de la danza en la Ópera es un
cuadro del pintor francés Edgar Degas.
Está realizado al óleo sobre lienzo. Fue
pintado en 1872. Actualmente, se
encuentra en el Museo de Orsay,
de París, Francia.

Edgar Degas es conocido sobre todo por
estos cuadros de bailarinas de ballet,
vestidas de tul, con lazos y sus
características zapatillas, tanto en ensayos
como sobre el escenario.

En este caso se ve al maestro del ballet, en
pie al lado derecho, apoyado en
un bastón con el que marca el ritmo y
corrige los movimientos. Hace un gesto
con la mano a la bailarina que está
ensayando, que aparece en el lado
izquierdo del cuadro.

Al lado del maestro está un violinista,
sentado ante el atril. Alrededor de estas
figuras, hay otras bailarinas, unas en
la barra de la pared del fondo, otras
mirando la escena.
El foyer de la danza en la Ópera
Autor: Edgar Degas
Fecha: 1872
Museo: Museo de Orsay
Características: 32 x 46 cm
Material: Óleo sobre tela
Estilo: Impresionismo
Bernini
•
Gian Lorenzo Bernini nació en Nápoles el 7 de diciembre de 1598 y murió en Roma el 28 de
noviembre de 1680. Fue un escultor, arquitecto y pintor italiano, uno de los artistas más
destacados del Barroco.
•
Torbellino imparable y artista sinergético, escultor, arquitecto, escenógrafo, pintor y dramaturgo.
Hijo del escultor florentino Pietro Bernini, trasladado a Roma con su familia en 1606, su vida se
desarrolla en la ciudad papal, que sólo abandonaría cuando viajó a Francia a la corte de Luis XIV
(1665). Roma constituyó, pues, su espacio vital y su taumatúrgico taller operativo, que acabaría
transformando en el más bello espejo de su tiempo.Su aprendizaje lo efectuó entre el taller del
padre y el equipo que con él laboraba en la capilla Paolina de Santa Maria Maggiore. De la
consumada habilidad del padre aprendió a tallar el mármol sin plan previo. Así, partiendo de
sugestiones tardo-manieristas, y tal vez del naturalismo de Mariani, prosiguió con el estudio de
los maestros renacentistas, de los mármoles antiguos atesorados en las colecciones papales e,
incluso, de los pintores modernos. Profundizó así en la tradición diseñadora italiana y en los
problemas de la representación de la figura humana, que tanto interesara durante el
Renacimiento. Por lo demás, el mismo Bernini, durante su estancia en Francia declaró su
admiración juvenil por la estatuaria griega, y en particular por la de la tardía Antigüedad
helenística, con la que se sintió ligado por afinidades tanto técnicas y formales (inigualable
pericia, y aproximación ilusionista y natural con los materiales) como continuistas y de
sentimientos (repertorio temático y visual, y absoluta libertad expresiva).
•
En sus primeras obras se aproxima al complejo mundo que definió su formación. Como hiciera
Michelangelo, Bernini, en sus años de restaurador de antigüedades, compitió con la estatuaria
antigua, hasta el punto de que su primer grupo: “Júpiter niño” y la “Cabra Amaltea” (1615-16)
se tuvo hasta hace poco por obra helenística. Los ecos miguelangelescos tomados de la “Piedad”
de Florencia se ven en su “San Sebastián”; o los esquemas tardo-manieristas aparecen,
impetuosamente revisados, en su “Neptuno con un tritón” para la villa Montalto.

Apolo y Dafne es una estatua realizada Bernini entre los años
1621 y 1624. Pertenece al estilo barroco.Se trata de una
escultura a tamaño real de mármol, expuesta en la Galleria
Borghese en Roma.

Cuenta el mito que Apolo quiso competir con Eros en el arte de
lanzar flechas. Eros, molesto por la arrogancia de Apolo, ideó
vengarse de él. Para ello lanzó al hermoso dios una flecha de
oro, que causa un amor inmediato a quien hiere; por el
contrario, hirió a la ninfa Dafne con una flecha de plomo, que
causa el rechazo amoroso. Así que cuando Apolo vio un día a
Dafne se sintió herido de amor y se lanzó en su persecución.
Pero Dafne, que sufría el efecto contrario, huyó de él. Y la ninfa
corrió y corrió hasta que agotada pidió ayuda a su madre, la
cual determino convertir a Dafne en laurel. Cuando Apolo
alcanzó a Dafne, ésta iniciaba la transformación. Apolo se
abrazó al árbol y se echó a llorar.

Bernini captura la transformación de Dafne con intensa
emoción, retratando las diferentes etapas de sus cambios. La
obra nos pide que interactuemos con ella: vista desde la
espalda de Apolo, la figura de Dafne queda oculta,
mostrándonos sólo el árbol en que se transforma, de modo que
girando alrededor de la estatua tenemos una visión en el tiempo
de la metamorfosis de la ninfa.

La contraposición de los elementos y el uso del claroscuro
reflejan la fuente de la escultura helenística de Bernini.

También en el periodo helenístico existía esta percepción de
Apolo como un muchacho andrógino, joven y delgado, con un
peinado casi femenino, aspectos representados también en esta
estatua.

Aunque Apolo predicaba la virtud griega de la sophrosyne, la
moderación y la sobriedad, esta estatua le muestra persiguiendo
desesperadamente a su amor.

Esta escultura se inspiró en el Apolo Belvedere de Leocares. La
composición se realiza en plano-relieve, encontrándose llena de
dinamismo y difuminación. El grito de horror de Dafne y el rostro
perplejo de Apolo nos muestran un contraste de actitudes y
aspectos.
Apolo y Dafne
Autor: Gianlorenzo Bernini
Fecha: 1622-25
Museo: Galería Borghese (Roma)
Características: 243 cm de altura
Material: Mármol
Estilo: Barroco

El éxtasis de Santa Teresa es una obra de Bernini. Fue realizada
entre 1647 y 1651, por encargo del cardenal Cornaro, para ser
colocada donde iría su tumba, en la iglesia de Santa María de la
Victoria en Roma, donde actualmente se encuentra. Esta
considerada una de las obras maestras de la escultura del alto
barroco romano.

Todo el conjunto fue supervisado y completado durante el papado
de Inocencio X. Durante este tiempo, la implicación pasada del
escultor con los gastos derrochadores del previo papado Barberini
había hecho que Bernini cayera en desgracia y se le privó en gran
medida del mecenazgo papal. Bernini estaba por lo tanto
disponible para el veneciano Cardenal Federico Cornaro (15791673), que había elegido la iglesia, por otro lado, de los Carmelitas
descalzos como su capilla de enterramiento. Tenía razones para
evitar que lo enterrasen en Venecia. Eligió una capilla que
previamente había presentado a “San Pablo en éxtasis”, y el
cardenal lo remplazó con una imagen de la primera santa
carmelita en éxtasis.

Representa a Santa Teresa de Jesús, escritora mística y
reformadora de la sociedad religiosa, que fue beatificada en el año
1614 por Paulo V.

La capilla es una explosión de mármol de color, metal y detalles.
Filtros de luz a través de una ventana por encima de santa teresa,
subrayados por rayos dorados. La cúpula tiene frescos con un
cielo de trampantojo, lleno de querubines, con la luz descendente
del Espíritu Santo representado en forma de paloma.

Las dos figuras principales derivan de un episodio descrito por
santa Teresa de Ávila en uno de sus escritos, en el que un ángel
le atraviesa el corazón con un dardo de oro. La escena recoge el
momento en el que el ángel saca la flecha, y la expresión del
rostro muestra los sentimientos de Santa Teresa, mezcla de dolor
y placer.

Las figuras están realizadas en mármol blanco principalmente, y
los rayos del sol de bronce. La fuerte expresividad de la obra, el
desorden de las figuras y en especial del pliegue del manto de la
santa, denotan que es de claro estilo barroco. Bernini además
pintó la capilla donde fue colocado el conjunto, para darle mayor
realismo y sensación de misticismo.
El éxtasis de Santa Teresa
Autor: Gianlorenzo Bernini
Fecha: 1647-52
Museo: Iglesia de Santa Maria della
Vittoria de Roma
Características: 350 cm. altura
Material: Mármol
Estilo: Barroco Italiano

La Fuente del Tritón se erige en el Quirinal
(Roma, Italia), cerca de la Fontana de Trevi. Fue
realizada Bernini. Esta espectacular fuente, está
ubicada en el centro de la Plaza Barberini, cerca
de la entrada al Palacio Barberini, que Bernini
ayudó a rediseñar para su patrón, Maffeo
Barberini, que se había convertido en papa.

En la fuente, que Bernini ejecutó en travertino en
1642–43, el dios marino Tritón aparece lanzando
un chorro de agua a través de una caracola,
sentado sobre una enorme concha sostenida por
cuatro delfines que entrelazan la tiara papal con
llaves cruzadas y las abejas heráldicas de los
Barberini en sus colas escamosas. El “Tritón”, se
erigió para proporcionar agua del acueducto de
Acqua Felice en una celebración dramática. Fue el
último gran encargo de su gran mecenas

La Fuente del Tritón es una de las evocadas en la
obra de Ottorino Respighi “Fontane di Roma”. La
leyenda aplicada a la Fontana de Trevi se ha
extendido también a esta: que cualquier visitante
que lanza una moneda al agua tiene garantizado
su regreso a Roma.

Dos bocetos en terracota que se encuentran en el
Detroit Institute of Arts, se han atribuido con
seguridad a Bernini, y reflejan su exploración de
los temas de la fuente de los delfines entrelazados
y el musculoso Tritón, con cola escamosa.
Fuente del Tritón (Roma)
Autor: Gianlorenzo Bernini
Fecha: 1642-43
Museo: Aire libre
Características: 2 m. altura
Material: Mármol
Estilo: Barroco Italiano
Miguel Ángel
•
Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni (Miguel Ángel en español), conocido como “el maestro de lo
sublime”, nació el 6 de marzo de 1475 en Capresse, Italia. Fue un escultor, arquitecto y pintor italiano
renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus
pinturas y su obra arquitectónica.
•
Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma, que era donde vivían sus
grandes mecenas, la familia Médicis de Florencia, y los diferentes papas romanos.
•
Triunfó en todas las artes en las que trabajó, caracterizándose por su perfeccionismo. La escultura era su
predilecta y la primera a la que se dedicó; a continuación, la pintura, casi como una imposición por parte de Julio
II; y en sus últimos años, realizó proyectos arquitectónicos.
•
Desde muy joven manifestó sus dotes artísticas para la escultura, disciplina en la cual empezó a sobresalir. En
abril de 1488, con doce años de edad entró en el taller de los famosos Ghirlandaio (Domenico y Davide); su
familia y los Ghirlandaio formalizaron un contrato de estudios.
•
Allí permaneció como aprendiz durante un año, pasado el cual, bajo la tutela de Bertoldo di Giovanni, empezó a
frecuentar el jardín de San Marcos de los Médicis, donde estudió las esculturas antiguas que había allí reunidas.
Sus primeras obras artísticas despertaron la admiración de Lorenzo el Magnífico, que lo acogió en su Palacio de la
Via Longa.
•
En 1496 se trasladó a Roma, donde esculpió un "Baco ebrio" antes de dedicarse a la temática de inspiración
religiosa, que dominaría su arte a partir de 1498. Su obra maestra en este período es la"Piedad del Vaticano" de
mármol que se encuentra en la basílica de San Pedro de Roma.
•
En 1501 Miguel Angel recibió el encargo de realizar las quince figuras de la capilla Piccolomini en la catedral de
Siena y el "David" de mármol.
•
Entre 1536 y 1541 realizó lo que probablemente puede considerarse la máxima expresión del arte pictórico del
Renacimiento: Los frescos de la Capilla Sixtina. Al concluir este trabajo, dedicó su atención a las obras de
arquitectura. Miguel Angel realizó los planos de la cúpula de San Pedro, que no llegaría a ver concluida, y llevó a
cabo otros monumentos romanos, como la Porta Pia, el palacio Farnesio, que había sido iniciado treinta años
antes y no terminado hasta entonces, o la urbanización de la plaza del Capitolio.
•
Venerado en los Estados Pontificios y Florencia, y ensalzado como gran personalidad artística de su tiempo,
Miguel Angel falleció en Roma, el 18 de Febrero de 1564, cuando contaba con 89 años de edad.

El David es una escultura de
mármol blanco de 4,1 m.1 de
altura realizada entre 1501 y
1504 por encargo de la “Opera
del Duomo” de la Catedral de
Santa María del Fiore de
Florencia. Es considerada una
de las obramaestras del
Renacimiento y una de las
esculturas más famosas del
mundo. Actualmente se
encuentra expuesta en la
Galería de la Academia de
Florencia, aunque hasta 1910
estuvo ubicada en la Plaza de
la Señoría de la capital toscana.

La escultura representa al Rey
David bíblico en el momento
previo a enfrentarse con Goliat,
y fue acogida como un símbolo
de la República de Florencia
frente a la hegemonía de sus
derrocados dirigentes, los
Médici, y la amenaza de los
estados adyacentes,
especialmente los Estados
Pontificios.
David
Autor: Miguel Angel
Fecha: 1501-1504
Museo: Galería de la Academia de
Florencia
Características: 517 cm. altura
Material: Mármol
Estilo: Renacimiento Italiano

La Piedad del Vaticano fue
elaborada por Miguel Ángel entre
1498 y 1499. Fue encargada por
el cardenal de san Dionisio Jean
Bilhères de Lagraulas o de
Villiers, benedictino embajador
del monarca francés ante la
Santa Sede.

En esta exquisita escultura se ve
a una Virgen joven, bella y
piadosa cuyas vestiduras se
expanden con numerosos
pliegues, sostiene al Hijo muerto,
el cual, intencionadamente,
aparenta mayor edad que la
Madre, en una composición
triangular sosegada y llena de
ternura. La juventud de la Virgen
es muestra del idealismo
renacentista: se trata de
representar el ideal de belleza y
juventud, una Virgen
eternamente joven y bella.
Piedad
Autor: Miguel Ángel
Fecha: 1498-99
Museo: Basílica de San Pedro del
Vaticano
Características: 174 cm. altura
Material: Mármol
Estilo: Renacimiento Italiano

El Moisés es una escultura de mármol de Miguel Ángel realizada entre
1513 y 1515, centrada en la figura bíblica de Moisés. Originariamente
concebida para la tumba del papa Julio II, el “Moisés” y la tumba se colocó
en la iglesia de San Pietro in Vincoli, en la zona del Esquilino, tras la
muerte del papa.

La estatua se representa con cuernos en su cabeza. Se cree que esta
característica procede de un error.

La tumba de Julio II, una estructura colosal que debía dar a Miguel Ángel
el suficiente espacio para sus seres superhumanos y trágicos, se convirtió
en una de las grandes decepciones de la vida del artista. Tras la muerte
del papa en 1513, la escala del proyecto se redujo paulatinamente hasta
que, en 1542, un contrato final especificó una tumba con un muro sencillo
y con menos de un tercio de las figuras incluidas en el proyecto original.

El espíritu de la tumba, sin embargo, se puede observar en la figura del
“Moisés” Fue diseñado para ser visto desde abajo, y equilibrado por otras
siete enormes formas de temática similar. El líder de Israel se presenta
sentado, con las Tablas de la Ley debajo del brazo, mientras que con la
otra mano acaricia los rizos de su barba. La imaginación puede situar esta
representación en el pasaje de éxtasis tras recibir los Mandamientos en el
Monte Sinaí, mientras que, en el valle al pie del monte, el pueblo de Israel
se entrega una vez más a la idolatría. De nuevo, Miguel Ángel utiliza una
cabeza vuelta, concentrando una expresión de tremenda ira que se refleja
también en la poderosa constitución de la estatua y a sus ojos.

La relevancia de los detalles del cuerpo y de los pliegues de los ropajes,
que provocan cierta tensión psíquica, se puede apreciar estudiando
minuciosamente la escultura. Tal y como afirma un escritor, si este titán se
levantara, el mundo se rompería en pedazos. Miguel Ángel lleva la cólera
sagrada de “Moisés” hasta su punto más álgido. Sin embargo, la contiene,
puesto que los pasionales seres del artista tienen prohibida la liberación
de sus energías. Es una representación neoplatónica, la parte derecha
está estable, es la parte divina, por donde le viene la inspiración, en
contraposición la parte izquierda es la parte por donde le viene el peligro y
el mal. Está tenso, viendo como su pueblo ha caído en la idolatría. Tiene
cuatro elementos neoplatónicos, la tierra, representada en la pierna con
los pliegues de la ropa a modo de cueva. El aire cuando respira, se
percibe en las aletas de su nariz, que se expanden. El agua representada
en sus barbas a modo de cascada. La sangre fluye de manera contenida,
parece que está a apunto de estallar y empezar a gritar, frunce el ceño, su
psique se puede captar a través de su gesto y su mirada

Miguel Ángel pensaba que el Moisés era su creación más realista. La
leyenda cuenta que, al acabarlo, el artista golpeó la rodilla derecha de la
estatua y le dijo "¿porque no me hablas?“.
Moisés
Autor: Miguel Ángel
Fecha: 1513-1515
Material: Mármol
Donatello
•
Donatello (Donato di Niccolò di Betto Bardi) nació en Florencia, Italia, el 1386 y murió el 13 de diciembre de 1466.
Fue un famoso artista y escultor italiano de principios del Renacimiento. Donatello destacó en una fuerza innovadora en
el campo de la escultura monumental y en el tratamiento de los relieves, donde logró representar una gran profundidad
dentro de un mínimo plano.
•
Junto con Alberti, Brunelleschi y Masaccio, fue uno de los creadores del estilo renacentista y uno de los artistas más
grandes del Renacimiento. Su formación junto a Ghiberti le dejó un importante legado técnico pero ya desde sus
comienzos desarrolló un estilo propio basado en la fuerza emocional, y en un singular sentido del movimiento.
•
Su revolucionaria concepción de la escultura resulta evidente ya en las grandes estatuas para nichos destinadas a
Orsanmichele y la catedral de Florencia. La gravedad y el realismo de estas monumentales figuras de mármol
contrastan vivamente con la gracia y el decorativismo del gótico internacional. Donatello comenzó esta serie en 1411
con el “San Marcos” y la concluyó en 1436 con el llamado “Zuccone”. A esta serie pertenece también el “San Jorge”, su
primera obra famosa.
•
Donatello emprendió a partir de 1427 la realización en Pisa de la tumba del cardenal Brancacci, en la que esculpió en
relieve el tema de la Asunción de la Virgen. Poco después, la tumba de Baldasare Coscia para el baptisterio de Florencia
permitió al artista dar sus primeros pasos en el difícil arte de la fundición en bronce.
•
El viaje a Roma que realizó el escultor hacia 1430-1432 condicionó de manera decisiva toda su producción posterior, ya
que le brindó la oportunidad de conocer en directo el arte de la Antigüedad. A su regreso a Florencia comenzó la
famosa “Cantoría” para la catedral. Poco posterior es su escultura más famosa, el “David” en bronce.
•
En 1443, el artista se estableció en Padua, seguramente después de haber recibido el encargo de esculpir la estatua
ecuestre del “Gattamelata”. Realizada al estilo del Marco Aurelio romano, posee la fuerza expresiva de sus estatuas
anteriores, que se transmite también al caballo, representado con brío y vitalidad.
•
En la misma ciudad obró el retablo mayor del santuario de San Antonio, en el cual combinó siete estatuas y cuatro
relieves en el siglo XVI. En estos relieves, que representan los milagros de San Antonio, son magistrales el sentido
dramático y la organización del espacio. Donatello volvió en 1454 a Florencia, donde esculpió sus obras de mayor fuerza
emocional en las que trabajó las expresividad de la deformación. A este período corresponden “Judit y Holofernes” y
“María Magdalena”, en madera. Donatello influyó de decisivamente en la escultura florentina hasta inicios del siglo XVI.

Donatello firmó el contrato con la catedral de Santa Maria
del Fiore de Florencia en 1433 para realizar una de las
dos cantorías o tribunas de la iglesia. La primera, para la
instalación del órgano, se pidió su realización a Luca della
Robbia, para colocarla por encima de la puerta de la
“sacristía de las Misas” en el sureste del crucero. La de
Donatello tenía que estar dispuesta simétricamente, en el
lado contrario sobre la otra “sacristía de los Canónigos” y
estaba destinada para los niños del coro de la catedral,
fue terminada en 1439. Ambas tribunas se conservan en
el Museo dell'Opera del Duomo.

La tribuna muestra la combinación de arquitectura, relieve
y mosaico policromo, mezclado con motivos clásicos de
dentellones y guirnaldas. Descansa sobre cinco fuertes
ménsulas. En los “putti” copiados de antiguos sarcófagos
romanos, consigue el máximo movimiento y expresividad
gracias a la composición de los pequeños cuerpos de los
ángeles, en contraposición con las columnas de
separación de las escenas.

Los pequeños ángeles bailan alegremente, con distintas
posiciones, entre las columnillas. Representan los cantos
de alabanza a Dios.

Además, los destellos dorados brillantes de los mosaicos,
acentúan la sensación de movimiento e imaginativa
variedad de los elementos decorativos.

Donatello diseñó el vitral “La Coronación de la Virgen”, de
cerca de cuatro metros de diámetro y aún visible desde la
nave de la catedral de Santa Maria del Fiore. En el círculo
exterior se ven querubines y serafines y la escena central
es la Virgen recibiendo la Corona por parte de Cristo,
sentados sobre tronos, este tema estaba muy difundido
en la época y muy relacionado con la Virgen María, a la
que estaba dedicada la catedral.
Cantoría
Autor: Donatello
Fecha: 1433-39
Museo: Museo dell´Opera del Duomo de
Florencia
Características: 348 x 570 cm.
Material: Mármol
Estilo: Renacimiento Italiano

Uno de los principales encargos de Cosme
de Médici fue la obra del David realizada
hacia 1440, para situarla en los jardines de
su palacio de Florencia, donde permaneció
hasta el año 1495, cuando es trasladada al
Palazzo Vecchio. En la actualidad se
encuentra en el Museo del Bargello.

Es una obra que exalta el cuerpo humano,
que por primera vez se representaba
desnudo en bronce, de tamaño natural,
desde la Antigüedad clásica. Donatello
representó un gran conocimiento de los
clásicos unido al concepto humanista del
renacimiento, buscando la perfección de la
belleza en el cuerpo de David. El cuerpo
está modelado por amplias y sencillas
masas composiciones en diagonales, que
demuestran el claro contorno de sus
líneas.

Se encuentra la escultura apoyada sobre
su pierna derecha, y el pié izquierdo sobre
la cabeza de Goliat vencido, con una pose
descuidada.
David de bronce
Autor: Donatello
Fecha: 1430
Características: 158 cm.
Museo: Museo del Bargello
de Florencia

Judith y Holofernes es una escultura de bronce realizada por
Donatello entre 1453 y 1457. Desde 1988 se conserva en la Sala
de los Lirios del Palazzo Vecchio en Florencia. Donatello fue el
primer escultor, desde las esculturas antiguas, en realizar un
diseño individual y libre de estructuras arquitectónicas.

El trabajo no fue diseñado para su visión desde un solo punto de
vista, sino que pide una vuelta alrededor de la escultura para
mirar por todas partes. La estructura de la obra es piramidal, con
el vértice en el hierático rostro de Judith y la hoja de la espada.
Otro punto central del grupo es la cabeza de Holofernes en la que
convergen las diagonales del grupo.

El texto bíblico indica que la heroína necesitó dos golpes para
cortar la cabeza del enemigo y el momento exacto de la acción es
entre los dos cortes, como demuestra la herida en el cuello de
Holofernes.

Holofernes está desnudo y modelado de acuerdo con las normas
de la anatomía, mientras Judith está enteramente cubierta por la
ropa. La cabeza cubierta con un velo de Judith, no le sobresale ni
siquiera un pelo, mientras que la cabellera de Holofernes es larga
y salvaje. Su identificación con el «vicio» se ve confirmada por
una serie de atributos, entre los que destaca el medallón que
resbala por la espalda, donde se retrata un caballo irritado.
Incluso las escenas de bacanales hace recordar la embriaguez y
el desenfreno del tirano.

El cuerpo de Holofernes cae ya sin fuerzas y se sostiene sólo por
la mano de Judith. El pie derecho de la heroína lo puso en los
genitales, el otro pie lo tiene en la muñeca y la rodilla cubre la
mitad del medallón alegórico.


La figura de Judith triunfante se levanta con su espada. Su
vestido está hecho de un tejido con pliegues, con rica decoración,
que contrasta, con el liso del rostro. La expresión de la juventud
presenta toda una gama de emociones profundas psicológicas:
concentración, decisión, fuerza, además de los conflictos internos
de los que buscan el apoyo de su Dios, porque para salvar a su
pueblo tiene que asumir el pecado del asesinato.
El rostro de Holofernes es áspero y desfigurado. Se asienta sobre
una almohada. Esta base de la escultura en forma de cojín, es un
elemento naturalista.
Judith y Holofernes
Autor: Donatello
Fecha: 1453-1457.
Museao: Palazzo Vecchio, Florencia.
Características: 236 cm de altura
Material: Cobre
Fidias
•
Fidias, nació en Atenas, hacia 490 a. C. y murió en Olimpia, hacia 431 a. C. Fue el más famoso de los escultores de la Antigua Grecia,
pintor y arquitecto, perteneciente al primer clasicismo griego. Fidias diseñó las estatuas Atenea en la Acrópolis de Atenas y la colosal
estatua sentada de Zeus en Olimpia. Las obras atenienses fueron aparentemente encargo de Pericles en 447 a. C. Es posible que Pericles
usase el dinero de la Liga de Delos para pagarle.
•
Fue el artista más famoso del mundo clásico, y el que llevó la escultura a las cotas más altas de perfección y armonía. La vida de Fidias nos
es, en su mayor parte, desconocida. Apenas se sabe nada de su formación, si bien se cree que tenía experiencia como grabador, pintor y
repujador.
•
Fidias sobresalió tanto en la escultura como en el relieve. La primera obra que se conoce de él es la “Atenea Lemnia,” una estatua de la
diosa destinada a la Acrópolis de Atenas, de la que se conservan un busto en el Museo Arqueológico de Bolonia y una figura casi completa
en el Albertinum de Dresde.
•
En el 438 a.C. se consagró la “Atenea Partenos”, la obra que le significó la fama. La patrona de Atenas está representada en esta estatua de
nueve metros de altura como una diosa guerrera, con escudo y casco, preparada para la defensa de la ciudad.
•
Además de la Atenea para el Partenón, Fidias realizó otra estatua, ésta para el santuario de Olimpia: la efigie de Zeus, incluida por los
antiguos entre las siete maravillas del mundo. Era una estatua sedente del dios, de doce metros de altura, que destilaba grandeza y
majestuosidad.
•
Pero lo que engrandeció el nombre del artista ya en su tiempo y ha mantenido inalterada su fama a través de los siglos son las esculturas
del Partenón. Finalizada la construcción del templo, Fidias y su taller se ocuparon de la decoración escultórica, que incluía un friso en
bajorrelieve de unos ciento sesenta metros de longitud, dos frontones decorados con figuras exentas y noventa y dos metopas en
altorrelieve.
•
Las piezas que se conservan se encuentran en su mayoría en el British Museum. Gozan de particular celebridad el grupo de las “Tres
Parcas” y los fragmentos de la “Procesión de las Panateneas”, sobre todo el grupo de los dioses del Olimpo, donde es de admirar el
magistral tratamiento de las telas, que se adhieren al cuerpo y dibujan sus contornos, una faceta creativa que ha contribuido decisivamente
a la fama del arte fidíaco.
•
Entre las restantes obras que se atribuyen a Fidias se encuentran el “Apolo Parnopios”, estatua de bronce erigida en la Acrópolis de Atenas;
el “Anadumeno de Olimpia”, en bronce, que se identifica como el Farnesio de mármol del British Museum de Londres; la “Amazonas de
Éfeso”, creada en competencia con Policleto y Cresilas; y el “Anacreonte”, identificado con la estatua Borghese de Copenhague.
•
Los últimos años de la vida de Fidias están son un misterio. A la caída de su protector, Pericles, el escultor fue acusado de malversación del
oro destinado a la estatua de Atenea, y pese a demostrar su inocencia, por haber incluido su retrato y el de Pericles en el escudo de la diosa
Atenea.

Atenea Partenos es una enorme escultura de la diosa griega
Atenea, obra de Fidias. Estaba alojada en el Partenón, en la
Acrópolis de Atenas. Se han realizado diversas réplicas y obras
inspiradas en ella.

Fue la imagen de culto más renombrada de Atenas, considerada uno
de los mayores logros del escultor. Fidias empezó su obra alrededor
del 447 a. C., Lacares retiró las láminas de oro en el 296 a. C. para
pagar a sus tropas, y el bronce fue probablemente dorado más tarde.
Resultó dañada por un incendio hacia el 165 a. C., pero fue
reparada. Continuaba estando en el Partenón en el siglo V.

La obra tuvo un gran impacto entre sus contemporáneos, hasta el
punto de que dio origen a una tradición de estatuas criselefantinas,
en la cual encontramos de nuevo a Fidias, con la estatua de Zeus en
Olimpia, y a otros escultores.

El tipo general de la “Atenea Partenos”, aunque no su carácter y
calidad, puede aquilatarse a partir de su imagen en monedas y sus
reproducciones en miniaturas esculpidas, como objetos votivos, y en
las representaciones sobre gemas grabadas.

La cabeza de Atenea aparece ligeramente inclinada hacia adelante.
Está de pie con su mano izquierda posada sobre un escudo vertical.
Su rodilla izquierda está ligeramente doblada, su peso desplazado
levemente hacia su pierna derecha. Su quitón está ajustado en la
cintura por un par de serpientes, cuyas colas se entrelazan en la
espalda. Los mechones del pelo caen sobre el peto de la diosa. La
Niké de su mano derecha extendida es alada. La posición exacta de
una lanza, a menudo omitida, no se ha determinado completamente.

La escultura fue montada sobre un núcleo de madera, cubierto con
placas de bronce moldeadas y recubiertas a su vez con láminas de
oro desmontables, salvo en las superficies de marfil de la cara y los
brazos de la diosa.

La obra original de Fidias tenía unas dimensiones de 12 m de altura,
aproximadamente.
Atenea Varvakeion
Autor: Fidias
Fecha: 448 a.C.
Características: 12 m. de h.
aproximadamente
Material: Madera, oro, bronce y
marfil.


Por los cuatro lados del friso del
Partenón se representa el
cortejo procesional de las
fiestas panatenaicas, festividad
celebrada en honor de Atenea
cada cuatro años, que
culminaba con la entrega del
peplo a la diosa, es decir, una
escena real protagonizada por
la sociedad ateniense y por el
pueblo ático.
Por lo que se refiere al estilo, se
manifiesta la presencia de
jóvenes maestros, discípulos de
Fidias, como Agorácritos y
Alcamenes.
Partenón. Jinetes del friso de las
Panateneas
Autor: Fidias
Fecha: 425-420 a.C.
Museo: Museo de la Acrópolis de
Atenas
Material: Relieve

Conocido como Grupo de
Afrodita, formaba parte del
frontón oriental del Partenón,
siendo considerado una de las
cumbres y máxima evolución del
estilo Partenón.

La diosa que aparece
plácidamente recostada,
lujosamente vestida y
resplandeciente de belleza es
Afrodita, probablemente ocupada
en mirarse al espejo que
sostendría en la mano derecha.
La acoge en su regazo Artemis,
su antigua enemiga hasta que la
originalísima iconografía fidíaca
las reconcilia, símbolo del espíritu
conciliador que Pericles quiere
para Grecia. La tercera diosa es
seguramente Leto, madre de
Artemis y de Apolo.
Partenón (Atenas). Frontón oriental.
Diosas
Autor: Fidias
Fecha: 445-38 a.C
Museo: British Museum
Material: Mármol
Estilo: Grecia
Auguste Rodin
•
François-Auguste-René Rodin nació en París el 12 de noviembre de 1840 y murió en Meudon el 17
de noviembre de 1917. Fue un escultor francés contemporáneo a la corriente Impresionista. Enmarcado
en el academicismo más absoluto de la escuela escultórica neoclásica, es el escultor encargado de dar
un nuevo rumbo a la ya obsoleta concepción del monumento y la escultura pública. Es por esto que
Rodin ha sido denominado el primer moderno.
•
Fue alumno de Jean-Baptiste Carpeaux en la Escuela de Artes Decorativas y de Antoine-Louis Barye en
el Museo de Historia Natural, dos escultores a los que admiró y en quienes se inspiró en cierta medida.
Se vio obligado a ganarse la vida como ayudante de decoración, compaginando el trabajo profesional
con su dedicación a la escultura.
•
Su primera obra, “El hombre de la nariz rota”, tuvo muy malas críticas en 1864. Tras unos años al
servicio del empresario Albert Carrier-Belleuse, para quien trabajó en la decoración de la fachada de la
Bolsa de Bruselas, en 1875 emprendió un viaje a Italia para conocer la obra de Miguel Ángel. El
resultado de su contacto con él fue “La edad del bronce”, presentada en el Salón de 1877, que
desagradó profundamente por su extraordinario realismo.
•
Seguía sin triunfar como escultor, lo que consiguió al fin en 1881, cuando presentó en el Salón “San
Juan Bautista predicando”. Entonces recibió la gran petición de su vida: las puertas monumentales del
futuro Museo de Artes Decorativas de París, que nunca llegaron a realizarse, si bien se fundieron en
bronce en 1928, y para las que Rodin esculpió una de sus obras maestras, “El pensador”.
•
Aceptó el encargo de levantar el monumento de “Los burgueses de Calais”, una obra de dramatismo
contenido. Fueron éstos sus años de máxima creatividad, con obras como “El beso” que han llevado a
considerarlo el principal escultor impresionista, junto con el italiano Medardo Rosso. Con posterioridad,
siguió creando obras de inspiración personal, pero se centró en los retratos y en la realización de
monumentos públicos, tales como los dedicados a Victor Hugo y a Balzac.

Las puertas del infierno es un monumental grupo
escultórico creado por el artista francés Auguste Rodin.
Contiene 180 figuras.

Fueron encargadas en 1880 por Edmond Turquet a Rodin
en nombre del estado para el futuro Museo de Artes
Decorativas de París a fin de desagraviarlo tras su mala
acogida inicial, pero el proyecto quedó cancelado y
permaneció en el taller del escultor que le fue haciendo
añadidos hasta su muerte. Actualmente se encuentran en el
Museo Rodin de París, pero no están completas. El material
es bronce, aunque no se fundió hasta después de la muerte
del artista.

La iconografía está basada en “La Divina Comedia” de
Dante y en los poemas de Baudelaire de su obra “Las flores
del Mal”, tratando de realizar una gran alegoría del amor y
la condena. Tal vez se trate de una reflexión sobre la
condición humana, con sus luces y sombras. Romanticismo
y simbolismo se aprecian en esta obra, que precisamente
por su temática se aleja de los intereses de los
impresionistas, a los que, sin embargo, se acerca dada su
preocupación por los efectos de la luz y por afinidad
artística y personal.

Algunas de las más de doscientas figuras representadas las
reprodujo el autor más tarde, como es el caso de “El
pensador”, que se aprecia en el dintel de esta puerta, así
como Las tres sombras que aparecen en el ático.
Predomina el altorrelieve, llegando incluso a lo exento. El
conjunto recuerda al “Juicio Universal” de su admirado
Miguel Ángel, así como a las obras de Gustave Doré o las
obras de William Blake.

Las referencias clásicas son claras: el dintel a modo de
tímpano o el ático, así como las pilastras en las jambas,
como también lo es su referencia a las puertas del
Baptisterio de la Catedral de Florencia. Por otra parte el
papel de la luz, los claroscuros y la poco definida línea de
sus figuras, son elementos modernos que nos permiten
aproximarlo a los impresionistas.
Puerta del infierno
Autor: Auguste Francois R. Rodin
Fecha: 1880-1917
Características: 6,5 m. de alto, 4 m.
de ancho y 1 m. de profundidad

El pensador es una de las más famosas
esculturas en bronce de Auguste Rodin.

La pieza formaba parte de una comisión
del Museo de Artes Decorativas de París
para crear un monumental portal basado
en La Divina Comedia de Dante. Cada una
de las estatuas representaba a uno de los
personajes principales del poema
alegórico.

“El pensador”, en su origen, buscaba
representar a Dante frente a “Las Puertas
del Infierno” (como llamó al portal del que
formaría parte), ponderando su gran
poema. La escultura es un desnudo, ya
que Rodin deseaba una figura heroica al
estilo de Miguel Ángel para representar
tanto el pensar como la poesía.

Rodin hizo un primer modelo de la
escultura en yeso en 1880. La primera
escultura a gran escala se culminó en
1902.

Existen más de veinte versiones de la
escultura en diferentes museos alrededor
del mundo. “El Pensador” está fundido en
bronce y fue terminado en 1880.
El pensador
Autor: Auguste Francois R. Rodin
Fecha: 1880
Museo: Museo Rodín
Características: 71,9 x 45,1 x 56,2
Material: Bronce

El Beso

El sistema usado por Rodin para hacer sus esculturas de gran
tamaño consistía en emplear a escultores que esculpiesen a
escala un modelo menor en algún material más fácil de esculpir
que el mármol y una vez terminadas, Rodin daba los toques
finales él mismo.

En “El Beso” puede verse el libro en la mano de Paolo. Cuando
los críticos de arte vieron la escultura en 1887.

En 1888, el gobierno francés encargó a Rodin la primera
versión en mármol de “El Beso” de gran tamaño y apareció por
primera vez en el Salón de París en 1898. Fue muy popular.

En 1900, Rodin hizo una copia por encargo de Edward Perry
Warren, un excéntrico coleccionista americano que vivía en
Sussex, Inglaterra. Pero “El Beso” había sido encargada por el
Estado francés y no estaba disponible.

En 1914, fue prestada al ayuntamiento de Lewes, Sussex, pero
el tema erótio de la escultura fue considerado ofensivo. Tres
años más tarde, en 1917, “El Beso” regresó a los establos
donde había estado. Durante algunos años, permaneció en la
galería de arte de Cheltenham, hasta que en 1953, la galería
Tate lanzó una campaña pública para la compra de la
escultura.

apareció originalmente entre un grupo de relieves
decorando la monumental puerta de bronce de la mansión
Cozzi, “Las Puertas del Infierno”, de Auguste Rodin.
Elaborada entre 1886 y 1890, la escultura corresponde al
momento en que Rodin trabaja junto con Camille Claudel.
El beso
Autor: Auguste Francois R. Rodin
Fecha: 1886
Características: 183 cm. Altura
Material:
Antonio Canova
•
A causa de sus modestos orígenes familiares, no pudo realizar estudios artísticos. En 1768, a raíz de su traslado a
Venecia, empezó a dedicarse a la escultura y rápidamente alcanzó fama y prestigio.
•
Sus primeras obras venecianas, como “Orfeo y Eurídice” o “Dédalo e Ícaro”, están impregnadas todavía del espíritu
barroco que reinaba en la ciudad de la laguna. Cuando era ya un artista consagrado, se estableció en Roma (1781),
donde definió el estilo que lo caracteriza, inspirado en la Antigüedad clásica.
•
Sus primeras obras del período romano, como “Teseo y el Minotauro”, manifiestan ya la maestría técnica y la
perfección en el acabado que le eran habituales. De hecho, todas sus obras fueron fruto de una larga elaboración, de
una ejecución realizada con un detallismo casi artesanal. Canova perfeccionó su plasmación del desnudo y superó las
deficiencias de sus primeros estudios anatómicos.
•
En su estudio romano desplegó una enorme actividad para poder atender todos los encargos que recibía de las más
destacadas personalidades del momento, desde Napoleón hasta Catalina la Grande de Rusia. Era ya por entonces el
principal escultor del estilo neoclásico.
•
Canova realizó esculturas de mármol de acabado y pulido perfectos, que encarnan la belleza ideal y son frías y
distantes, libres de la expresión de cualquier sentimiento o turbación. Este escultor, plasmó la belleza natural en
reposo, libre de cualquier movimiento espontáneo y con una monocromía y simplicidad que contrastan con la etapa
precedente.
•
En esta línea se inscriben sus dos creaciones más conocidas: el retrato de la hermana de Napoleón, Paulina
Borghese, y las “Las tres Gracias”. Paulina Borghese está esculpida como una Venus, sobre un diván, con la elegancia
y la ligereza características de Canova. “Las tres Gracias” encarnan el desnudo femenino en toda su perfección, y en
ellas el artista parece querer reflejar algo de su mundo interior.
•
Canova tiene, además, el mérito de haber renovado profundamente el género del sepulcro monumental. Entre las
muchas efigies oficiales que realizó es particularmente célebre el “Napoléon desnudo”, cabal ilustración de los ideales
neoclásicos. Su fama como artista le abrió numerosas puertas y lo convirtió en un hombre enormemente influyente, a
quien el Papado encomendó misiones delicadas, como la recuperación de las obras de arte expoliadas por Napoleón.

Hércules y Licas es un grupo escultórico
de mármol del escultor Antonio Canova
que ejecutó entre 1795 y 1815 y se
encuentra en la Galeria Nacional de Arte
Moderno de Roma.

El grupo escultórico sigue una precisión
geométrica absoluta. El héroe aparece en
un momento de máxima tensión muscular,
justo en el acto de levantar por el pie al
infortunado muchacho, que en vano se
resiste, aferrándose al altar que se
encuentra detrás de Hércules y a la piel del
león abandonado a sus pies. Licas está
fuertemente izado y suspendido en el aire
un momento antes de ser arrojado al mar.

El grupo, muestra el arco de torsión de los
dos cuerpos desnudos, emitiendo una
energía intensa, que hace patente el
clímax desesperado en la cara del niño y el
enojado Hércules, enmarcado por espesa
barba rizada, el héroe aparecería
completamente desnudo si no fuera por el
tenue velo que Canova utilizó para cubrir la
masa de los músculos.
Hércules y Licas
Autor: Antonio Canova
Fecha: 1795-1815
Museo: Galeria Nacional de Arte
Moderno de Roma
Material: Mármol
Características: 335 cm

“Psique reanimada por el beso del
amor”, también llamada “El amor de
Psique” o “El beso”, es una
escultura de mármol de estilo
neoclásico que representa a Cupido y
Psique.

Inicialmente tallada para el palacio de
F. Berio en Nápoles, esta obra de
Canova ilustra adecuadamente, como
otras obras suyas de este período, su
vinculación teórica con las ideas de
Winckelmann, no sólo en cuanto a la
imitación analógica de las estatuas
griegas, a las que había que imitarlas
para alcanzar a ser inimitables, sino
también en relación al método de
realización, abocetando fogosamente
y realizando con flema. Este grupo es
poco anterior a una de las obras más
meditadas y simbólicas de Canova, el
Perseo, verdadera recreación del
ideal de la escultura clásica.
Eros y Psique
Autor: Antonio Cánova
Fecha: 1786-93
Museo: Museo Nacional del Louvre
Características: 155 cm. altura
Material: Mármol

El monumento funerario de María Cristina de Austria
es una obra de escultura neoclásica de Antonio Canova,
que se mantiene en el interior del Augustinerkirche de
Viena.

La obra escultórica se muestra como una gran pirámide
blanca abierta en el centro por una oscura abertura, hacia
la cual se dirige una triste procesión. Presenta la rigidez
que caracteriza la nueva dirección artística de la escultura
funeraria, dejando el movimiento en esta tradición del
barroco.

La pirámide de mármol, tiene sobre la entrada marcada
un dintel con la inscripción “uxorio optimae Albertus” y
presenta en la parte superior un medallón en relieve con
el retrato de María Cristina, con el apoyo de la
personificación “La felicidad”, acompañados de un
angelote en la izquierda.

La procesión sale de la parte izquierda por una escalera,
todos los personajes están marcados por una expresión
triste y la cabeza hacia abajo: la personificación de la
“Virtud” sostiene la urna de las cenizas tras dos niñas, la
“Caridad” acompaña bajo su brazo a un anciano ciego,
que se sostiene con un palo. La procesión es seguida por
toda la estela de una alfombra drapeada, que acompaña
hasta la oscuridad del vacío interno, símbolo del mundo
de los muertos, para subrayar la continuidad entre la vida
y la muerte.

A la derecha, dos figuras durmientes, un león, símbolo de
la “Fortaleza” y, apoyado en su espalda, un genio alado
con suaves curvas. Esto indica que la muerte es vista
como un sueño eterno.
Monumento funerario de María
Cristina de Austria
Autor: Antonio Cánova
Fecha: 1798-1805
Museo: Iglesia de los Agustinos de
Viena
Características: 574 cm. altura
Material: Mármol
Praxíteles
•
Praxíteles de Atenas, hijo de Cefisodoto el Viejo, fue el más renombrado escultor clásico ático del siglo IV a. C. Con la
obra de Praxíteles la escultura griega evoluciona desde el clasicismo hacia una especie de anticipado manierism. Sus
obras están caracterizadas por la llamada “karis” (gracia) ática y la llamada «curva praxiteliana».
•
Fue el primero en esculpir la forma femenina desnuda en una estatua a tamaño natural. Aunque no queda ninguna
escultura que sea atribuible sin dudas a Praxíteles, numerosas copias de sus obras han sobrevivido; autores
contemporáneos escribieron sobre sus obras; y han sobrevivido monedas grabadas con siluetas de varios de sus modelos
estatuarios.
•
Una supuesta relación entre Praxíteles y su bella modelo, la cortesana tespia Friné, ha inspirado especulación e
interpretación en obras de arte que van desde la pintura a la ópera cómica o las marionetas.
•
Algunos escritores han sostenido que hubo dos escultores con el nombre de Praxíteles. Uno sería contemporáneo de
Fidias y el otro su más conocido nieto. Aunque la repetición del mismo nombre en generaciones sucesivas es habitual en
Grecia, no hay evidencia cierta para ninguna de las posiciones.
•
Pocas cosas se saben de la vida de Praxíteles: no se sabe siquiera con certidumbre el año de su nacimiento ni el de su
muerte. Las fuentes literarias abundan pero son tardías, ninguna de ella es anterior al siglo III.
•
Nacido en Atenas hacia el 400 a. C., formado junto a su padre Cefisódoto el Viejo, desarrolló su máxima actividad artística
entre los años 370 y 340. Plinio el Viejo sitúa su apogeo artístico desde 364 a 361 a. C. y señala que Eufránor fue un
escultor contemporáneo suyo. Se considera generalmente que Praxíteles nació hacia el año 400 a. C.
•
Estuvo asociado con Friné, una famosa cortesana que le sirvió de modelo y que también fue su amante. Esta
circunstancia podría probar que se trataba de un artista con recursos económicos, como también lo demostraría el que
fuese honrado con el patronato de uno de los coros de Atenas, algo que había que pagar. Fue también popular entre el
pueblo, que gustaba de adquirir sus trabajos aunque Praxíteles no fuese inclinado a ello.

La Afrodita de Cnido es una de las más célebres
esculturas de Praxíteles y una de sus primeras obras,
realizada en Atenas en torno al año 360 a. C. La escultura
representa a la diosa griega del amor, la belleza y la
fertilidad femenina de Afrodita, prestándose a realizar, o
tras haberlo efectuado, el baño ritual de las Eleusiadas. Tal
escultura estaba destinada a exornar el naos de un
pequeño templo de dos aberturas a lo largo de un mismo
eje, o quizá para ubicarse en un templete en la ciudad
helénica de Cnido (en Caria, Anatolia).

La Afrodita de Cnido, para la cual sirvió de modelo Friné,
fue representada desnuda en actitudes personalmente
íntimas. Tal actitud recibió el nombre de replegamiento
intimista y se utilizó principalmente en la Antigüedad para
representar a divinidades y personajes míticos en poses
particularmente despreocupadas.
La obra de Praxíteles se hizo rápidamente famosa y fue
muy venerada. Se trata de una de las esculturas que
posee mayor número de copias y variantes.


La desnudez en la Afrodita Cnidia es un logrado elemento
de erotismo: la seducción ha sido acentuada merced a la
tersura que se ha obtenido en el fino labrado del mármol
que constituye a la estatua. Tersura realzada por las
curvilíneas y suaves (mórbidas) formas. Formas que se
"mueven" con un perfil sinuoso. La representación toma,
en efecto, a Afrodita cuando presta al baño, deja caer casi
lánguidamente sus vestiduras sobre una hydria que está a
su costado. La vestidura y el ánfora, pese a la impresión
opuesta sugerida, cumplen la función de fuerte soporte
estructural, de manera que así el cuerpo puede "rotar"
levemente hacia adelante y hacia la izquierda, casi en un
gesto de pudor. Como si la diosa hubiese sido sorprendida
en tal pose por un extraño. Por ello, "lleva" su mano diestra
delicadamente a cubrir incompletamente el pubis.
Afrodita de Cnido
Autor: Praxíteles
Fecha: 360 a.C.
Material: Mármol

Hermes con el niño Dioniso es una escultura de mármol
con una altura de 213 centímetros y que se encuentra en el
Museo Arqueológico de Olimpia. Su autoría se atribuye a
Praxíteles. Se encontró en el año 1877 entre las ruinas del
templo dedicado a Hera donde servía como ornamentación.
Se trata de una obra escultórica exenta, inspirada en la
mitología griega.

El Hermes de Olimpia fue hallado donde, según Pausanias,
se encontraba un Hermes de Praxíteles; su verdadera
atribución lleva más de un siglo siendo quebradero de
cabeza para todos los estudiosos. Ciertamente, se inclina
buscando la curva praxitélica, su cara es suave como las de
Praxíteles, y el grupo se estructura parece de Cefisódoto el
Viejo; la perfección de la talla es sublime, y la estatua ondula
en dos dimensiones. Pero, por otra parte, su musculatura es
más fuerte que las que suele usar Praxíteles, dando una
cierta rigidez a su actitud; su cabello parece inacabado, la
frente se abomba sobre los ojos en lo que suele llamarse
barra miguelangelesca, un elemento más bien usado en el
taller de Lisipo; y, desde luego, el manto que cuelga sobre el
árbol es tan realista que bien justifica la conocida frase del
sabio alemán al que enseñaron las primeras fotos sacadas a
la obra durante la excavación. Siempre se podría pensar que
su verdadero autor fuese un Praxíteles que vivió, por lo que
sabemos, en la primera mitad del siglo, y que retrató, según
nos cuenta Diógenes Laercio, a un hijo de Aristóteles. Ante
tal cúmulo de dudas, no queda más que confesar la
ignorancia de la ciencia moderna y, por desgracia, expresar
el convencimiento de que, en este punto, va a ser duradera.
Hermes con el niño Dioniso
Autor: Praxíteles
Fecha: 360 a.C.
Características: 213 cm altura
Museo: Museo de Olimpia

El Apolo Sauróctono era una estatua de bronce y de tamaño
natural realizada por Praxíteles en el siglo IV a. C.
Representaba a Apolo en su adolescencia a punto de herir a un
pequeño lagarto que trepaba por el tronco de un árbol. Aparece
representado en monedas de Nicópolis.

Una copia que se encuentra en el museo del Louvre
anteriormente estaba en Italia, en Villa Borghese. Es de mármol.
En la época romana debieron ser muy abundantes las copias
que se hicieron del original de Praxíteles.

En 2004 el museo de arte de Cleveland compró una estatua de
bronce que representa al Apolo Sauróctono, que había
pertenecido a una colección particular alemana.

El tema de la representación de un dios como Apolo en un
entretenimiento infantil dentro de un templo es sorprendente y
extraño. Apolo, representado como un adolescente, se
encontraba en actitud relajada y pensativa antes de herir al
pequeño lagarto con una flecha que debía tener en una de sus
manos.

La postura de Apolo conserva la característica curva praxiteliana
en la cadera, compensada con el apoyo del peso sobre una de
sus piernas y sobre el árbol.

Esta figura podría representar a Apolo en su condición de
pastor. Según la mitología griega, Apolo mató a los Cíclopes y
por ello fue sentenciado a servir como pastor del rey Admeto.
También podría ser una parodia del mito en el que Apolo mató a
la serpiente Pitón.

Es posible que el propósito de esta estatua, en la que el lagarto
simbolizaría la enfermedad, fuera representar los atributos de
Apolo.
Apolo Sauróctonos
Autor: Praxíteles
Fecha:360 a.C.
Policleto
• Policleto, llamado “el Viejo” para diferenciarlo de su hijo, fue un escultor griego
en bronce del siglo V y principios del siglo IV a. C. Junto con Fidias, Mirón y
Cresilas, es el más importante escultor de la Antigüedad clásica. Policleto fue
famoso sobre todo por sus estatuas de dioses y atletas realizadas en bronce,
aparte de la enorme estatua de la diosa Hera, destinada al culto en el Hereo de
Argos.
• En la actualidad sólo se conocen algunas de sus obras a través de copias
helenísticas y romanas, realizadas en mármol. La más celebrada es el Doríforo (
«Portador de lanza»). El autor aplicó en ella el sistema de proporciones de la
figura humana que consideraba ideal y sobre el que escribió un tratado
homónimo. Otra de sus mejores obras es el Diadumeno, en la que también
representa a un atleta; Policleto fue, de hecho, un gran especialista en la
plasmación escultórica de la belleza del cuerpo humano. De su obra más
admirada en la Antigüedad, la estatua criselefantina de Hera para el Heraión de
Argos, sólo se conocen reproducciones sobre monedas. Fue, junto con Fidias, la
gran figura de la escultura griega del siglo V a.C.

El Doríforo es una destacada escultura de Policleto, realizada entre
los años 450 y 445 a. C., identificable como una representación
idealizada del mítico héroe Aquiles.

Es la representación de un joven en el máximo desarrollo de su fuerza
muscular, sin que la figura muestre ningún rasgo de niñez. Representa
a una figura desnuda masculina joven en actitud de marcha, con una
lanza sobre el hombro izquierdo, la cabeza ligeramente ladeada hacia
la derecha y con una leve sonrisa en el rostro, acompañada de una
mirada perdida y distante.

Esta obra conserva aún rasgos de un cierto arcaísmo: está tallada con
cierta rudeza, los músculos de los pectorales son planos, sin apenas
relieve, y las líneas de cadera y cintura están perfectamente marcadas.
El movimiento de la figura está perfectamente acompasado, con una
pierna avanzada hacia delante y la otra un poco más retrasada.

La belleza del Doríforo reside primordialmente en su proporción y
medida. La pierna derecha es la que soporta el peso del cuerpo
estando firmemente apoyada en el suelo, recta y comprimiendo así la
cadera; la pierna izquierda en cambio no soporta apenas peso alguno y
retrasada toca el suelo.

En la parte superior el brazo derecho no realiza ningún esfuerzo y cae
relajado a lo largo del cuerpo, mientras que el brazo izquierdo se dobla
para sostener la lanza, el torso presenta una ligera inclinación hacia el
lado derecho y la cabeza gira en ese mismo sentido inclinándose
levemente.

Fue realizado para ser visto de frente, por ello se marca claramente el
eje vertical, pero Policleto rompió con la simetría oponiendo las partes
del cuerpo respecto del eje, sometiéndolas al servicio de la totalidad.

Es la obra más famosa esculpida por Policleto, pues en ella el artista
griego concretó el canon de belleza, de 7 cabezas, considerada como
el modelo de proporciones del cuerpo humano . La cabeza tiene la
medida justa (una séptima parte de la altura total), el vientre y el pecho
están muy marcados y presenta una cierta rigidez y algo de
exageración antinaturalista en los pectorales e ingles.

De esta obra, como de la mayoría de obras griegas, no nos ha llegado
más que algunas copias en mármol de un original en bronce.
Doríforo
Autor: Policleto
Fecha:440-30 a.C
Material: bronce


El Discóforo fue una escultura en bronce de
Policleto, creador del Doríforo y el Diadúmenos, y
sus muchas copias romanas en mármol. Es una
obra temprana de Policleto, que data del 450440 a. C.
Representa a un atleta joven, musculado,
sólidamente construido, en un momento de
reflexión en el momento de desnudarse preparado
para lanzar el disco y el momento en el de hecho lo
lanza.

Este tipo de Discóforo de Policleto se ha
conservado en copias de mármol romanas de los
siglos I y II. Estas copias a menudo carecen de
brazos, que de igual manera se restauran con
frecuencia.

Una copia en el Museo Torlonia en Roma le
muestra con un disco en la mano izquierda. Esta
copia sugiere una conexión con un Torso de Éfeso.

Puesto que la cabeza representa una cabeza ideal,
suele relacionarse con la figura de Hermes. En
realidad, hay estatuas de Hermes con el casco
alado como un atributo externo, lo que apoya esta
interpretación. Las cabezas de Policleto no son
retratos fidedignos de personas concretas, por lo
que se refieren a una búsqueda mitológica.
Discóforo
Autor: Polícleto
Fecha: 450-440 a. C.
Material: Bronce


El Diadumeno o Diadúmeno es
una estatua diseñada por Policleto
en el siglo V a. C. La estatua
original fue realizada en metal,
seguramente en bronce, pero en
la actualidad sólo se conservan
copias de piedra caliza y mármol.
Representa a un atleta griego
ciñendo en su cabeza la cinta de
la victoria, de donde procede el
nombre. Aún está desnudo
después de la competición y eleva
los brazos para atarse la diadema,
una banda en forma de cinta que
identifica al ganador y que en la
obra original de alrededor del año
420 a. C. estaría representada por
una cinta labrada.
Diadúmeno
Autor: Policleto
Fecha: 430-20 a.C
Material: Metal (bronce)
Benvenuto Cellini
• Benvenuto Cellini nació en Florencia el 3 de noviembre de 1500 y murió el 13 de febrero
de 1571. Fue un escultor, grabador y escritor florentino. Se convirtió en uno de los
orfebres más importantes del Renacimiento italiano y realizó monedas labradas, joyas,
floreros y adornos exquisitos.
• Su personalidad es una de las mejor conocidas del Renacimiento italiano gracias a su
autobiografía, que gozó de gran fama en los siglos XVII-XVIII, hasta el extremo de
encumbrar al artista por encima de sus merecimientos. La obra muestra a un Cellini
orgulloso de sí mismo y narra una vida llena de aventuras y de anécdotas que dan origen a
páginas de gran interés, reveladoras del ambiente cultural y social de su época.
• De 1519 a 1540 residió fundamentalmente en Roma, donde se sabe que recibió encargos
del Papa y de otros comitentes destacados, pese a lo cual sólo se conservan de aquel
período algunos sellos, monedas y medallas.
• En 1540 se trasladó a Francia para trabajar al servicio de Francisco I en Fontainebleau. Por
entonces realizó el celebérrimo Salero de oro con esmaltes, que constituye la mejor
creación de la orfebrería renacentista gracias a su plasmación en pequeño tamaño y con
multitud de detalles de un grupo escultórico.
• “La Ninfa de Fontainebleau” es la primera escultura que se conoce de su mano, fechada
poco antes de su regreso a Florencia motivado por problemas con la corte, en 1545. En
esta ciudad trabajó al servicio de Cosme I de Médicis, para quien realizó bustos y
esculturas en metal, entre las cuales se encuentra el famoso “Perseo en bronce” de la
Loggia dei Lanzi, que se considera su obra maestra.

Este Salero de Francisco I de Francia es una
obra de Benvenuto Cellini, que forma parte de la
colección de artes decorativas del
Kunsthistorisches de Viena. Está realizado con
marfil, oro y esmalte.

Fue modelado y fundido en algún momento entre
1539 y 1543 para el rey Francisco I de Francia, a
partir de modelos que habían sido preparados
muchos años antes para el Cardenal Hipólito de
Este. Este salero está formado por una figura
masculina que representa al mar y otra femenina
que es la tierra. Un pequeño recipiente que se
pretende que guarde la sal está colocado cerca
de la figura masculina.

Pasó a poder de los Habsburgo austriacos como
un regalo de Carlos IX de Francia al archiduque
Fernando II del Tirol. Originariamente era parte
de la colección de arte Habsburgo en el Castillo
de Ambras, pero luego se trasladó al
Kunsthistorisches de Viena en el siglo XIX.

Este salero es la única obra de oro conocida que
puede atribuirse con certeza a Cellini. Fue creado
en un estilo renacentista tardío y representa
alegóricamente la tierra y el mar alegóricamente
en las figuras de Neptuno, dios del mar y Ceres,
diosa de la tierra, simbolizando su unión al
producir sal procedente de la tierra.
Salero de Francisco I
Autor: Benvenuto Cellini
Fecha: 1540-43
Museo: Kunsthistorisches Museum
Características: 26 x 33,5 cm.
Material: Oro
Estilo: Renacimiento Italiano
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
Perseo con la cabeza de Medusa es una escultura
realizada en bronce por Cellini, considerada una de las
obras cumbres de la escultura manerista italiana y una
de las estatuas más famosas de la Piazza della
Signoria en Florencia, Italia.
Expuesta en la Loggia dei Lanzi, la escultura
representa a Perseo de pie sobre el cuerpo de
Medusa; apenas la acaba de decapitar con la espada
que empuña con la mano derecha, mientras que con la
mano izquierda sostiene triunfante la cabeza del
monstruo tomada por su cabellera.
Erigida sobre un alto pedestal decorado con estatuas
de bronce de fina hechura fue concebida de manera de
mirar hacia abajo al espectador. Junto con el grupo del
Rapto de las Sabinas es la única estatua conservada
en la Logge dell'Orcagna que fue concebida
especialmente para dicho sitio. En la nuca de la
estatua, en posición extremadamente rara, se puede
observar un autoretrato doloroso de Cellini. El
pedestal, reemplazado en el siglo XX por una copia, es
en sí mismo una gran obra: en el refinamiento de los
pequeños bronces de las divinidades relacionadas con
el mito de Perseo se manifiesta a pequeña escala toda
la habilidad que Cellini posee.
La escultura de Perseo fue encargada por Cósimo. La
obra fue realizada entre 1545 y 1554. La estatua que
se observa en la actualidad es la original que solo fue
trasladada en 1998 para realizarle una profunda
limpieza y restauración.
Perseo con la cabeza de Medusa
Autor: Benvenuto Cellini
Fecha: 1554
Museo: Logia dei Lanzi
Características: 320 cm. altura
Material: Bronce
Estilo: Renacimiento Italiano

A veces, debido al carácter excéntrico, arrebatado o visceral
de los artistas, las obras artísticas que producen arrastran
consigo más de alguna historia sórdida, en lo que a su
concepción se refiere. Un ejemplo es la "Ninfa de
Fontainebleau", que esculpió Benvenuto Cellini, cuya historia
arrastra adulterio, sadomasoquismo y un intento de asesinato.

Cellini contrató a una modelo llamada Catalina, para esculpir
su Ninfa, y también para proporcionarse servicios lúbricos.
Pero Catalina se enredó con el administrador de Cellini, y
éste, al ser sorprendido con la modelo, se las arregló para
sobrevivir simplemente corriendo más rápido que el escultor.
Este no pudo matar al administrador, pero sí echó a Catalina
de la casa, junto con la madre de ella (que vivía allí también)
literalmente a puñetazos y puntapiés. Para vengarse, ellas
denunciaron a Cellini de haber utilizado a Catalina "al modo
italiano", lo que en la Francia de aquel tiempo significaba
sodomía. Una acusación de tal tipo en aquellos años era
hoguera segura, pero Cellini recurrió a sus amigos italianos
en Francia para que armaran un tumulto tal, que lo dejaron
libre.

Entonces vino la venganza de Cellini. Con un par de matones,
y a punta de espada, le arrancó a su antiguo administrador
una promesa de matrimonio con la casquivana Catalina, la
que le obligó a cumplir. Luego, exigió que Catalina regresara
a seguir modelando, la hizo posar en una posición
forzadísima a propósito para causarle dolor físico, y siguió
sirviéndose sexualmente de ella, esculpiéndole a la criatura
que la chica de la escultura abraza, un gran par de cuernos,
que simbolizan, por supuesto, los del marido de Catalina.

Cuando Cellini le dijo a Catalina todo esto, ella se enfureció,
lo que le ganó una ostensible paliza. Increíblemente, Catalina
regresó a modelar, apenas recuperada de sus heridas. Desde
entonces volvieron a repetirse las sesiones de sexo, modelaje
y palizas, con regularidad.

Las razones por las cuales Catalina no volvió a modelar para
Cellini después de todo eso, son desconocidas.
Descripción: Bronce. 205 x 409 cm.
Localización: Museo del Louvre. París
Autor: Benvenuto Cellini
Filippo Brunelleschi
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Filippo di Ser Brunellesco Lapi, Filippo Brunelleschi nació en 1377 y murió el 15 de abril de 1446. Fue un
arquitecto, escultor y orfebre renacentista italiano.
Es conocido, sobre todo, por su trabajo en la cúpula de la catedral de Florencia Il Duomo. Sus profundos conocimientos
matemáticos y su entusiasmo por esta ciencia le facilitaron el camino en la arquitectura, además de llevarle al
descubrimiento de la perspectiva cónica.
Fue el arquitecto italiano más famoso del siglo XV y, con Alberti, Donatello y Masaccio, uno de los creadores del estilo
renacentista. Se formó como escultor y orfebre e inició su carrera en el ámbito de la escultura. No es de extrañar, por
tanto, que participara en el concurso para la realización de las puertas del baptisterio de Florencia en 1401, certamen en
el que quedó segundo, después de Ghiberti. Se dice que su decepción por este relativo fracaso fue tal que en lo sucesivo
decidió dedicarse casi exclusivamente a la arquitectura.
Sus profundos conocimientos matemáticos y su entusiasmo por esta ciencia le facilitaron el camino, además de llevarle al
descubrimiento de la perspectiva, la clave del arte del Renacimiento. A Brunelleschi se debe, de hecho, la formulación de
las leyes de la perspectiva central, tal como afirma Alberti en su famoso tratado Della pintura.
Pero en su época, su fama estuvo asociada, sobre todo, a la cúpula de la catedral de su ciudad natal, Florencia, ya que
sus conocimientos de ingeniería le permitieron solventar los problemas, en apariencia insolubles, de la construcción de
dicha cúpula, por lo que sus conciudadanos lo reverenciaron. De hecho, en la actualidad la cúpula continúa siendo su obra
más admirada.
A partir de los monumentos clásicos y de las realizaciones del románico toscano, creó un estilo arquitectónico muy
personal, en el que desempeñan un papel fundamental las matemáticas, las proporciones y los juegos de perspectiva. En
todos los edificios que llevan su firma, las partes se relacionan entre sí y con el todo mediante fórmulas matemáticas, de
manera que, por ejemplo, una sección es la mitad o la cuarta parte del todo, etc.
También entran en juego las combinaciones de diferentes figuras geométricas (cuadrado, círculo, triángulo), ya que para
Brunelleschi, como buen renacentista, la estética no era un juego de azar sino el resultado de la correcta aplicación de
una serie de leyes preestablecidas.
Su arquitectura elegante y moderadamente ornamental queda compendiada a la perfección en dos espléndidas
creaciones: la capilla Pazzi y la Sacristía Vieja de San Lorenzo. Son dos obras de planta central, basadas en la armonía
visual y en la alternancia, característica del artista, entre arenisca gris y estuco blanco.
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A la Capilla Pazzi se accede desde el claustro de la
basílica de la Santa Croce (Florencia) ya que se
encuentra ubicada en el jardín de ésta. Encargada
por la familia Pazzi en 1441 a Filippo Brunelleschi,
fue su última obra.
Edificio de pequeñas dimensiones y con un pórtico
cubierto por bóveda de planta circular que mediante
el uso de pechinas crea una bóveda de paraguas,
que se construyó como recinto funerario de los Pazzi.
Brunelleschi emplea la medida de la proporción áurea
(ya empleada anteriormente por los griegos en sus
templos) en el diseño de su planta y fachada.
Planta rectangular con cúpula central y pórtico. Su
fachada es un pórtico de cinco tramos entre seis
columnas de orden compuesto, los cuatro extremos
adintelados y el central en forma de arco de triunfo
semicircular muy alto y de doble anchura, que se
cubre por una bóveda de cañón. Sobre tal pórtico se
alza un ático decorado con pilastras corintias y
seccionado por el gran arco del centro, que se corona
en una cornisa muy ornamentada.Combina el
adintelado griego con el arco central de origen
romano, serviría para suavizar la luz. Arriba sobresale
la cúpula con su linterna.
Una capilla donde se coloca el altar, ornamentada
con pilastras adosadas con acanaladuras y bóvedas
de cañón con casetones.
El pórtico combina arco central con vanos adintelados
(serliana) y frisos a base de tondos y estrigilos.
Capilla de los Pazzi (Florencia)
Autor:Filippo Brunelleschi
Fecha:1430-44
Museo:Iglesia de Santa Croce de Florencia
Características:
Material:
Estilo:
El Spedale degli Innocenti (en
español: Hospital de los Inocentes)
fue un orfanato de niños de
Florencia, diseñado por Filippo
Brunelleschi1 2 , quien recibió el
encargo en 1419. Está considerado
un notable ejemplo de la
arquitectura del primer
renacimiento italiano. El hospital,
con una galería frente a la Plaza
della Santissima Annunziata, fue
construido y dirigido por el "Arte
della Seta" o Gremio de la Seda de
Florencia. Este gremio era uno de
los más ricos de la ciudad y, como
la mayor parte de las cofradías,
asumía obligaciones filantrópicas.
 En el extremo izquierdo del pórtico
está la rota, un torno de piedra para
meter al niño en el edificio sin que
se viera al padre. Esto permitía a la
gente abandonar a sus hijos
anónimamente, para que fueran
cuidados en el orfanato. Este
sistema siguió funcionando hasta el
cierre del hospital en 1875. Hoy el
edificio aloja un pequeño museo de
arte renacentista.

Hospital de los Inocentes (Florencia)
Autor: Filippo Brunelleschi
Fecha:1419
Museo:
Características:
Material:
Estilo:

La capacidad de Brunelleschi, para integrar la tradición en
la nueva arquitectura, que ya demostró en la cúpula de la
catedral, se puso de manifiesto también en las dos
iglesias que realizó con planta basilical: san Lorenzo y el
Santo Spirito. En 1418 ocho familias florentinas decidieron
la construcción de una iglesia en la que hubiera una
capilla para cada una. Fueron los Médici quienes
decidieron encargársela a Brunelleschi y, en tiempo de
Cosme de Médici, esta familia conseguiría a cambio de
una cantidad de dinero que la iglesia quedara sólo para
ellos. Es todo un ejemplo de cómo el ascenso social
basado en el poder económico se acompañó de una serie
de signos externos que atañen directamente al arte.
Para San Lorenzo Brunelleschi creó una planta de cruz
latina que, a pesar de ser espacialmente longitudinal,
produce un cierto efecto visual de centralización en la
zona del transepto al penetrar en esa zona la luz de la
linterna de la cúpula. Tanto en San Lorenzo, como en la
otra iglesia de planta basilical, el Santo Spirito, utiliza el
bicromatismo para enfatizar esa perfección geométrica
del diseño que tanto debe a la perspectiva. En San
Lorenzo volvemos a encontrar las pequeñas ménsulas
que marcan el módulo, un módulo que en ambas iglesias
está basado sobre el círculo inscrito en un cuadrado. En
ambas iglesias la columna, al modo clásico, adquiere una
importancia de primer orden y, a la vez que se respetan
sus proporciones, su altura resulta aumentada mediante
la inclusión de un fragmento de entablamento sobre el
capitel. Este elemento probablemente lo tomara
Brunelleschi de la Basílica romana de Constantino,
aunque allí no aparece sobre columnas exentas, y es un
elemento que tendrá su proyección en el Renacimiento
español.
Iglesia de San Lorenzo (Florencia)
Autor:Filippo Brunelleschi
Fecha:1419
Museo:
Características:
Material:
Estilo:
Ansel Adams
•
Ansel Easton Adams nación el 20 de febrero de 1902 en San Francisco (California) y murió el 22 de abril de 1984. Fue un fotógrafo
estadounidense, nacido en San Francisco, desarrollador del sistema de zonas.
•
Conocido por sus fotografías en blanco y negro de paisajes del parque nacional Yosemite en Estados Unidos (entre otros paisajes) y como
autor de numerosos libros sobre fotografía como su trilogía de manuales de instrucción técnica (“La Cámara”, “El Negativo” y “La Copia”).
•
Su sistema de zonas es una demostración de cómo la cámara o el fotómetro de la misma mide el gris medio de 18% de reflectancia como
zona media. El fotógrafo debe aumentar la exposición (o disminuirla) dependiendo de cuántos pasos de gris quiera fijar como punto de
medición. El fotómetro de cualquier cámara, incluso digital, siempre "quiere" ver la zona medida como un gris medio.
•
Pese a ser inteligente, era muy tímido, lo que, unido a la dislexia que padecía, le causó ciertos problemas al intentar integrarse en la
escuela. Ansel Adams luchó durante toda su vida por defender y proteger la naturaleza. Se inició en la fotografía utilizando una cámara
Kodak #1 Box Brownie que le dieron sus padres.
•
En 1930, Ansel Adams conoció al fotógrafo Paul Strand. Sus imágenes tuvieron un gran impacto en Adams, ayudándolo a alejarse del estilo
“pictorialista” y a encaminarse hacia el estilo de “straight photography”, donde la claridad de la lente es lo más importante, y donde la
fotografía ha de sufrir el menor número de ajustes y retoques posible.
•
En 1932, Adams, Strand, Cunningham y Weston formaron un grupo llamado "f/64" . Éste grupo promovió y evolucionó “straight
photography”. Visitó por primera vez Nueva York en 1933 y conoció a Alfred Stieglitz, un fotógrafo al que siempre había admirado. Stieglitz
le ayudó a hacer su primera exposición.
•
El 6 de agosto de 1953, Adams comenzó a hacer fotografía comercial. No era algo que le encantase, puesto que creía que no lo dejaba
explotar su creatividad, aunque le proporcionaba suficiente dinero para vivir. Trabajó para marcas como IBM, AT&T, Nacional Park Service y
Kodak, y para revistas como Life y Fortune, además de ser fotógrafo asesor para Polaroid y Hasselblad. Este trabajo hizo de sus fotografías
un icono de las bellezas naturales norteamericanas reconocidas en todo el mundo.
•
Adams desarrolló el famoso “sistema de zonas”, un método de medición y revelado que se utilizaba para dividir la graduación de luz de una
escena en 11 zonas diferentes, del blanco al negro. Esto le permitía visualizar los diferentes niveles de gris en la fotografía final con gran
precisión.
•
En 1936 colaboró organizando la primera sección de fotografía en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Más tarde colaboraría con
Dorothea Lange para un trabajo de la revista Life. Sus imágenes empezaron a volverse símbolos de América, muchas de ellas centradas en
el parque Yosemite. Ansel Adams luchó por defender la naturaleza y a sus animales, siendo los paisajes el principal tema de sus fotografías.
Recibió en 1981 el Premio internacional de la fundación Hasselblad.
•
Algunos dicen que Adams fotografió lugares que ya ni existen, pero para otros ocurre lo contrario; algunos lugares siguen existiendo debido
a Adams y su entusiasmo y esfuerzo por salvar estos lugares, a través de sus fotografías.
Esta fotografía de Ansel Adams muestra a unos jornaleros
ejerciendo sus labores agrícolas frente al Monte
Williamson. Es un ejemplo de agricultura intensiva en la
modalidad del empleo de abundante mano de obra.
La fotografía está hecha en blanco y negro y ofrece una
imagen dinámica.
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Esta fotografía de Ansel Adams data de 1942 y muestra un
amanecer en el Lago McDonald, situado en el Parque Nacional
Glacier.
La foto es en blanco y negro. Además, se puede apreciar cierta
simetría.
En la fotografía se puede observar el agua cristalina de este lago,
en el que se reflejan las nubes que surcan el cielo de este precioso
amanecer. En la parte de arriba de la fotografía (al fondo del
paisaje) se encuentran las montañas, que desembocan en el lago,
y las nubes del cielo.
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En esta fotografía, Ansel Adams ilustra las montañas
Tetons y el río Snake.
La imagen es en blanco y negro. En ella, se encuentra,
en primer plano, una parte del río Snake. En un
segundo plano, al fondo del paisaje, se encuentran las
montañas Tetons cuyas cumbres se encuentran
nevadas. El cielo está nublado.
Bill Brandt
•
Nació en 1904 en Hamburgo y murió el 20 de diciembre de 1983. Se interesa por la fotografía a partir
de los 20 años, cuando todavía residía en Viena. Este gran maestro de la fotografía, optó por resaltar
valores como la poesía, la justicia y el amor.
•
En 1929 se muda a París donde trabajará como asistente de Man Ray, para trasladarse dos años
después a Londres. Allí empieza su carrera como fotógrafo independiente. Durante este tiempo
Brandt hace fotografías de grandes ciudades inglesas, en un momento en el que se apresura una
crisis económica.
•
En 1944 adquiere una cámara de placa con un gran angular.
•
Lo relevante de sus paisajes es la preferencia por determinados tipos de luz que estimula la total y
absoluta libertad mental. El poeta Aland Ross escribió sobre esta forma característica de los retratos
de Brandt, el cual exploró libremente las posibilidades del medio fotográfico sin ligarse a ninguna
doctrina.
•
Hacia los años 50, empieza a positivar sus imágenes en papel contrastado y duro llegando a solidificar
los negros proporcionando relieve a altas luces.
•
A la edad de 40 años Brandt pasa por un tipo de fotografía arquitectónica y social, al retrato. En este
momento es cuando tras su experimentación se inicia en la fotografía de desnudos y perspectivas
deformadas
•
Según Bill Brandt, un fotógrafo debe poseer y conservar las facultades receptivas de un niño que mira
el mundo por primera vez.
En esta fotografía de Bill Brandt, se muestra
una bicicleta antigua apoyada sobre una pared,
en la que se proyecta la sombra de la bicicleta.
 La fotografía está tomada en blanco y negro.
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Estas dos fotografías de desnudos son de Bill Brandt. Están
hechas en blanco y negro.
En la primera aparece una mujer desnuda sentada de espaldas. Al
fondo de la habitacíon se observa una de las esquinas de la
habitación, en la que se encuentra una cama.
En la segunda aparece el seno y el brazo derecho de una mujer
desnuda. También aparece la parte derecha de la barriga de la
mujer y el ombligo.
Michael Martin
• Este fotógrafo famoso lleva más de 20 años viajando por todos los
desiertos de la Tierra. Como la primera vez que conoció este medio,
Michael Martin siente hoy aún una gran fascinación por las insólitas
formaciones naturales y los paisajes geográficos del desierto, por su
extraordinario mundo animal y vegetal y por los hombres que lo
habitan. Ha recorrido todos los desiertos de nuestro planeta.
• En sus espectaculares y conmovedoras fotografías muestra no sólo
estos inhóspitos y a la vez seductores paisajes, sino a los hombres
que han creado allí su hogar. Ellos constituyen el principal centro de
atención de su trabajo. El libro titulado "Los desiertos de la Tierra –
365 días” fue su contribución al "Año Internacional de los
Desiertos y la Desertificación” declarado en 2006 por las
Naciones Unidas. El libro de fotografías muestra, sobre todo, que los
desiertos son ecosistemas que hay que proteger, porque, además
de arena y rocas, albergan una gran riqueza en formas de vida y
cultura.
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Esta fotografía de Michael Martin ilustra las Dunas de Arakao y las
Montañas de Air, Níger.
La fotografía es en color y es una imagen con cierta simetría,
aunque se podría decir que es una imagen monótona, pues toda
ella es muy similar.
La fotografía nos muestra las dunas del desierto en primer plano. Al
fondo del paisaje se encuentran montañas bajo un cielo despejado
y claro.
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Esta fotografía de Michael Martin muestra la salida de la
luna en el salar de Uyuni, Bolivia.
La imagen es en color y claramente simétrica.
Al fondo de la imagen, aparece la luna sobre la
superficie. Se observa que el cielo está despejado y
que está oscureciendo.
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Esta fotografía de Michael Martin muestra un cráter ardiendo en el
desierto de Karakum, Turkmenistán.
La imagen es en color.
En la fotografía aparece un cráter de un volcán ardiendo a la luz de
la luna, que está saliendo o se está poniendo. Se puede apreciar el
gran resplandor de la lava en el cráter del volcán.
Marcelo Gurruchaga
• El fotógrafo Marcelo Gurruchaga llegó al
continente antártico, compartió con los
científicos y el personal del buque cada minuto
en la Antártida. Ahora, a modo de anecdotario,
lo ha descrito en su nuevo libro: "Antártida. Los
colores del desierto frío".
• Con esta impresionantes fotografías, cedidas por
el fotógrafo, puedes disfrutar de aquellos
lugares recorridos y capturados en su cámara.
¡No te las pierdas! Pincha sobre cualquiera de
ella para verla ampliada.
En esta fotografía, Marcelo Gurruchaga ha ofrecido una
imagen de un atardecer en la Antártida.
 En la imagen se pueden apreciar los numerosos islotes
de hielo, así como los múltiples colores que se forman.
También, cabe destacar el color tan peculiar de las
nubes.

Esta fotografía fue tomada por Marcelo Gurruchaga en
la Antártida. En ella se encuentra un gaviotín volando.
 La foto está en color y es dinámica.
 En la fotografía se ve a un gaviotín volando con gotas a
su alrededor.

Esta fotografía de Marcelo Gurruchaga ilustra
grietas glaciares de la antartida.
 Es una imagen en color.
 En ella, se pueden observar la gran cantidad de
grietas que hay en el glaciar

Kike Calvo
•
Kike Calvo es un fotógrafo español, afincado en Nueva York. Nació en Zaragoza en 1972. Tras cinco
años estudiando Economía en la Universidad de Zaragoza, y haber obtenido varios premios en
Periodismo de la Universidad de Idaho, forjó su pasión por la fotografía
•
Todo comenzó cuando realizó un viaje por Nicaragua con la cámara de su tío. Allí desarrolló su ojo
para contar historia. Su cámara fue su único maestro para captar la esencia del país.
•
Este fotógrafo autodidacta ha refinado su estilo, estudiando formación profesional varias escuelas,
entre ellas en la Unidad de Fotografía de las Naciones Unidas. Le han concedido varios premios, como
son los caso del galardón de Periodismo en 1999.
•
El trabajo de Kike Calvo refleja los escenarios de más de 65 países. Es de los pocos fotógrafos
españoles que ha podido ser testigo de las Islas Galápagos y de las aguas lejanas del Ártico. También
ha recorrido Australia, Israel, Islas Maldivas, Bolivia, Brasil, Hawai, Hong Kong, Egipto, Belice, México,
Canadá, Portugal, Tailandia y Costa Rica, entre muchos otros.
•
Su estilo fotográfico se enmarca en un contexto conservacionista. Ha fotografiado la complejidad
ambiental, la belleza del páramo y la magnificencia de la diversidad mundial. Su trabajo, una
combinación periodística y artística, se muestra en Nueva York, Japón, Francia, el Reino Unido, Hong
Kong, Polonia, Austria, Bélgica, Alemania, Países Bajos y Australia.
•
Las instantáneas de Kike Calvo han sido expuestas en numerosas ocasiones: en la oficina central de
las Naciones Unidas, en el Centro Rey Juan Carlos en Nueva York, en el Instituto Cervantes de Nueva
York, de Chicago o de Manila (Filipinas).
•
Su estilo claro y pensativo llamaron la atención de la empresa Coca-cola quien le invitó como
conferenciante al Foro Estambul 2007. La organización le definió como un fotógrafo "con la capacidad
de inspirar al público por sus palabras e imágenes".
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En esta fotografía de Kike Calvo se observan las
ballenas de joroba de República Dominicana.
La fotografía es en color y dinámica.
La fotografía se tomó a tres ballenas bajo agua. A las
ballenas les brillan las aletas con la luz del sol.
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Esta impresionante fotografía de Kike Calvo muestra a
un tiburón blanco devorando a su presa.
La foto es dinámica y en color.
En la fotografía se observa la impactante escena de un
tiburón blanco saliendo del agua para devorar a un pez.
Esta fotografía de Kike Calvo muestra al mayor
de los felinos entre la maleza.
 La imagen es en color y dinámica.
 La foto es tomada a un tigre tendido entre las
hierbas y plantas.
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Steven Spielberg
•
Steven Allan Spielberg nació en Cincinnati (Ohio) el 18 de diciembre de 1946 Es un director, guionista y productor
estadounidense de cine. Es uno de los directores más reconocidos en la industria del cine mundial. Ha sido condecorado
con la Orden del Imperio Británico y la National Humanities Medal.
•
Pasó su infancia en Haddon Heights, Nueva Jersey y Scottsdale, Arizona. A lo largo de su adolescencia, Spielberg se hizo
aficionado rodando peliculas de 8mm con sus amigos. En 1958, se convirtió en un Boy Scout, y cumplió un requisito para
la insignia de mérito de fotografías, por lo que filmó un corto de 9 Minutos de 8mm llamada 'El Duelo Final'.
•
A los 13 años, Spielberg ganó un premio por una película de guerra de 40 minutos llamada 'Escape to Nowhere' que se
basó en una batalla en el este de África. En 1963, a los 16 años, Spielberg escribió y dirigió su primera película
independiente, una aventura de ciencia ficción de 140 minutos llamada Fireligth. También hizo varias películas de la
Segunda Guerra Mundial inspirado en historias de guerra contadas por su padre. Después de que sus padres se
divorciaran, se trasladó a Saratoga, California con su padre.
•
Después de mudarse a California, presentó una solicitud para asistir a la escuela de cine University of Southern California
Escuela de Teatro, Cine y Televisión en tres ocasiones, pero no tuvo éxito. Él era un estudiante, posteriormente, de la
California State University, Long Beach. Mientras asistía a la Estatal de Long Beach en la década de 1960, Spielberg se
convirtió en miembro de la fraternidad Theta Chi. Su verdadera carrera comenzó cuando ingresó en Universal Studios
como pasante no remunerado, siete días a la semana y fué invitado al departamento de edición. Después de ello,
Spielberg se hizo famoso, la USC le otorgó un doctorado Honoris Causa en 1994.
•
En el mundo del espectáculo, se le conoce como "El Rey Midas de Hollywood". Según la revista Forbes la riqueza de
Spielberg supera los 3.0 Billones de dólares norteamericanos.
•
Spielberg ha producido “Poltergeist (película)”, “Transformers”, “Transformers: Revenge of the Fallen”, “Los Picapiedra”,
“Casper”, “Men in Black”, “Impacto profundo”, “Jurassic Park” y “La Máscara del Zorro” entre otras.
•
Además de fundar su propia productora (Amblin Entertainment), Spielberg fundó DreamWorks SKG con Jeffrey
Katzenberg y David Geffen en 1994. Este estudio es responsable de películas como “American Beauty”, “Gladiator”,
“Náufrago”, “Memorias de una Geisha” y las de animación por ordenador “Shrek”, “Kung Fu Panda”, “Madagascar”, entre
otras.

E.T., el extraterrestre es
una película estadounidense de ciencia
ficción de 1982, coproducida y dirigida por Steven
Spielberg, escrita por Melissa Mathison y
protagonizada por Henry Thomas, Robert
MacNaughton, Tom Byron, Drew Barrymore, Dee
Wallace y Peter Coyote.

El concepto de E.T. está basado en un amigo
imaginario de Spielberg, creado tras el divorcio de
sus padres. En 1980, Spielberg conoció a Mathison y
desarrollaron una nueva historia a partir de un
proyecto fílmico estancado de ciencia ficción/horror
”Night Skies” . La película fue rodada de septiembre a
diciembre de 1981 en California, con un presupuesto
de 10.5 millones de dólares. A diferencia de la
mayoría de las películas, la película fue rodada en un
aproximado orden cronológico, con el fin de facilitar
las actuaciones emocionales del joven reparto y que
fuesen más convincentes.

La película trata sobre un extraterresre que queda
abandonado en la Tierra. Un niño lo encontrará y lo
acogerá en su casa, ayudado por su hermana
pequeña y su hermano mayor. El niño comenzará a
desarrollar una fuerte empatía con el alienígena.
Mientras, los científicos lo buscan por toda la zona.
Pronto, el extraterrestre echará de menos su hogar, e
intentará contactar con su planeta para que acudan a
recogerle.

Salvar al Soldado Ryan, es una película de guerra
estadounidense dirigida por Steven Spielberg en 1998.

Es destacable precisar que esta película recaudó en taquilla,
solamente en Estados Unidos, 216 millones de dólares. A 12
años de su estreno, aún es considerada por muchos como la
mejor película bélico-dramática que se ha hecho.

Aclamada internacionalmente por las críticas y la audiencia,
Salvar al Soldado Ryan de Steven Spielberg es una inolvidable
película que ha causado un profundo y duradero impacto en
todas las partes del mundo. Ganadora de cinco premios de la
Academia incluido mejor director, la película también ha
conseguido Oscars por cinematografía, sonido y la edición de
efectos de sonidos. Además, Spielberg recibió su tercer premio
del grupo de directores de América, la Legión Americana “El
Espíritu de Normandía” la premió con un premio USO al mérito
del USO de la ciudad de Washington, así como el mayor premio
del servicio civil público de la Armada. Seleccionada más de 160
semanas en cabeza de las listas, Salvar al Soldado Ryan, tiene
el honor de incluir un Globo de Oro como la mejor película
(drama) y Mejor Director, el productor de los premios Guild de
América y diez nominaciones a los premios de la Academia
Británica del cine. Fue la película más premiada en 1998.

Mirando a través de los ojos de un soldado americano, la
historia comienza con la Segunda Guerra Mundial el histórico
día del Desembarco de Normandía, este tiene que embarcar en
una peligrosa misión especial. El Capitán John Miller tiene que
cruzar las líneas enemigas con sus hombres para encontrar al
soldado James Ryan, al que le han matado tres hermanos en
combate. ¿Por qué se arriesgan ocho hombres para salvar la
vida de uno? Sobre la real brutalidad de la guerra, cada hombre
consigue su propia respuesta -y la fuerza para triunfar sobre un
futuro incierto, con honor, decencia y coraje.

Indiana Jones y el templo maltdito es una
película estadounidense de aventuras dirigida por Steven Spielberg y
producida por George Lucas en 1984. Es la segunda película en
estrenarse de la saga de Indiana Jones.

Indiana Jones iría en esta ocasión acompañado de otra mujer, Willie
Scott (una Kate Capshaw que celebró el rodaje casándose con
Spielberg), que viene a ser el personaje cómico necesario en la
película, y un niño oriental precoz y karateka, Tapón (Ke Huy Quan).
Para enfrentarse a una secta de monjes seguidores de la diosa hindú
de la muerte Kali y su líder Mola Ram quien tienen una mina secreta
en la cual esclavizan e influencian niños robados de aldeas a
trabajar y también realizan sacrificios humanos en nombre de Kali. El
éxito de la película fue innegable.

El eminente arqueólogo Indiana Jones está en su segunda aventura,
esta vez para hacer frente al gran terror que rodea al misterioso
Templo Maldito. Después de aterrizar de emergencia en la India,
Indiana Jones y sus compañeros de aventura Tapón (Short Round) y
Willie Scott, terminan en una pequeña y angustiada aldea en la que
los residentes reclaman que un poder oscuro ha robado su piedra
preciosa... y a sus hijos! Accediendo a ayudar a la aldea, Indiana y
sus amigos parten hacia un Palacio cercano para averiguar más
sobre los acontecimientos extraños. Asegurándole a Indiana no tener
idea lo que habla, el primer ministro Chatter Lal los invita a pasar la
noche en el Palacio. Sin embargo, es esa noche cuando Indiana
descubre un pasaje secreto, lleno de trampas caza-bobos, hacia un
templo, y se encuentra con algo que él pensaba extinto hace mucho
tiempo. Al parecer el antiguo culto Thuggee está intentando
levantarse una vez más, creyendo que con el poder de las cinco
piedras Sankara pueden dominar el mundo. Ahora, depende de
Indiana el ponerle fin a la campaña de Thuggee, rescatar a los niños
perdidos, conquistar la chica y destruir el Templo Maldito.
James Cameron
•
James Francis Cameron nació en Kapuskasing, Ontario, Canadá, el 16 de agosto de 1954. James Cameron es director, guionista y
productor de cine, así como autor de dos de las películas más caras de la historia del séptimo arte: Titanic y Avatar. Reconoce que
es un amante del cine, con una especial devoción por el género de la ciencia ficción. Este sentimiento le surgió cuando vio en 2001:
“Una odisea del espacio”, de Stanley Kubrick.
En 1984 digirió y escribió, como todas sus películas, ”Terminator”, protagonizada por Arnold Schwarzenegger. Fue un film que
sorprendió y encandiló al publico por la originalidad de su guión. Tal fue la excelente acogida por parte del público que años más
tarde volvió a crear las secuelas ”Terminator 2: el juicio final”(1991) y ”Terminator 3: La rebelión de las máquinas” (2003).
Otro de los grandes éxitos de Cameron fue ”Aliens: El regreso”(1986) ganadora de dos Oscars en la 60ª ceremonia por los efectos
de sonido y visuales. En 1989 reapareció con Abyss, otra cinta del género de ciencia ficción premiada por la Academia de Cine de
Hollywood con la estatuilla a los efectos visuales.
En 1994 volvió a contar con la colaboración de Arnold Schwarzenegger para protagonizar “Mentiras arriesgadas”, cuyo film solo
estuvo dirigido por él. Fue premiado como Mejor Director por el la Academia de Cine de Ciencia Ficción, Fantasía y Terror.
En 1995 cambió de parecer y sólo aceptó escribir el guión de ”Días extraños”.
En 1997 Cameron se convirtió en uno de los directores de cine más destacados al presentar su obra maestra, ”Titanic”,
protagonizada por ”Leonardo DiCaprio” y ”Kate Winslet”. La cinta obtuvo 14 nominaciones a los Oscars, de los cuales 11 fueron
premiados, entre ellos el de Mejor Director. Además, el público reaccionó de la mejor forma posible acudiendo al cine a verla,
convirtiéndola en una de las películas más taquilleras de la historia con más de varios millones de personas que acudieron a verla.
Y, tras un parón en el cine, Cameron se dedicó a escribir series televisas como ”Dark Angel”(2002) o ”Terminator: The Sarah
Connor Chronicles” (2009), ambas de gran éxito entre la población americana.
Cameron volvió a impresionar con ”Avatar” (2009) una cinta de ciencia ficción protagonizada por ”Michelle Rodríguez” , ”Zoe
Saladana” y Sam Worthington (Jake). Cinta que recibió múltiples premios de los Festivales de cine más importantes dentro del
séptimo arte, entre ellos dos Globos de Oro 2010: Mejor Director y Mejor Película Dramática.
En 2011 Cameron tiene previsto presentar su nuevo proyecto, tanto en dirección como guión, “Battle Angel”, con un hilo argumental
futurista ambientada en el siglo XXVI. En este caso el reparto aún está por decidir.
•

Aliens, el regreso es la segunda parte de
la saga de ciencia ficción “Alien”, dirigida por
James Cameron. Si la primera película creó el
concepto de la feroz criatura asesina, la
segunda le da forma al Universo imaginario
de Alien, del cual se basan para hacer
más novelas e historietas, así como
los videojuegos correspondientes a su
historia.

Ripley, unica sobreviente del Nostromo, es
descubierta en hibernacion medio siglo
despues por una nave de rescate. Al regresar
a la Tierra, Ripley se entera de que una
colonia de humanos ha poblado el mismo
planeta en donde por primera vez se vieron
los aliens. Luego de que se pierde el contacto
con la colonia, ella es enviada de vuelta al
planeta junto a un grupo armado con la
mision de destruir la amenaza alienigena para
siempre y rescatar a los sobrevivientes, en
caso de que hubiesen conseguido sobrevivir.

Terminator II: El juicio final (1991) es una película de
acción escrita, producida y dirigida por James Cameron. La
secuela de ”The Terminator” (1984), que precede
a ”Terminator 3: La rebelión de las máquinas” (2003), está
protagonizada, entre otros, por Arnold
Schwarzenegger, Edward Furlong, Linda Hamilton, Robert
Patrick, Earl Boen y Joe Morton.

Tras el éxito de la primera película, y aprovechando la
popularidad de Schwarzenegger, Cameron repitió los
esquemas de la producción original. También tiene el mérito
de ser una de las primeras películas en las que se utilizaron
imágenes generadas por ordenador (CGI) para recrear al
antagonista. Fue la producción más cara de la historia, en el
momento de su estreno, con un coste de 100 millones de
dólares. Se convirtió en la segunda película más taquillera de
la historia en su momento, recaudando en todo el mundo 520
millones de dólares, siendo tan sólo superada por ”E. T., el
extraterrestre”.

La película fue galadornada con premios cinematográficos
estadounidenses e internacionales, además de
cuatro Oscars: Mejores efectos visuales, Mejor sonido, Mejor
maquillaje y Mejor edición de sonido.

Sarah Connor, la madre soltera del rebelde John Connor, está
ingresada en un psiquiátrico. Tras haber sido informada por
un viajero del tiempo de que su hijo se convertiría en el
salvador de la humanidad del futuro amenazada por un
diabólico mundo de máquinas, se ha convertido en una
especie de guerrera que ha educado a John en tácticas de
supervivencia, pero todos creen que está loca y que es
peligrosa, por lo que está encerrada. Cuando un nuevo
androide mejorado proveniente del futuro, un T-1000, llega
para asesinar a John, un viejo modelo T-800 será enviado
para protegerle

Avatar es una película de ciencia ficción estadounidense, escrita,
producida y dirigida por James Cameron y protagonizada por Sam
Worthington, Zoe Saldaña, Sigourney Weaver, Stephen Lang y Michelle
Rodríguez.

Ambientada en el año 2154, los acontecimientos que narra se desarrollan
en Pandora, una luna del planeta Polifemo habitada por una raza
humanoide llamada na'vi, con la que los humanos se encuentran en
conflicto debido a que uno de sus clanes se encuentra asentado alrededor
de un gigantesco árbol que cubre una inmensa veta de un mineral muy
cotizado y que supondría la solución a los problemas energéticos de
la Tierra: el unobtainium. Jake Sully, un marine que quedó parapléjico, es
seleccionado para participar en el programa Avatar, un proyecto que
transporta la mente de los científicos a unos cuerpos artificiales
de na'vi para que así la comunicación con los nativos resulte más sencilla.
A pesar del fin científico del proyecto, el coronel Quaritch, quien dirige la
defensa de la base humana en Pandora, convence a Jake para que le
proporcione información sobre los nativos en caso de que fuera necesario
recurrir a la fuerza para que se marchen. En un principio, Jake cumple
profesionalmente su misión, pero se enamora de una de las nativas,
Neytiri, y se da cuenta de que éstos jamás renunciarán a su tierra,
haciendo inevitable un conflicto armado; en él deberá decidir de qué lado
está.

El presupuesto oficial de “Avatar” fue de 237 millones de dólares, aunque
algunas estimaciones lo sitúan entre los 280 y los 310 millones, más otros
150 millones dedicados al marketing.

La película se estrenó el 18 de diciembre de 2009 en gran parte
de Europa y en Estados Unidos, así como
en México , Paraguay ,Venezuela y Uruguay, aunque en algunos países se
proyectó en fechas distintas.

El día de su estreno ”Avatar” logró reunir una recaudación de 27 millones
de dólares, aumentando esta cifra hasta los 241 millones tras su primer fin
de semana en taquilla. Transcurridas tres semanas, se situó como la
segunda película con mayor recaudación de todos los tiempos, siendo sólo
superada por ”Titanic”. Avatar consiguió superar esa marca en menos de
seis semanas, convirtiéndose en la película más taquillera de la historia del
cine hasta la fecha.

Avatar fue nominada al Premio Oscar 2010 en la categoría de mejor
película.
Woody Allen
•
Allen Stewart Konigsberg nació en el Bronx, New York, el 1 de Diciembre de 1935 Se matriculó en el City College de
Nueva York y posteriormente en la Universidad del mismo estado.
•
Pronto comienza a escribir chistes y parodias que muestra a sus amigos, pasando a formar parte de un programa de
televisión llamado "Your Show of Show", el cual tiene un éxito extraordinario, aunque Woody todavía no aparezca en la
pantalla.
•
En 1961 hace sus primeras apariciones personales en público, contando así sus propios chistes, y logra trabajos
periódicos en "The Bitter End" Greenwich Village, algún night club como "The Blue Angel" de Nueva York y "The Duplex",
y por supuesto en la televisión. Todo ello le lleva, en 1965, a su primera aparición en el cine, haciendo un corto papel en
"What's New, Pussycat?“. Después vendrá otra corta aparición en "Casino Royale", para llegar por fin al primer film como
protagonista titulado "Take the Money and Run" (Toma el dinero y corre), que le convierte en algo así como un cómico
para intelectuales.
•
En 1976 realiza una película denuncia sobre la caza de brujas norteamericana titulada "The Front" (La tapadera), pero
que no logra entusiasmar al público y ni siquiera se estrena en todos los países, además de suponerle un revés en cierto
sector de Norteamérica. No obstante y seguro de lo que pretende, realiza al siguiente año "Annie Hall", con Diane Keaton,
que supone un éxito de público total en el mundo entero y la Academia le premia con un Oscar al mejor director y al
mejor guión.
•
Su filmografía es muy extensa, pero mientras algunas de sus películas han sido grandes éxitos de taquilla, otras
solamente han tenido éxito en Europa, quizás porque poco a poco ha dejado a un lado su papel como cómico indiscutible
y ha realizado películas con grandes críticas sociales que no fueron del agrado del público. No obstante, el paso del
tiempo hace justicia y hoy día se le puede considerar un autor-actor del mismo nivel que Charles Chaplin.
•
En sus últimas películas, "Misterioso asesinato en Manhattan", "Balas sobre Broadway” o “Poderosa Afrodita”, retoma de
nuevo el estilo que le hizo popular y logra de nuevo el aplauso del público. Cuando rodó la película "Hannah y sus
hermanas" tenía 49 años y ese fue su film número 17, y seguía con su peculiar forma de rodar, totalmente diferente al de
cualquier director norteamericano.
•
Sigue prefiriendo su trabajo en la ciudad de Nueva York antes que en Los Angeles y fiel a sus principios, realiza casi
siempre sus propias películas, en las cuales suele ser también el guionista, algo muy poco habitual en América.

Dos extraños amantes es una de las más célebres
películas dirigidas por Woody Allen, por la que ganó
el Oscar al mejor director en 1977. Se trata de una
comedia romántica protagonizada por Diane Keaton y por
el propio Woody Allen. El cineasta se da el lujo de jugar
con las reglas cinematográficas: sus personajes le hablan
directamente a la cámara, hay regresiones en el tiempo,
digresiones y hasta una secuencia de animación
parodiando la cinta animada ”Blancanieves y los siete
enanitos” de Walt Disney. Se encuentra en el puesto
número 31 de la lista de las 100 mejores peliculas de la
Historia del Cine y en el puesto número 4 de las mejores
comedias.

La cinta es un relato sobre un comediante neurótico
neoyorquino, Alvy Singer (Allen), y su compañera
sentimental, Annie Hall (Diane Keaton), tan neurótica
como él. Comienza con su primer encuentro y nos cuenta
la historia de su relación afectiva a lo largo de los años, a
modo de documento sobre el amor en los años 1970. Se
dice que la historia habla de la ruptura real entre Allen y
Keaton, quienes fueron pareja en la vida real.

La película ganó cuatro Oscar, a la mejor película, al
mejor director, a la mejor actriz principal (Keaton), y al
mejor guión original, y obtuvo una nominación al mejor
actor principal (Allen), premios que el cineasta no fue a
recoger, ya que ni siquiera se presentó en la ceremonia
(cosa que repitió todos los años, hasta el 2003 cuando
pisó por primera vez la alfombra roja de este evento).

Match Point es una película de Woody Allen estrenada
en 2005, la primera de las tres que realizaría en Gran
Bretaña.

Chris Wilton (Jonathan Rhys-Meyers) es un joven tenista
profesional retirado de origen irlandés, que encuentra
trabajo como profesor de tenis en un club frecuentado
por familias adineradas. Allí conoce a un tenista
aficionado de similar edad, Tom Hewett (Matthew
Goode), con quien traba amistad. Tom Hewett introduce
a Chris en la vida de los milonarios de Londres, y así el
ambicioso Chris conoce a Chloe Hewett (Emily Mortimer)
la hermana de Tom. Igualmente conoce a Nola Rice
(Scarlett Johansson) una actriz estadounidense que ha
sido amante de Tom en el pasado. Chris logra ganar la
confianza de la familia Hewett y se hace novio de Chloe,
lo cual le permite integrarse por completo en un
ambiente de riqueza y lujo. No obstante, Chris y Nola
Rice (quien carece del dinero e influencias de Chloe
Hewett) inician en simultáneo un furtivo romance. El
azar, la ambición, el sexo y la pasión guiarán las
acciones de Chris Wilton, que al final opta por matar a su
amante para poder seguir ganando dinero en la empresa
familiar.

Se trata de una de las mejores películas del
director estadounidense Woody Allen. Cabe destacar
que Allen no filmó esta película en su Nueva York natal,
sino que la rodó en Inglaterra.

Allen reflexiona sobre la identificación fraterna, el deseo
y el amor, el sentimiento de culpa, el azar y el ascenso
social.

Vicky Cristina Barcelona es una película escrita y
dirigida por Woody Allen, rodada en Nueva York y
en Cataluña y Asturias. El inicio del rodaje fue
en junio de 2007 en España, y terminó a finales
de agosto. Está protagonizada por los
actores españoles Javier Bardem y Penélope Cruz,
así como por la estadounidense Scarlett
Johansson y la británica Rebecca Hall. El film se
encuentra ambientado principalmente
en Barcelona, Avilés y Oviedo.

Fue preestrenada en España el 18 de septiembre en
la gala de inauguración de la 56ª edición del Festival
de San Sebastián, y el estreno en las salas
comerciales tuvo lugar el 19 de septiembre.

Dos jóvenes estadounidenses, Vicky (Rebecca Hall)
y Cristina (Scarlett Johansson) van a Barcelona a
pasar unas vacaciones de verano. Vicky es sensata
y tiene intención de casarse; Cristina es emocional y
se encuentra en búsqueda de nuevas aventuras. En
Barcelona, ambas se ven envueltas en una relación
poco convencional con Juan Antonio (Javier
Bardem), un carismático pintor que aún mantiene
una relación conflictiva con su ex mujer, María Elena
(Penélope Cruz).
Christopher Nolan
•
Christopher Nolan nació el 30 de julio de 1970. Es un director de cine, guionista y productor inglés.
•
Saltó a la fama con su segundo largometraje ”Memento”, basado en un relato corto escrito por su propio
hermano, Jonathan Nolan, que luego adaptarían juntos a un guión convencional para rodar la película y por el
cual fueron candidatos Oscar en la categoría de mejor guión original.
•
Nolan nació en Londres donde empezó a realizar películas a la edad de siete años usando la cámara Súper 8 de
su padre y sus juguetes como personajes.
•
Fue educado en Haileybury College, una escuela independiente en Hertfordshire, Inglaterra, y luego
estudió literatura inglesa en la University College de Londres, mientras tanto realizó varios cortometrajes en una
escuela de cine. Su corto ”Tarantella” fue proyectado en Image Union, una exhibición de cine independiente
en PBS, en 1989.
•
A partir del Siglo XXI y partiendo de su obra maestra "Memento" se ha consolidado como uno de los directores
más importantes de la época tanto en Europa como en EEUU gracias también a la saga Batman (ambas dentro
de las 100 mejores películas de la lista de las 250 mejores según [IMDb] al igual que "Memento") y "El truco
final“. Todas han tenido una respuesta muy favorable tanto del público como de los críticos por su muestra de
cine de autor superando el también existente comercio. Inception es su última película.
•
En su penúltima película (El Caballero Oscuro) innovó el uso de las cámaras de alta definición IMAX para las
escenas de acción (sin precedentes conocidos pues son habituales como planos fijos en documentales).

Amnersia es una película de suspense estrenada
en 2000, nominada al Globo de Oro por mejor guión
y nominada a dos Premios Óscar (por su guión
original y edición). Una de las mayores
peculiaridades de la película reside en su línea
temporal, la cual en vez de ser lineal va hacia atrás
"a saltos", mostrando según avanza la película las
causas de lo ya visto, en vez de sus consecuencias.
Entre éstas, hay escenas en blanco y negro que
progresan en orden normal, pero intercaladas en
mitad de la historia. Al llegar al final de la cinta, se
aúnan.

“Amnesia” es la historia de Leonard, quien sufrió un
trauma cerebral que le causó amnesia anterógrada.
Leonard es incapaz de almacenar nuevos
recuerdos, sin embargo, posee memoria sensorial y
recuerda cómo realizar las acciones cotidianas. Para
"recordar" los sucesos de su vida crea un sistema
usando fotos instantáneas para tener un registro de
la gente con la cual se relaciona, dónde se hospeda
y otros elementos básicos para el desarrollo de su
vida. Además de las fotografías, también toma notas
y se tatúa pistas del asesino de su esposa, a veces
demasiado ambiguas. Leonard busca vengarse del
hombre que violó y asesinó a su mujer, y que le
provocó su enfermedad, a la vez que se siente
culpable por no haber creído en Sammy, otro
personaje que sufrió su mismo problema.

Los temas principales de la película son la
naturaleza de la memoria, la identidad, el tiempo, el
recuerdo inconexo, la realidad, la manipulación y la
venganza.

Batman: el caballero oscuro es una película
estadounidense dirigida y coescrita por Christopher
Nolan y basada en uno de los personajes de DC
Comics, Batman. Se trata de una secuela de la película
de 2005 ”Batman Begins”, dirigida también por Nolan, que
reinaugura los derechos de Warner sobre Batman,
tratando de lograr una versión más realista y que difiere
de la primera por tener una mayor apego a situaciones
cotidianas que envuelven al público en la trama. El
director Nolan vuelve a asumir las labores en la dirección,
y Christian Bale retoma el papel protagónico. En esta
segunda entrega fílmica puede apreciarse la aparición de
su principal némesis: El Joker interpretado por el actor
australiano Heath Ledger. Este filme es la quinta película
más taquillera de la historia del cine en Estados Unidos,
recaudando más de 1000 millones de dólares.

La película tuvo su estreno oficial el 14 de
julio de 2008 únicamente en Nueva York. Posteriormente,
entre el 16 y 18 de julio, se estrenó
en Australia, Canadá, Estados Unidos y gran parte
de Latinoamérica. En España se estrenó el 13 de
agosto de 2008.

Con la ayuda del teniente Jim Gordon y el fiscal de distrito
Harvey Dent, Batman se propone desmantelar las
organizaciones criminales que infestan las calles de
Gotham una vez para siempre . El triunvirato demuestra
ser efectivo, pero pronto se verán atrapados por una
mente criminal en auge conocida como El Joker. El reino
de caos y anarquía que desata El Joker obliga al
Caballero oscuro a decidir entre ser héroe o ser vigilante.

Origen es una película de ciencia ficción escrita,
producida y dirigida por Christopher Nolan y
protagonizada por Leonardo DiCaprio, Ellen
Page, Ken Watanabe, Joseph Gordon-Levitt, Tom
Hardy, Michael Caine, Cillian Murphy, Tom
Berenger y Marion Cotillard. Fue estrenada en EEUU
el 16 de julio de 2010. En México se estrenó el 23 de
julio, en Argentina el 29 del mismo mes y en España
la película se estrenó el 6 de agosto de 2010.

“Origen” recaudó 62,8 millones de dólares en su
primer fin de semana, en 3.792 cines de Estados
Unidos. Hasta el momento, la cinta ha recaudado
más de 291 millones de dólares en dicho país, y más
500 millones en el resto del mundo, obteniendo un
total de 819 millones de dólares.

Nueva película de acción e intriga del aclamado
Christopher Nolan. Film protagonizado por el popular
Leonardo DiCaprio. En esta ocasión el protagonista
es un ladrón de sueños, esto es, experimenta con un
sistema a través del cual logra penetrar en la mente
de las personas, apoderándose de sus secretos más
íntimos y profundos. En principio este ingenio
mecanismo se ha creado para trabajar a favor a la
justicia pero el mismo plantea muchas cuestiones
morales. La impulsora del proyecto es Ellen Page que
interpreta a una joven estudiante.
Martin Scorsese
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Martin Charles Scorsese nació el 17 de noviembre de 1942. Es un director, guionista, actor y productor de
cine estadounidense
, ganador de unÓscar, dos Globos de Oro y dos premios BAFTA, así como de otro del Directors Guild of America (Gremio
de directores de Estados Unidos), además de ser uno de los fundadores de World Cinema Foundation. Condecorado con
la Legión de honor francesa en 1987.
Fue criado en el "ghetto italiano" de Manhattan. Allí Martin se educó en un contexto católico, llegando a estudiar para
monaguillo.
Sufrió una infancia de impedimentos debido a un problema asmático, lo que lo llevó a pasarse gran parte de ella dedicado
a mirar cine y televisión, filmes de John Ford y Samuel Fuller.
A principio de los ´60 se matriculó en el programa de cine de la Universidad de New York, con compañeros como Brian De
Palma. Comenzó a realizar cortometrajes. Tal vez la admiración por films de la "nouvelle vague" lo hicieron realizar
trabajos representativos con escasos recursos.
En 1968 realiza su primer largometraje "Who´s knocking my door" donde daba cuenta de la influencia de la cultura
italiana en su vida.
Con Roger Corman como productor, comienza en 1972 una serie de películas entre las que se destaca "Boxcar Bertha",
film de estilo violento sobre los sindicatos. Con "Calles Salvajes" en 1973 con Robert DeNiro y Harvey Keitel como
protagonistas, logra su primer éxito en New York. Pero sería con "Alicia no vive aquí" el lanzamiento en su carrera
cinematográfica. Condición que se confirmaría en 1976 con "Taxi Driver" una película única con Robert DeNiro. Quizás su
película mas representativa sea "Toro Salvaje" de 1980, la biografía del boxeador Jack LaMotta, en la que se luce la dupla
DeNiro-Pesci.
•
Además de dedicarse a la realización cinematográfica, trabajó produciendo programas para la televisión, video-clips (como
"Bad" y "HiStory" de Michael Jackson) y documentales como el de Giorgio Armani.
•
Sus films son personales, incorporan relaciones familiares, historias de lealtad y amor, de violencia y odio, sus personajes
son fuertes e intensos, ganadores y perdedores que se mueven en un mundo honesto pero fuerte, plasmados con
sutileza pero con intensidad, de una energía poco común.

Uno de los nuestros es una película estadounidense de
drama criminal semi-ficticia de 1990 dirigida por Martin Scorsese.
Esta basada en el libro no ficticio Wiseguy de Nicholas Pileggi,
quien también co-escribió el guión para la película con Scorsese.
El film sigue el ascenso y caída de tres delincuentes, abarcando
tres décadas. Fue protagonizada por Robert De Niro, Ray
Liotta, Joe Pesci, Lorraine Bracco y Paul Sorvino en los roles
principales.

“Uno de los nuestros” obtuvo buenos resultados en la taquilla,
obteniendo 46.8 millones de dólares en los Estados Unidos, muy
por encima de su presupuesto de 25 millones dólares. No
obstante, sus críticas por parte de los críticos no fueron
absolutamente positivas. La película fue nominada a
seis Premios Óscar, ganando solamente uno por Pesci en la
categoría de mejor actor de reparto. Además, el filme recibió
cinco premios por parte de la Academia Británica de las Artes
Cinematográficas y de la Televisión y fue nombrada mejor
película del año por el Círculo de Críticos de Cine de Nueva York,
por la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles y por la
Asociación Nacional de Críticos de Cine. Está considerada una
de las mejores películas de todos los tiempos, tanto en el género
de drama como en general, y fue declarada de "importancia
cultural" y seleccionada para su preservación en el Registro
Nacional de Cine por la Biblioteca del Congreso de Estados
Unidos.

Henry Hill, hijo de padre irlandés y madre siciliana, se siente
fascinado por la vida que llevan los gangsters de su barrio, en
Brooklyn, donde la mayoría de los vecinos son inmigrantes. El
patriarca de la familia Pauline, Paul Cicero, es el protector del
barrio. A los trece años, Henry, abandonará la escuela y entrará a
formar parte de la organización como chico de los recados. Pero
irá ascendiendo de categoría a medida que se refuerza la
confianza que los mafiosos han depositado en él.

El Aviador es una película que dramatiza la biografía
de Howard Hughes, pionero de la aviación. Narra su
vida desde la década de 1920 hasta la década de
1940, época en que Hughes dirigía y producía sus
propias películas en Hollywood y también pilotaba
sus propios prototipos aéreos.

Hughes es hijo de un inventor texano, que le heredó
la Hughes Tool Company, productora de la broca
cónica dual para la excavación de pozos petrolíferos.
Regresando de la universidad, residió en los Ángeles
para ser productor de cine, lanzando actores al
estrellato, como Jean Harlow, protagonizando el
filme ”Los ángeles del infierno”. Mucho tiempo
después, se dedicó a la industria electrónica y
principalmente a la aérea, su compañía aérea creó el
legendario avión Hughes H-4 Hercules y además
la TWA.
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Sin embargo, la narración del filme enfoca al
deterioro mental y el consecuente comportamiento
obsesivo-compulsivo (TOC) de Howard Hughes.
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El filme detalla los romances de Hughes con las ex
actrices de Hollywood, Ava Gardner y Katharine
Hepburn. Sus conflictos con el director general
de Pan Am, Juan Trippe, quien sobornó al
senador Owen Brewster para otorgarle a Pan Am el
monopolio coercitivo de los vuelos internacionales.
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Los infiltrados es una cinta del
género thriller policiaco estrenada el 2006.
El filme es dirigido por Martin Scorsese y protagonizado
por Leonardo DiCaprio, Jack Nicholson, Matt Damon, Mark
Wahlberg, Martin Sheen, Ray Winstone, Alec Baldwin y Vera
Farmiga.
“Los infiltrados” fue ganadora del Premio Oscar a la mejor
película en la entrega número 79 de los premios de
la Academia de las Artes y las Ciencias
Cinematográficas. Martin Scorsese recibió el Óscar al mejo
director, Thelma Schoonmaker el Óscar al mejor montaje y
William Monahan el Óscar al mejor guión adaptado, todos
por su respectiva labor en este filme.
Está ambientada en el sur de Boston, donde la policía
estatal está en guerra con el crimen organizado. Billy
Costigan (Leonardo DiCaprio) es un joven policía encubierto
al que se le asigna infiltrarse en la mafia dirigida por el jefe
criminal Costello (Jack Nicholson). Mientras Billy
rápidamente se está ganando la confianza de Costello, Colin
Sullivan (Matt Damon), un joven y duro criminal que se ha
infiltrado en el departamento de policía como informante de
Costello, está alcanzando una posición de poder en
la Unidad de Investigación Especial.
Cada hombre es consumido profundamente por su doble
vida, reuniendo información sobre los planes y las medidas
en contra de las operaciones que han penetrado. Pero
cuando los mafiosos y la policía se dan cuenta de que tienen
un espía entre ellos, de pronto Billy y Collin corren el peligro
de ser capturados y expuestos al enemigo. Cada uno debe
apurarse en descubrir la identidad del otro, a tiempo para
salvarse.
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40 principales - juanignaciomora