http://www.dwworld.de/dw/article/0,2144,1866805,00.html
La proposición de Joseph Beuys “cada hombre es un artista”, opera desde el principio de
que la apertura de la experiencia estética creadora al espacio público, legitima las
capacidades de mucha gente que –teniendo voluntad expresiva y sensibilidad artísticano se ven a sí mismos como artistas.
En este sentido y desde vertientes contrapuestas, es donde las ideas de Beuys
confluyen con las de Marcel Duchamp y el accionar de Andy Warhol, en relación con
el concepto ampliado de arte. Aunque en Beuys la propuesta se fundía con una teoría
antropológica de la creatividad.
Por otro lado Beuys no buscaba producir objetos, “obras”, sino acciones.
Estaba convencido que “todo conocimiento humano procede del arte, toda capacidad
procede de la capacidad artística del ser humano, es decir, que cualquier ser humano está
capacitado para ser activo creativamente”.
“Por esa razón –sostiene Beuys– hay que fomentar una educación artística para el ser
humano, pero no como una materia relegada al mero ámbito de las manualidades, sino
emplazada estratégicamente en el centro del currículum académico, como el medio más
eficaz en la reproducción de la inteligencia técnica y el desarrollo de nuevas miradas sobre
las cosas, un campo para el ejercicio crítico de la configuración espacial. Que el ser
humano pueda contemplar sus pensamientos como un artista a su obra”.
Publicado por Eduardo Iglesias Brickles el 06/01/2009
Cómo explicar los cuadros a una liebra
muerta, 1965. Galería Schmela,
Düsseldorf.
I like America and America likes me
http://vodpod.com/watch/1744592-joseph-beuys-i-like-america-and-americalikes-me
Paisajísticamente, este es un proyecto de un calibre
importantísimo. Desde 1982, Kassel es la ciudad de los robles.
Joseph Beuys planteó plantar estos miles de robles, cada uno
junto a una columna de basalto. No se llegó a terminar ya que este
murió al poco tiempo, pero sus seguidores más fieles continuaron
con su obra y, hoy día, los ciudadanos de kassel están más que
hechos a esta tradición.
Kassel se ha convertido en un pulmón urbano, predominando el
verde en cualquiera de sus rincones. La distribución regular de
los árboles en sus calles y avenidas, contrasta con
la espontaneidad en los jardines públicos y parcelas privadas.
El caso de Larry Poons fue muy comentado en su época, porque él sí que
renunció a lo que había conseguido y emprendió un camino nuevo que no
fue entendido por todo el mundo. Bajo las influencias de Barnett Newman
y Piet Mondrian, Poons alcanzó un rápido éxito en la década de los sesenta
con unos cuadros que rompían con la estética gestual de muchos de los
expresionistas abstractos norteamericanos. Sus obras de entonces seguían
unos caminos mucho más fríos, más racionales y menos vehementes que
los de sus famosísimos antecesores. El lienzo había dejado de ser un
campo de batalla y, aunque permanecía la abstracción, el control, el
equilibrio y la razón mandaban en unas superficies en las que sobre unos
fondos de colores mucho más puros se depositaban unos puntos que
alejaban al cuadro del mundo subjetivo. Y, sin embargo, cuando todo el
mundo ya había asumido esa nueva pintura y la costumbre había ya casi
hecho olvidar la anterior, Larry Poons gira e introduce en los años setenta
un cambio tan radical que le acarreó críticas feroces. Porque en esos años
setenta parecía casi imposible que nadie aceptara que se podía volver a
actitudes expresionistas y subjetivas, aunque poco más tarde esa
tendencia se instaló poderosa en la escena artística de los ochenta.

Ese cambio de Larry Poons trajo consigo unos cuadros en los que predominaba el
espesor, en los que la pintura era tan matérica que se mostraba casi como una
corteza en la que podían contemplarse todas sus rugosidades y acanalamientos. En
ella intervenía de manera importante el azar, pues el pintor construía sus cuadros
arrojando cubos de pintura sobre el lienzo previamente preparado, en un gesto muy
próximo a la forma de trabajar de Pollock. Cubo tras cubo la pintura se desparramaba
sobre la superficie y se amontonaba produciendo formas a las que no se puede
considerar del todo caprichosas. Porque Poons, además del azar que implicaba la
forma de caer la pintura o la energía con la que la arrojaba, había previamente
dispuesto algunos elementos sobre el lienzo que resultaban determinantes para la
forma que las sucesivas capas de pintura adoptarían al final. También influía la
viscosidad de las mezclas que él preparaba o el volumen del cubo que él decidía
utilizar, de tal manera que junto a lo azaroso había una intervención consciente del
artista, que con anterioridad había tomado algunas decisiones como consecuencia de
unas ideas de las que partía. El resultado de esta nueva forma de trabajar es una
obra en la que destacan sus cualidades sensibles, en la que el ojo puede penetrar
por recovecos y grietas y que recuerda a los materiales arrastrados por el río. Es una
obra de tal presencia material que parece querer abandonar la superficie del cuadro y
enlaza con lo táctil y la escultura. Como ésta, se puede variar el punto de vista,
desplazarse para comprobar los cambios que se operan. Pero también puede uno
acercarse a ver los detalles que la pueblan y que se repiten, lo que ha hecho a
algunos comparar el trabajo de Poons con la geometría fractal.
Big Purple 1972
acrylic on canvas, 98 x 92 inches
The Pregnant Woman , 1971
Alice Neel (Colwyn, Pennsylvania, 28 de enero de 1900 – 13 de octubre de 1984) fue una
pintora retratista estadounidense. Sus pinturas destacan por su uso expresionista de la
línea y del color, profundidad psicológica e intensidad emocional.
Aprendió en la Escuela de Dibujo de Filadelfia para Mujeres. Poco después de acabar
sus estudios se casó en 1925 con el pintor cubano Carlos Enríquez, hijo de padres
pudientes. Se trasladó a La Habana al año siguiente, donde abrazó la vanguardia cubana,
aunque luego regresó a los EE. UU. Tuvo una hija, Santillana, que murió de difteria poco
antes de cumplir su primer año. El trauma que le causó la muerte de su hija influyó en
sus pinturas, estableciendo un precedente para los temas de la maternidad, la pérdida y
la ansiedad que impregnaron su obra durante el resto de su carrera.
Tuvo otra hija, Elisabetta, nacida en 1928, que el padre se llevó consigo a Cuba en la
primavera de 1930, quedando la pintora en los Estados Unidos. Alice Neel sufrió una
crisis nerviosa. Después de un breve periodo de hospitalización, Neel tuvo una tentativa
de suicidio. Fue ingresada en el Hospital General de Filadelfia, de donde salió en 1931 y
regresó a casa de sus padres, marchando después a Nueva York.
Allí pintó personajes locales. Su obra glorificaba la subversión y la sexualidad,
representando escenascaprichosas de amantes y desnudos. A finales de 1933, fue
contratada por la Works Progress Administration (WPA), que le dio un salario modesto.
En 1939 nació su primer hijo, Richard, hijo de José Santiago, un cantante de night-club
portorriqueño a quien conoció en 1935. Neel se trasladó al Harlem Hispano. Comenzó a
pintar a sus vecinos, particularmente mujeres y niños. José la abandonó en 1940.
El segundo hijo de Neel nació en 1941, siendo el padre el intelectual comunista Sam Brody.
En esta década, Neel hizo ilustraciones para la publicación comunista, Masses &
Mainstream, y siguió pintando retratos. Neel apareció en una película en 1959, cuando el
director Robert Frank le pidió que apareciera junto a un joven Allen Ginsberg en su film
Beatnik clásico, Pull My Daisy.
Después de estar prácticamente desaparecida de las galerías durante los años cincuenta, y
gran parte de los sesenta, a finales de esta década se intensificó el interés por la obra
de Neel, convirtiéndose en un icono feminista.
(Chicago, 1922-2004)
Pintor estadounidense, a lo largo de su trayectoria artística realizó treinta y nueve
trabajos a gran escala y cuarenta y cinco retratos de políticos famosos, como
Richard Nixon, Ho Chi Minh o Francisco Franco.
Realizó estudios de historia del arte y se graduó en Bellas Artes en la Universidad de
Chicago en 1942, de donde pasó al Instituto de Arte de Chicago para completar su
formación. Durante su aprendizaje en este centro se vinculó con “Momentum”, un
programa de exhibiciones desarrollado como alternativa a los anuarios del
Instituto que habían sido oficialmente sancionados. Ejercio como profesor de las
Universidades de Northwestern, Indiana, Temple y Rutgers. Desde sus comienzos,
Golub estuvo comprometido, con la política no sólo a través de sus obras, sino
como organizador y participante en diversas causas progresivas.
En 1959 trasladó su residencia a París, de donde volvió en 1964, año en que estableció
en Nueva York. Allí, fiel a su espíritu contestatario, perteneció durante la década de
los años sesenta a numerosos grupos reivindicativos, como Artist and Writers
Protest Group, The Comittee for Artistic Freedom, Los Angeles Peace Tower o the
Angry Arts Week.
A partir de esta década y durante más de veinte años, su pintura se caracterizó por
sobrevivir ajena a las corrientes principales del arte contemporáneo americano
(Pop Art, Minimalismo o Neorrealismo). Cuando comenzó la Guerra de Vietnam en
1965, Golub acentuó más aún su compromiso con los asuntos sociales y, a partir del
desembarco norteamericano, se mostró decididamente antibelicista, como
miembro de grupos activistas contrarios al conflicto bélico. En la década posterior,
siguiendo la misma tendencia, se manifestó contrario a la invasión norteamericana
en Latinoamérica.
LEON GOLUB: WORKS
RIOT II, 1983
oil and acrylic on canvas
RIOT II, 1983
oil and acrylic on canvas
www.no-art.info
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Pintor alemán nacido en Donaueschingen. Representante de la
nueva vanguardia, realizó estudios de pintura, derecho y lengua
francesa en Dusseldorf. Al final de la década de los setenta, se
erige como el artista capaz de imponer la nueva pintura alemana
en el ámbito internacional. Conocido sobre todo por su arte
"matérico”, utiliza telas de gran tamaño que impregna con
materiales diversos e inscripciones sobre temas que hacen
referencia a la cultura y mitología alemana. Ha expuesto en la
Documenta de Kassel (1977, 1982 y 1987), las Bienales de Venecia
(1980) y París (1985) y en la Städtische Kunsthalle de Düsseldorf
(1984), y tiene una importante colección en el Museo
Guggenheim de Bilbao (1990). Preocupado de los grandes temas
cosmológicos, míticos e históricos, la herencia de su maestro
Josep Beuys es evidente en su obra, como lo es también la de la
algunos filósofos, como Heidegger o Foucault, este último, profeta,
como Kiefer mismo, de la "desaparición del hombre".
Su producción de los años setenta y ochenta gira en torno a la
mitología, la historia, la religión y la simbología alemana, temas
que el artista investiga profundamente y que utiliza de forma
recurrente en sus obras como medio para evitar el proceso de
amnesia colectiva ante las brutalidades y tragedias históricas de
una Alemania desmembrada por la Segunda Guerra Mundial y en
plena lucha por la restitución de su identidad como país. De esta
forma, la cábala, los nibelungos, Adolf Hitler, el músico Richard
Wagner o el arquitecto del nazismo, Albert Speer, son referencias
comunes en su obra de este periodo que ha sido considerada un
auténtico “teatro de la memoria”.
Sus trabajos, en los que se fusionan la pintura, la escultura o la
fotografía, mediante técnicas como el collage y el asamblage,
subrayan la solemnidad y la naturaleza trascendente de su
contenido no sólo por sus cualidades táctiles, sino por la violencia
de su pincelada y la opacidad que transmite una paleta de colores
casi monocroma, mezclada con materiales poco ortodoxos y
endebles como plomo, alambre, paja, yeso, barro, ceniza o polvo, o
flores y plantas reales, en contraste con la transparencia de su
significado.
No es hasta comienzos de los años noventa cuando Kiefer, tras una
serie de viajes por el mundo, comienza a explorar temas más
universales, todavía basados en la religión, los simbolismos
ocultos, los mitos y la historia, pero centrándose ahora más en el
destino global del arte y de la cultura, así como en la
espiritualidad y los mecanismos y misterios de la mente humana.
Let a Thousand Flowers Bloom, 2000
Anselm Kiefer (German, b. 1945)
Gouache, sand, ash, and charcoal on two torn-andpasted photographs; 50 1/4 x 30 1/4 in. (127.6 x 76.8
cm)
Inscribed (across top, in charcoal): let a thousand
flowers bloom
The Red Sea
1984-85 (240 Kb); Oil, emulsion, and shellac on photograph,,
mounted on canvas, with woodcut and lead
Desde 1993 Kiefer vive y trabaja en Barjac, una pequeña villa
de Francia, cerca de Avignon, donde este artista ha creado
un auténtico laboratorio que le permite testar ideas y
materiales y transformarlos en auténticas experiencias
artísticas. Reconocido como uno de los más importantes
artistas en activo, ha sido el protagonista en la últimas cuatro
décadas de exposiciones de pinturas, esculturas, dibujos e
instalaciones en la instituciones y museos más relevantes de
todo el mundo y sus trabajos forman parte de las más
prestigiosas colecciones de arte públicas y privadas.
“Mis obras son muy frágiles y no tan sólo en el sentido literal.
Si las colocas juntas en las circunstancias equivocadas,
pueden perder completamente su poder. Es por ello que lo
que yo hago en Barjac es darles un espacio, quiero dar un
espacio a la pintura”, señalaba el artista en una entrevista
concedida a finales de 2006 a la revista Modern Painters.
Nuremberg
1982 (320 Kb); Acrylic, emulsion, and straw on
canvas, 280 x 380 cm (110 1/4 x 149 5/8 in)
Nacido en Kutztown (Pensilvania) en 1958, desde muy pequeño empezó a dibujar
inspirándose en los dibujos animados de la televisión. Estudió arte en la Ivy School of
Art de Pittsburgh , donde comenzó a hacer serigrafías para imprimir en camisetas. Y
posteriormente continúo sus estudios en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York
durante 1978 y 1979, donde estuvo influenciado por Keith Sonnler y Joseph Kossuth que
le animaron a formarse como artista conceptual tras la experimentacion con la forma y
el color.
En el verano de 1979 hace una performance titulada Poetry-Word-Things en el Club 57
de Manhattan. En 1980 comenzó a hacer grafitis, dibujando con rotulador imágenes
similares a dibujos animados sobre anuncios en el metro de Nueva York. Más tarde le
siguieron unas historietas dibujadas con tiza blanca sobre los paneles negros del metro
reservados para publicidad. Fue arrestado en varias ocasiones por dañar la propiedad
pública.
Keith Haring intentó combinar en su obra el arte, la música y la moda, rompiendo
barreras entre estos campos. La iconografía era una mezcla de elementos sexuales con
platillos volantes, personas y perros, animales y figuras danzando; a los que se
añadieron más tarde figuras corriendo, bebés gateando, halos, pirámides, televisiones,
teléfonos y referencias a la energía nuclear; el tratamiento de Keith Haring de temas
como el poder y el miedo a la tecnología sugiere angustia y refleja su inquietud moral.
Su primera exposición individual fue en la galería Tony Shafrazi de Nueva York, en 1982.
El soporte pictórico que utilizaba Haring era variado y accesible (papel, fibra de vidrio,
lienzo, piezas de acero esmaltado, camisetas, vasos y vaciados en escayola de obras de
arte conocidas); sus fuentes son el arte esquimal, africano, maya y de los aborígenes, así
como la caligrafía china, los all-over de Alechinsky, Warhol y Mark Tobey, a partir de los
cuales evolucionó hacia su estilo semiabstracto característico, una especie de new wave
azteca que recuerda a Pollock y a Penck. Gruesas líneas negras bordean figuras
esquemáticas en una composiciones dominadas por un horror vacui evidente que vibran
con una energía irresistible y llamativa. El estilo de Haring refleja el ethos de la
generación Pop y de la cultura callejera del East Villagede Manhattan. Intentó plantear
las cosas de la manera más simple posible. Como Warhol, Haring abrazó la cultura
demótica, es decir, una combinación de moda, arte y música, rompiendo barreras entre
estas manifestaciones para darles una mayor extensión; este factor es básico para
entender su éxito comercial en todo el mundo, en varios géneros, incluyendo murales,
escultura, posters y pintura corporal.
Una obra de Keith Haring en el metro de NY
En 1986 pintó un trozo del muro de Berlín. En ese mismo año abrió la boutique Pop Shop,
en la que vendía sus productos. En 1989 creó la Fundación Keith Haring cuyo objetivo es
luchar por la solución de los problemas sociales. Murió víctima del SIDA en Nueva York,
el 16 de febrero de 1990.
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