ESTHER LÓPEZ ROMERO
GRADO EN EDUCACIÓN PRIMARIA
LEONARDO DA VINCI
Nació el 15 de abril de 1452 en el pueblo toscano de Vinci, próximo a Florencia. En sus primeros años
recibió la más exquisita educación en Florencia. Hacia 1466 acudió a formarse al taller de Andrea del
Verrocchio, figura principal de su época en el campo de la pintura y escultura. Tuvo la oportunidad de
estudiar las bases de la química, de la metalurgia, el trabajo del cuero y del yeso, de la mecánica y de la
carpintería, así como de diversas técnicas artísticas como el dibujo, la pintura y la escultura sobre
mármol y bronce.
En 1472 entró a formar parte del gremio de pintores de Florencia, pero siguió siendo ayudante de
Verrocchio, en cuya obra Bautismo de Cristo pintó el ángel arrodillado de la izquierda y el paisaje de
matices neblinosos.
Uno de sus primeros trabajos conocidos es el Paisaje del valle del Arno o Paisaje de Santa Maria della
neve (1473), un dibujo hecho con pluma y tinta. Así comenzó su carrera de pintor con obras ya
destacables como La Anunciación (1472-1475). Otras obras de su etapa juvenil son la Adoración de los
Magos, Madonna Benois ,el retrato de Ginebra de Benci, y el inacabado San Jerónimo.
También destacó como ingeniero. En 1478 se ofreció para levantar la iglesia octagonal de San Juan de
Florencia, y fue cuando se alejó de lado de su maestro después de haberlo superado brillantemente en
todas las disciplinas.
En 1482 entró al servicio del duque de Milán como ingeniero de sus numerosas empresas militares y como
arquitecto. Además, ayudó al matemático italiano Luca Pacioli en su célebre obra De Divina Proportione
(1509)
La obra más importante del periodo milanés son las dos versiones de la Virgen de las rocas, donde aplica
un esquema compositivo triangular que encierra a la Virgen, el Niño, san Juan y el ángel, y por otro lado,
utiliza por primera vez la técnica del sfumato.
De 1495 a 1497 trabajó en su obra maestra La última cena, pintura mural para el refectorio del
monasterio de Santa Maria delle Grazie, Milán. Su mayor encargo fue el monumento ecuestre en bronce
a tamaño colosal de Francesco Sforza. En 1503 en Florencia, fue miembro de la comisión de artistas
encargados de decidir sobre el adecuado emplazamiento del David de Miguel Ángel.
Durante su segundo periodo florentino, Leonardo pintó varios retratos, pero el único que se ha
conservado es el de La Gioconda, uno de los más famosos de toda la historia de la pintura, también
conocido como Mona Lisa. En 1507 hace la segunda versión de la Virgen de las rocas y Santa Ana, la
Virgen y el Niño. En 1516 se trasladó a Francia donde pasó sus últimos años en el castillo de Cloux, cerca
de Amboise, en el que murió el 2 de mayo de 1519.
LA ÚLTIMA CENA
LA MONALISA
ANCIANO PENSATIVO
ROBERTO MATTA
Nació en Santiago de Chile el día 11 de noviembre de 1911. Cursó sus estudios universitarios en la Escuela
de Arquitectura de la Universidad Católica de Chile, complementando sus estudios con trabajos
relacionados al arte, trabajó incluso en la Revista Topaze, en esa epóca pintó cuadros al óleo, casi todos
extraviados, a excepción del dedicado a su "nana" Mercedes. Su elección por la arquitectura no fue
casual, pues era la disciplina "tradicional" más cercana al arte.
Asistía a clases vespertinas de dibujo a mano alzada en la Escuela de Bellas Artes. Ahí fue alumno de
Hernán Gazmuri, quien venía llegando de Europa.
En Europa conoció a Breton quien estimuló al artista chileno, valorando su trabajo e introduciéndolo en el
círculo de los principales miembros del movimiento surrealista de París. Matta produjo ilustraciones y
artículos para el periódico surrealista Minotaure. Durante este período trabó amistad con prominentes
artistas contemporáneos europeos como Picasso y Marcel Duchamp.
Un momento decisivo en su carrera artística se produce en 1938 cuando pasa del dibujo a la pintura en
óleo, por la cual es muy famoso. Sus primeras pinturas, entre las que destaca Invasión nocturna, dieron
una indicación de la ruta artística tomada por el pintor.
El uso de patrones difusos de luz y gruesas líneas encima de un fondo particular se transformaría en uno
de sus sellos característicos. Durante las décadas siguientes de los 40 y 50 su pintura reflejaría el
perturbador estado de la política internacional, utilizando imágenes de máquinas eléctricas y personas
atormentadas. Al agregar arcilla a sus obras desde los años 1960 en adelante, le agregó dimensión a su
distorsión.
Su trabajo agregó nuevas dimensiones a la pintura contemporánea, pese a su ruptura con el movimiento
surrealista en 1947. Pese a que fue readmitido en 1959, su fama ganada es exclusivamente personal.
Experimentó distintas formas de expresión artísticas, incluyendo producciones de videos como Système
88, la fotografía y otros medios de expresión.
En 1990 recibió el Premio Nacional de Arte, en 1992 se le otorgó el Premio Príncipe de Asturias de las
Artes y en 1995 obtuvo el Praemium Imperiale en la categoría de Pintura. Vivió regularmente desde la
década de 1960 en la ciudad italiana de Civitavecchia, realizando viajes esporádicos a su país. Fallecio el
23 de noviembre de 2002.
El uso de patrones difusos de luz y gruesas líneas encima de un fondo particular se transformaría en
uno de sus sellos característicos. Durante las décadas siguientes de los 40 y 50 su pintura reflejaría el
perturbador estado de la política internacional, utilizando imágenes de máquinas eléctricas y personas
atormentadas. Al agregar arcilla a sus obras desde los años 1960 en adelante, le agregó dimensión a su
distorsión.
Su trabajo agregó nuevas dimensiones a la pintura contemporánea, pese a su ruptura con el movimiento
surrealista en 1947. Pese a que fue readmitido en 1959, su fama ganada es exclusivamente personal.
Experimentó distintas formas de expresión artísticas, incluyendo producciones de videos como
Système 88, la fotografía y otros medios de expresión.
En 1990 recibió el Premio Nacional de Arte, en 1992 se le otorgó el Premio Príncipe de Asturias de las
Artes y en 1995 obtuvo el Praemium Imperiale en la categoría de Pintura. Vivió regularmente desde la
década de 1960 en la ciudad italiana de Civitavecchia, realizando viajes esporádicos a su país. Fallecio
el 23 de noviembre de 2002.
Morfologá psicológicas (1938-1939)
La vida Allende la muerte (1973)
El vértigo de Eros (1944)
SALVADOR DALÍ
Nació el 11 de mayo de 1904 en la comarca catalana del Ampurdán, cerca de la frontera con Francia.
Se alojó en la célebre Residencia de Estudiantes de Madrid para comenzar sus estudios en la Academia
de San Fernando de Bellas Artes. Fueron sus pinturas, en las que Dalí tanteaba el cubismo, las que
llamaron la atención de sus compañeros de residencia, entre los que se incluían futuras figuras del arte
español, como Lorca, Pepín Bello o Buñuel. La maestría de sus recursos pictóricos se refleja en su
impecablemente realista "Cesta de pan", pintada en 1926. Dalí absorbía las influencias de muchos estilos
artísticos, desde el academicismo clásico a las vanguardias más rompedoras. Sus influencias clásicas
pasaban por Rafael, Bronzino, Zurbarán, Vermeer, y Velázquez. Alternaba técnicas tradicionales con
sistemas contemporáneos, a veces en una misma obra. Las exposiciones de su obra realizadas en
Barcelona en aquella época atrajeron gran atención, en la que se mezclaban las alabanzas y los debates
suscitados por una crítica dividida.
Conoció a su futura esposa Gala, una inmigrante rusa, once años mayor que él.
En 1931, Dalí pintó una de sus obras más célebres, "La persistencia de la memoria" (Los relojes blandos),
obra en la que según algunas teorías ilustró su rechazo del tiempo como una entidad rígida o
determinista. Esta idea se ve apoyada por otras imágenes de la obra, como el extenso paisaje, o algunos
relojes de bolsillo devorados por insectos.28 Los insectos, por otra parte, formarían parte del imaginario
daliniano como una entidad destructora natural.
La exposición de algunas obras de Dalí levantó un enorme revuelo en Nueva York. En 1936 Dalí participó
en una exposición surrealista, esta vez de índole internacional, celebrada en Londres. El mecenas de Dalí
era el muy adinerado Edward James, que había colaborado generosamente al ascenso del artista
comprándole numerosas obras y prestándole dinero durante dos años. Se convirtieron en buenos amigos,
tanto es así que James aparece en la pintura de Dalí "Cisnes reflejando elefantes". Colaboraron
igualmente en la creación de dos de los iconos más representativos del movimiento: el teléfono-langosta
y el sofá de los labios de Mae West.
La posguerra abrió para Dalí una nueva etapa artística, caracterizada por el virtuosismo técnico y el
recurso a ilusiones ópticas. Su aproximación al catolicismo se fue haciendo más marcada, influida quizás
por la conmoción causada por la bomba de Hiroshima y el amanecer de la era nuclear. Su intención
parecía ser la síntesis de la iconografía cristiana con imágenes en descomposición relacionadas con la
física nuclear, como se desprende de obras como "Crucifixión (Corpus Hypercubus)". Bajo la clasificación
de "misticismo nuclear" se incluyen también "La gare de Perpignan"(1965) y "El torero alucinógeno"(19681970). En 1960, Dalí empezó a trabajar en un teatro y museo personal, levantados sobre su casa natal en
Figueras.
Con 76 años, el estado de Dalí era lamentable, y su mano sufría constantes temblores que evidenciaban
el progreso de la Enfermedad de Parkinson.
Gala murió en 1982, y Dalí perdió su entusiasmo por vivir. En 1988, Dalí fue ingresado a raíz de un serio
fallo cardíaco, y fue visitado por el Rey Juan Carlos I, quien le confesó que siempre había sido un fiel
admirador de su obra.
El 23 de enero de 1989 murió a causa de una parada cardiorrespiratoria en Figueras, con 84 años, y
cerrando el círculo fue enterrado en la cripta de Figueras, situada en su casa-museo.
Evocation
Mural del Teatro en el Museo Dalí
de Figueras
Ventana
VINCENT VAN GOGH
Nació en Zundert Brabante Septentrional, el 30 de marzo de 1853. En mayo de 1875 se fue a París,
donde creció su amor por el arte.
En 1873 se fue a Londres donde tuvo su primer enamoramiento pero la chica le rechazó. En 1876 le
aumentó su fanatismo religioso, probablemente como un refugio a sus fracasos laborales y amorosos. Se
inscribió en la Academia de Bellas Artes donde estudió dibujo y perspectiva. En esta época realizó
esbozos y dibujos basados en las pinturas de Jean-François Millet, representando personajes de
campesinos y mineros, modelos de la vida cotidiana, y pintándolos muy realistas y con tonalidades
oscuras.En La Haya, su primo, pintor de acuarelas Anton Mauve, le dio buenos consejos y le insistió en la
importancia del aprendizaje de la perspectiva y el dibujo. Vincent realizó las primeras acuarelas y
naturalezas muertas, utilizando tonos apagados, como lo demuestra las dos acuarelas: Los pobres y el
dinero (1882) y Naturaleza muerta con col y zuecos (1881).
Recogió de la calle a Sien Hoornik, una prostituta alcohólica, embarazada y con una hija, con la que vivió
durante un año; tanto la madre como la hija le sirvieron de modelo. Sien, por la falta de recursos
económicos, había vuelto a ejercer la prostitución y esto, unido a la gran presión que padecía Van Gogh
por parte de su familia, hizo que esto fracasara. Luego pintó temas paisajistas en pintura al óleo y como
quería plasmar todos los detalles, realizó los óleos con trazos gruesos y pinceladas espesas.
Coincidió con un amigo suyo Anthon van Rappard y los dos juntos pintaron a los tejedores rurales. En la
pintura El tejedor en el telar, de 1884, expresa la dureza y el esfuerzo de este oficio, pero también la
dignidad del personaje, aquí Van Gogh demuestra la solidaridad y su identificación con el protagonista. En
1884, surgió un nuevo enamoramiento, ahora con Margot Begemann, diez años mayor que Vincent, que le
acompañaba en sus salidas pictóricas por el campo. Pensaron casarse pero la familia de ella se opuso y
ella llegó a intentar suicidarse. Pintó una de sus grandes obras Los comedores de patatas. Hasta
entonces sus esfuerzos se habían centrado siempre en la representación de una figura, en esta obra se
encontró con la dificultad de tener que coordinar cinco personajes y conseguir relacionarlos. Para ello
contrató modelos, y realizó diversos esbozos de dibujos de las figuras y estudios sobre detalles. Los
colores empleados de tonos terrosos no contribuyeron a una fusión armoniosa con el fondo.
El cuadro Naturaleza muerta con biblia, estuvo pintada antes de su partida hacia Amberes.
Realizó tres retratos de Julien Tanguy, llamado por todos los artistas «Père Tanguy». También dibujo
cuatro pinturas sobre girasoles: primero con tres flores, después con cinco, hasta llegar a la de los doce
girasoles sobre un fondo azul, y otro con quince girasoles sobre fondo amarillo.
Su amigo Gauguin y el pintaron juntos, además de pintarse mutuamente, Gauguin pintó de perfil a Van
Gogh y éste pintó a Gauguin de espaldas.
Con el paso de las semanas, la convivencia de los dos artistas fue empeorando y en diciembre de 1888, Van Gogh
y Gauguin tuvieron un altercado que dio origen a una de las explicaciones que se han dado acerca de la pérdida
de parte de la oreja Vicent. Al regresar a su casa Van Gogh pintó el Autorretrato con oreja vendada, mostrando
toda la parte derecha de la cabeza con una venda.
Los últimos años fue recluido en sanatorios mentales de forma voluntaria. Uno de los primeros cuadros allí, fue
Iris, donde muestra una gran vitalidad rítmica y una gran conjunción de colores. En esta época su pintura se
caracteriza por la presencia de remolinos, como se puede observar en una de sus pinturas más conocidas, La
noche estrellada.
Durante los últimos treinta meses de vida llegó a realizar 500 obras y en sus últimos 69 días firmó hasta 79
cuadros. Su depresión empeoró y el 27 de julio de 1890, mientras paseaba por el campo, con un revólver se
disparó un tiro en el pecho. No se dio cuenta de que su herida era mortal y volvió a la pensión Ravoux, donde
murió dos días después.
La casa amarilla (1888)
Acequia (1872-73), dibujo
juvenil de Van Gogh (La Haya).
Melocotonero en flor (1888)
HENRI DE TOULOUSE-LAUTREC
Nació en el castillo de Albi en el seno de una familia de la nobleza. Su infancia fue feliz hasta que, como
consecuencia de la consanguinidad de sus padres, Toulouse-Lautrec padeció una enfermedad que
afectaba al desarrollo de los huesos y que comenzó a manifestarse en él en 1874, y que le impidío crecer
más, alcanzando una altura de 1,52 m.
Toulouse-Lautrec decidió ser pintor, y, con el apoyo de su tío Charles y unos pintores amigos de la
familia, como Princetau, John Lewis Brown y Jean-Louis Forain. En París fue alumno de Léon Bonnat, que
era un retratista de moda, y, cuando se cerró el taller de Bonnat en septiembre de 1882, tuvo que
buscar un nuevo maestro, Fernand Cormon. En el estudio de Cormon se hizo amigo de Vincent van Gogh.
Todo lo relacionado con la prostitución, constituyó uno de los temas principales en sus obras. En los bajos
fondos de París pintaba a los actores, bailarines, burgueses y prostitutas. A éstas las pintaba mientras
se cambiaban, cuando acababan cada servicio o cuando esperaban una inspección médica.
Al contrario que los artistas impresionistas, apenas le interesó el género del paisaje, y prefirió
ambientes cerrados, iluminados con luz artificial, que le permitían jugar con los colores y encuadres de
forma subjetiva. Fue reconocido, si bien su popularidad radicó en sus ilustraciones para revistas y
carteles publicitarios de locales más que en la pintura al óleo.
Tuvo grandes amigos como la bailarina Jane Avril, a la cual dedicó varios cuadros, Valentín el
descoyuntado, payasos y demás personajes de las fiestas y espectáculos por los suburbios. Este mundillo
de vicio y extravagancia fue un refugio para Lautrec, quien se sentía rechazado por la nobleza a la que
pertenecía por origen. Criticaba a todos aquellos que reflejaban paisajes en sus cuadros, ya que él
opinaba que lo que verdaderamente valía la pena eran las personas, el pueblo. Se consideraba a sí mismo
un cronista social y se mezcló, pintó y fue como el pueblo.
En la década de los 90 viajó hasta Londres donde conoció y retrató a Oscar Wilde.
El alcoholismo deterioró su salud. Y a partir de 1897 padeció manías, depresiones y neurosis, además de
ataques de parálisis en las piernas y en un costado, hasta que en 1899 lo internaron en un sanatorio
mental. Allí realizó una colección de pinturas sobre el circo.
Le dejaron ir a casa de su madre en las posesiones de ésta cerca de Burdeos, y el 9 de septiembre de
1901 murió postrado en su cama.
Baile en el Moulin Rouge
(1890)
Salón de la Rue
des Moulins (1894
)
Suzanne Valadon
EDVARD MUNCH
Nació el 12 de diciembre de 1863 en Löten, Noruega. En el año 1879 comienza la carrera de ingeniería
pero unos años mas tarde lo deja para empezar su carrera artística que le abrió el camino al desarrollo
del expresionismo, hasta que en el año 1881 vende dos cuadros y pinta su primer autorretrato. Christian
Krohg, una figura importante en la redacción de la constitución de 1814 fue un maestro esencial para
Munch. Participó por primera vez en la exposición de otoño de Oslo donde estableció relaciones con el
circulo de literatos y artistas de Cristiania.
En 1885 participó en la Feria Mundial de Amberes. Tras una primera influencia de la pintura impresionista
y postimpresionista comienza a pintar tres de sus obras capitales: El día siguiente, Pubertad y La niña
enferma la cual causa un escándalo en la Exposición de Otoño de Oslo en el año 1886.
No tardó en crear un estilo sumamente personal, basado en acentuar la fuerza expresiva de la línea,
reducir las formas a su expresión más esquemática y hacer un uso simbólico, no naturalista, del color, y de
ahí su clasificación como pintor simbolista. En su primera exposición individual con 110 cuadros en Oslo
hizo que una parte del público lo aclamara con entusiasmo. En el año 1890 la influencia del
Neoimpresionismo en sus obras fue muy notoria. Ese mismo año recibe su segunda beca estatal. Un año
mas tarde comenzó a desarrollar los motivos del “Friso de la vida” ciclo pictórico que incluye muchas de
sus obras más conocidas que en su conjunto pretenden dar una visión unitaria de la vida, dibuja
ampliamente las memorias personales de Munch. Su exposición en Berlín tuvo que ser retirada por el
escándalo que suscitó y que dio pie a la creación de la Secesión Berlinesa, asociación de artistas dirigida
por el gobierno conservador de Berlín. En 1893 entabla relaciones con la tertulia del “Cochinillo negro”
lugar frecuentado por los artistas de la época. Ese mismo año pinta El grito una de las obras más
importantes de Munch, que refleja la enfermedad, la muerte y la obsesión religiosa que llenaron su
infancia y su juventud como la gran mayoría de sus obras.
Llega a un estilo completamente nuevo que Munch desarrollaría en el “Friso de la Vida” en que
destacaríamos cuadros como Pubertad, que refleja por primera vez una asociación entre miedo y
sexualidad; Melancolía, serie sobre la plenitud y el fin del amor al igual que Celos. Munch termina con
estos ciclos del “Friso de la Vida” en el año 1900 y empieza a exponerlos en 1902 y en 1905 en Praga,
intenta plasmar un terreno más tradicional. Retratos, paisajes y pinturas de estudio le preocupan cada
vez más.
En 1903 realiza su primera exposición en la Galería Cassirer en Berlín, un año mas tarde cede los derechos
de venta en Alemania a Cassirer de grabados y a la Galería Cometer de Hamburgo de óleos con varias
exposiciones y toma parte en el Salon des Indépendants. Este periodo de tiempo fue cuando Munch
empezó a alcanzar su éxito como artista, realiza numerosas exposiciones como en Copenhague y en la
Galería Cassirer, también La Academia de Bellas Artes de Weimar pone un estudio a su disposición. En
1918 publica un panfleto del “Friso de la vida” en el que incluye sus obras maestras.
Los siguientes años Munch decide retirarse un poco, recibe numerosos honores con ocasiones de su
septuagésimo aniversario ya que una enfermedad de los ojos en el año 1930 le hace casi imposible trabajar.
Tuvo una mala época como pintor ya que el gobierno nacionalsocialista confiscó 82 cuadros suyos de los
museos alemanes. Sus pinturas fueron consideradas como degeneradas, ya que la mayoría plasmaban la
muerte o temas que en aquella época resultaban muy polémicos. En 1940 con la invasión del régimen Nazi a
Noruega le retiraron muchos de sus cuadros de las galerías de arte porque pensaban que escandalizaban a
sus visitantes.
Durante la segunda Guerra Mundial Munch se hace mundialmente conocido y expone por primera vez sus
cuadros en los Estados Unidos de América. Con motivo de su 80 cumpleaños es objeto de grandes
homenajes.
El 23 de enero de 1944 muere en Noruega como había vivido: completamente solo.
Melancolía,1894-95
El grito (1893)
Pubertad (1894)
ÉDOUARD MANET
Nació en París el 23 de enero de 1832, en una familia acomodada. Hacia 1850, decide dedicarse al arte y
pasa casi seis años como alumno de Thomas Couture, del que aprendió que para ser un gran maestro hay que
escuchar las enseñanzas de los que lo han sido en el pasado. Desde 1853 hasta 1856 Manet se dedicó a
viajar por Italia, los Países Bajos, Alemania y Austria, copiando a los grandes maestros.
El 28 de octubre de 1863 contrajo matrimonio con la pianista holandesa Suzanne Leenhoff. En agosto de
1865 emprendió un viaje por España, organizado por su amigo Zacharie Astruc, en el que descubrió la
pintura barroca española, en particular a Velázquez, que tendrá una enorme influencia en su obra.
En 1867 empezó a trabajar en una serie de pinturas de contenido político, que reflejaban la ejecución del
emperador Maximiliano I de México, entre ellas una litografía que fue prohibida por la censura a causa de
las ideas republicanas del pintor. Otra de las pinturas de esta serie fue presentada al Salón en 1869; a
pesar de la negativa a exponer el cuadro, Manet, que continuaba buscando para su pintura el reconocimiento
oficial, no retiró del certamen otra de sus obras, El balcón, que sí había sido admitida.
Manet empezó a adoptar las técnicas impresionistas si bien rehusará participar en las exposiciones
colectivas. En cambio, organiza una exposición de sus obras en su propio taller de la parisina calle de St.
Petersboug, que gozó de bastante popularidad.
Hacia 1880, su salud empezó a deteriorarse a causa de un problema circulatorio crónico, que no mejoró a
pesar de someterse a tratamientos de hidroterapia en Bellevue. En esta época fue reconocido su talento
con una medalla de segunda clase concedida por el Salón, y fue nombrado también Caballero de la Legión de
Honor.
El 20 de abril de 1883, a causa de su enfermedad, le fue amputada la pierna izquierda y diez días más tarde
falleció a los 51 años de edad.
En febrero de 1884 se pusieron a la venta todas las obras de su taller en el Hôtel Drouot; a la venta
acudieron los pintores impresionistas, que adquirieron muchas de las obras; se vendieron 159 cuadros por
un total de 116.637 francos, quedando Olympia entre las obras que no fueron compradas.
Le déjeuner sur l'herbe (El desayuno sobre la hierba), 1863
El pífano (1882)
Olympia (1863)
DIEGO VELÁZQUEZ
Nació en Sevilla en 1599. Entre 1611 y 1617 trabajó como aprendiz en el taller del que sería su futuro
suegro, Pacheco. Durante sus años de aprendizaje, Velázquez aprendió el naturalismo tenebrista imperante
en su época, derivado del realismo italiano y del flamenco. Las obras más tempranas de Velázquez, realizadas
entre los años 1617 y 1623, pueden dividirse en tres categorías: el bodegón, retratos y escenas religiosas.
Muchas de sus primeras obras tienen un marcado acento naturalista, como La comida, que puede
considerarse como la primera obra independiente del maestro.
Fue también un pintor conocido en los círculos intelectuales de Sevilla, uno de los cuales, la Academia de
Artes, fue dirigida de manera informal por Pacheco. Pintó un retrato del rey Felipe IV (1623) y el monarca
le nombró su pintor de cámara. Este lienzo fue el primero de una serie de retratos soberbios y directos, no
sólo del rey, sino también de la familia real y otros miembros de la corte, ya que, realmente, su principal
ocupación en la corte era la de retratar, aunque también abordó temas mitológicos, como El triunfo de Baco,
popularmente llamado Los borrachos (1628-1629). Esta escena de bacanal en un paisaje abierto, en la que el
dios del vino bebe junto a los borrachos, atestigua el interés del artista por el realismo.
Estudió de cerca el arte del renacimiento y de la pintura italiana de su tiempo. Algunas de las obras
realizadas durante sus viajes dan muestra de la asimilación de estos estilos; un ejemplo representativo es su
La túnica de José (1639) y La fragua de Vulcano (1630), que combinan los efectos escultóricos
miguelangelescos con el claroscuro de maestros italianos tales como Guercino y Giovanni Lanfranco.
En 1634 llevó a cabo el programa decorativo del Salón de Reinos en el nuevo palacio del Buen Retiro.
Constaba de 12 escenas de batallas, junto a retratos ecuestres en los que las tropas españolas habían
resultado victoriosas y incluyó en este ciclo de batallas el cuadro titulado Las lanzas o La rendición de Breda
(1634), que retrata al comandante genovés Spínola, después de sitiar las ciudades del norte en el año 1625,
recibiendo las llaves de la ciudad de manos del gobernador. La delicadeza en la asombrosa manera de
ejecución la convierte en una de las composiciones históricas más célebres del arte barroco español.
Perteneciente a la década de los últimos años de 1630 y principios de 1640 son los famosos retratos de
enanos de corte que reflejan el respeto y la simpatía con que eran tratados en palacio. Velázquez pintó
pocos cuadros religiosos, entre ellos destacan el Crucificado, La coronación de la Virgen y San Antonio Abad
y san Pablo primer ermitaño.
Durante su estancia en Roma (1649-1650) pintó el magnífico retrato de Juan de Pareja, así como el
inquietante y profundo retrato del papa Inocencio X. Al poco tiempo fue admitido como miembro en la
Academia de San Lucas de Roma. Su elegante Venus del espejo data probablemente de esta época.
Las obras clave de las dos últimas décadas de la vida de Velázquez son Las hilanderas o La fábula de Aracne,
composición sofisticada de compleja simbología mitológica, y una de las obras maestras de la pintura española, Las
Meninas o La familia de Felipe IV (1656) que constituye un imponente retrato de grupo de la familia real con el propio
artista incluido en la escena. Velázquez continuó trabajando para el rey Felipe IV, como pintor, cortesano y fiel amigo
hasta su muerte, acaecida en Madrid el 6 de agosto de 1660. Su obra fue conocida y ejerció una importante
influencia en el siglo XIX, cuando el Museo del Prado la expuso en sus salas.
El triunfo de Baco, conocida como los borrachos (1628-29)
El aguador de Sevilla (1620)
Vieja friendo huevos (1618)
PABLO PICASSO
Nació en Málaga el 25 de octubre de 1881. A los quince años aprobó con brillantez los exámenes de ingreso en
la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, con su gran lienzo Ciencia y caridad, que representa, dentro aún de la
corriente academicista, a un médico, una monja y un niño junto a la cama de una mujer enferma; ganó una
medalla de oro.
Los temas de la obra de Edgar Degas y Toulouse-Lautrec ejercieron una gran influencia sobre Picasso. El
cuadro Habitación azul refleja el trabajo de ambos pintores y su evolución hacia el periodo azul, así llamado
por el predominio de los tonos azules en las obras que realizó durante estos años. En ellas reflejará la miseria
humana, con trabajadores extenuados, mendigos, alcohólicos y prostitutas, representados con cuerpos y
formas ligeramente alargadas, recordando el estilo de El Greco.
Conoce a su primera compañera, Fernande Olivier, y cambió su paleta hacia tonos rosas y rojos. Sus temas se
centraron en el mundo del circo creando obras como Familia de acróbatas.
En 1906, el célebre retrato de Gertrude Stein revela un tratamiento del rostro en forma de áscara. La obra
clave de este periodo es Las señoritas de Avignon, tan radical en su estilo que no fue entendido por los
críticos y pintores vanguardistas de aquel momento. Frente a la pintura tradicional, rompe en esta obra con la
profundidad espacial y la forma de representación ideal del desnudo femenino, reestructurándolo por medio
de líneas y planos cortantes y angulosos.
Inspirados por el tratamiento volumétrico de las formas pictóricas de Cézanne, Picasso y Braque pintaron una
serie de paisajes dentro de un estilo que un crítico describió después como si hubieran sido hechos a base de
“pequeños cubos”, imponiéndose así el término cubismo. Los temas favoritos de Picasso fueron los
instrumentos musicales, las naturalezas muertas y sus amigos, entre los que destaca el retrato de uno de sus
marchantes. En 1912 realiza su primer collage, Naturaleza muerta con silla de paja, combinando pasta de papel
y un trozo de hule sobre un lienzo pintado sólo en algunas zonas, que representa un vaso, un periódico, una
pipa, una ostra y un limón.
Dos obras de 1915 demuestran la simultaneidad de estilos que utilizó: Arlequín (1923) es un cuadro cubista
sintético, mientras que un dibujo de su marchante, Vollard, está realizado dentro de lo que se conoce como
estilo ingrista.. Durante la I Guerra Mundial conoció a la bailarina Olga Koklova, con la que se casó poco
después. Dentro de un estilo realista, figurativo, en torno a 1917 Picasso la retrató en varias ocasiones, al
igual que a su único hijo legítimo, Pablo y a sus numerosos amigos. A comienzos de la década de 1920 pintó una
serie de cuadros con figuras robustas, pesadas, escultóricas, como por ejemplo Tres mujeres en la fuente y
obras inspiradas en la mitología, como Las flautas de pan.
Al mismo tiempo creó también extraños cuadros de bañistas inflados e informes, con cabezas muy pequeñas y
grandes cuerpos, así como retratos de mujeres en actitudes violentas, convulsas, indicando a menudo con ellas
sus propias tensiones vitales.
Aunque siempre declaró que no era surrealista, en muchos de
sus cuadros se pueden apreciar cualidades y características
propias de este movimiento artístico, como en Mujer
durmiendo en un sillón y Bañista sentada.
Varios cuadros cubistas de 1930 reflejan el placer y la pasión
de Picasso por su nuevo amor, Marie Thérèse Walter, con la
que tuvo a su hija Maya en 1935. Fue la modelo del famoso
cuadro Muchacha ante el espejo. En 1935 Picasso llevó a cabo
la serie de grabados Minotauromaquia, trabajo en el que mezcla
los temas del minotauro y las corridas de toros; en esta obra,
tanto la figura del toro como la del caballo destripado anuncian
las imágenes del Guernica, el gran mural considerado por la
mayoría como una de las obras artísticas individuales más
importante del siglo XX.
El estallido y posterior desarrollo de la II Guerra Mundial
contribuyeron a que la paleta de Picasso se oscureciera y a que
la muerte fuera el tema más frecuente en la mayor parte de
sus obras, por ejemplo, en Bodegón con calavera de buey y en
El osario. Conoce a la pintora Françoise Gilot, con la que tendrá
dos hijos, Paloma y Claude; ambos aparecerán retratados en
numerosas obras que recuperan los primeros estilos de Picasso.
Su última compañera sentimental fue Jacqueline Roque, a la que
conoció en 1953 y con la que se casó en 1961. También pintó su
imagen en bastantes ocasiones, como en Jacqueline sentada.
Desde entonces residió casi siempre en el sur de Francia.
Muchos de los últimos cuadros de Picasso están basados en las
obras de los grandes maestros del pasado como Velázquez,
Courbet, Delacroix y Manet.
Hizo también importantes esculturas: El hombre del carnero,
un bronce a tamaño natural, y La cabra, también en bronce,
obra de enorme fuerza. A lo largo de toda su vida la obra de
Picasso se expuso en innumerables ocasiones. La más inusual de
ellas fue la que le dedicó el Louvre en 1971 con motivo del 90
cumpleaños del artista; hasta entonces nunca se había
expuesto en el museo parisino la obra de ningún artista vivo.
Picasso murió el 3 de abril de 1973 en Notre-Dame-de-Vie.
Autorretrato (1906)
Guernica
Las señoritas de Avignon
BARTOLOMÉ ESTEBAN MURILLO
Nació en 1617 en la ciudad de Sevilla. Se formó en el taller de su pariente Juan del Castillo, respetado
artista en Sevilla, donde pronto comenzó a destacar de entre sus discípulos. A los 14 años de edad pintaba
pequeños cuadros, o bien hacía dibujos para las comunidades religiosas.
A los 22 años decidió establecer un taller de pintura barata que le permitía vender cuadros sobre todo en
las ferias de los pueblos, pero a pesar de que se vendían bien, esto no terminaba de satisfacer al artista,
tanto es así que tras conocer copias de Antoon van Dyck, traídas a Sevilla por Pedro Moya, surgió en él un
fuerte deseo de perfeccionar su pintura. Conoció bien la pintura flamenca. Su pintura recogió asuntos de
sentido social y de estética naturalista en sus grandes temas, como los niños mendigos o las escenas de la
infancia de Cristo. También cultivó una pintura suave de gusto burgués y aristocrático, como demuestran
sus obras religiosas.
En 1645 pintó trece lienzos para el claustro de San Francisco el Grande de Sevilla. Se casó ese mismo año
con Beatriz Cabrera, con la que tendrá nueve hijos. Empezará a especializarse en los dos temas que más
fama le han proporcionado, las vírgenes con niño y las Inmaculadas.
En 1660 intervino en la fundación de la Academia de Pintura, cuya dirección compartió con Herrera el Mozo.
Recibió importantes encargos, como el retablo del Monasterio de San Agustín; los cuadros para Santa
María la Blanca, concluidos en 1665; las pinturas para el retablo mayor y los altares de las capillas laterales
de la Iglesia del Convento de Capuchinos de Sevilla, uno de sus más importantes conjuntos pictórico, y
Santo Tomás de Villanueva repartiendo limosna también para los capuchinos de Sevilla; o los cuadros sobre
las obras de misericordia para el Hospital de la Caridad. Murillo destacó también como creador de tipos
femeninos e infantiles: del candor de La muchacha con flores al realismo vivo y directo de sus niños de la
calle, pilluelos y mendigos, que constituyen un prodigioso estudio de la vida popular. Después de una serie
dedicada a la Parábola del hijo pródigo, se le encomendó la decoración de la iglesia del convento de los
capuchinos de Cádiz, de la que sólo concluyó los Desposorios de santa Catalina, ya que falleció mientras
trabajaba en ella, a consecuencia de una grave caída desde un andamio, aunque no en el acto, ya que
sobrevivió al accidente unos meses más.
A petición del propio pintor, el día 4 de abril de 1682 (un día después de su muerte) fue enterrado en la
primitiva Iglesia de Santa Cruz, iglesia que desapareció durante la ocupación francesa; y aunque más tarde
volvería a ser levantada una nueva, el solar de la antigua es ocupado hoy día por la Plaza de Santa Cruz, bajo
la cual, y en lugar ignorado, descansan los restos de Bartolomé Esteban Murillo.
La Anunciación
Mujeres en la ventana
El mendigo o Joven mendigo (1650)
CLAUDE MONET
Nació en París el 14 de noviembre de 1840, aunque pasó la mayor parte de su niñez en El Havre, donde
estudió dibujo en su adolescencia y pintó marinas al aire libre con Eugène Louis Boudin. Hacia 1859 había
decidido comenzar su carrera de artista y para ello pasaba largas temporadas en París. En 1860 se le
asoció con el pintor pre-impresionista Édouard Manet y con otros pintores franceses que más tarde
formarían la escuela impresionista: Camille Pissarro, Pierre Auguste Renoir y Alfred Sisley.
Pintaba, trabajando al aire libre, paisajes y escenas de la sociedad burguesa contemporánea, y así
comenzó a tener éxito en las exposiciones oficiales. Pero a medida que su estilo evolucionaba, comenzó un
proceso de trasgresión de los convencionalismos artísticos tradicionales en beneficio de una expresión
artística más directa. Sus experimentos al aire libre se hacían cada vez más audaces, buscando plasmar
la luz del día por medio de la aplicación libre de colores brillantes. De este modo, deliberadamente le dio
la espalda a la posibilidad de una brillante carrera como pintor convencional en la línea del arte oficial.
En 1874 Monet y sus colegas decidieron organizar sus propias exposiciones, denominandose a sí mismos
independientes. Las composiciones de Monet de este periodo poseen una estructura bastante libre,
aplicando el color con cortas y vigorosas pinceladas. Esta técnica viene determinada por la espontaneidad
e inmediatez que exige la pintura al aire libre a la hora de captar una impresión de la naturaleza.
Para poder pintar sobre el agua, acondicionó su estudio sobre una barca, como constató Manet en el
cuadro titulado Claude Monet en su estudio flotante. De esta forma realizó la magnífica serie de regatas
en el Sena, que marcó su vocación definitiva de pintor de la luz y la atmósfera en sus aspectos más
fugaces.
A mediados de 1880 Monet, considerado el dirigente de la escuela impresionista, había alcanzado un
reconocimiento importante y una buena posición económica. A pesar de la audacia de su colorido y de la
extrema simplicidad de sus composiciones, se le valoró como un maestro de la observación meticulosa, un
artista que no sacrificó ni las complejidades reales de la naturaleza ni la intensidad de sus propios
sentimientos.
En 1906 comenzó a pintar las series del estanque con nenúfares que están expuestas en la Orangerie de
París, en el Instituto de Arte de Chicago y en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Durante estos
años también trabajó en otras series de pinturas, grupos de obras que representan el mismo tema
representando las diferentes luces de las horas del día o en las distintas estaciones del año. Monet
afirmó en reiteradas ocasiones que estas series perdían por completo su significado si los lienzos que las
componían se contemplaban por separado, y que era necesario admirar varias versiones, diversas y
complementarias, de cada una de ellas.
Monet continuó pintando, a pesar de que la vista le fallaba, casi hasta el momento de su muerte,
ocurrida el 5 de diciembre de 1926 en Giverny. Las obras realizadas en sus últimos años supusieron
una evolución peculiar de su arte, del que la serie titulada Ninfeas constituye la culminación. La
figura humana es abandonada y la naturaleza se recrea con una visión distorsionada por la
enfermedad, dando como resultado obras de gran formato con un estilo más suelto y un aspecto
abstracto de extraordinaria intensidad pictórica.
La obra de Claude Monet no sólo domina el impresionismo sino que se adelanta a las corrientes más
vanguardistas de la primera mitad del siglo XX. Su importancia ha sido decisiva en el desarrollo de la
abstracción lírica, y su influencia poderosa en artistas como Kandinsky o el francés Jean Fautrier.
La playa de Trouville (1870)
Camille con vestido verde (1866)
El Desayuno (1865/1866)
TIZIANO
Nació en Pieve di Cadore, al norte de Venecia, en 1477.
Realiza en 1511 los frescos de los Milagros de san Antonio para la Scuola del Santo. Estas narraciones
demuestran su capacidad para dotar a las figuras de un sentimiento de aflicción convincente, de vida
impulsiva, al tiempo que ordena los hechos con realismo en el marco de paisajes de gran viveza. Tiziano poco
a poco enriqueció el idílico estilo de Giorgione. Los cuerpos y los objetos adquieren progresivamente una
sensual densidad y esplendor, los paisajes se vuelven más resonantes, la gama cromática gana en intensidad
y profundidad pero también en armonía como se observa en Las tres edades del hombre y Amor divino y
amor profano. El proceso culminó en las bacanales que Tiziano pintó para el duque Alfonso d´Este en una
estancia de su palacio de Ferrara entre 1518 y 1522. Estas obras se consideran las más famosas e
influyentes del renacimiento.
Las dinámicas vibraciones de estas piezas tienen su paralelo en su obra de temática religiosa
correspondiente al mismo periodo, una de las más importantes la Asunción de la Virgen (1516-1518) sobre el
altar de Santa María dei Frari en Venecia, que destaca por la maestría en la composición y movimientos de
un nutrido número de personajes tratados con un sorprendente sentido de la monumentalidad. Destaca
también su fuerte colorido y luz dorada. Al destaparse la obra causó una gran sensación. La misma tónica de
monumentalidad se observa en la Virgen de Pésaro (1519-1526) del mismo templo, donde Tiziano realiza un
cambio crucial en el modelo renacentista de sacra conversazione, situando a la Virgen, tradicionalmente
colocada en el centro de la composición, en la parte derecha del cuadro, y pintando tras ella dos enormes
columnas en perspectiva que se elevan más allá del espacio pictórico. Este nuevo esquema abrió el camino
del estilo barroco por su sentido de movimiento y de infinito. La más dinámica de las obras de Tiziano de
este periodo fue la colosal Muerte de san Pedro mártir (1530, destruida), en donde la acción violenta
encuentra eco en la convulsión de los árboles y del cielo.
Sus obras de 1530 están traspasadas por una relativa serenidad, sutileza y refinamiento cromático, como
se observa en su Venus de Urbino (1538-1539). Un nuevo ímpetu de energía se plasma en La batalla de
Cadore y en tres grandiosas pinturas de techos (1543-1544), en las que escorzos violentos y figuras
titánicas indican el conocimiento del estilo manierista por parte del pintor. Tiziano es un retratista de
primera calidad. En 1516 había sido nombrado pintor oficial de la República veneciana, y trabajó después en
las cortes de Ferrara y Mantua. En 1530 y 1540 viajó a Bolonia para realizar los retratos del emperador
Carlos V y del papa Pablo III.
Tiziano crea como retratista un tipo de descripción solemne y opulenta, realizando una síntesis entre la
captación de la psicología y temperamento del personaje y la atención a los detalles de vestuario y al
escenario, que definen a su vez la categoría social de la persona retratada.
Entre sus numerosos retratos cabe destacar el del
Caballero del guante, el famoso Autorretrato (15601566), Carlos V en la batalla de Mühlberg (1548), los
dos de Felipe II, La emperatriz Isabel de Portugal
(1548), y el del Marqués del Vasto arengando a sus
tropas.
A partir de 1550 su estilo cambia. Sus obras pierden de
forma gradual solidez, diluyéndose parcialmente en
vagas texturas y pinceladas vibrantes, a la vez que el
color se hace más intenso, como en La ninfa con el
pastor y El rapto de Europa. El punto culminante se
alcanza en la violenta Muerte de Acteón, con su
tonalidad broncínea y texturas espejeantes. De mayor
profundidad es Marsias desollado. Dentro del capítulo
de la fábula pagana llevada a sus máximos extremos de
sensualidad y magnífica interpretación del desnudo
femenino tenemos Danae recibiendo la lluvia de oro, uno
de los más hermosos desnudos salidos de su pincel;
Venus y Adonis, y Venus y la música, pintadas en la
década de 1540 por encargo de Felipe II.
Estas obras son contemporáneas de una serie de
pinturas religiosas en las que se observa la misma
disolución progresiva de las formas a través del color y
la luz. En escenarios nocturnos, destacan La
Anunciación (1560-1565) y La coronación de espinas.
Tiziano murió en Venecia en 1576. Su obra proporcionó
una alternativa poderosa y atractiva. Por derecho
propio, la obra de Tiziano se considera en la cima de los
logros y éxitos en el campo de las artes visuales.
La Asunción de la Virgen de Santa María dei
Frari (1516-18)
Flora, (1515)
La Bacanal, (1518-19)
PAUL CÉZANNE
Nació el 19 de enero de 1839 en la ciudad de Aix-en-Provence, en el sur de Francia. Su padre era un banquero
acaudalado. Fue amigo de infancia de Zola y, al igual que éste, manifestó interés por el arte desde muy joven para
disgusto de su padre. En 1862, después de una serie de encarnizadas discusiones familiares, el aspirante a artista
recibió una pequeña asignación y fue enviado a estudiar arte a París, hacia donde ya había partido Zola. Cézanne se
sintió de inmediato atraído por los elementos más radicales del mundo artístico parisino. Admiraba sobre todo al
pintor romántico Delacroix y, entre los artistas más jóvenes, a Courbet y a Manet.
Muchas de sus primeras obras estaban pintadas con pigmentos espesos y en tonos oscuros que recordaban al
expresionismo romántico y melancólico de generaciones anteriores. Manifestó un interés progresivo por la
representación de la vida contemporánea, quería pintar el mundo tal y como se presentaba ante sus ojos, sin
preocuparse de idealizaciones temáticas o afectación en el estilo. La influencia más significativa en los comienzos
de su madurez artística fue la de Pissarro que le enseñó a plasmar los efectos de la luz natural mediante una nueva
técnica ideada por los impresionistas. Junto con Claude Monet, Auguste Renoir y unos pocos pintores más, Pissarro
había desarrollado un estilo para trabajar al aire libre de forma rápida y a escala reducida, que consistía en
utilizar pequeños toques de colores puros, sin recurrir a bocetos preliminares ni a dibujos, para atrapar los
efectos lumínicos fugaces y su interpretación visual, también efímera, de la naturaleza.
Cézanne pasó de los tonos oscuros a los colores brillantes y comenzó a concentrarse en escenas de la vida rural.
Aunque parecía poseer menos dominio técnico que los otros impresionistas, Cézanne fue aceptado dentro del grupo
y expuso con ellos en 1874 y 1877. En general los impresionistas contaban con un éxito comercial limitado, y las
obras de Cézanne tuvieron la acogida más desfavorable por parte de la crítica. Se distanció de muchos de sus
contactos parisinos a finales de 1870 y en 1880 pasó gran parte del tiempo en su Aix-en-Provence natal. A partir
de 1882 dejó de trabajar en estrecha relación con Pissarro. En 1886 creyó ver referencias a sus fracasos en una
novela de Zola y rompió sus relaciones con él. Ese mismo año heredó la fortuna de su padre y con 47 años,
consiguió la independencia económica.
El aislamiento y la concentración podrían ser los responsables de la increíble evolución que experimentó su estilo
en 1880 y 1890. Fue simplificando de modo gradual la aplicación de la pintura hasta el punto de que parecía lograr
expresar el volumen con sólo unas cuantas pinceladas de color yuxtapuestas. Más adelante los expertos llegarían a
afirmar que Cézanne había descubierto un modo de representar tanto la luz como las formas de la naturaleza
simplemente mediante el color. Parecía reintroducir una estructura formal que los impresionistas habían
abandonado, sin sacrificar por ello la sensación y vivacidad lumínica lograda por ellos. Cézanne hablaba de modular
el color en lugar de modelar el claroscuro de la pintura tradicional. Para el la solución a todos los problemas
técnicos del impresionismo radicaba en utilizar el color de un modo más ordenado y expresivo que el de sus
compañeros impresionistas.
Cézanne consideraba que nunca llegaba a alcanzar plenamente su objetivo, por lo que dejó la mayor parte de sus
obras sin acabar y destruyó muchas otras. Se lamentaba de su fracaso a la hora de representar la figura humana
y, efectivamente, las grandes obras con figuras humanas de sus últimos años, como Bañistas, revelan unas
distorsiones curiosas que parecen dictadas por el rigor del sistema de modulación cromática que él mismo impuso
sobre sus propias representaciones. La generación posterior de pintores llegó a aceptar prácticamente todas las
rarezas de Cézanne. Dicha generación creía que ya se habían superado los objetivos naturalistas del
impresionismo y que era necesario un estilo nuevo y original, sin reparar en la dificultad, para poder devolver al
arte moderno sinceridad y compromiso.
Durante muchos años la obra de Cézanne sólo fue conocida por sus antiguos colegas impresionistas y por unos
cuantos artistas jóvenes radicales de la línea del postimpresionismo. Sin embargo, en 1895 Ambroise Vollard,
ambicioso marchante parisino, organizó una exposición de sus obras y las promocionó con gran éxito durante los
años siguientes. Hacia 1904, Cézanne alcanzó la consagración en uno de los grandes salones oficiales de pintura y
cuando murió (en su ciudad natal, el 22 de octubre de 1906) había logrado un prestigio considerable. Muchos
pintores jóvenes viajaron hasta Aix-en-Provence para verle trabajar y pedirle consejo durante los últimos años
de su vida. Sin embargo, tanto su estilo como sus teorías continúan siendo misteriosas y crípticas, aunque todos
están de acuerdo en que la intensidad de sus colores, unida al aparente rigor de la estructura compositiva, indican
que, a pesar de la frecuente desesperación del propio artista, había sintetizado los elementos básicos de
representación y expresividad de la pintura de un modo muy personal.
Muchacha al piano (La obertura de Tannhäuser), h. 1869, en la
que están representadas la hermana y la madre de Cézanne.
Una moderna Olimpia, 1873-74
Bodegón con cortina (1895)
EDGAR DEGAS
Nació el 19 de julio de 1834 en París, en el seno de una acaudalada familia de banqueros. Estudió en la Escuela de
Bellas Artes con un discípulo del pintor neoclásico francés Jean Auguste Dominique Ingres; allí desarrolló la gran
técnica como dibujante que se convertiría en una de las características más sobresalientes de su arte. A partir de
1865, influido por el movimiento impresionista abandonó los temas académicos para dedicarse a una temática
contemporánea. Pero prefirió trabajar en su taller y no le interesó el estudio de la luz natural que tanto fascinó a
aquéllos. A Degas le gustaban los temas del teatro, por lo que la mayor parte de su obra representa teatros, cafés,
teatros de variedades o gabinetes y carreras de caballos. Degas fue un gran observador del ser humano y tanto en sus
retratos como en sus estudios de bailarinas, sombrereras y lavanderas, cultivó una objetividad absoluta, intentando
atrapar las posturas más naturales y espontáneas de sus modelos como las que podían registrarse en las fotografías.
Su estudio de los grabados japoneses le llevó a experimentar con ángulos de enfoque inusitados y composiciones
asimétricas. Sus obras suelen presentar los bordes cortados, como en Los bebedores de absenta (1876) o Ensayo de
ballet (1876). En Mujer con crisantemos (1865), la figura femenina aparece desplazada en un rincón del cuadro por la
presencia en el centro de un gran ramo de flores.
En 1880, cuando comenzó a perder visión, Degas empezó a trabajar con dos medios nuevos que no requerían gran
agudeza visual: la escultura y el pastel. En su escultura, al igual que en su pintura, intentó atrapar la acción del
momento, y sus bailarinas de ballet y desnudos femeninos están representados en poses que evidencian los esfuerzos
físicos de las modelos. Sus pasteles suelen ser composiciones simples con muy pocas figuras. Se vio forzado a recurrir
a los colores brillantes y a los gestos de gran expresividad, prescindiendo de la línea precisa y el cuidado detalle pero,
a pesar de esas limitaciones, sus últimas obras son de una elocuencia, expresividad y grandiosidad no alcanzadas por
ninguna de sus obras anteriores, como puede verse en la excelente selección de su obra presente en el Museo de
Orsay de París.
Degas no gozó de gran fama en su época y su auténtica dimensión artística no habría
de valorarse hasta después de su muerte, acaecida el 27 de septiembre de 1917 en
París.
Clase de baile, 1875
La estrella, 1878
El ajenjo, 1876
GUSTAVE COURBET
Nació en un pueblo próximo a Besançon, en el Doubs francés, cuyo paisaje refleja en sus cuadros. Estudió en
Besançon y luego en París (1840). Sus padres deseaban que emprendiese la carrera de Derecho, pero al llegar a París
se volcó en el arte.
A partir de la revolución de 1848, Courbet fue etiquetado de «revolucionario peligroso».
En 1855 expuso algunas de sus obras en el Palacio de las Artes de la Exposición Universal de París, pero al ver el
rechazo del jurado hacia algunos de sus cuadros decidió inaugurar una exposición individual ubicada en las
proximidades del campo de Marte, a la que bautizó con el nombre de "Pabellón del Realismo". Entre las obras que
exhibió en dicho lugar cabe mencionar El taller del pintor, en el que retrataba a todas las personas que habían
ejercido cierta influencia en su vida.
Tuvo fama de arrogante y efectista. Algunos le achacaban que provocaba escándalos sólo para entretener a las clases
bienpensantes y que su arte se mantenía fiel a cierta exquisitez formal. Otros como Delacroix lamentaban que
Courbet malgastaba su habilidad, al elegir temas sin un contenido elevado.
A pesar de sus polémicas, llegó a disfrutar de éxito. Se le otorgó la medalla de la Legión de Honor, pero la rechazó.
De él, el filósofo Proudhon, «padre» del anarquismo, quiso hacer un pintor proletario. Creía que el arte podría
subsanar las contradicciones sociales.
Durante la Comuna se le encargó la administración de los museos de París. Tras
caer dicho gobierno, el gobierno posterior le responsabilizó de la destrucción de
la columna Vendôme dedicada a Napoleón Bonaparte. Un consejo de guerra lo
condenó a seis meses de prisión y a pagar 300.000 francos. Al salir de la cárcel
escapó a Suiza (1873) para evitar que el Estado le obligara a pagar la multa; era
tan alta que debía ser liquidada a lo largo de 30 años.
Murió en La Tour du Peilz, localidad próxima a Vevey, víctima de una cirrosis
producida por su consumo abusivo de alcohol.
El estudio, detalle, 1855
Autorretrato (1849)
Las cribadoras, 1859
PIERRE-AUGUSTE RENOIR
Nació en Limoges en febrero de 1841. En 1845, Renoir y su familia se mudaron a París. Allí Pierre-Auguste continuó sus
estudios hasta la edad de 13 años. Ya como adolescente, trabajó en el taller de los hermanos Lévy donde pintó figuras
decorativas sobre porcelana hasta los 17 años. En 1858, Renoir realiza pintura sobre abanicos. En esa actividad adquirió
el gusto por las piezas de gran luminosidad y de pinceladas rápidas.
En 1862, Renoir, al captar atención por las pinturas que tuvo que hacer en unas misiones religiosas, postuló a la Escuela
de Bellas Artes y entró al taller de Gleyre, donde conoció a Monet, Bazille y Sisley. Sus primeros cuadros de estilo
clásico, romántico y realista no fueron inicialmente bien criticados. La primera obra que expone en la galería
l’Esméralda en 1864 recibió una muy buena acogida, pero después de la exposición la destruyó. Pintó gran cantidad de
paisajes y de cuerpos humanos, principalmente femeninos (sobre todo el de Lise Tréhot quien fue su amante). Esta
joven tuvo una importancia vital en la obra del pintor, dado que al romperse la relación, hubo un cambio en el estilo del
autor. La carrera de Renoir realmente se inicia en 1867 con la exposición de la Lise à l’ombrelle.
El período impresionista de Renoir dura entre 1870 y 1883. Pinta gran cantidad de paisajes pero sus obras más
características tiene por tema la vida social urbana. En todos sus temas el énfasis lo pone en la juventud y la vitalidad.
Su más grande obra durante este período es Déjeuner des canotiers; la mujer que juega con el perrito en este cuadro
será su esposa, Aline Charigot. De esta época data su Retrato de Madame Charpentier con sus hijos, aún impresionista.
Le fue encargado por el editor Charpentier, quien le ayudó en años difíciles. Gracias a él, fue convocado a colaborar en
las ilustraciones para un libro de Émile Zola.
Entre 1883 y 1890, Renoir entra en su período ingresco. En busca de las fuentes clásicas de Ingres marcha a Italia y
contempla la obra de Rafael in situ; decide revisar su estilo. Los contornos de sus personajes se vuelven más precisos.
Dibuja las formas con gran precisión, los colores se vuelven más fríos. Al convertirse en padre por primera vez deja la
pintura por un tiempo. Al regresar al trabajo realiza la más importante obra de este período Grandes baigneuses,
cuadro que tardó tres años en completar.
De 1890 a 1900, Renoir cambia nuevamente su estilo. Ahora es una mezcla de sus estilos impresionista e ingresco.
Mantiene los temas Ingres pero con la fluidez en las pinceladas de su período impresionista. Su primera obra de este
período Jeunes filles au piano, es adquirida por el estado francés para ser expuesta en el Museo de Luxemburgo. En
1894, Renoir es padre por segunda vez. La niñera de sus hijos, Gabrielle Renard, se convierte en uno de sus modelos
preferidos.
Entre 1900 y 1919, Renoir entra en su período de Cagnes. En esta época sufre graves crisis de reumatismo. Con el
nacimiento de su tercer hijo en 1901 su pintura toma una nuevo matiz. En varias ocasiones pinta en compañía de la
niñera, quien también se convertirá en modelo para sus obras.
Al morir su esposa Aline en 1915, Renoir, ya en silla de ruedas, continúa pintando para ahogar su pena. Vuelto a Cagnes
continuó pintando hasta terminar su composición "Descanso tras el baño", y una naturaleza con manzanas. PierreAuguste Renoir moriría el 3 de diciembre de 1919 luego de visitar por última vez el Louvre donde ya se exponían sus
pinturas, recién pasada una fuerte pulmonía, y sería enterrado a los tres días en Essoyes junto a su esposa.
El almuerzo de los remeros
Renoir Autorretrato (1876)
PAUL GAUGUIN
Nació en París el 7 de junio de 1848 en el seno de una familia liberal de clase media; su madre era hija de la
célebre socialista y feminista Flora Tristán. Después de una juventud aventurera, que incluye una estancia de
cuatro años en Perú con su familia y un empleo en la marina mercante francesa, se convirtió en un prestigioso
agente de bolsa de París, llevando una confortable vida burguesa con su mujer, la danesa Mette-Sophie Gad, y sus
cinco hijos.
En 1874, después de conocer al pintor Camille Pissarro y ver la primera exposición de los impresionistas, se hizo
coleccionista y pintor aficionado. Expuso con los impresionistas en 1876, 1880, 1881, 1882 y 1886. En 1882, debido
a la quiebra de la Bolsa, decidió convertir su afición a la pintura en oficio. Un año después, sus hijos y su mujer se
fueron a vivir con la familia de ésta a Dinamarca. A comienzos de 1884 él se trasladó a Ruán, donde vivía Pissarro.
Hombre en la carretera (Ruán) pintado entonces, es una muestra típica del estilo paisajista de Gauguin, aún
dominado por la influencia del impresionismo.
Entre 1886 y 1891 Gauguin vivió principalmente en la Bretaña, donde era el centro de un pequeño grupo de
pintores experimentales conocidos como la escuela de Pont-Aven. Bajo la influencia del pintor Émile Bernard, se
alejó del impresionismo y adoptó un estilo menos naturalista, al que denominó sintetismo. Halló inspiración en el
arte indígena, en los vitrales medievales y en los grabados japoneses; estos últimos los conoció a través de Vincent
van Gogh en 1888. Tras el altercado en el que Van Gogh intentó matarle, abandonó la ciudad. Su nuevo estilo,
marcado por la absorción de influencias del arte primitivo bretón, se caracterizó por la utilización de amplias
zonas planas de colores encendidos, como en el Cristo amarillo (1889).
En 1891, arruinado y endeudado, se embarcó hacia Tahití escapando de la civilización europea, una sociedad
'gobernada por el oro', y de todo lo que es artificial y convencional. A excepción de una visita a Francia entre
1893 y 1895, permaneció el resto de su vida en las Antillas, primero en Tahití y después en las islas Marquesas.
Las características esenciales de su pintura experimentaron pocos cambios; mantuvo la expresividad cromática, el
rechazo a la perspectiva y la utilización de formas amplias y planas. Sin embargo, influido por el ambiente tropical
y la cultura polinesia, su obra fue cobrando fuerza expresiva a medida que el tema se fue haciendo más
característico, la escala de sus cuadros mayor y sus composiciones más simples. Su temática abarcó desde
escenas de la vida cotidiana, como Tahitianas o En la playa (1891), hasta inquietantes escenas de supersticiosa
aprensión, como El espíritu de los muertos observa (1892). Su obra maestra es la inmensa alegoría, considerada su
testamento pictórico, ¿De dónde venimos, qué somos, dónde vamos? (1897), pintado inmediatamente antes de su
intento de suicidio. Una modesta pensión que le enviaba un marchante de arte de París le mantuvo hasta su
muerte, el 9 de mayo de 1903, en el pueblo de Atuana, isla de Dominica (islas Marquesas).
Sus experimentaciones atrevidas con el color constituyen el antecedente directo del fauvismo. La fuerza de sus
formas pictóricas influyó en el pintor noruego Edvard Munch y en la posterior escuela expresionista.
Jinetes en la playa, (1902)
Los Alyscamps, (1888 )
Fatata Te Miti (1892)
JOHANNES VERMEER
Bautizado como protestante el 31 de octubre de 1632 bajo el nombre de Joannis en la Iglesia nueva de Delft, fue
el segundo hijo, y único varón, de Reynier Jansz y Digna Baltens. Su padre, procedía originalmente de Amberes, y
se trasladó en 1611 a Ámsterdam, trabajando de tejedor de seda. En 1615 se casó con Digna, trasladándose con el
nombre de Vos a Delft, donde abrió una fonda. Además, Reynier Jansz trabajaba como tejedor y pertenecía
oficialmente al gremio de San Lucas de Delft como marchante de arte. Allí Jansz conoció a pintores como Pieter
Steenwyck, Balthasar van der Ast y Pieter Groenewegen.
Sobre su formación como pintor no existe información segura. Se hizo miembro del gremio de San Lucas el 29 de
diciembre de 1653 como pintor libre. A este hecho tuvo que precederle una amplia formación de seis años de
aprendizaje, pues sólo como maestro se podía ser miembro del gremio. Es posible que Vermeer fuera alumno de
Leonaert Bramer, hipótesis que no ha tenido mucho eco por las diferencias de estilo, a pesar de que está
documentada una relación entre ambos. También se han demostrado contactos con Gerard ter Borch . Asimismo
se ha especulado con que fuera alumno de Carel Fabritius, que a su vez había sido educado en el taller de
Rembrandt. Esta hipótesis fue ampliamente aceptada desde que en el siglo XIX, William Thoré-Bürger la
defendió y sigue estando muy extendida, pero en la actualidad los expertos dudan de su veracidad. En su lugar, se
suele mencionar a Pieter de Hooch, que vivió en Delft entre 1652 y 1661, como una de las principales influencias
de Vermeer, ya que se puede reconocer el estilo de Hooch, refinado y perfilado, en la pintura costumbrista de
Vermeer.
Johannes Vermeer se casó el 20 de abril de 1653 con Catharina Bolnes en Schipluy, un pueblo cerca de Delft. La
madre de Catharina, María Thins, se opuso inicialmente al matrimonio. Una de las razones pudiera ser la confesión
calvinista de Vermeer, mientras que Catharina Bolnes era católica. Sólo tras la recomendación del pintor católico
Leonaert Bramer decidió María Thins aceptar el matrimonio.
En 1660, Vermeer se trasladó con su mujer a casa de su suegra en el Oude Langendijk. Con Catharina Bolnes tuvo
15 hijos, de los que como mínimo 4 murieron siendo niños. Parece que Johannes Vermeer ganaba el suficiente
dinero para poder alimentar a su numerosa familia. Debido a que pintaba un promedio de sólo dos cuadros al año,
debía tener otras fuentes de financiación. Se sabe que ayudaba a su madre en la tasca Mechelen, en el Gran
Mercado de Delft, que ésta había heredado a la muerte de su marido y en la que Vermeer muy probablemente
tenía instalado su negocio de arte, una actividad muy extendida entre los pintores neerlandeses del siglo XVII.
En los años 1662 y 1663, así como en 1670 y 1671, Vermeer fue decano del gremio de San Lucas. Como todos los
artesanos del siglo XVII debía pertenecer a un gremio para poder realizar su actividad y éste a su vez fijaba las
reglas con las que trabajaban sus miembros. La posición de decano era muy influyente, lo que demuestra que
Vermeer era un personaje respetado en Delft.
Vermeer pudo ver en vida que sus cuadros alcanzaban altos precios. Pintó pocos cuadros para el
mercado libre del arte; sus cuadros eran en su mayoría para mecenas, como el panadero Hendrick
van Buyten. Pero no se sabe si los mecenas encargaban al pintor los cuadros o si sólo tenían un
derecho preferencial a la compra. Ya se ha mencionado que además de su actividad artística,
Vermeer trabajaba como experto en arte. Así, por ejemplo, comprobó la autenticidad de una
colección de cuadros venecianos y romanos que el tratante de arte Gerrit van Uylenburgh quería
vender por 30.000 florines al príncipe elector de Brandeburgo Federico Guillermo I. Viajó en 1672 a
La Haya, donde examinó los cuadros junto con el pintor Hans Jordaens. Negó la autenticidad de los
cuadros ante notario, declarando que el valor de los cuadros era como máximo un décimo del precio
solicitado.
En sus últimos años de vida empeoraron sus condiciones económicas, teniendo que pedir créditos. A
causa de la Guerra Franco-Holandesa iniciada en 1672, no pudo vender más cuadros. Según una carta
del 30 de abril de 1676 de Catharina Bolnes pidiendo el perdón de parte de sus deudas, comentaba
que su marido tuvo que vender cuadros con los que comerciaba durante la Guerra a menor precio de
su valor. En 1675, Vermeer enfermó y murió a los pocos días.
Vista de Delft (1660-1661)
Dama con dos caballeros (1659-1660)
La joven de la perla (1665)
ANTHONY VAN DYCK
Anthony van Dyck (1599-1641), pintor flamenco que fue uno de los retratistas más importantes y prolíficos del siglo
XVII, y uno de los más brillantes en el manejo del color.
Nació el 22 de marzo de 1599 en Amberes, hijo de un rico comerciante en sedas. A la edad de 11 años después de
mostrar un talento artístico precoz, empezó a trabajar como aprendiz del pintor flamenco de temas históricos
Hendrik van Balen. En 1618, sin haber cumplido los 19 años, fue admitido en el gremio de pintores de Amberes.
Durante los dos años siguientes trabajó en el taller de Petrus Paulus Rubens en esa misma ciudad. En ese periodo
sigue el estilo exuberante y dinámico de Rubens, que se manifiesta en El Prendimiento (1618).
De 1620 a 1627 Van Dyck residió en Italia, donde fue un retratista muy solicitado y alcanzó su madurez artística. La
fuerza de la pintura flamenca de su primera época se fue suavizando hasta dar paso a un estilo más elegante y
solemne. En sus retratos de aristócratas italianos creó figuras idealizadas, con posturas enhiestas y orgullosas,
físicos delgados y manos delicadas famosas por su expresividad. Influenciado por los grandes maestros venecianos
Tiziano y Paolo Veronese utilizó colores brillantes y de gran riqueza. Ningún pintor de la época superó a Van Dyck en
los blancos tornasolados de los satenes, los azules suaves de las sedas o el carmesí de los terciopelos. Fue la
quintaesencia de los pintores de la aristocracia y alcanzó especial fama en Génova, donde demostró una gran
capacidad para plasmar a sus personajes con un parecido notable y desarrolló todo un repertorio de tipos de retratos
que posteriormente le serían de gran utilidad en la corte de Carlos I de Inglaterra.
Entre 1627 y 1632 regresó a Amberes, donde realizó retratos y cuadros religiosos. En 1632 se instaló en Londres
como pintor de corte de Carlos I, que le nombró caballero poco después de su llegada. Retrató a gran parte de la
aristocracia inglesa de la época y su estilo se tornó más suave y luminoso, con una pincelada menos cargada y mayor
cantidad de toques de luz dorados y plateados. En algunos casos sus retratos muestran cierta rapidez y
superficialidad en la realización, debido a la urgencia de ejecución para poder hacer frente al aluvión de encargos que
recibía. En 1635 pintó su obra maestra, Carlos I como cazador (Louvre, París), en donde el monarca aparece de pie en
una postura que realza su altiva elegancia. En el Museo del Prado se conserva una amplia muestra de sus obras,
destacando los retratos de Sir Endimion Porter y Van Dyck, el del pintor Martin Ryckaert y un retrato ecuestre de
Carlos I.
Además de pintar, Anton abría su casa a la mejor nobleza y se entretenía con músicos y bufones; ofrecía banquetes,
poseía siervos, carrozas y caballos. Uno de los más asiduos frecuentadores de la casa de Van Dyck era el mismo rey,
que incluso mandó hacer modificaciones al jardín de la casa de su pintor para que pudiera llegar allí más fácilmente a
través del río. En la casa de Van Dyck vivió también su amante, Margarey Lemon, retratada varias veces en
representaciones alegóricas o mitológicas. Se dice que la mujer era tan celosa de Antoon que una vez intentó
morderle un dedo de la mano para impedirle retratar señoras. En 1640 Anton decidió casarse y, ya con 40 años, se
casó con una dama noble escocesa, Mary Ruthven, dama de compañía de la reina. Pero su única actividad en Londres
era la de retratista, mientras él soñaba con un proyecto más grande, un ciclo pictórico de carácter histórico. Había
iniciado la realización de una serie de tapices, dedicados a la exaltación de la antigua Orden de la Jarretera, que no
concluyó.
El 1 de diciembre de 1641, lady Van Dyck dio a luz a su primera hija, Justiniana. Algunos días después Anton hizo
testamento a favor de la hija, de la esposa, de las hermanas y de una hija natural que había tenido en Amberes. El
9 de diciembre Anton van Dyck murió en su casa de Blackfriars y fue sepultado en la presencia de la corte en la
Catedral de San Pablo
Van Dyck fue uno de los pintores más influyentes del siglo XVII. Renovó el estilo flamenco y fundó la escuela
inglesa de pintura; Joshua Reynolds y Thomas Gainsborough, retratistas pertenecientes a dicha escuela, fueron
sus herederos artísticos.
Virgen del Rosario, 1624.
Retrato de Carlos I con M. de
Saint-Antoine,1633.
Amor y Psique, 1639-40
Giovanni Battista Tiepolo
Era hijo de un corredor de barcos. Su maestro fue Gregorio Lazzarini, pero aprendió aún más de la obra de los
maestros que le precedieron: Tiziano, Tintoretto y, sobre todo, Veronés. Es el más grande decorador del siglo.
En 1719 se casó con una hermana del vedutista Francesco Guardi, Maria Cecilia, de la que tuvo nueve hijos, dos de
los cuales fueron también buenos pintores: Lorenzo y en especial Giovanni Domenico Tiepolo, que comenzó a
colaborar con él en la década de 1740.
Pintor fecundo e imaginativo, alcanzó enorme éxito, y recibió encargos de Venecia, Milán, Bérgamo y Vicenza. Fue
asistido en Venecia por un experto en perspectiva, Gerolamo Mengozzi-Colonna. El éxito de estos frescos hizo
que se le contratara en otros lugares de Europa, como la Residencia de Wurzburgo y, al final de su carrera, en
Madrid.
Partió a Madrid (donde fallecería), llamado por el rey Carlos III, a principios del año 1762. Su tarea principal fue
decorar al fresco varios techos del Palacio Real de Madrid. Acudió con sus hijos Giandomenico y Lorenzo. Viudo
de Maria Cecilia Guardi, le acompañó su nueva novia, mucho más joven que él y frecuente modelo de sus figuras
femeninas.
Sus principales trabajos en Madrid fueron los frescos del Palacio Real (a destacar los del Salón del Trono) y una
serie de cuadros para el altar del Convento de San Pascual (Aranjuez). Cuando falleció, su estilo empezaba a ser
cuestionado y este altar fue desmontado y mutilado, para ser sustituido por otras obras al gusto neoclásico que
imponía Mengs.
En una primera época siguió el estilo de Giovanni Battista Piazzetta, Federico Bencovich y Sebastiano Ricci. El
claroscuro del barroco da paso en él a los colores claros. En Venecia desarrolla un nuevo género, las vedutte, esto
es, vistas minuciosas de Venecia, muy estimadas por los viajeros extranjeros.
Habiendo conocido un gran éxito por sus obras de Venecia y Bérgamo llegó a distanciarse del academicismo.
Excelente pintor, influyó en Goya debido a una notable técnica que posteriormente alcanzaría un gran
reconocimiento: la «iluminación» de partes precisas del cuadro. Los colores claros resaltan impresiones o ideas
tales como la pureza o lo divino. Tenía una gran facilidad para el dibujo. Sus composiciones son etéreas, llenas de
gracia. Sus techos pintados, de efecto ilusionista, engañan a la vista y parecen abiertos al cielo.
Para sus temas bíblicos y mitológicos, introducía fondos arquitectónicos al estilo de Veronés. Su colorido es más
claro y ligero que el de Tiziano o Rubens, con tonos nacarados, si bien maneja el pincel con soltura, sin buscar un
efecto liso como Mengs y otros pintores neoclásicos posteriores.
Su producción es en gran porcentaje religiosa, por encargos de iglesias y cofradías venecianas. Abunda en
cuadros de apariciones, visiones celestiales y temas de martirio. Por exigencias decorativas, suelen ser
composiciones verticales muy alargadas, dividiendo el espacio entre una zona celeste y otra terrenal.
Inspiró a autores muy posteriores, como Jules Chéret (1836–1933), el primero de los grandes cartelistas que
produjo sistemáticamente grandes carteles litográficos en color.
Sara y el arcángel (1726–1728)
Frescos (1762–1766)
Joven con loro
HENRY MOORE
Nació en Castleford, Yorkshire, el 30 de julio de 1898. Entre 1919 y 1925 estudió en la Leeds School of Art y en
el Royal College of Art de Londres. Sus primeros trabajos, realizados en la década de 1920, muestran influencias
del arte precolombino, de la pintura de Masaccio y de Miguel Ángel, y de las formas aerodinámicas de Constantin
Brancusi. Durante 1930 la obra de Picasso y de los artistas abstractos contemporáneos ejercieron una fuerte
influencia tanto en los dibujos como en las esculturas suyas; muchas de sus obras están muy próximas a la
abstracción; algunas son piezas redondeadas talladas en madera con numerosos cortes y huecos, y a menudo
cubiertos por velos de fino alambre metálico. La principal y más permanente influencia la recibió de la naturaleza.
En su etapa de madurez, iniciada con Figura reclinada (1936), empleó formas hinchadas, rotundas, onduladas, con
huecos y perforaciones redondeadas que reflejan formas naturales. Sus temas predilectos incluyen madres con
hijos, grupos familiares, guerreros caídos y la figura humana reclinada, que continuó representando a lo largo de
toda su carrera, trabajando en madera, piedra y posteriormente en bronce y en mármol. Estas obras van desde el
realismo, como en Figura reclinada vestida (1953) como en Formas internas y externas (1954), enorme y
redondeada escultura en bronce perforada con un hueco interior que a su vez contiene una segunda forma
abstracta de metal.
Realizó también una serie de dibujos sobre los londinenses refugiándose en las estaciones de metro durante los
bombardeos de la II Guerra Mundial. Estos dibujos expresan con gran agudeza el impacto de la guerra sobre los
ciudadanos indefensos.
Entre los encargos públicos más importantes se encuentran: Viento norte (1928), para la sede de las oficinas del
Metro de Londres en Saint James; Virgen con el Niño (1949), para la iglesia de Claydon, en Suffolk; Figura
reclinada (1951), para el festival de Bretaña, y otra Figura reclinada (1958) en la sede de la UNESCO en
París.Recibió la Orden de los Compañeros de Honor en 1955 y la Orden de Mérito en 1963. También fue miembro
de las juntas directivas de la Galería Nacional de Londres y de la Tate.
Durante los años 1960 se propuso dedicar un ala de la Tate a las esculturas de Moore, lo cual provocó cierta
molestia entre algunos artistas, aunque el proyecto nunca fue concretado. En 1975 se convirtió en el primer
presidente de la Turner Society, la cual tenía el objetivo de crear un museo separado para el Turner Bequest
(Legado Turner). Sin embargo, la Galería Nacional y la Tate evitaron que este proyecto se llevara a cabo.
Henry Moore murió el 31 de agosto de 1986 en su hogar en Much Hadham (Hertfordshire) a los 88 años. Fue
enterrado en la Artists' Corner (Esquina de los Artistas) en la Catedral de San Pablo de Londres.
West Wind (1928–29)
Reclining Figure (1951)
La estatua de
bronce Family
Group(1950)
JEAN ARP
Nació en Estrasburgo, durante el breve período siguiente a la guerra franco-prusiana, cuando la zona era conocida
como Alsacia-Lorena, después de haber sido devuelta a Alemania por parte de Francia. Luego de que el territorio
fuera reincorporado a Francia nuevamente, al término de la Primera Guerra Mundial, las leyes francesas
determinaron que su nombre sería Jean y no Hans.
En 1904, después de asistir a la Escuela de Artes y Oficios en Estrasburgo, fue a París, en donde publicó por primera
vez sus poesías. Desde 1905 hasta 1907 estudió en la Kunstschule (Escuela de Arte) de Weimar, Alemania y en 1908
regresó a París en donde asistió a la Académie Julian En 1915 se mudó a Suiza, para aprovechar la neutralidad suiza.
Fue miembro fundador del movimiento Dadá en Zúrich en 1916. En 1920, como Hans Arp, junto a Max Ernst, y el
activista social Alfred Grünwald, estableció el grupo dadá de Colonia, pero en 1925 su obra apareció también en la
primera exposición del grupo surrealista en la Galerie Pierre de París.
De este mismo año es su libro, conjunto con El Lissitzky sobre «Los ismos en el arte».
Arp combina las técnicas de automatismo y las oníricas en la misma obra desarrollando una iconografía de formas
orgánicas que se ha dado en llamar escultura biomórfica, en la que se trata de representar lo orgánico como principio
formativo de la realidad. Su poesía se incluye dentro del movimiento surrealista. En 1926, Arp se traslada al suburbio
de Meudon en París. En 1931, rompe con el movimiento surrealista y funda la Abstracción-creación, trabajando con el
grupo parisino Abstracción-creación y editando en la revista Transition.
A partir de los años treinta y hasta su muerte, escribió y publicó ensayos y poesía. En 1942, huyó de su casa en
Meudon escapando de la ocupación alemana y vivió en Zurich hasta el final de la guerra. Visitó la ciudad de Nueva
York en 1949 para presentar una exposición individual en la Galería Buchholz. En 1950, se le ofreció el realizar un
relieve para el Graduate Center de la Universidad de Harvard en Cambridge, Massachusetts y se le encargó el mural
del edificio de la Unesco en París. En 1954 ganó el Gran Premio de escultura de la Bienal de Venecia.
En 1958 se presentó una muestra retrospectiva de sus trabajos en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, a la
que siguió una exposición en el Museo de Arte Moderno de París, en 1962.
Murió en 1966nen Basilea, Suiza. El Musée d'Art moderne et contemporain de Estrasburgo, conserva muchas de sus
pinturas y esculturas.
Pastor de Nubes, 1953
La Petite Poupée
Basset
Évocation d'une forme
humaine lunaire
spectrale,1950
EDUARDO RAMÍREZ VILLAMIZAR
Nació en Pamplona, Colombia, en 1923, y estudió arquitectura, arte y decoración en la Universidad Nacional de
Colombia entre 1940 y 1945. Desde 1945 hasta 1958 su arte sigue una línea figurativa y expresionista. Trabajó
con Negret en 1947. Entre 1950 y 1952 trabaja en París y viaja por Italia y España, volviendo a la capital
francesa entre 1954 y 1956. En torno a 1950 empezó a trabajar con formas geométricas, cada vez con mayor
abstracción, y a partir de 1960 inició un purismo que caracterizará su obra escultórica en la década siguiente,
como puede observarse en su Construcción Modular de Cali, o en el complejo De Colombia a John Kennedy, en el
Kennedy Center de Washington. En 1958 comienza sus primeros murales y a finales de la década de 1950 su
estilo se caracteriza por los planos duros, los colores fuertes y el relieve monocromático, muy en la línea del arte
concreto europeo. En Colombia realizó algunos murales entre 1964 y 1965: Serpiente precolombina (1964), Mural
horizontal (1965). Para el Banco de Bogotá realizó otro mural interior de relieve en madera cubierto con lámina
dorada: la obra armoniosamente integrada en la arquitectura ocupa dos pisos con casi 1.000 m2. Su monumento a
Bogotá, situado en una loma que domina la ciudad, es un canto escultórico a su estilo esquemático depurado de
toda concesión ornamental. Durante la década de 1970, transformó el arte precolombino en obras geométricas
propias del arte abstracto y minimalista (Hexágono, 1973). Tras vivir en Nueva York (de 1967 a 1973), en 1974
volvió a Colombia y construyo esculturas abstractas que exploran las formas geométricas de la naturaleza y la
arquitectura precolombina: Dieciséis torres (1974), Nave espacial (1980), Acueducto (1985) y Templo (1987).
Se caracterizó sobre todo por su exigencia y rigor espiritual,
características que le definieron como una persona audaz pero
tímida en lo personal. Sus trabajos constituyen un testimonio de
asimilación y reacción al entorno que lo rodeaba, para
posteriormente traducirlo en juicios de valor llevándolos a una
solución utópica en un esfuerzo de ordenamiento estético.
Sus cenizas reposan en el Museo de Arte Moderno Ramírez
Villamizar de la ciudad de Pamplona desde el 24 de agosto de
2004.
Cascada en Machu Picchu
Peine al viento
Aerolito
JOAN MIRÓ I FERRÀ
Nació en Barcelona el 20 de abril de 1893. Su padre fue Miquel Miró i Adzeries hijo de un herrero de Cornudella,
se trasladó a Barcelona donde montó un taller de orfebrería y relojería en un pasaje cerca de la Plaza Real de
Barcelona, allí conoció Miquel Miró a Dolors Ferrà i Oromí, hija de un ebanista mallorquín, se casaron y
establecieron su residencia en el mismo pasaje de Crédito donde nacieron sus hijos Dolors y el futuro artista
Joan Miró.
Se casó Miró con Pilar Juncosa en Palma de Mallorca el 12 de octubre de 1929, y se instalaron en París en un
apartamento con suficiente espacio para vivienda y taller del artista; el 17 de julio de 1931, la pareja tuvo su
única hija, Dolors. Al quedar libre del contrato con su marchante Pierre Loeb, Miró decidió volver con la familia a
Barcelona, realizando estancias intermitentes en Mallorca y en Mont-roig. Se encontraba en esta última población
cuando estalló la guerra civil española de 1936. En noviembre tenía prevista una exposición en París, y una vez allí
y en vista de las circunstancias adversas provocadas por la guerra, decidió quedarse cuando consiguió la llegada
de su esposa Pilar y de su hija. En vísperas de la Segunda Guerra Mundial el ambiente en París era cada vez más
tenso. Pasaron alguna temporada en una casa ofrecida por su amigo el arquitecto George Nelson en Varengevillesur-Mer en la costa de Normandía; se encontró bien en la zona, pues le acercaba más a la naturaleza tal y como
estaba acostumbrado en Mallorca o en Mont-roig, y terminó alquilando una casa. En la primavera de 1940, los
amigos habían ido desapareciendo de Varengeville y junto con Pilar decidió volver a Cataluña y después de una
pequeña temporada, la familia se trasladó a Mallorca, donde, según Miró, allí no era nada más que «el marido de la
Pilar». En el año 1942 retornó a Barcelona.
Falleció en Palma de Mallorca el 25 de diciembre de 1983 y fue enterrado en el Cementerio de Montjuïc, en
Barcelona.
Mujer botella situada en el Parque Cultural Viera y Clavijo de
Santa Cruz de Tenerife. El 28 de enero de 2002 es declarada
Bien de Interés Cultural con la categoría de Bien Mueble.
Personajes fantásticos en el barrio de La
Défénse, 1978
Gran maternidad
FRANÇOIS-AUGUSTE-RENÉ RODIN
Nació en París el 12 de noviembre de 1840; era hijo de un oficial de policía. Estudió arte en una escuela pública
para artesanos y por su cuenta en el Museo del Louvre, ya que no fue admitido en la École des Beaux-Arts.
Durante muchos años trabajó para otros escultores, incluido Ernest Carrier-Belleuse, ocupado sobre todo en la
elaboración de ornamentos. Rodin colaboró, a principios de 1870, en la realización de una escultura arquitectónica
para la Bolsa de Bruselas. En 1875, viajó a Italia, donde se sintió atraído por el tratamiento del movimiento y la
acción muscular en las obras de los escultores del renacimiento Donatello y Miguel Ángel. La influencia de éste
último será decisiva en su trabajo; a partir del estudio de sus obras consiguió liberarse del academicismo
predominante en la época.
Rodin produjo algunas esculturas importantes entre 1858 y 1875, incluyendo entre ellas especialmente Hombre
con la nariz rota, que fue rechazada tres veces por la Academia de Arte, pero su reconocimiento llegó en 1877
con la exhibición en el Salón de su desnudo masculino La era de bronce. Este trabajo levantó controversia dado su
extremado realismo y Rodin fue acusado de utilizar moldes de yeso a partir de modelos vivos. La exhibición en
1880 de su desnudo San Juan Bautista, que resaltaba las cualidades humanas del sujeto, acrecentó la reputación
de Rodin.
El mismo año comenzó a trabajar en Las puertas del infierno, una puerta de bronce esculpida para el Museo de
Artes Decorativas de París. La puerta representaba principalmente escenas del infierno y estaba inspirada en
obras tan diversas como la Divina Comedia de Dante, la Metamorfosis de Ovidio y Las flores del mal de
Baudelaire. Aunque Rodin trabajó en esta obra durante toda su vida, nunca llegó a terminarla y fue fundida en
bronce después de su muerte. No obstante, creó modelos y estudios de muchos de sus componentes escultóricos,
siendo todos ellos aclamados como obras independientes. Entre estos trabajos se encuentran El beso, Ugolino,
Adán y Eva y El pensador, probablemente la obra más famosa de Rodin, concebida originalmente para coronar Las
puertas del infierno.
En 1884 recibió el encargo oficial de realizar una obra que conmemorara el dramático sitio de Calais por los
ingleses en 1347. Los burgueses de Calais es un monumental grupo en bronce en el que se representan personajes
históricos con gran profundidad psicológica. Durante los diez años que necesitó para terminar la obra, Rodin no
cesó de recibir violentas críticas pero el monumento de 2.200 kilos de peso fue inaugurado en 1895. La obra se
instaló directamente en el suelo y no sobre un zócalo.
En 1887 fue nombrado Caballero de la Legión de Honor. Su taller en Meudon, una localidad cercana a París, se
había convertido en una verdadera fábrica en la que trabajaban más de cincuenta personas, entre ellas la
escultora Camille Claudel, con la que Rodin mantuvo una relación amorosa. Murió en Meudon el 17 de noviembre de
1917. Una parte de su obra puede contemplarse en el Museo Rodin, de París.
El beso
El Pensador
Los Burgueses de
Calais
ALBERTO GIACOMETTI
Alberto Giacometti (1901-1966), pintor y escultor suizo nacido en Stampa. Después de estudiar en Génova y Roma
(Italia), en 1922 se instaló en París. Allí se convirtió en uno de los principales escultores surrealistas de la década
de 1930, con una obra llena de ingenio e imaginación. Su obra surrealista más sobresaliente quizá sea El palacio a
las 4 de la madrugada (1932-1933, Museo de Arte Moderno, Nueva York, Estados Unidos): se trata de un
esqueleto arquitectónico que sostiene figuras y objetos suspendidos, y expresa la subjetividad y fragilidad de los
sentidos temporal y espacial en el ser humano. En 1948 expuso sus obras después de experimentar durante doce
años en el campo de la escultura y de la pintura. A partir de estos trabajos desarrolló un estilo muy personal de
figuras frágiles pero de una enorme expresividad. Impregnadas de melancolía, sus pinturas y esculturas reflejan
un sentido débil de la existencia, como si sus personajes sufrieran una constante amenaza de destrucción por
parte del espacio que los rodea. Hacia el final de su carrera, Giacometti, aclamado unánimemente como uno de los
mayores escultores del siglo XX, luchó denodadamente para que se reconociera la importancia de su trabajo
pictórico. A lo largo de su vida realizó más de 350 lienzos. Sus retratos tienen un fuerte aire icónico, como en el
cuadro La madre del artista (1950, Museo de Arte Moderno), en el que la figura sentada parece estar a punto de
desaparecer en medio de la maraña de líneas y trazos que recorren la sala con unos muebles levemente
inquietantes, o el Retrato de mujer (1965, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid, España), donde el artista
representa a su ama de llaves.
Dog, 1951
homme qui
marche
Le Nez 1947
CONSTANTIN BRÂNCUŞI
Fue el más famoso escultor rumano, nacido en Hobiţa, cerca de la ciudad de Târgu Jiu, en 1876. Sus obras se
encuentran en museos de Francia, Estados Unidos, Rumanía y Australia.
Brancusi estudió en Craiova (Rumania) desde 1894 a 1898. Luego continuó sus estudios en la Escuela Nacional militar
de Bellas Artes en Bucarest desde 1894 hasta 1981. Llegó a Paris en 1904 para perfeccionar sus estudios. Como
estudiante de arte fue influido por Auguste Rodin y fue uno de los primeros artistas del arte moderno. Entabló
amistad con Amedeo Modigliani, Erik Satie y Marcel Duchamp. Su obra evolucionó hacia una eliminación de los
detalles que le condujo casi a la abstracción.
Realizó una serie de esculturas en metal llamadas "Pájaro en el inframundo".
En Targu Jiu hay un conjunto escultorico realizado por él de gran importancia. Estas obras se encuentran dispuestas
en línea recta y son:
La Mesa del Silencio
La Puerta del Beso
La Columna del Infinito
Este conjunto escultórico simboliza la vida del ser humano.
La Mesa del Silencio y La Puerta del Beso se encuentran en el parque
principal de la ciudad; entre las mismas se encuentran sillas también
hechas por Brancusi y siguiendo la imaginaria línea determinada por estas
dos, se llega a una de las iglesias ortodoxas de la ciudad. Continuando aún
más por esta línea, se llega a La Columna del Infinito (considerada su obra
cumbre) ubicada también en un parque.
Entre las obras de Brancusi se encuentran: Madre durmiente (1906-10), El
beso (1908), La sabiduría (1909), Prometeo (1911), El comienzo del mundo
(1924), El pájaro (1924-49), La columna del infinito (1933), El espíritu de
Buda (1933) y La gallina (1941).
Bracusi murió en París (Francia) en 1957. Se encuentra enterrado en el
cementerio de Montparnasse, París.
Una de sus obras fue vendida últimamente en 11.1 millones de dólares
estadounidenses.
El beso (1907)
El origen del mundo
Sleeping Muse
EDGAR NEGRET
Nació en Popayán en 1920 y estudió en la Escuela de Bellas Artes de Cali, especializándose en escultura. En la
década de 1940 recibió la influencia del escultor español Jorge de Oteiza y desde 1948 a 1954 viajó por Francia,
España y Estados Unidos, visitando Nueva York. En esta ciudad estudió en el Sculpture Center, donde aprendió
nuevas técnicas como el ensamblaje de metales. En esos años realizó una escultura de tipo figurativo, que más
tarde abandonó tras investigar las posibilidades expresivas de los volúmenes de inspiración organicista. Entre
1956 y 1963 se estableció en Nueva York, donde se sintió atraído por distintas formas mecánicas de origen
industrial, que él mismo denominó ‘símbolos de nuestra era’. Ruedas, tuercas, tornillos o láminas curvadas se
conjugan en suave armonía de formas y colores entre los que dominan el rojo, azul y negro; tubos y láminas
metálicas afianzan el geometrismo de su obra. De esta etapa son las series Cliff Dwellings y Aparatos mágicos.
Desde 1963 fijó su residencia en Bogotá, donde se le encargó dirigir el nuevo departamento de escultura de la
Escuela de Bellas Artes de la Universidad de los Andes. De nuevo se volvió a interesar por los procedimientos
manuales del proceso escultórico e, influido por la flora tropical, realizó esculturas exuberantes donde introduce
láminas de aluminio onduladas. Algunas obras de esta época son Navegantes, Acoplamientos y Metamorfosis.
En 1973 inauguró su propia galería Casa Negret, y a mediados de la década de los 1980 crea su propio museo en
un edificio familiar de su ciudad natal. Entre sus obras, junto a las ya citadas, destacan: Navegante: homenaje a
Cristóbal Colón, Sol, Luna, La casa de las serpientes y Reloj andino. Su personalidad se renueva en el juego de
figuras geométricas, combinando en los últimos años el rojo de los metales con un tono amarillo.
El Sol
Navegante
Flor Sanky
FERNANDO BOTERO
Nacido en Medellín en 1932, inicia su actividad artística en 1948 como ilustrador del periódico El Colombiano, al
tiempo que participa en su primera exposición conjunta en la Exposición de Pintores Antioqueños en Medellín
1948. Tres años más tarde se traslada a Bogotá y celebra su primera exposición individual (Mujer llorando, 1949).
En 1952 viaja a España y sigue estudios en la Academia de San Fernando de Madrid, al tiempo que asiste al Museo
del Prado donde estudia y copia la obra de Velázquez y Goya. Entre 1953 y 1955 viaja a Francia, Italia y estudia
en Florencia pintura al fresco. En 1957 visita Estados Unidos, donde celebra su primera exposición individual en la
Pan-American Union de Washington. A los 26 años es nombrado profesor de pintura en la Escuela de Bellas Artes
de la Universidad Nacional de Bogotá; en 1960 se instala en Nueva York y en 1973 fija su residencia
definitivamente en París.
En principio sus obras revelan cierta admiración por el muralismo mexicano y la pintura del renacimiento italiano
(Partida, 1954), pero más tarde estas influencias van desapareciendo en favor de un personalísimo estilo, en el
que las figuras engordan y se deforman hasta cubrir en buena parte el lienzo (Prelado, 1959); esos cuadros
denotan la influencia del surrealismo. La historia del arte (Autorretrato con Luis XIV visto por Rigaud, 1973), la
vida burguesa (Escena familiar, 1969), la cultura colombiana (Baile en Colombia, 1980) y los personajes históricos
(Luis XIV y María Antonieta en visita a Medellín, Colombia, 1990) constituyen a lo largo de su carrera las
principales fuentes de inspiración, de una dilatada y variada producción en la que abundan paisajes, retratos y
escenas costumbristas. Sus primeras pinturas muestran una pincelada suelta y concreta, pero poco a poco ésta se
empasta, al tiempo que las perspectivas y las figuras se hacen arbitrarias en función de la importancia que tengan
en la representación. Óleo, acuarela, pastel, sanguina o lápiz son manejados con gran destreza a lo largo de su
obra. Botero emplea la gordura como base de una cariñosa burla para comentar ciertos aspectos de la vida (La
alcoba nupcial, 1958). A partir de 1960, lleva a cabo una serie de obras en las que parece rendir tributo a los
grandes maestros de la pintura universal como Mona Lisa a los doce años (1959), Rubens con su esposa (1965) o
Autorretrato según Velázquez (1986). Su afición por los toros le lleva en la década de 1980 a dedicarse casi en
exclusiva a este tema (La pica, 1984; El quite, 1988).
La misma voluptuosidad e ingenuidad que caracteriza su pintura, se encuentra en la escultura cuya producción se
inicia en París en 1973; se trata en su mayor parte de figuras y animales de tamaños grandiosos y
desproporcionados de gran singularidad (Venus, 1977; Perro, 1981; Soldado romano, 1986; Mujer a caballo, 1991),
realizados en bronce, mármol y resina fundida. En 1992 Montecarlo y los Campos Elíseos de París acogieron una
Exposición de Escultura Monumental, y el Gran Palais (París) otra sobre toros, La Corrida. El tratamiento
exagerado en sus proporciones de la figura humana es hoy una de las características inconfundibles de su obra,
que ha sufrido pocas variaciones desde sus comienzos. En la actualidad vive entre París, Nueva York y Bogotá.
Pájaro
Caballo, Medellín
Mujer fumando
MIGUEL ÁNGEL
Nació el 6 de marzo de 1475 en el pequeño pueblo de Caprese, cerca de Arezzo, aunque fue un florentino que
mantuvo a lo largo de toda su vida unos profundos lazos con Florencia, su arte y su cultura. Pasó gran parte de su
madurez en Roma trabajando en encargos de los sucesivos papas; pero siempre se preocupó de dejar
instrucciones oportunas para ser enterrado en Florencia, como así fue; su cuerpo descansa en la iglesia de Santa
Croce. El padre de Miguel Ángel, Ludovico Buonarroti, oficial florentino al servicio de la familia Médicis, colocó a
su hijo, con 13 años, en el taller del pintor Domenico Ghirlandaio. Dos años después se sintió atraído por la
escultura en el jardín de San Marcos, lugar al que acudía con frecuencia para estudiar las estatuas antiguas de la
colección de los Médicis. Con 16 años ya había realizado al menos dos esculturas en relieve, el Combate de los
lapitas y los centauros y la Virgen de la Escalera, con las que demostró que ya había alcanzado su personal estilo a
tan temprana edad.
En 1494 abandonó Florencia, en el momento en que los Médicis son expulsados por un tiempo de la ciudad por
Carlos VIII. Durante una temporada se estableció en Bolonia, donde esculpió entre 1494 y 1495 tres estatuas de
mármol para el Arca de Santo Domingo. Viajó a Roma, y poco después realizó su primera escultura a gran escala,
el monumental Baco (1496-1498). Esculpió también la Pietà (1498-1500) para San Pedro del Vaticano, magnífica
obra en mármol que aún se conserva en su emplazamiento original. La Pietà, una de las obras de arte más
conocidas la terminó antes de los 25 años de edad, es además la única obra en la que aparece su firma. El punto
culminante del estilo de juventud de Miguel Ángel viene marcado por la gigantesca (4,34 metros) escultura en
mármol del David, realizada entre 1501 y 1504, después de su regreso a Florencia. Paralelamente a su trabajo
como escultor, Miguel Ángel tuvo la oportunidad de demostrar su pericia y habilidad como pintor al
encomendársele la decoración de la bóveda de la Capilla Sixtina en el Vaticano, en la que plasmó algunas de las
más exquisitas imágenes de toda la historia del arte.
Con anterioridad a la bóveda de la Sixtina, en 1505, Miguel Ángel había recibido el encargo del papa Julio II de
realizar su tumba, planeada desde un primer momento como la más magnífica y grandiosa de toda la cristiandad.
Pensada para ser emplazada en la nueva Basílica de San Pedro, entonces en construcción, Miguel Ángel inició con
gran entusiasmo este nuevo desafío que incluía la talla de más de 40 figuras, pasando varios meses en las
canteras de Carrara para obtener el mármol necesario. La escasez de dinero, sin embargo, llevó al Papa a ordenar
a Miguel Ángel que abandonara el proyecto en favor de la decoración del techo de la Sixtina. Años después,
retomó el trabajo de la tumba, la rediseñó a una escala mucho menor. Pero Miguel Ángel pudo terminar algunas de
sus mejores esculturas con destino a la tumba de Julio II, entre las que destaca el Moisés. Su actividad como
arquitecto no comenzó de hecho hasta 1519, cuando diseñó la fachada (nunca realizada) de la Iglesia de San
Lorenzo en Florencia, ciudad a la que había regresado tras su estancia en Roma. Durante la década de 1520
diseñó también la Biblioteca Laurenciana. En Roma comenzó a trabajar en 1536 en el fresco del Juicio Final para
decorar la pared situada tras el altar de la Capilla Sixtina, dando por concluidos los trabajos en 1541. En 15381539 se iniciaron las obras de remodelación de los edificios en torno a la Plaza del Capitolio. La obra cumbre como
arquitecto fue la Basílica de San Pedro, su cúpula se convirtió en modelo y paradigma para todo el mundo
occidental.
La Piedad
El David
Ángel
ANSEL ADAMS
Nació el 20 de febrero de 1902 en San Francisco, California. Fue considerado fotógrafo y ecologista. Cuando Adams
tan solo tenía 4 años, estuvo presente en el terremoto de San Francisco de 1906, donde sufrió una rotura de tabique
nasal.
Hijo único de Charles Hitchcock Adams y Olive Bray, creció en un ambiente Victoriano (social y conservador). Pese a
ser inteligente, era muy tímido, lo que, unido a la dislexia que padecía, le causó ciertos problemas al intentar
integrarse en la escuela. Ansel Adams luchó durante toda su vida por defender y proteger la naturaleza.
Estudió piano durante varios años, lo que le dio disciplina y estructura. Se inició en la fotografía y se unió a un club
donde conoció a su esposa, Virginia Best, con la que se casó en 1928, y tuvo dos hijos.
En 1930, conoció al fotógrafo Paul Strand. Sus imágenes tuvieron un gran impacto en Adams, ayudándolo a alejarse del
estilo pictorialista y a encaminarse hacia el estilo de “straight photography”, donde la claridad de la lente es lo más
importante, y donde la fotografía ha de sufrir el menor número de ajustes y retoques posible.
También conoció a Edward Weston, con quien entabló una gran amistad. Juntos, Adams, Strand, Cunningham y Weston
formaron un grupo en 1932, que promovió y evolucionó “straight photography”.
Adams fue destacando cada vez más por su energía y entusiasmo. Visitó por primera vez Nueva York en 1933 y
conoció a Alfred Stieglitz, un fotógrafo al que siempre había admirado y que le ayudó a hacer su primera exposición.
Comenzó a hacer fotografía comercial. No era algo que le encantase, puesto que creía que no lo dejaba explotar su
creatividad, aunque le proporcionaba suficiente dinero para vivir. Trabajó para marcas como IBM, AT&T, Nacional
Park Service y Kodak, y para revistas como Life y Fortune, además de ser fotógrafo asesor para Polaroid y
Hasselblad. Este trabajo no sólo sirvió a Adams para el mencionado sustento financiero, sino que hizo de sus
fotografías un icono de las bellezas naturales norteamericanas reconocidas en todas partes del mundo.
Weston y Strand le comenzaron a pedir consejos técnicos. Adams desarrolló el famoso “sistema de zonas”, un método
de medición y revelado que se utilizaba para dividir la graduación de luz de una escena en 11 zonas diferentes, del
blanco al negro. Esto le permitía visualizar los diferentes niveles de gris en la fotografía final con gran precisión.
En 1936 colaboró organizando la primera sección de fotografía en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.. Más
tarde colaboraría con Dorotea Lange para un trabajo de la revista Life.
Sus imágenes empezaron a volverse símbolos de América, muchas de ellas centradas en el parque Yosemite. Luchó por
defender la naturaleza y a sus animales, siendo los paisajes el principal tema de sus fotografías. Precisamente por
esto fue criticado a menudo, ya que raramente se podía ver a una persona en una fotografía suya. Recibió en 1981 el
Premio internacional de la fundación Hasselblad.
Algunos dicen que Adams fotografió lugares que ya ni existen, pero para otros ocurre lo contrario; algunos lugares
siguen existiendo debido a Adams y su entusiasmo y esfuerzo por salvar estos lugares, a través de sus fotografías.
Murió el 22 de abril de 1984, debido a un fallo en el corazón, posiblemente agravado por un cáncer pancreático.
Ansel Adams: Amanecer, Lago McDonald, Parque
Nacional Glacier (1942)
Igleasia de Adams, Taos,
Pueblo (1942)
Hojas en primer plano En el Parque Nacional
Glacier (1942)
BILL BRANDT
Nació en Hamburgo el 3 de mayo de 1904, su padre era británico y su madre alemana. Comenzó muy pronto a
estudiar dibujo con el arquitecto checo K. E. Ort, aunque gran parte de su educación se desarrolla en Viena.
Durante su infancia se estuvo desarrollando la primera guerra mundial, por lo que al finalizar ésta adoptó la
nacionalidad británica ya que existía desigualdad de oportunidades si se disponía de nacionalidad alemana. Se
traslado a París, donde conocería, a través de su amigo Ezra Pound, a Man Ray, con quien estudiaría durante una
corta temporada antes de viajar a Londres en 1931. Allí comenzó a registrar las diferentes capas de la sociedad
británica en una época en la que el reportaje fotográfico era prácticamente desconocido en el Reino Unido. Su
trabajo yuxtaponía hogares de aristócratas y profesionales con los de gente de la clase obrera y fue publicado en
dos estudios sobre las tradiciones británicas: The English at Home (Los ingleses en casa, 1936) y A Night in
London (Una noche en Londres, 1938). La fotografía de Brandt suele presentar un matiz surrealista, influido por
Man Ray y por las películas surrealistas de la época. Trabajó principalmente por encargo y fue un constante
colaborador de las revistas Weekly Illustrated, The Bystander, Lilliput, Picture Post y Harper’s Bazaar.
Después de la guerra cambió de estilo y se dedicó a los retratos, paisajes y desnudos. Publicó un estudio sobre
lugares literarios titulado de Literary Britain (La Gran Bretaña literaria, 1951) y un libro de desnudos titulado
Perspective of Nudes (La perspectiva en los desnudos, 1961). Estas imágenes extraordinarias, de contrastes muy
marcados, situadas normalmente en entornos extraños y de perspectivas distorsionadas, que tienen una calidad
casi escultórica, se cuentan entre las mejores de su género.
Los paisajes los realizaba en espacios privados al principio pero luego
utilizó las playas de Normandía o de la bahía de Anges en Niza. Durante
los últimos años de su vida estuvo dando clases en el Royal College of Art y
exponiendo su trabajo; de ese modo participó en la exposición de The
family of man invitado por Steichen y en 1979 fue premiado por la Royal
Photographic Society y poco antes por la Royal Society of Arts. Murió el
20 de diciembre de 1983 a causa de complicaciones con la diabetes que
arrastraba desde hacía más de cuarenta años.
Su trabajo ejerció bastante influencia durante la segunda mitad del siglo
XX. Su primera exposición monográfica en España tuvo lugar en 2008 en
Photoespaña, aunque anteriormente pudieron verse algunas de sus obras
en exposiciones colectivas, como Foco 86 en 1986 en el Círculo de Bellas
Artes de Madrid.
AUGUSTE LUMIERE Y LOUIS LUMIERE
Auguste Marie Louis Nicolas Lumière (Besanzón, 19 de octubre de 1862 – Lyon, 10 de abril de 1954) y Louis Jean
Lumière (Besançon, 5 de octubre de 1864 – Bandol, 6 de junio de 1948) fueron los inventores del proyector
cinematográfico. Ambos nacieron en Besançon, Francia, pero crecieron en Lyon. Su padre, Antoine Lumière, tenía
un taller fotográfico y ambos hermanos trabajaban con él, Louis como físico y Auguste como administrador. Louis
hizo algunas mejoras en el proceso de fotografías estáticas.
A partir de 1892 los hermanos empezaron a trabajar en la posibilidad de imágenes en movimiento. Patentaron un
número significativo de procesos notables.
Crearon un aparato que servía como cámara y como proyector: el cinematógrafo, que se basaba en la persistencia
retiniana de imágenes en el ojo humano. Ellos cargaban las piezas de la cámara filmadora en un cajón para su
traslado.
El cinematógrafo fue patentado el 13 de febrero de 1894. Así, en el verano de 1894, los hermanos Louis y
Auguste Lumière tenían a punto la cámara que servía tanto como tomavistas o como proyector, y con ella llevaron
a cabo su primera filmación ese otoño. El 28 de marzo de 1895 fue mostrada en París en una sesión de la Société
d'Encouragement à l'Industrie Nacional la conocida La sortie des ouvriers des usines Lumière à Lyon Monplaisir
(«Salida de los obreros de la fábrica Lumière en Lyon Monplaisir»), rodada tres días antes.
Tras diversas presentaciones en sociedades científicas, en la Universidad de la Sorbona, en Bruselas y otros
lugares, se procedió a su explotación en la primera sesión exhibida para un público comercial, como primer
espectáculo de pago el 28 de diciembre de 1895 en París, en el Salon Indien del Grand Café, en el Boulevard des
Capucines, donde se proyectaron varias cintas entre las que destacaban, aparte de la ya citada Salida de la
fábrica Lumière, otras como Llegada de un tren a la estación de la Ciotat o El desayuno del bebé, e incluía la
primera película de ficción: El regador regado. Así, con este catálogo, el cine comenzó su historia a modo de
documental, como testigo objetivo de la vida cotidiana.
Los hermanos pensaban que «el cine es una invención sin ningún futuro», utilizable sólo para el ámbito de la
intimidad. No obstante, aprovecharon todo lo que el nuevo invento les ofreció para generar riqueza y montar un
negocio rentable. Los Lumière enviaban un cinematógrafo y un operador allá donde era requerido, por ejemplo a la
Coronación del zar Nicolás, etc. Con estas cintas rodadas en los lugares más exóticos del planeta surge el
montaje.
Su posición económica y el interés que mostraban hacia la ciencia les hizo menospreciar las posibilidades
comerciales de su invento, por lo que finalmente abandonaron la producción cinematográfica.
En 1903 patentaron un proceso para realizar fotografías en color, el Autochrome Lumière, lanzado al mercado en
1907.
Actualmente su cámara esta en el museo de cine de Paris, con la de George Méliès.
HENRI CARTIER-BRESSON
Nació en Chanteloup el 22 de agosto de 1908 y se educó en el Liceo Condorcet de París. A partir de 1930 se
dedicó a la fotografía, a pesar de que su primera pasión, que nunca abandonó por completo, había sido la pintura.
Desde entonces, comenzó a viajar con frecuencia y sus fotografías aparecieron publicadas en periódicos, revistas
y libros. También se expusieron en diferentes museos y galerías de arte. Una de las particularidades de su
técnica fotográfica es que jamás recortaba los negativos, el positivo lo obtenía directamente de toda la imagen,
sin encuadrar ni recortar nada. Sabía componer con rigor, observaba los gestos, las yuxtaposiciones de elementos
y disparaba en el preciso momento en el que todo ello creaba un conjunto armonioso, lo que él definía como el
‘instante decisivo’.
Durante la II Guerra Mundial el artista estuvo 35 meses encarcelado en los campos alemanes de prisioneros.
Después de tres intentos de huida, escapó a París y trabajó para la resistencia francesa. Realizó fotos sobre la
ocupación y retirada alemanas. En 1945 dirigió, para la oficina de información bélica de Estados Unidos, el
documental Le retour (El retorno). Dos años después organizó una exhibición de sus fotos en el Museo de Arte
Moderno de Nueva York (MOMA). El mismo año fundó con Robert Capa y otros fotógrafos la agencia Magnum.
Bajo los auspicios de ella, Cartier-Bresson empezó a viajar y a dedicarse al reportaje en diversos países: India,
China, antigua Unión Soviética, Canadá, Cuba, México y España. En 1955, por invitación del Museo del Louvre de
París, fue el primer fotógrafo que expuso su obra allí. Algunas de sus colecciones fotográficas publicadas son:
The Decisive Moment (1952), The World of Henri Cartier-Bresson (1968) y Henri Cartier-Bresson (1980). En sus
últimos años volvió a la práctica del dibujo. Falleció el 2 de agosto de 2004, en Francia.
WALT DISNEY
Nació en Chicago el 5 de diciembre de 1901 y abandonó la escuela a los 16 años. A partir de entonces estudió durante
breves periodos de tiempo en escuelas de arte en su ciudad natal y en Kansas City, Missouri. En 1923 comenzó a
producir dibujos animados en Hollywood, asociado con su hermano Roy O. Disney. De 1926 a 1928 hizo una serie de
dibujos, Oswaldo el conejo, para Universal Pictures. Steamboat Willie (Willie el vapor, 1928), producida por su propia
compañía, supuso la aparición de su primer personaje famoso, el ratón Mickey, y también el inicio del cine sonoro en los
dibujos animados. Realizó a continuación su serie de Sinfonías tontas, iniciada con La danza del esqueleto (1929). En
1932 introdujo el color en Árboles y flores, en 1934 creó al pato Donald y en 1937 realizó el primer largometraje de
dibujos animados de la historia, Blancanieves y los siete enanitos, al que siguieron Pinocho (1940), Fantasía (1941) y
Bambi (1942).
En las décadas de 1950 y 1960, Walt Disney Productions se convirtió en una de las mayores productoras
cinematográficas, al tiempo que Disney intentaba mantener el mayor control artístico posible. La compañía abordó la
publicación de literatura infantil y cómics, la mayoría de ellos protagonizados por el pato Donald y el perro Pluto. En
1955, Walt Disney Productions inauguró un parque gigantesco, Disneylandia, en Anaheim, California. Sus
reconstrucciones de carácter histórico y sus espectaculares atracciones lo convirtieron en un foco turístico de primer
orden. En la misma línea, en 1971, cinco años después del fallecimiento de Walt Disney, abrió sus puertas Disneyworld,
cerca de la ciudad estadounidense de Orlando (Florida), y en 1992 Eurodisney, en las proximidades de París, Francia.
Entretanto, la compañía abordó la producción de documentales, como
El desierto vivo (1953) o Los secretos de la vida (1956), y también, a
comienzos de la década de 1950, de películas de aventuras con
actores reales, como La isla del tesoro (1950), Robin Hood (1951), El
extraño caso de Wilby (1959), Un sabio en las nubes (1961) y Mary
Poppins (1964). Las películas de dibujos animados más destacadas de
este periodo fueron Peter Pan (1953) y Merlín el encantador (1963).
También realizaron las series de televisión “Davy Crockett”, “El club
Mickey” y “El maravilloso mundo de Disney”. La Disney también ha
producido Aladdin (1992), El rey león (1994), Pocahontas (1995), Toy
Story (1995) y El jorobado de Notre Dame (1996). En 1998 realizó
Mulan, un filme basado en una leyenda popular china producido en la
nueva sede de la factoría en Florida. Con Dinosaurio (2000), un
grandioso espectáculo en el que se mezclan imágenes creadas por
ordenador con paisajes reales, la Disney dio una nueva vuelta de
tuerca a las películas de animación. El segundo filme rodado
íntegramente en los estudios de Florida fue Lilo & Stitch (2002), con
el que sus autores trataban de recuperar la estética de las películas
clásicas con la utilización de la acuarela para los fondos, entre otros
recursos.
OSAMU TEZUKA
Osamu Tezuka (Osaka 3 de noviembre de 1928 - 9 de febrero de 1989) fue un dibujante de historietas y animador
japonés, al que a menudo se le llama el "padre del manga" o incluso el dios del manga, debido a la calidad de su prolífica
producción y a la influencia de sus técnicas, con el abandono de las historietas que apenas ocupaban unas viñetas por los
story manga y el desarrollo del formato tankoubon, que actualmente triunfa en todo el mundo para la edición de manga.
Tal fue el impacto de sus creaciones y de sus obras que a día de hoy la base de su estilo perdura en los nuevos autores
japoneses y los personajes que él dio a luz con su pluma siguen viviendo en la cultura popular de Japón, donde se puede
encontrar en las librerías la gran mayoría de sus obras. Además, sus historietas han sido traducidas a decenas de
lenguas, entre ellas el español. La ternura y el profundo y sincero humanismo que imprimió a sus personajes han dejado
una huella indeleble, haciendo de él un autor universal capaz de traspasar culturas. Incluso los ojos
desproporcionadamente grandes que son tan característicos de la animación y la historieta japonesa constituyen un
legado de Tezuka.
Entusiasmado por el género de la animación a dibujar cuando aún era un niño. Los horrores de la Segunda Guerra Mundial
también marcaron su sensibilidad y desde el primer momento procuró transmitir con sus dibujos mensajes optimistas y
humanitarios.
Su primer trabajo de importancia lo realizó a los 20 años. Se trata de la serie Shin Takarajima, pero hasta los años 50 no
surgieron la mayor parte de sus grandes y famosos personajes, como Janguru Taitei, Tetsuwan Atom ("Astroboy") y el no
menos famoso Ribbon No Kishi ("La princesa caballero"), considerado el primer manga del género shojo de la historia.
El éxito continúa en las siguientes décadas, con series como Hi no Tori ("Fénix", 1954),
Black Jack (1973-84), Buddha (1972-83) y Adolf (1983), dando un giro profundo con la
culminación de la serie MW (1976 - 1978), en la que abordó temas muy poco
frecuentes en el manga de la época, como la homosexualidad, la corrupción política o
las armas químicas.
Falleció el 9 de febrero de 1989, dejando así inacabadas las obras a las que se
dedicaba entonces, Ludwig B y Neo Faust. La considerada por muchos su obra maestra,
Hi no Tori, la había acabado tan sólo un año antes de su muerte, más de 30 desde su
inicio en 1954.
Al poco tiempo de su muerte algunos de los periódicos japoneses más importantes
pidieron que se le entregara el Premio Nobel de literatura, aunque fue rechazado.
Nadie le discutió sin embargo su aclamación como "el dios del manga", perpetuando así
su influencia en generaciones de lectores y autores, y en la historia y cultura de todo
un país en su conjunto. Desde 1997 se celebra anualmente el Premio Cultural Tezuka
Osamu, en honor al aporte de Tezuka al manga moderno, premio donde son
galardonados aquellos mangaka que siguen la visión de Tezuka.
MATT GROENING
Nació el 15 de febrero de 1954 en Portland, Oregon (Estados Unidos). Su infancia transcurrió en su ciudad natal
y residió en un edificio situado en la calle Evergreen Terrace, nombre que le dio a la calle donde viven los
personajes de su creacion, Los Simpsons. En 1977 se gradua del Evergreen State College de Olympia,
Washington. Fue en ese año, cuando decidió trasladarse a Los Angeles para continuar con su carrera de escritor.
Ademas, inicio su trabajo profesional como caricaturista al lanzar la tira comica "Life in Hell", en la cual el
protagonista principal era Binky, acompañado de Sheba (su novia), Akbar y Jeff; en "Life in Hell" basicamente
plasmaba sus vivencias cotidianas en la ciudad de Los Angeles. La tira comica alcanza su exito en 1980 al aparecer
en el periodico "Los Angeles Reader", en donde Matt trabajaba como editor. La tira comica actualmente aparece
en 250 periodicos de Canada y Estados Unidos y de ella ha publicado varios libros, como "El amor es un infierno",
"El trabajo es un infierno", "El colegio es un infierno". En 1986 decide crear algo nuevo. Su creacion involucro a
una simple familia, que con mucho humor lograrian hacer una critica social. El 8 de septiembre del mismo año, "Los
Simpsons" debutan en el show de Tracey Ullman, en una corta escena de dos minutos. Logró un gran éxito, así que
Matt Groening decidió darles su propio programa. En 1989 son todo un hit al ser lanzados en el Canal Fox como
programa independiente. En 1993 fundó Bongo Comics, una empresa que en la actualidad ha editado cientos de
comics y libros. Realizó una nueva serie animada llamada "Futurama".
En 1997, Groening se asoció con David X. Cohen y creó Futurama,
una serie animada sobre la vida en el año 3000, la cual se estrenó en
1999. Luego de cuatro años en el aire, el programa fue cancelado por
Fox en 2003, pero Comedy Central encargó 16 episodios nuevos para
realizar cuatro películas en DVD, las cuales fueron lanzadas a la
venta en 2008.
Groening ha ganado diez Premios Primetime Emmy, nueve por Los
Simpson y uno por Futurama, además de un premio British Comedy
en la categoría "Trabajo Destacado en Comedia" en 2004. En 2002,
ganó el premio Reuben de la National Cartoonist Society por su
trabajo en Life in Hell.
JEAN PLANTUREUX
Jean Plantureux nació en una pequeña villa francesa, traumática y maloliente, como todas las ciudades de Francia,
cosa de la que el pequeño Jean echaba la culpa al alcalde, un tal Jean Marie Le Pen. A los 11 años, tras aspirar
accidentalmente el humo de un porro, descubrió un nuevo amigo, Plantine, la rata que fue musa de su inspiración,
hasta su muerte por sobredosis en 1987. En 1970, a los 17 años, comienza a estudiar ciencia del dibujo, y en 1972
logra publicar su primera caricatura, en el diario gabacho La Monda. A partir de ese momento, Jean, comienza a
adquirir una fama que nunca le fue bien sabida, ya que le llevó a un marginal mundo de adicción a las piruletas y
sucedáneos. Tras años en vano, logra, en 1979, ser aceptado en la ARDM, la Republicane academie du dessines de
merde. En 1987 muere Plantine, que fue encontrada en su piso de la calle Boujulais Sur-Merde, de Nueva York.
Dos años después, ya recuperado del varapalo, recibe otro premio, el premio al humor sobre Negros, que resaltó
sus a veces tendencias racistas (tachado de racista por Jean Marie Le Pen, su antiguo alcalde) y otros dos años
después (de dos en dos y tiro porque me toca), en 1991, el Premio al documento raro, pero raro raro en el festival
de una ciudad de nombre de merde. Como tributo a su extraña carrera, a finales de los 90, Plantu crea un sello
barato hecho con restos de papel higiénico usado en el que aparece su único amor, Plantine.
SERGIO ARAGONÉS
Nació en San Mateo, Castellón, España, 6 de septiembre de 1937 y dejó su país siendo un bebé, debido a la
Guerra Civil Española, primero su familia se trasladó a Francia y con seis años se estableció en México, donde
transcurrió casi toda su vida. Hizo sus primeras actividades profesionales en 1954, aunque continuó estudiando
Arquitectura en la Universidad de México, actividad que combinaba con la pantomima (estudiando bajo la
dirección del célebre director y mimo Alejandro Jodorowsky). En 1962, Aragonés se fue a Estados Unidos, donde
reside hasta hoy. Aragonés siempre fue un apasionado del arte, desde su infancia temprana. Una anécdota cuenta
que en una ocasión sus padres lo dejaron solo en un cuarto con una caja de lápices de pintar, y cuando éstos
volvieron, Sergio había cubierto todas las paredes con cientos de dibujos.
Él llegó a la ciudad de Nueva York sólo con $20 y su portafolio de dibujos. Luego de laborar en trabajos varios
alrededor de la ciudad, Aragonés se dirigió a las oficinas de la Revista MAD en la Avenida Madison, esperando
poder vender algo de su obra. Como no hablaba mucho inglés, preguntó por el único otro caricaturista de MAD que
hablaba español, el cubano Antonio Prohias, creador de la famosa tira cómica Spy vs. Spy. Aragonés esperaba que
Prohias le pudiera servir de traductor con los editores de la revista, pero Prohias hablaba todavía menos inglés
que Aragonés. Sin embargo, Antonio recibió a Sergio de forma muy entusiasta, y lo presentó a los editores como
"su hermano". El director de la revista, Bill Gaines, gustó de su trabajo, pero le rechazó, confesando que la
revista estaba llena, el único espacio en blanco eran los márgenes. Sergio se retiró y dos horas después, que
empleó dibujando, le volvió a mostrar a Gaines su trabajo adaptado a los márgenes de la revista. Sergio emplearía
a partir de ese momento, el único espacio que quedaba disponible en la revista MAD; era 1963.
Aragonés cobró importancia por sus "dramas dibujados" (que nunca incluyen diálogos),
que se publican en los márgenes de las páginas de MAD. De acuerdo a Aragonés, los
directores de la revista gustaban de su trabajo, pero no esperaban que Sergio se
quedara durante más de uno o dos meses, pues no lo creían capaz de proveer el
volumen de trabajo necesario para cada edición mensual de la revista.
Aragonés ha participado en cada edición de MAD desde 1963 excepto una
Es conocido como el dibujante de historietas más rápido del Mundo. Por lo que ha
llegado a redibujar álbumes suyos enteros para reediciones al no encontrar los
originales.
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