SAINT BRENDAN’S SCHOOL
Prof. Adriana Assandri
CONTEXTO HISTÓRICO
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1900-1918: convulsiones políticas y sociales, expansión económica y gran
vitalidad artística.
Se crean nuevos lenguajes opuesto a los tradicionales: vanguardias
históricas. El arte se concibe como vehículo de investigación abierta y
continua (no como un instrumento de representación de la naturaleza).
Horror y amargura de la 1GM pusieron fin al optimismo y confianza en el
progreso. Rechazan la “razón” que había llevado a la “sinrazón”de la
guerra. Aparece el absurdo como rechazo a la coherencia y lógica.
En década del 30 se agotan las vanguardias: crisis del 29, establecimiento
de totalitarismos (que las consideran arte degenerado; los artistas se
exilian).
Después de la 2GM EEUU como centro. New York reemplaza a París.
División del mundo en bloques: capitalista y comunista. En EEUU se
considera a las vanguardias como la expresión artística de la ideología
democrática (apoyadas a nivel gubernamental y privado).
Este amparo pone en crisis a las propias vanguardias al cuestionar su
razón de ser (manifestaciones artísticas de ruptura).
“Vanguardia”
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Se aplica en Francia al campo del arte antes de la 1GM, para designar
determinados movimientos plásticos y literarios que luchaban contra las
normas academicistas.
Arte que rompe con toda norma establecida y hace una investigación
permanente en la que los artistas experimentan con nuevos materiales y
nuevas técnicas. A la vez, resulta más ininteligible y hermético para el
público.
Artistas asumen una conciencia de grupo, realizan reuniones, actos,
manifiestos.
Toman elementos del vocabulario político: activismo, idea de revolución,
de cambio artístico, aparición de un documento literario como pieza clave,
el “manifiesto” (declaración pública de propósitos, teorizan sobre nuevos
lenguajes artísticos, se propugna la originalidad, la innovación y la fe en el
progreso).
Son breves, de corta duración.
Los artistas no se circunscriben necesariamente a ninguno de los diversos
movimientos.
SOCIOLOGÍA
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Nuevo Artista:
 Desde la Revolución Francesa empiezan a querer pintar lo que les apeteciera, no lo que
les encargaran.
 Ahora sigue escogiendo un tema y se convierte en un “investigador”.
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Nuevas formas de organización artística:
 Cada vez más dominada por el mercado y la especulación.
 Evolución: gremios medievales, el sistema académico y el sistema mercantil
(especulación).
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Nuevos mecenas:
 Marchante acompaña y desarrolla las vanguardias: organiza exposiciones individuales,
crea revistas especializadas, realiza contratos, organiza exposiciones en el extranjero,
abre sucursales de sus galerías en otros países (el arte se internacionaliza).
 Entrando en el siglo XX son sustituidos por las grandes sociedades internacionales,
reflejo del mundo artístico de las grandes multinacionales del mercado capitalista.
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Nuevos clientes:
 Ya deja de ser la Iglesia o la nobleza para ser la pujante burguesía industrial.
EN LA SOCIEDAD CONTEMPORÁNEA EL ARTE ESTÁ EN FUNCIÓN DEL MERCADO,
POR MÁS QUE HAYA INFLUENCIA DE: el artista, el marchante, la galería, la crítica, las
revistas especializadas, las subastas, las exposiciones internacionales, el coleccionista,
los museos de arte contemporáneo, el Estado, el municipio, los bancos, etc.
TODO ESTÁ CONTROLADO POR GRANDES EMPRESAS QUE LO MANEJAN.
FAUVISMO (1905-1907)
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Surgió en Francia a finales del siglo XIX y concluyó en 1907.
Término acuñado por crítico Louis Vauxcelles que llamó a esta corriente
“fauve”(fiera en francés).
Solamente abarcó a la pintura y su líder fue Henri Matisse.
Iconografía: paisajes, retratos y escenas del interior que sirven al artista
para expresar la alegría de vivir. Se da importancia a lo decorativo (en
líneas sinuosas y planos cromáticos.)
Color: fuerte, violento, agresivo. Reciben influencia del
postimpresionismo (de Van Gogh y Gauguin) por lo que utilizaron
preferentemente colores planos.
Característica: violencia cromática. El color tiene libertad e intensidad y
hace innecesarias las líneas. No tienen en cuenta la perspectiva
tradicional, siendo los planos de color los que sugieren las distancias.
Pinceladas: gruesas (negras u oscuras)
Artistas: Raoul Dufy, Albert Marquet, André Derain, Maurice de
Vlaminck.
Matisse, La Habitación Roja, 1908.
Matisse, La danza, 1910. Óleo sobre lienzo. 2,60 x 2,88 m.
Museo del Ermitage, San Petersburgo.
CUBISMO (1907-1914)
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Término empleado para denominar la corriente artística que redujo las
formas a esquemas geométricos, a formas cúbicas. Esto dio un giro a la
pintura que reflejaba una imagen fiel a la realidad.
Crítico Louis Vauxcelles: “Braque maltrata las formas, lo reduce todo –
lugares, figuras, casas – a esquemas geométricos, a cubos.”
Nació como parte de la búsqueda de nuevas formas y técnicas distintas a
los procedimientos tradicionales para lograr un mayor efecto del volumen
sobre una superficie plana.
Esquematizó, simplificó y propició una auténtica interpretación de la
realidad. Influencia de Cézanne.
Influencia de la obra artística africana. Sin embargo, es difícil evaluar la
importancia del Cubismo y afirmar que técnicamente se inspiró en la obra
artística africana.
Si bien el Cubismo tenía ventajas también tenía inconvenientes en su
representación del mundo, por lo que Picasso y Braque rápidamente
introducen detalles figurativos para facilitar su comprensión (cuerdas de
un violín, por ejemplo).
Iconografía limitada: mujeres, paisajes, retratos o simples bodegones con
botellas, vasos, naipes, pipas, periódicos, instrumentos musicales, etc.
Todos fáciles de reconocer y descomponer.
ASPECTOS FORMALES Y ESTÉTICOS
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Movimiento formalista, preocupado por reconstruir y reinventar los
procedimientos y valores pictóricos, en especial la relación de un objeto
con el espacio y la representación de esa realidad multidimensional en
una superficie plana.
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Inspirados en Cézanne, en su tratamiento geométrico de los objetos
reducidos a estructuras simples, para facilitar su visión total.
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Se trata de superar la perspectiva renacentista que, con su punto de vista
fijo, no permite lograr la pretendida visión total.
PINTURA
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Se considera que surgió con “Las señoritas de Avignon”de Pablo
Picasso (1906). En la derecha de la composición se observan las
formas cúbicas de la figura humana.
Cézanne fue una influencia fundamental.
Artistas: Picasso, Matisse, George Braque, Juan Gris, Robert Delaunay,
Fernand Léger, Marcel Duchamp y Albert Gleizes.
ESCULTURA
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Influencias de la escultura africana que sugería que la forma humana
podía ser reducida para mantener su identidad.
Ideal geométrico del Cubismo aplicado a la escultura encontró muchos
seguidores.
Continúa la búsqueda de transformar las obras en una realidad y nace
el collage (procedimiento bautizado como Cubismo sintético).
Artistas: Brancusi, Duchamp, Villon, Julio González, Juan Gris y
Picasso.
Picasso,
Las señoritas de
Avignón, 1907.
Óleo sobre lienzo,
245 x 235 cm.
Museo de Arte
Moderno de
Nueva York.
Trata de oponerse a conceptualmente a Matisse y está influida directamente por la
estética antiacadémica de la escultura arcaica griega, egipcia, ibérica y
negroafricana.
Durante 6 meses el pintor estuvo haciendo dibujos previos, cada vez más
simplificados, eliminando lo anecdótico para quedarse únicamente con el espacio y
las figuras; después lo transformó con violencia, y al fin lo dejó inacabado.
Al parecer la obra fue concebida como una sátira erótico-alegórica-literaria de las
obras en boga relacionadas con la Arcadia. Se trataba de cinco mujeres y dos
hombres en la habitación de un prostíbulo, en torno a una mesa con frutas, flores,
cortinas, etc. En principio la figura central sentada era un marinero, y la que
entraba por la izquierda, un estudiante que llevaba una calavera. Placeres de la
carne y de los sentidos enfrentados a la muerte, que configuraban una vanitas a la
manera barroca, para reforzar la ironía antiacadémica.
En las simplificaciones desaparecieron los hombres y las flores, quedando las
mujeres en un espacio poco profundo, como en un bajorrelieve.
Del lienzo original pintado en la primavera de 1907 sólo quedan los desnudos
centrales que miran al espectador. Es patente la norma del antiguo Egipto en la
figura de la izquierda, mientras que el arte ibérico influye en el modelado de las
cabezas, algunas de las cuales fueron violentadas en el otoño, tras el contacto de
Picasso con las esculturas africanas.
El gran valor del arte africano era que integraba figura y espacio en un mismo
término. El espacio no es ya un contenedor estático de figuras, sino que puede ser
sujeto de deformaciones, exactamente igual que ellas; o sea, se convierte en
forma dinámica.
La figura, gracias a la multiplicidad de planos, puede verse de frente, de perfil y de
espaldas a un tiempo, como la mujer en cuclillas de la derecha, con lo que se
rompe el sentido del volumen y la perspectiva tradicional.
1. El cubismo cezanniano
(1907-1909)
-Picasso
Picasso, Fábrica de Horta de San Juan,
1909.
Óleo sobre lienzo, 53 x 60 cm.
Museo del Hermitage.
y Braque reducen las
figuras y los objetos a formas y
volúmenes geométricos simples
(cilindros, conos, cubos, esferas,
etc.).
-Destruyen la perspectiva tradicional
renacentista para darnos una nueva
visión del espacio (en él se aúnan
muchos puntos de vista o de
perspectiva en una sola escena).
-Color: apagados (ocres, grises,
verdes, azules, grisáceos, etc.).
Oposición al fauvismo.
-Líneas: fuertemente marcadas.
-Temas: desnudos femeninos y el
paisaje.
2. El cubismo analítico (1909-1911)
-Picasso,
Picasso, Retrato de A.
Vollard, 1909-1910.
Museo Pushki, Moscú.
Braque y Juan Gris.
-Nuevo método analítico consistía en objetos geometrizados,
desplegados por toda la superficie del cuadro también
quebrada en múltiples y apretados planos imbricados,
incidiendo unos sobre otros.
-Así la profundidad queda deshecha y el cuadro se convierte
en una complicada estructura de líneas verticales,
horizontales y diagonales que fijan los planos de color y luz.
-Objetos tratados desde distintos puntos de vista pero se
muestra una visión global y totalizadora de los mismos. Es
como si el artista analizara el objeto por arriba, abajo, lados,
dentro y fuera y nos mostrara todas estas múltiples visiones
en una sola imagen descompuesta.
-Color: monocromía de ocres, grises, verdes, etc.
-Temas: naturalezas muertas con algunos objetos fáciles de
indentificar, retratos y figuras humanas con instrumentos
musicales.
-Las últimas obras analíticas de Picasso y Braque aumentan
el grado de abstracción, pero dado que no era ésa su
intención introducen una serie de detalles realistas que
unido a los títulos ayudará al espectador a captar la temática
del cuadro.
3. El cubismo hermético (1911)
-La
Braque, El Portugués,
1911.
Óleo sobre lienzo, 117 x
81,5 cm.
Kunstmuseum de Basilea.
temática de los cuadros quedaba apenas
sugerida bajo una estructura de líneas y planos +
acentuada monocromía.
-Picasso y Braque conscientes del creciente
grado de abstracción que iban tomando sus
lienzos pero desean mantenerse en contacto con
la realidad: idearon un repertorio de signos
abreviados que incorporaron a sus cuadros para
hacer más comprensible la temática de sus
obras.
-Temas: sencillas naturalezas muertas con
algunos objetos familiares.
-Braque en su obra El Portugués introduce los
números y letras estarcidas sobre el lienzo.
-A partir de allí tanto él como Picasso se pusieron
a estarcir letras, números o palabras.
4. El cubismo sintético (1912-1914)
-Supone
la culminación del proceso de ruptura
con el sistema de figuración naturalista tradicional
sustituyéndolo por un método de representación
conceptual de libre creación del artista, en el que
los objetos ya nos se diseccionan o se analizan
sino que se construyen a base de planos más
esenciales y significativos. Es como una
“síntesis.”
-Colores: más vivos y con frecuencia planos
(rojos, verdes, naranjas, amarillos).
-Se introduce los “papiers collées”(Papeles
pegados, trozos de periódicos, partituras
musicales, etc.) lo que significa la incorporación
de los objetos reales al cuadro.
Braque, Vaso, botella y periódico, 1913.
Papier collé, 62 x 28 cm.
Kunstmuseum de Basilea.
FUTURISMO
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Movimiento literario y artístico que tiene su origen en Italia, pero está
muy vinculado a París.
Su primer manifiesto fue literario, obra de Marinetti (París 1909) y los
siguientes firmados por pintores y escultores (Milán 1910).
Iconografía: temas dinámicos, acordes con el mundo de la velocidad,
de las máquinas y de la ciudad moderna.
Se denominan “futuristas” por su oposición al pasado. Defendían la
demolición de los museos, la exaltación del progreso, el amor al
peligro, a la velocidad.
A comienzos de la 1GM se muestran belicistas y apoyan al fascismo.
Pintores: Carrá, Russolo, Ballá, Severini y Boccioni (también escultor).
“Nos rebelamos contra la palabra armonía y buen gusto (…) Tratamos
de represenar y magnificar la vida actual incierta y tumuluosa” (1912)
-Investigación
del movimiento y la luz que destruyen la materialidad de
los cuerpos por lo que tratan de conseguir una imagen nueva, elástica y
vaporosa.
-Consiguen una visión estética nueva.
-Sus tratamientos del color aportaron las vibraciones elásticas, la
multiplicación de visuales.
-Con las superposiciones consiguen los desplazamientos vigorosos, las
visiones simultáneas. Así anulan los clásicos conceptos de
desplazamientos en el espacio y en el tiempo. Coinciden así con otros
caminos de investigación que llegan a la abstracción.
Gino Severini, Mujer en la ventana, 1914.
Pastel sobre cartón, 65 x 50 cm.
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.
Esta obra supone un gran cambio. Abandona el
colorismo siguiendo la línea de los cubistas.
Capta la noción de simultaneidad, recoge la
sensación del movimiento y ruido exteriores, las
visuales de dentro y fuera de la ventana.
DADAÍSMO: 1916-1925
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Surgió en 1916 en Zurich por artistas opositores a la Primera Guerra. Suiza
era neutral. Sus primeras obras conocidas son las manifestaciones del
cabaret Voltaire.
Luego de la guerra se extendió hacia Alemania y muchos de los integrantes
del grupo de Zurich se unieron a los dadaístas franceses en París.
Fin: expresar el rechazo de todos los valores sociales y estéticos del
momento. Ante el absurdo de la 1GM realiza negaciones provocativas en la
línea del futurismo: niega el arte, los museos, el papanatismo ante las
grandes obras.
Por ende, recurrían a la utilización de métodos artísticos que se apoyaban en
lo absurdo e irracional a través de nuevos materiales.
“Dadá” no significa nada, fue elegido al azar. Pues es lo propio de la acción
dadaísta: elevar la realidad de este mundo banal hasta el nivel de material
artístico.
Actos de provocación ya que pretenden destruir el arte establecido. Así
recurren a varios objetos de uso cotidiano (botellas, ruedas de bicicleta,
lavabos) y los representan como objetos artísticos.
Artistas: Marcel Duchamp, Picabia, Hans Arp, Kurt Schwitters, Hans Richter.
Es un movimiento corto, pero sus propuestas se mantienen vivas en la
plástica de los últimos años porque prioriza los procesos frente a los
productos, la experiencia y la vida (acción) frente al arte.
El espectador es quien completa la obra con su participación.
Marcel Duchamp, La fuente, 1917. Ready-made.
Los ready-made (cosas ya hechas) son cosas que
esperan ser rescatadas y convertidas en arte.
Son objetos encontrados y convertidos en arte por
la intención, el gesto, la mirada del artista, pero
sobre todo por un público que, después de estos
nuevos encuentros mirará el mundo con otros ojos.
Sacándolo de su mundo cotidiano, de su ambiente
de uso, lo coloca en uno de inutilidad, privándolo de
todo valor funcional. Lo recontextualiza.
Así se niega el concepto tradicional de arte y se
cuestiona el estatuto artístico, es decir, la belleza.
Da a entender que el único factor determinante de
que un objeto tenga valor estético es la percepción.
En este caso, al girar 90 grados sobre su posición
habitual, su uso se hace imposible o se corre el
riesgo de mojarse con la propia orina.
El buscaba la desacralización del arte. Incluso
renunció a su nombre adoptando el seudónimo de
R. Mutt.
Duchamp, La Gioconda con bigote y
perilla, 1919. Ready-made.
Es una postal de reproducción barata.
Le dibuja un bigote y una chivita y
agrega en letras grandes L.H.O.O.Q.
título que deletreado en francés suena
parecida a “Elle a chaud au cul” ( “ella
tiene un culo caliente.” )
SURREALISMO
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Apareció en 1924 y tomó en cuenta las experiencias del expresionismo y
dadaísmo. Periodo de entreguerras.
Conserva del dadaísmo su actitud provocadora, la inspiración en las
figuras y objetos tomados del natural y la hostilidad hacia la sociedad
burguesa.
Los surrealistas separan la lógica de la realidad y buscan su inspiración en
el inconsciente.
Influencia en el siglo XX de: Freud con su interpretación de los sueños
(1900) y Einstein con La Teoría de la Relatividad (1916).
Iconografía: mundo de los sueños. Pero en los sueños no vemos las cosas
como son sino alargadas, de mayor tamaño, etc.
Es un movimiento imaginativo y variado en contenidos y técnicas. Dos
métodos en artes plásticas: 1) automatismo puro (dejar fluir del
inconsciente las imágenes), 2) representación de imágenes de los sueños.
Aristas: Salvador Dalí, Joan Miró, Max Ernst, René Magritte.
Técnica pictórica: lograr un carácter tangible a las imágenes que
pertenecían a la dimensión mental y no a la real. Los objetos aparecen
deformados o se sitúan en un entorno ajeno a su ámbito habitual.
Otras técnicas: el collage, el frottage y el fotomontaje.
Salvador Dalí, La
persistencia de la
memoria, 1931.
Óleo sobre lienzo, 325 x
235 cm.
Museo de Arte Moderno,
Nueva York.
Salvador Dalí (1904-1989)
Pintor catalán. Maneja con maestría las imágenes que le proporcionan las fantasías
y delirios del sueño, las deformaciones de la memoria o los trastornos psicológicos.
Originalidad: sus obras reflejan su actividad sobre la paranoia crítica, en sus
composiciones de azares objetivos y automatismos.
En esta obra muestra formas blandas, anamorfas. Altera objetos familiares y los
organiza en un contexto extraño.
Dibujo: riguroso y figurativo, aunque las cosas representadas no son reales. Pero
hace que su mundo surrealista sea realista.
Colores: brillantes y luminosos, contrastan los tonos cálidos con los fríos.
Luz: poderoso papel y contribuye a conformar una atmósfera onírica y delirante.
Joan Miró, El carnaval del
arlequín, 1924-25.
Óleo sobre lienzo, 66 x 93 cm.
Art Gallery de Alrbight-Knox,
Nueva York.
Joan Miró (1893-1983)
Dentro del surrealismo representa la corriente abstracta del mismo.
Va a ir configurando un lenguaje depurado a base de signos que constituyen un
sistema de lenguaje.
Esta obra: lenguaje poético de signos que sugieren ensoñación, ingenuidad,
fantasía y ambigüedad.
Símbolos: escalera (huida, ascensión), insectos, gato, esfera oscura (el globo
terráqueo, etc.). Entre sus signos inventados mezcla miniaturas reales. En
notaciones musicales, en un pentagrama, el reflejo del lenguaje de la guitarra junto a
la que aparecen.
Objetos y figuras alargadas y agusanadas parecen flotar, aunque pared y suelo
están en perspectiva. Ventana abierta muestra un paisaje. Todo está lleno de
movimiento y vida.
Ténica miniaturista y meticulosa creada con gran sensibilidad.
Colore”: fantasía, colores primarios unidos al blanco y negro. Son los colores los
que nos mueven a través de las diferentes figuras del cuadro, pero sin una dirección
marcada por el artista, sino por el propio espectador.
Frida Kahlo1907-1954Hija de un padre judío alemán y de una madre mexicana.
 Crianza en clase media pero se identificaba con la lucha de los mestizos
que trabajan en la agricultura y eran explotados por los terratenientes.
 Se enamora de Diego Rivera, muralista.
 Se afilian al Partido Comunista. Reciben a León Trotsky durante su exilio.
 Según la propia artista su vida fue afectada por dos accidentes:
1.su encuentro con Diego Rivera cuando era una estudiante en la
preparatoria (infidelidades, divorcio, nuevo casamiento, nueva
separación)
2. un accidente en autobus que le dejó grandes secuelas físicas (a los
18, imposibilitada de tener hijos y una vida de dolores físicos)
Ambas fueron fuente de inspiración para Frida.
No era miembro del Surrealismo y los rechazaba. Sin embargo, sus pinturas
contienen similitudes con la obra de los surrealistas. De todas formas, su
estilo es personal, reflejo de sus experiencias de vida e imaginación
pictórica innovadora.
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Las dos Fridas.
1939
Óleo sobre lienzo
173.5x173 cm
Museo de Arte
Moderno de Ciudad
de México.
Análisis de la obra
Creado poco después de su divorcio. Ella admitió que refleja las emociones que
rodearon su separación y crisis marital.
Yuxtaposiciones inusuales que crean un reino surrealista.
Son dos retratos:
 el de la izquierda representa a una Frida influenciada por la cultura occidental. Su
vestimenta es un vestido de boda blanco de encaje. De tipo victoriano. Fue a la
Frida que Diego abandonó.
El de la derecha viste un atuendo tradicional de la región nativa de Zapoteca. Esta
era la parte de su persona que era respetada y amada por Diego. En su mano
sostiene un amuleto con el retrato de Diego de niño.
Ambos corazones (que Frida utilizaba para expresar su dolor) expuestos están
trabajados en forma realista y se conectan por una larga arteria. El de la Frida
doliente está roto, el de la otra entero. La arteria se origina del amuleto y es
cortada por las tijeras quirúrgicas de la Frida europea. La sangre no deja de
gotear…. Frida está en peligro de desangrarse.
Detrás de las Fridas el cielo azul profundo con nubes blancas de tormenta otorga
al cuadro una sensación de otro mundo. Podría reflejar, además, el caos interno de
Frida. Sujetando su mano, ella es su propia compañera.
DEL EXPRESIONISMO A LA ABSTRACCIÓN
Expresionismo 1905-1933
Movimiento artístico que transmite los sentimientos más profundos
deformando la realidad. Utiliza las cualidades expresivas y emocionales
de los colores y las formas, gestos y actitudes exageradas, llegando a la
caricatura y transmite contenidos angustiosos y desesperados.
Abstracción 1910
Movimiento artístico que trata de independizar la obra de arte de la
realidad visual.
Sólo las formas, líneas, planos y colores crean la organización interna de
la obra artística.
Se consolida como una corriente opuesta a la figuración y sirve de lugar
de encuentro entre diferentes vanguardias.
Edvard Munch (1863-1944)
Precedente del expresionismo
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Pintor noruego que introduce en sus composiciones el pánico y la
angustia.
Intenta liberarse del pasado para enfrentarse a un futuro desconocido y
se encuentra con el vacío y el absurdo.
Llega a París en 1885 y allí conoce la obra de Gauguin, ToulouseLautrec, Van Gogh y Seurat. Se aleja de la visión impresionista al pasar
de la realidad exterior al mundo interior.
En su obra El Grito una figura retorcida sale del plano pictórico, y su
forma sinuosa se repite en el paisaje, en la playa y en las nubes. Estas
líneas curvas están cortadas por la senda que recorre, que marca la
diagonal del cuadro. Las ondas del grito se expanden como las ondas
del agua al tirar una piedra. La figura se funde con el paisaje cargando
la escena de tensión y angustia que obliga al espectador a establecer
comunicación con ella.
Munch, El Grito, h. 1893.
Óleo sobre tabla.
Galería nacional de Oslo.
Expresionismo alemán pre-1GM
Utiliza el color, forma y composición
para crear obras de arte que expresen
sentimientos y verdades interiores (se
diferencian de la representación objetiva
de la realidad).
 Dos movimientos previo a la guerra: Die
Brucke y Der Blaue Reiter.
 1905-1913

Grupo Die Brucke, 19051914.
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1905: artistas alemanes se reúnen en torno a Ernst Ludwig Kirchner y crean un
grupo.
Rechazo por los efectos de la industrialización en Alemania y buscan
reaccionar frente a los cambios sociales producidos por ésta.
Fuentes de inspiración: los fauvistas y su uso del color, Edvard Munch (que
expuso en Berlín en 1892), máscaras africanas y de Oceanía, arte medieval
alemán.
“El Puente”: se veían con el puente entre el pasado y un mejor futuro a ser
creado por ellos.
Características de estilo: uso de colores intensos como forma de expresión,
figuras distorsionadas y estilizadas, formas simplificadas que no están
modeladas con claroscuro; caras planas con cuencas de los ojos vacías
(máscaras africanas);composiciones diagonales empinadas que invaden el
espacio del espectador.
Utilizan el color, las pinceladas, formas y composiciones inusuales para
expresar sus sentimientos sobre el mundo.
Ernst Ludwig Kirchner
Calle de Dresde
1908
150x200 cm
Museum of Modern Art
Of New York
Rostros de las
mujeres: macabros,
de máscara.
Amenazantes.
Máscara: expresa la
hipocresía de la
sociedad moderna.
Tema: Alienación y
aislamiento en la
ciudad.
Calle Köningstrasse
de Dresde.
Contrastes de color:
azules y naranjas,
amarillos y violetas,
rojos y verdes. Busca
perturbar al
espectador con esta
visión de la ciudad.
Mujeres en el primer Más allá de la
vestimenta nadie
plano: miran en
parece contento.
nuestra dirección y
dan la sensación de Es la decadencia
de las ciudades
que van a invadir
nuestro espacio (plano del siglo XX.
diagonal empinado)
Grupo Der Blaue Reiter
(“Jinete Azul”), 1911-1914.

Origen del nombre:
 Elegido por Vassily Kandinsky y Franz Marc al grupo que formaron en 1911.
 Refleja su interés en el color azul que sentían un color espiritual.
 Se basaron en una estuatua de San Jorge el cazador de dragones de
Moscú.

Centro: Munich

Buscan expresar sus verdades interiores sobre el mundo a través del color y la
línea, llegando a la abstracción. El tema no es fundamental.

Kandinsky utilizó el color y la línea para crear las primeras obras de arte
enteramente no figurativas.

Marc buscó centrarse en los animales, a quienes veía como criaturas puras a
diferencia de los hombres.
Wasilly Kandinsky 1866-1944



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
Pintor ruso.
Intelectual que incursionó en: religión, filosofía, teoría musical y ciencia.
Uno de los primeros artistas en estudiar termodinámica de Einstein y
los escritos de Bohr sobre la estructura del átomo.
Estos escritos convencieron a Kandinsky de que no había una realidad
sólida ni tangible.
Para expresar estas creencias eliminó todos los objetos reconocibles
de sus cuadros convirtiéndose en completamente no figurativos.
1911 Sobre la Espiritualidad y el Arte. En este libro Kandinsky aseveró
que el color puede transmitir emoción y espiritualidad
independientemente del contenido de la obra.
Explicó que el color influye en el alma: “El color es el teclado, los ojos
son el martillo y el alma es el piano con muchas cuerdas. El artista es la
mano que toca una u otra tecla para causar vibraciones en el alma”.

Creó obras de improvisación: expresiones de su naturaleza interior.
Creó también lo que denominó composiciones que eran el resultado de
un largo proceso de formular un sentimiento interno.

1896 se traslada a Munich y entra en contacto con el ambiente espiritual y
artístico de la ciudad. Allí redondea la idea de que el arte no necesita motivos
figurativos.

Defiende que los colores y las formas son el lenguaje artístico y deben
organizarse con total libertad para que produzcan en el espectador una
impresión espiritual y psíquica personal.
Sus obras expresan espiritualidad a través del uso del color. Las líneas, formas
y colores abstractos se refieren a su interés en la estructura atómica. Las líneas
que fluyen y los colores también reflejan su interés en la música, ya que las
utilizó como analogía para explicar la interacción entre el espectador y la
pintura.


Divida su obra en tres grupos: impresiones (referencias a la naturaleza),
improvisaciones (combinaciones libres que producen emociones
espontáneas) y composiciones (geometrías que destacan el principio
constructivo).
Improvisación n.30
Cañones
1913
Óleo sobre lienzo
109.2x109.9 cm
Art Institute of Chicago
El cañón de la derecha
está disparando una
explosión.
Edificios en el fondo
representan iglesias en
Moscú. Los bloques de
color y abstracción son
notorios.
Las pintura puede
representar la Segunda
Venida de Cristo en la
que Moscú
reemplazaría a Roma
como centro espiritual

Por 1GM: va a Suiza, después a Moscú (ocupa cargos oficiales).

1922: se va a Weimar e inicia su etapa como profesor de la Bauhaus
hasta 1933.
 Incorpora formas geométricas simples: círculos, triángulos,
cuadrados, asociadas con los colores primarios que se reparten en
la superficie del cuadro de manera equilibrada a la vez que expresan
conflicto y tensión.
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Cuando los nazis cierran la Bauhaus se traslada a Francia y su pintura
adquiere mayor refinamiento de los colores e incorpora formas
tentaculares y amebas.
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Su pintura buscaba lo elemental y la síntesis entre todas las artes, por
eso establece relaciones con la música, con la poesía y con el teatro.
Las armonías sonoras son también armonías plásticas y visuales, que
consiguen hacer vibrar el alma humana. Un cuadro responde siempre a
un contenido interior y no es una mera combinación decorativa.
W. Kandinsky, Sin título. Primera acuarela abstracta. 1910. Lápiz, acuarela y
tinta sobre papel. 49,6 x 64,8 cm. Museo Pompidou, París.
Análisis de la obra
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Tenía 45 años cuando pinta esta obra y está convencido de que el
espíritu del hombre moderno se encuentra oprimido por la angustia
material.
Busca un nuevo sentido espiritual que le acerque al equilibrio. Así
considera que las artes tienen una misión que cumplir: recuperar lo
elemental, llegar a la abstracción, olvidando los valores referenciales y
comunicativos, conseguir su valor autónomo y los procedimientos
propios de cada una de las artes.
Esta acuarela refleja bien sus planteamientos de idealización,
estilización, búsqueda de lo esencial y olvide de todo lo que sea
accidental.
Es intencionadamente un garabato porque está buscando el origen de
la operación estética: llenar una hoja blanca con líneas diversas
(rectas, curvas, diagonales, formas y manchas de colores).
Según el pintor la labor creativa no es totalmente instintiva sino que
responde a una necesidad interior, a impulsos profundos.
Dos tipos de manchas de color aparecen:
 Manchas apretadas de color intenso (rojas y azules), colores primarios que
expresan los contrastes simultáneos (azul el cielo y lo etéreo, rojo la vida y
la fuerza).
 Manchas difuminadas y con veladuras a través de las que se quiere dar idea de
profundidad, atraernos hacia el fondo.
 Se podría decir que algunas manchas poseen aura, como los santos, para significar
espiritualidad de las formas y los colores abstractos
 Las manchas son como fuerzas que se enfrentan y relacionan entre sí por medio de
las líneas, signos lineales filiformes que sugieren movimiento y marcan direcciones
diversas.
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El fondo es un campo de fuerzas. Kandinsky introdujo ese concepto
para sustituir al de espacio. El objetivo final es lograr “una composición
de formas cromáticas y dibujos que existen independientemente como
tal y surgen a raíz de un imperativo interior, creando así una existencia
conjunta que configura un todo llamado cuadro.”
Espectador: no debe buscar un conocimiento intelectual del objeto, sino
una experiencia personal y única, una percepción anímica, una
impresión espiritual provocada por las vibraciones de formas y colores,
de acuerdo con las teorías de las sensaciones que provocan los
colores.
Es buscar, en definitiva, las relaciones entre los elementos del cuadro,
porque la belleza es un problema de relación entre el espectador y la
obra.
De la abstracción lírica a la
abstracción geométrica
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En Holanda, Mondrian y van Doesburg están explorando formas
geométricas y colores planos, crean ajedrezados, combinaciones de
cuadrados mayores y menores, a través de líneas densas y así llegan
al neoplasticismo y a la abstracción geométrica.
Piet Mondrian (1872-1944) limitó su vocabulario geométrico a:
 La línea recta y al ángulo recto (horizontal y vertical).
 A los tres colores primarios
 A los tres no-colores: blanco, gris y negro.
Sus cuadros tenían sólo rectángulos, colores puros que producen una
sensación de armonía basada en los principios de las matemáticas y de
la música.
Sin conocer a Cézanne buscaba lo mismo que él: no las apariencias de
los objetos sino lo que permanece constante.
Cree que cada cosa individual, un paisaje, un árbol o una casa, tiene
una esencia subyacente y que estas esencias se hallan en armonía.
Artista: su objetivo es revelar esta estructura oculta de la realidad, esta
armonía universal.
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Llegó a París en 1911 y conoció el cubismo. Comprobó que confirmaba
el camino que él había elegido con su nueva manera de mirar la
realidad, aunque fuera una realidad muy distinta la que preocupaba a
los cubistas.
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1917: funda la revista De Stijl y entra en contacto con T. van Doesburg
e inicia el camino hacia la abstracción.
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En 1919, en París, escribe el folleto El Neoplasticismo que resume sus
teorías acerca de las líneas negras, verticales y horizontales, que
delimitan estructuras claras y crean el equilibrio necesario en la pintura.
La abstracción es un paso hacia la armonía universal que se manifiesta
si prescindimos de las imágenes particulares.
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Entre sus temas preferidos está el árbol. En las siguientes imágenes se
puede ver cómo va pasando por diferentes corrientes artísticas y cómo
se va desmaterializando hasta llegar a la abstracción.
El árbol rojo, 1908
Manzano en flor, 1912
El árbol gris, 1912.
Composición 11, 1913
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Mondrian, Composicón en
Rojo, azul y amarillo. 1927.
Óleo sobre lienzo, 61 x 40 cm.
Museo de Amsterdam.
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En lo obra no hay más que líneas que delimitan
planos.
Colores: primarios, blanco y negro (marcan líneas de
separaciones).
Cuadrado, rectángulo y ángulos rectos: son todos
los valores plásticos.
Mantener estos elementos en un estado de
intensidad máxima, sin destacar uno por encima de
los otros, fue la tarea más difícil.
La superficie: dividida mediante líneas verticales y
horizontales (marcan la anchura y la altura de las
diferentes formas geométricas).
Los diferentes tamaños muestran que un color se
percibe de manera distinta en relación con la
amplitud del área que cubre y con su forma.
A la vez, dos zonas de extensión desigual pueden
parecer similares al utilizar tonos de diferente
profundidad; y si se usan tonalidades distintas hay
que compensarlas con formas de mayor amplitud.
Propósito: equilibrio en un plano geométrico.
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PINTURA EN EL SIGLO XX - HdelArte