ARTES PLÁSTICAS
1955-1968
LA RUPTURA: Rufino Tamayo marca la línea divisoria con
los murales del Palacio de Bellas Artes: una propuesta
nueva en cuanto a solución y temática, ya que no describe
ni la liberación de esclavos ni la opresión ni líderes o
triunfos del socialismo. Los artistas de esta corriente
interpretan de forma personal su manera de ver y entender
el mundo, un mundo más universal con lenguajes sin
límites políticos ni manifestaciones sociales localistas.
El Quemado. 1955
Rufino Tamayo
Rufino Arrellanes Tamayo (26 de Agosto de 1899 – 24 de Junio de 1991)
Nunca siguió la corriente de otros pintores mexicanos contemporáneos cuyos
trabajos estaban cargados de mensaje político.
La obra de Tamayo evolucionó desde el uso de perspectiva lineal e influencias
cubistas hasta desarrollar un estilo propio. Su trabajo goza de gran reconocimiento
internacional y ha sido expuesto prácticamente en todo el orbe, incluyéndose en
colecciones de museos con prestigio internacional. Sus murales también decoran
los más diversos lugares como el edificio de la UNESCO en Paris.
En este periodo gano el Premio Nacional de Artes (1964)
Dos Personajes. 1961
Obras realizadas durante el periodo
Autorretrato. 1967
Cabeza. 1968
El fumador. 1964
Dos figuras en azul. 1961
Pedro Coronel Arroyo .
Pintor, escultor, dibujante y grabador abstracto Mexicano.
Nació en Zacatecas, Zacatecas en 1923.
En sus obras se veía la fuerza de su pensamiento abstracto y su original colorido, que
disfrazaban en cierto modo, el contenido dramático de sus obras.
Sus esculturas son de forma simplificadas.
Arnold Belkin
Arnold Belkin fue un artista plástico nacido en Calgary en 1930. En 1948 se
trasladó a México, donde estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas
(UNAM). Allí se formó en la tradición muralista.
Hacia la década de 1960, la obra de Belkin se inclinó hacia la plástica con
mayor contenido social, en el contexto de la recién triunfante Revolución
Cubana.
En 1968 se trasladó a Europa, donde su obra adquirió un nuevo carácter
dinámico en contra de lo estático de sus producciones anteriores.
Carlos Mérida
Carlos Mérida, ( 2 de diciembre de 1891- Ciudad de México; 21 de diciembre de
1984). Fue un pintor, escultor y artista plástico.
En 1956 realizó, en el Palacio Municipal de Guatemala, un mosaico de vidrio (La
mestiza de Guatemala). Desde entonces Mérida alternó la realización de murales para
México y Guatemala, en los que dominaban motivos abstractos y constructivos.
Con el espíritu innovador que le caracterizaba, en 1964 hizo un muro vitral en la sala
Cora Huichol (Los adoratorios) del Museo Nacional de Antropología de México D.F. y en
1968, otro en el Centro Cívico de San Antonio (Texas) (La confluencia de las
civilizaciones en América).
Werner Matthias Goeritz Brummer
Werner Matthias Goeritz Brummer (4 de abril de 1915 – 4 de agosto de 1990). Fue un
escultor mexicano de origen polaco, que luego de la Segunda Guerra Mundial se
estableció en México.
En 1958, en colaboración con el arquitecto Luis Barragán y el pintor Jesús Reyes
Ferreira, luego de un viaje con Justino Fernández a San Gimigniano, Italia, realizó su
obra maestra las Torres de Satélite, inauguradas en marzo de 1958 como emblema de la
nueva Ciudad Satélite.
OBRAS REALIZADAS EN EL PERIODO:
-Torres de Satélite, Ciudad Satélite, 1957-1958, en coautoría con Luis Barragán.
-Vitrales para la Catedral de México y la de Cuernavaca y las iglesias de Santiago
Tlatelolco, San Lorenzo, Azcapotzalco y la sinagoga de Maguén-David.
-Coordinación del conjunto escultórico Ruta de la amistad, 1967-1968.
-Osa Mayor, escultura en la explanada del Palacio de los Deportes, obra de
Félix
Candela, 1968.
-Torre Automex, 1962, Toluca.
Torres de Satélite, Ciudad Satélite, 1957-1958, en
coautoría con Luis Barragán.
Francisco Zúñiga
Francisco Zúñiga (27 de diciembre de 1912 - 9 de agosto de 1998) es un artista
costarricense y mexicano, conocido tanto por su pintura y su escultura.
En 1958 le fue otorgado el primer premio de escultura en el Instituto Nacional de
Bellas Artes.
Su estilo único es caracterizado por la representación de recios y orgullosos
personajes indígenas, sobre todo femeninos.
OBRA REALIZADA EN EL PERIODO:
Elena sentada (1966),
Francisco Toledo
Francisco Benjamín López Toledo es un pintor mexicano. Nace el 17 de julio de 1940 en
Juchitan, Oaxaca.
En los cincuentas, inicia sus estudios artísticos en la gráfica. Posteriormente ingresa al Taller
Libre de Grabado de la Escuela de Diseño y Artesanías, del Instituto Nacional de Bellas Artes
(INBA), en la ciudad de México.
En 1959 exhibe sus obras en la Galería Antonio Souza y en el Fort Worth Center, en Texas.
La visión moral de Toledo afirma que el mundo de los humanos y el de los animales son uno
con la naturaleza. Toledo muestra un sentido de lo fantástico muy bien desarrollado al crear
criaturas híbridas, parte humanas y parte animal, a la vez monstruosas y juguetonas, sus
hermosos papalotes, libretas artesanales, mascaras, joyería e intrínsecos grabados son otra
muestra de su genialidad.
Remedios Varo
Remedios Varo Uranga (nació el 16 de diciembre de 1908 en Ángeles (Gerona), España; † 8
de octubre de 1963 en la Ciudad de México) fue una pintora surrealista hispano-mexicana.
En 1955, la pintora presenta al público sus trabajos en una primera exposición colectiva, en
la galería Diana de la Ciudad de México. Seguida al año siguiente de una exposición
individual. Remedios Varo fallece de un paro cardíaco el 8 de octubre de 1963 en la Ciudad
de México.
En su obra aparecen con frecuencia figuras humanas estilizadas realizando tareas simbólicas,
en las cuales se tienen a la vez elementos oníricos y arquetipos. Su obra entera está teñida
de una atmósfera de misticismo, pero plasmado en las figuras representativas del mundo
secular moderno.
Obras realizadas durante el periodo
1955, La revelación o en relojero.
1955, Trasmundo.
1955, El flautista.
1955, EL paraíso de los gatos.
1956, A la felicidad de las damas.
1957, Creación de las aves.
1957, Modista.
1957, Caminos tortuosos.
1957, Reflejo lunar.
1957, El gato helecho.
1958, Papilla estelar.
1959, Exploración de las fuentes del rió
Orinoco.
1959,
1959,
1960,
1960,
1960,
1961,
1961,
1962,
1962,
1962,
1963,
Catedral vegetal.
Encuentro.
Mujer saliendo del psicoanalista.
Visita al cirujano plástico.
Hacia la torre.
Vampiro.
Tejiendo el manto terrestre.
Vampiros vegetarianos.
Fenómenos de ingravidez.
Transito espiral.
Naturaleza muerta resucitando.
Ciencia inútil. 1955
El gato helecho. 1957
Paraíso de gatos. 1955
José Luis Cuevas
Pintor, dibujante, escritor, grabador, escultor e ilustrador mexicano nacido en 1934
en la Ciudad de México.
Ha sido una de las principales figuras de la “generación de ruptura” con el
muralismo mexicano y uno de los más destacados representantes del
neofigurativismo.
Entre sus numerosas exposiciones individuales y colectivas se destacan las
realizadas en Washington DC (1954), París (1955) y Nueva York (1957). Ha
obtenido, entre otros, los siguientes reconocimientos: Primer Premio Internacional
de Dibujo, Bienal de Sao Paulo (1959); Primer Premio Internacional de Grabado, I
Trienal de Nueva Delhi (1968) 1955 Dibujos. Galería Edouard Loeb, París.
-1957 Dibujos. Galería Aenille, Ciudad de Nueva York.
-1959 Dibujos. V Bienal de Sao Paulo.
-1961 Los dibujos de Cuevas. Galería del Obelisco, Roma.
-1964 José Luis Cuevas: Teatro del Horror. Galería Silvan Simone, Los Ángeles.
“La mafia.”
La mafia era ruidosamente cosmopolita y vanguardista e izo como banderas a
Alonso Reyes, los Contemporáneos Octavio Paz y Rufino Tamayo, lo cual no estaba mal
si a esos nombres e hubiera añadido los de Vasconcelos, Mariano Azuela, Diego Rivera,
José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros, Samuel Ramos y José Revueltas, por
ejemplo. La mafia llevo a acabo diversas campañas de auto exaltación y homenajes
mutuos, pues solo admitían a sus amigos o a quienes compartieses sus premisas
sectarias e ignoraban o criticaban amargamente a quienes consideraban “indecentes” o
“ muy menores”.
En realidad, la mafia de los sesenta mostro hasta que punto había llegado el país
mismo en su desligamiento de las raíces populares y en la consiguiente admiración a
critica a lo nuevo que venia de lo extranjero. Eran lo moderno en México, de allí que se
sintieran tan a gusto en la Zona Rosa Cuevas pinto murales efímeros en la zona y todos
se congregaban en el café Tirol.” (Agustín José, 1997.p. 221)
Mural efímero, 1967
Muralismo picto- escultórico durante los años 50 y 60
Este amplio programa concebía la idea de integrar o incorporar las formas plásticas
y escultóricas a la arquitectura; hacer pues, del edificio, una obra plástica en sí.
A partir de los años cincuenta, se desarrollaron este tipo de proyectos de integración
plástica también en grandes hospitales públicos y en unidades habitacionales, así
como en edificios de gobierno, construidos en el marco de expansión demográfica y
crecimiento de la Ciudad de México; ejemplo de esto fueron la Unidad Habitacional
Modelo, el Multifamiliar Presidente Juárez, entre otros. En este tipo de proyectos
participaron artistas como Diego Rivera, Carlos Mérida y José Clemente Orozco, y
arquitectos como Mario Pani, Salvador Ortega y Félix Sánchez.
Mural, 1964-65
Actualmente en Av. Insurgentes Sur
(Ciudad Universitaria)
Foto: Carlos Mérida
Manuel Felguérez.
A finales de los años cincuenta, regresó a México y participó activamente en la lucha por la
apertura del arte mexicano. A finales de los sesenta, fundó los Salones Independientes.
Su trayectoria plástica permite distinguir claramente las distintas etapas que ha desarrollado,
ubicado siempre dentro del abstraccionismo. Dentro de su obra pública ha realizado 45
murales y escultura urbana en varios países; entre ellos se encuentra el primer mural
producido en México en los sesenta “con un sentido contemporáneo”, realizada en el Cine
Diana de la capital, empleó la técnica del ensamblado y constituye un importante ejemplo de
la renovación escultórica que se desarrolló a partir de esos años, y que fundamentalmente se
expresó
por
medio
de
las
obras
de
grandes
dimensiones.
En el quehacer artístico de Felguérez, la pintura y la escultura son dos modalidades que se
enriquecen mutuamente; esto se evidencia en la creación de sus diferentes murales, los
cuales son un punto intermedio entre la pintura y la escultura.
Mural de hierro, 1961
(Detalle)
Cine Diana, Ciudad de México
Foto: Manuel Felguérez
Hacia finales de los años sesenta y principios de los setenta, se desarrollaron
otros proyectos independientes del estado, orientados a realizar propuestas de
carácter esculto-pictóricas en el contexto urbano. Un ejemplo de esto fueron las
obras de entorno vinculadas al cinetismo que realizó en 1968 el grupo Arte Otro,
formado por Sebastián, Hersúa y Aguilar Ponce.
La nueva generación desarrolló su trabajo artístico en torno a preocupaciones
más personales que sociales.
Esta situación fue resultado de una etapa de internacionalización de la vida
artística que, de acuerdo a Frérot, permitió "... la apertura de las mentalidades
estéticas que habían estado replegadas en sí mismas tras una figuración
militante durante tres o cuatro decenios". Al mismo tiempo, este proceso de
ruptura significó el inicio de la decadencia del movimiento muralista.
David Alfaro Siqueiros.
En 1960 terminó el mural en el Castillo de Chapultepec titulado “Del Porfirismo a la
Revolución". Ese año, el 9 de agosto es perseguido, aprehendido y acusado de
disolución social, El 13 de julio de 1964, Siqueiros sale de la prisión y reúne un
equipo de artistas nacionales e internacionales para realizar el mural que decoraría la
Sala de Convenciones del Hotel Casino de la Selva.
En 1966 el proyecto es reubicado a la Ciudad de México y así se crea el Polyforum
Cultural Siqueiros. Realiza diversos viajes promocionales a Europa. En 1968 termina
el mural “La historia del teatro" en la Asociación Nacional de Actores (ANDA).
La marcha de la humanidad.
La Marcha de la Humanidad en la Tierra y hacia el Cosmos es un mural pintado por el
artista mexicano David Alfaro Siqueiros el cual cubre el "Foro Universal" del Poliyforum
Cultural Siqueiros. Este mural es, por su tamaño, el más grande pintado en toda la
historia.
La planta del Foro es la de un octágono irregular. El mural cubre todas las caras, excepto
el piso, en donde se localiza una plataforma giratoria de 24 metros de diámetro, la cual se
usa para un espectáculo de luces y sonido.
El mural está pintado con pintura acrílica y aerógrafo. En esta obra, Siqueiros también
realiza diversas esculturas de lámina las cuales pinta e incorpora al mural. Estas esculturas
son llamadas “Escultopinturas". Son estas figuras las de mayor importancia y las que más
resaltan en la obra, dado que su combinación de colores da efectos de luz y sombra.
Aprovechando la plataforma giratoria, Siqueiros demuestra su teoría de poliangularidad,
donde el objeto puede parecer cobrar movimiento desde cualquier punto de vista.
Siqueiros realiza sus figuras con líneas geométricas y muy esquemáticas, negras y de gran
grosor, así como con sus caras, de trazo muy sintetizado y colores planos.
Es en la bóveda, donde sus figuras parecen ser más sencillas dado que ahí no hay
escultopinturas de figuras humanas.
El mural puede dividirse en siete paneles, cada uno con distintas composiciones y
alegorías que realiza Siqueiros. Estas alegorías son solamente escultopinturas.