El arte abstracto
Integrantes : Oscar Aliaga
Cristóbal Vergara
Asignatura: Artes visuales
Curso: 1ª C
¿ Qué es arte abstracto ?
Arte abstracto es el estilo artístico que enfatiza los aspectos cromáticos, formales y
estructurales, acentuándolos, resaltando su valor y fuerza expresiva, sin tratar de imitar
modelos o formas naturales. El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad
de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo,
dotado de sus propias significaciones. El arte abstracto usa un lenguaje visual de forma,
color y línea para crear una composición que puede existir con independencia de
referencias visuales del mundo real. El arte occidental había estado, desde el
Renacimiento hasta mediados del siglo XIX, sometido a la lógica de la perspectiva y a un
intento de reproducir una ilusión de realidad visible. El arte de culturas distintas a la
Europea se hicieron accesibles y mostraban formas alternativas de describir experiencias
visuales a los artistas. A finales del siglo XIX muchos artistas sintieron la necesidad de
crear un nuevo tipo de arte que asumiría los cambios fundamentales que se estaban
produciendo en tecnología, ciencias y filosofía. Las fuentes de las que los artistas
individuales tomaban sus argumentos teóricos eran diversas, y reflejaban las
preocupaciones intelectuales y sociales en todas las áreas de la cultura occidental de
aquella época.
La abstracción
La abstracción se aparta de la realidad en la representación de la imaginería en el arte. Este
distanciamiento de una representación exacta puede ser sólo ligera, parcial o completa. La
abstracción existe con cierta graduación. Incluso el arte que pretende verosimilitud del más alto
grado puede ser abstracto, al menos en teoría, pues la representación perfecta es
extremadamente improbable. La obra de arte que se toma libertades, alterando por ejemplo el
color y la forma de maneras evidentes, puede decirse que en parte es abstracta. La abstracción
total no conserva ninguna traza de referencia a nada reconocible. El arte figurativo y la
abstracción total son casi mutuamente excluyentes. Pero el arte figurativo y el representativo
(realista) a menudo contiene algo de abstracción parcial. Entre los muy diversos movimientos
artísticos que personifican una abstracción parcial estarían por ejemplo el fovismo en el que el
color está intencionadamente alterado en relación con la realidad, y el cubismo, que claramente
altera las formas de la vida real en los objetos que representa.
Pero la abstracción pura, en la que no hay referencia alguna a realidades naturales, surgió
alrededor de 1910, como reacción al realismo, e influido por la aparición de la fotografía que
provocó la crisis del arte figurativo. Es una de las manifestaciones más significativas del arte del
siglo XX. Este lenguaje se elaboró a partir de las experiencias de vanguardia precedentes. Por un
lado, el fovismo y el expresionismo liberaron el color, lo que derivó hacia la abstracción lírica o
informalismo.
Jackson Pollock
Nació en Cody, Wyoming (Estados Unidos), y posteriormente, en 1929, se mudó a Nueva
York, donde estudió con el pintor Thomas Hart Benton. Su trabajo, al ser ampliamente
reseñado por el Moma, empezó a ser relacionado con el surrealismo. Los crítico del
momento, tuvieron que empezar a relacionar su obra de una u otra manera con el
«automatismo», en una escritura automática que pretende reflejar los fenómenos
psíquicos que tienen lugar en el interior del artista. Entre 1935 y 1943 trabajó para la WPA
y pintó bajo la influencia de Picasso, el surrealismo y el psicoanálisis jungiano que usó
como terapia contra su alcoholismo. En 1936 tuvo ocasión de trabajar en el taller
experimental del muralista Siqueiros, usando pintura con bomba de aire y con aerógrafo,
así como pigmentos sintéticos industriales. Desde 1938 hasta 1942 trabajó para el Federal
Art Project (Proyecto de Arte Federal). Pero en el caso de Pollock, hubo otras fuentes de
inspiración añadidas. Así, la cultura de los indios de Norteamérica, con sus formas
simbólicas y sus pinturas de arena. Esto le llevó también a probar otros materiales, como el
barniz, el aluminio o los esmaltes sintéticos.
El pintor se casó con la pintora Lee Krasner en 1945.
Pollock se distanció del arte figurativo y desarrolló técnicas como el splashing o el
dripping, consistentes en lanzar pintura al lienzo o dejarla gotear encima de este (action
painting), sin utilizar dibujos ni bocetos. A causa de esta forma de pintar, Pollock fue
apodado «Jack the Dripper» , juego de palabras con «Jack the Ripper» o «Jack el
Destripador», y «Dripper» o «goteador» y que podría traducirse como «Jack el
Goteador». Pollock comenzó a usar esta técnica en el año 1947, año en el que
precisamente participó en la última exposición en la galería Art of this Century.
Pollock extendía la tela, normalmente sin tratar, sobre el suelo, y corría o danzaba a su
alrededor y dentro de ella, derramando la pintura de manera uniforme. Pollock no
trabajaba sobre el lienzo sino, muchas veces, metido en él. En efecto, no trabajaba la
tela con utensilios tradicionales como el pincel o la espátula, sino mediante la técnica
del dripping.
El dripping consiste en dejar gotear o chorrear la pintura, desde un recipiente (tubo,
lata o caja) con el fondo agujereado, que el pintor sostenía en la mano o bien, en menor
medida, desde un palo o una espátula. De esta manera pintar no era algo que se hacía
con la mano, sino con un gesto de todo el cuerpo. Las grandes telas se llenaban por
todos lados, de manera uniforme, de color en forma de manchas e hilos que se
mezclaban. El pintor añadía goteos más finos realizados con un bastoncillo mojado en
pintura.
La pintura mas famosa de
pollock .
La pintura más famosa de Jackson Pollock: "#5 , 1948" tiene el récord de subasta al
venderse en 140 millones de dólares (USD 140.000.000), superando a la pintura de Gustav
Klimt "Retrato de Adele Bloch-Bauer I" vendida por 136 millones de dólares.
Obras de pollock
Pinturas abstractas
Fin…
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